Le dernier étage du musée est entièrement consacré à Lucio Fontana. Le Fontana Hall a été conçu comme un travail d’immersion dans l’environnement. Les protagonistes sont le plafond historique de 1956, initialement créé pour la salle à manger de l’hôtel del Golfo sur l’île d’Elbe et accordé par le ministère du patrimoine culturel et des activités; le néon appartenant à la Fondazione Fontana; et les concepts spatiaux des années 50.

Biographie
Lucio Fontana (19 février 1899 – 7 septembre 1968) était un peintre, sculpteur et théoricien argentino-italien. Il est surtout connu comme le fondateur du spatialisme.

Fils du sculpteur italien Luigi Fontana (1865 – 1946) et d’une mère argentine, il débute son activité artistique en 1921 en travaillant dans l’atelier de sculpture de son père et collègue et ami de son père Giovanni Scarabelli. Il est ensuite devenu un adepte d’Adolfo Wildt. Depuis 1949, en cassant la toile avec des trous et des découpes, il surmonte la distinction traditionnelle entre peinture et sculpture. L’espace cesse d’être l’objet de représentation selon les règles de perspective conventionnelles. La surface de la toile elle-même, s’interrompant en reliefs et en creux, entre en relation directe avec l’espace et la lumière réels. À la fin des années 40, il collabore avec Fontana Arte à la création de bases en céramique pour tables et tables basses (d’après le design de l’architecte Roberto Menghi), et avec la société Borsani.

Lucio est né d’une relation entre Lucia Bottini, fille du graveur suisse Jean et qui épousera plus tard Juan Pablo Maroni, et le père Luigi qui gardera son fils avec lui et épousera plus tard Anita Campiglio, toujours considérée par Fontana comme une véritable mère. La famille Fontana étant assez à l’aise, le jeune Lucio a été envoyé en Italie pour étudier d’abord dans d’importants collèges, puis à l’Institut technique Carlo Cattaneo et au lycée artistique de Brera. En 1917, il se porte volontaire pour rejoindre l’armée. En 1921, ayant obtenu le diplôme d’expert en bâtiment, il retourne en Argentine. En 1924, après avoir travaillé avec son père, il ouvre son atelier à Rosario en abandonnant le style réaliste de son père et en regardant plutôt les manières cubistes d’Aleksandr Archipenko comme dans Nude (1926) et dans La mujer y la balde (1927).

Travail
En 1927, il revient à Milan et s’inscrit à l’Académie de Brera et obtient son diplôme en 1930. Il est influencé par son professeur Adolfo Wildt.

Il dira en 1963 « J’avais un grand professeur comme guide: Wildt, j’étais considéré comme le meilleur élève du cours. En effet, Wildt m’avait dit à plusieurs reprises que je devenais un continuateur de son art. Au lieu de cela, dès que j’ai a quitté l’Académie, j’ai pris une masse de plâtre, lui ai donné une structure à peu près figurative d’homme assis et lui ai jeté du goudron. Alors pour une réaction violente. Wildt s’est plaint et que pouvais-je lui dire? J’avais un grand respect pour lui, Je lui en étais reconnaissant, mais je souhaitais trouver un nouveau chemin, un chemin qui était tout à moi. « L’une des œuvres les plus importantes de la première période de Fontana est née: The Black Man (1930- maintenant perdu). Rappelant des œuvres d’Archipenko et de Zadkine, il cherche un retour aux origines de la forme. Le goudron noir et la masse presque sans forme contrastent avec la récupération des formes romaine et étrusque d’Arturo Martini et Marino Marini. Avec Renato Birolli et Aligi Sassu, il considère l’expressionnisme comme une alternative à la mode du XXe siècle comme chez le champion olympique (ou en attente de champion) (1932).

Il crée également de nombreuses céramiques aux couleurs vives. Il connaît l’avant-garde architecturale milanaise: Figini et Pollini et le groupe BBPR, c’est-à-dire: Belgioioso, Banfi, Peressutti, Rogers. Il a acquis la leçon de Le Corbusier. La proximité de l’architecture est clairement visible dans le monument à Giuseppe Grandi (Le grand sculpteur de la «Scapigliatura» lombarde) malheureusement jamais réalisé (1931) et conçu en collaboration avec son cousin architecte Bruno Fontana et l’ingénieur Alcide Rizzardi. Le projet comprend un cône inversé et des cristaux. Notez la dérivation des œuvres constructivistes et rationalistes: voir Melnikov (Columbus Lighthouse 1929) et Tatlin (monument à la IIIe Internationale). Dans les années 1930, Fontana était toujours dans l’équilibre entre la figuration expressionniste et la raréfaction de la forme et de la bidimensionnalité.

En 1937, il se rend à Paris pour l’Exposition universelle. Il connaît Tristan Tzara et Costantin Brancusi et voit les œuvres de Picasso. Visitez les ateliers de céramique de Sèvres et fabriquez de nouvelles céramiques. De 1940 à 1947, il a vécu en Argentine et, avec d’autres artistes abstraits, il a écrit Il manifiesto blanco: un changement dans l’essence et la forme est nécessaire. Elle nécessite de surmonter la peinture, la sculpture, la poésie et la musique. Un plus grand art est nécessaire selon les besoins du nouvel esprit.

En 1940, il est retourné en Argentine. À Buenos Aires (1946), il fonde l’académie d’Altamira avec certains de ses étudiants, et rend public le Manifeste blanc, où il est dit que « La matière, la couleur et le son en mouvement sont les phénomènes dont le développement simultané constitue le nouvel art » . Dans le texte, que Fontana n’a pas signé mais auquel il a activement contribué, il a commencé à formuler les théories qu’il allait développer en tant que Spazialismo, ou Spatialism, dans cinq manifestes de 1947 à 1952. À son retour d’Argentine en 1947, il soutenu, avec des écrivains et des philosophes, le premier manifeste du spatialisme (Spazialismo) **. Fontana avait trouvé son atelier et ses œuvres complètement détruits dans les bombardements alliés de Milan, mais a rapidement repris ses travaux de céramique à Albisola. A Milan,

Après son retour en Italie en 1948, Fontana expose sa première Ambiente spaziale a luce nera («  environnement spatial  ») (1949) à la Galleria del Naviglio de Milan, une installation temporaire composée d’une forme géante de type amibe suspendue dans le vide dans un chambre sombre et éclairée par des néons. À partir de 1949, il a commencé la série dite Spatial Concept ou slash, consistant en des trous ou des barres obliques à la surface de peintures monochromes, dessinant un signe de ce qu’il a appelé « un art pour l’ère spatiale ». Il a conçu le titre générique Concetto spaziale («concept spatial») pour ces œuvres et l’a utilisé pour presque toutes ses peintures ultérieures. Ceux-ci peuvent être divisés en grandes catégories: les Buchi («trous»), à partir de 1949, et les Tagli («slashes»), qu’il a institués au milieu des années 50.

Fontana tapissait souvent le revers de ses toiles de gaze noire afin que l’obscurité scintille derrière les coupes ouvertes et crée un mystérieux sentiment d’illusion et de profondeur. Il a ensuite créé un plafond néon élaboré appelé « Luce spaziale » en 1951 pour la Triennale de Milan. Dans son importante série de Concetto spaziale, La Fine di Dio (1963-1964), Fontana utilise la forme d’oeuf. Avec sa série Pietre (pierres), commencée en 1952, Fontana a fusionné le sculptural avec la peinture en incrustant les surfaces de ses toiles d’empâtement lourd et de verre coloré. Dans son cycle de Buchi (trous), commencé en 1949-1950, il a percé la surface de ses toiles, brisant la membrane de la bidimensionnalité afin de mettre en valeur l’espace derrière l’image. À partir de 1958, il a purifié ses peintures en créant des surfaces mates et monochromes, focalisant ainsi le spectateur. s attention sur les tranches qui rendent la peau de la toile. En 1959, Fontana a exposé des peintures découpées avec de multiples éléments combinables (il a nommé les ensembles quanta), et a commencé Nature, une série de sculptures faites en coupant une entaille à travers une sphère d’argile en terre cuite, qu’il a ensuite coulée en bronze.

Fontana s’est engagé dans de nombreux projets de collaboration avec les architectes les plus importants de l’époque, en particulier avec Luciano Baldessari, qui a partagé et soutenu ses recherches pour Spatial Light – Structure in Neon (1951) à la 9e Triennale et, entre autres, lui a demandé de concevoir le plafond du cinéma dans le pavillon Sidercomit à la 21e foire de Milan en 1953.

Vers 1960, Fontana a commencé à réinventer les coupures et les perforations qui avaient caractérisé son style très personnel jusque-là, en couvrant des toiles avec des couches de peinture à l’huile épaisse appliquées à la main et au pinceau et en utilisant un scalpel ou un couteau Stanley pour créer de grandes fissures dans leur surface . En 1961, suite à une invitation à participer avec les artistes Jean Dubuffet, Mark Rothko, Sam Francis et d’autres à une exposition de peinture contemporaine intitulée « Art et Contemplation », tenue au Palazzo Grassi à Venise, il crée une série de 22 œuvres dédiées à la ville lagunaire. Il a manipulé la peinture avec ses doigts et divers instruments pour faire des sillons, y compris parfois des fragments épars de verre de Murano. Fontana a ensuite été invité par Michel Tapié à exposer les œuvres à la Martha Jackson Gallery de New York.

Parmi les dernières œuvres de Fontana, il y a une série de Teatrini («petits théâtres»), dans laquelle il revient à un idiome essentiellement plat en utilisant des toiles de dos enfermées dans des ailes ressemblant à un cadre; la référence au théâtre met l’accent sur l’acte de regarder, tandis qu’au premier plan une série de sphères irrégulières ou de silhouettes ondulantes et ondulantes crée un jeu d’ombres vif. Une autre œuvre de cette époque, Trinità (Trinity) (1966), consiste en trois grandes toiles blanches ponctuées de lignes de trous, embrassées dans un décor théâtral fait de feuilles de plastique ultramarines ressemblant vaguement à des ailes.

Au cours des dernières années de sa carrière, Fontana s’intéresse de plus en plus à la mise en scène de son travail dans les nombreuses expositions qui l’ont honoré dans le monde entier, ainsi qu’à l’idée de pureté réalisée dans ses dernières toiles blanches. Ces préoccupations ont été au centre de la Biennale de Venise en 1966, pour laquelle il a conçu l’environnement de son travail. À la Documenta IV de Cassel en 1968, il a positionné une grande barre de plâtre au centre d’un labyrinthe totalement blanc, y compris le plafond et le sol (Ambiente spaziale bianco).

Peu de temps avant sa mort, il était présent à la démonstration « Destruction Art, Destroy to Create » au Finch College Museum de New York. Il a ensuite quitté son domicile de Milan et s’est rendu à Comabbio (dans la province de Varèse, en Italie), la ville mère de sa famille, où il est décédé en 1968.

Fontana a créé une quantité prolifique d’œuvres graphiques avec des motifs abstraits ainsi que des figures, peu connues dans le monde de l’art, en même temps qu’il produisait ses œuvres abstraites perforées. Il fut également le sculpteur du buste d’Ovidio Lagos, fondateur du journal La Capital, en marbre de Carrare.

Des expositions
Fontana a eu ses premières expositions personnelles à la Galleria del Milione, Milan, en 1931. En 1961, Michel Tapié a organisé sa première exposition aux États-Unis, une exposition de la série de Venise, à la Martha Jackson Gallery de New York. Sa première exposition personnelle dans un musée américain a eu lieu au Walker Art Center, Minneapolis, en 1966. Il a participé à la Bienal de São Paulo et à de nombreuses expositions à travers le monde. Entre autres, des rétrospectives majeures ont été organisées par la Collection Peggy Guggenheim, Venise (2006), Hayward Gallery, Londres (1999), Fondazione Lucio Fontana (1999) et le Centre Georges Pompidou (1987; voyagé à La Fundación ‘la Caixa’ Barcelone; Stedelijk Museum, Amsterdam; Whitechapel Gallery, Londres). Depuis 1930, le travail de Fontana a été exposé régulièrement à la Biennale de Venise, et il a représenté l’Argentine à plusieurs reprises; il obtient le Grand Prix de Peinture de la Biennale de Venise de 1966. En 2014, le Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris consacre une rétrospective à l’artiste. Tornabuoni art a organisé une exposition parallèle dans son espace galerie Avenue Matignon Paris.

Les collections
Les œuvres de Fontana se trouvent dans les collections permanentes de plus d’une centaine de musées à travers le monde. En particulier, des exemples de la série Pietre sont conservés au Stedelijk Museum d’Amsterdam, au Centre Pompidou de Paris, au Museum of Modern Art de New York, à la Galleria Nazionale d’Arte Moderna de Rome, au Museum of Contemporary Art Villa Croce in Gênes et le van Abbemuseum, Eindhoven. Les bijoux de Fontana font partie de la collection permanente du Museum of Fine Arts de Boston.

Marché de l’art
Le savant italien Enrico Crispolti a édité un catalogue raisonné en deux volumes des peintures, sculptures et environnements de Fontana en 2006. En 2013, Luca Massimo Barbero, Nina Ardemagni Laurini et Silvia Ardemagni ont publié un catalogue raisonné en trois volumes des œuvres sur papier de Fontana, comprenant plus de 5 500 œuvres par ordre chronologique.

Une œuvre rare, grande pourpre avec une seule barre oblique, que Fontana a dédiée à sa femme et qui a toujours été connue sous le nom de Teresita, a rapporté 6,7 millions de livres sterling (11,6 millions de dollars) à Christie’s Londres en 2008, puis un record d’enchères pour l’artiste. Le Concetto Spaziale de Fontana, Attese (1965), de la collection d’Anna-Stina Malmborg Hoglund et Gunnar Hoglund a établi un nouveau record pour une peinture sur barre à 8,4 millions de livres sterling chez Sotheby’s Londres en 2015. Encore plus populaires sont les toiles ovales de Fontana. Sotheby’s a vendu une œuvre intitulée Concetto spaziale, la fine di dio (1963) pour 10,32 millions de livres sterling en 2008. Faisant partie du cercle de Venise de Fontana, Festival on the Grand Canal a été vendu chez Christie’s à New York pour 7 millions de dollars en 2008.

L’exposition
Né en Argentine, Lucio Fontana a vécu à Milan à partir des années 1920, y installant son atelier. Au cours de sa carrière artistique, Lucio Fontana a créé une riche variété d’œuvres allant des sculptures en céramique aux peintures et des sculptures aux environnements spatiaux.

Les années vingt et trente
Dans les années vingt, son travail – encore figuratif à l’époque – s’articule autour de la création de sculptures pour des particuliers (« Busto femminile » [Buste féminin], 1931). Ces œuvres étaient donc plutôt petites, bien qu’il ait également abordé des pièces plus complexes et expérimentales à cette période, participant à des concours publics avec des œuvres telles que «Signorina Seduta» (Young Woman Seated, 1934).

Busto femminile (1931)
Signorina seduta (1934)

Environnements spatiaux
Son intense collaboration avec les architectes pendant l’entre-deux-guerres a eu une influence critique et formatrice sur l’artiste, le conduisant à commencer à concevoir des « environnements spatiaux » après la Seconde Guerre mondiale. Les exemples incluent « Struttura al Neon » (Structure en néon), inauguré pour la 9e Triennale de Milan en 1951, et « Soffitto Spaziale » (Plafond Spatial) pour l’Hôtel del Golfo à Procchio en 1956.

Struttura al neon per la IX Triennale di Milano (1951)

Concetti spaziali
Dans ses célèbres « Concetti spaziali » (Concepts spatiaux), toiles monochromes sur lesquelles l’artiste a réalisé une série de trous et de coupes nettes, Fontana s’est ouverte à une dimension spatiale infinie, dépassant les limites d’une peinture traditionnelle.

Concetto spaziale, Attesa (1960)
Concetto spaziale (1956)
Concetto spaziale, La bara del marinaio (1957)
Concetto spaziale (La notte) (1956)
Concetto spaziale, Attese (1959)

Musée du XXe siècle à Milan
Le Museo del Novecento de Milan est une exposition permanente d’œuvres d’art du XXe siècle logées dans le Palazzo dell’Arengario et le Palais Royal adjacent à Milan. Le musée a absorbé les collections du précédent Musée civique d’art contemporain (CIMAC) qui était situé au deuxième étage du Palais Royal et qui a été fermé en 1998.

Le Museo del Novecento, situé à l’intérieur du Palazzo dell’Arengario sur la Piazza del Duomo, abrite une collection de plus de quatre mille œuvres qui catalysent le développement de l’art italien du XXe siècle.

Le Museo del Novecento a été créé le 6 décembre 2010 dans le but de diffuser la connaissance de l’art du XXe siècle et d’offrir un aperçu plus complet des collections dont la ville de Milan a hérité au fil du temps. En plus de son activité principale d’exposition, le Musée est actif dans la conservation, la recherche et la promotion du patrimoine culturel et artistique italien du 20e siècle dans le but final d’atteindre un public toujours plus large.

Hormis une seule pièce abritant des œuvres d’artistes étrangers dont Braque, Kandinsky, Klee, Léger, Matisse, Mondrian et Picasso, la majorité des œuvres exposées au musée sont des artistes italiens. Une section importante est consacrée aux futuristes italiens, avec des œuvres de Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Fortunato Depero, Luigi Russolo, Gino Severini, Mario Sironi et Ardengo Soffici. La grande toile Il Quarto Stato de Giuseppe Pellizza da Volpedo (1902) est également exposée dans une pièce à part entière.

D’autres sections du musée sont dédiées à des artistes individuels tels que Giorgio de Chirico, Lucio Fontana et Morandi. Il existe également des sections consacrées aux mouvements artistiques du XXe siècle, notamment l’abstractionnisme, l’Arte Povera, le Novecento Italiano, le post-impressionnisme et le réalisme, ainsi qu’à des genres tels que le paysage et l’art monumental.