Bilan de la Biennale d’art de Venise 2013, Italie

La 55ème Exposition Internationale d’Art, ouverte au public du 1er juin au 24 novembre 2013 aux Giardini et à l’Arsenale. L’exposition intitulée « Il Palazzo Enciclopedico » (Le palais encyclopédique) a été présentée dans le pavillon central (Giardini) et dans l’Arsenale formant un seul itinéraire, avec des œuvres couvrant le siècle dernier aux côtés de plusieurs nouvelles commandes.

88 Participations Nationales exposées dans les Pavillons historiques des Giardini, à l’Arsenale et dans la ville de Venise. Parmi ces 10 pays ont participé pour la première fois à l’Exposition : Angola, Bahamas, Royaume de Bahreïn, République de Côte d’Ivoire, République du Kosovo, Koweït, Maldives, Paraguay et Tuvalu.

« Le Palais Encyclopédique » a exprimé le désir croissant de placer les artistes dans une perspective historique ou dans un contexte d’affinités mutuelles, en mettant en évidence les liens et les relations tant avec le passé qu’avec d’autres artistes du présent. L’attention s’est de plus en plus portée sur l’intensité de la relation entre l’œuvre d’art et le spectateur qui, bien que secoué par des gestes et des provocations artistiques, cherche finalement dans l’art l’émotion de dialoguer avec l’œuvre, ce qui devrait provoquer une tension herméneutique, un désir aller au-delà. C’est ce qu’on attend de l’art.

La Biennale, plus que de présenter une liste d’artistes contemporains, souhaite réfléchir à leurs pulsions créatives et semble pousser encore plus loin la question : qu’est-ce que le monde des artistes ? L’intérêt prospectif va jusqu’à rechercher des relations avec des mondes différents ; ainsi l’Exposition présente des œuvres d’artistes contemporains, mais aussi des œuvres historiques, des références différentes, et des œuvres qui ne prétendent pas être des œuvres d’art mais qui pourtant composent les stimuli qui nous permettent d’imaginer et de rêver au-delà de la réalité, de rêver une autre réalité.

L’exposition s’inspire du modèle d’un rêve utopique avec l’Office américain des brevets, l’Encyclopedic Palace, un musée imaginaire qui devait abriter toutes les connaissances du monde. Le rêve d’un savoir universel et global surgit à travers l’histoire de l’art et de l’humanité, pour façonner une image du monde qui en capte l’infinie variété et richesse. Aujourd’hui, alors que les gens sont aux prises avec un flot constant d’informations, de telles tentatives semblent encore plus nécessaires et encore plus désespérées.

C’est un spectacle sur les obsessions et sur le pouvoir transformateur de l’imagination. L’exposition esquisse une progression des formes naturelles aux études du corps humain, à l’artifice de l’ère numérique, suivant vaguement la disposition typique des cabinets de curiosités des XVIe et XVIIe siècles. À travers les nombreux exemples d’œuvres d’art et d’expressions figuratives exposées, incluant films, photographies, vidéos, bestiaires, labyrinthes, performances et installations, The Encyclopedic Palace émerge comme une construction élaborée mais fragile, une architecture mentale aussi fantastique que délirante.

Brouillant la frontière entre artistes professionnels et amateurs, outsiders et insiders, l’exposition propose une approche anthropologique de l’étude des images, s’intéressant notamment aux domaines de l’imaginaire et aux fonctions de l’imaginaire. Quelle place reste-t-il aux images intérieures — aux rêves, aux hallucinations et aux visions — dans une époque assiégée par les extérieures ? Et à quoi bon créer une image du monde quand le monde lui-même est devenu de plus en plus comme une image ? Le Palais Encyclopédique est un spectacle qui illustre une condition que nous partageons tous : nous sommes nous-mêmes des médias, canalisant des images, ou parfois même nous retrouvons possédés par des images.

Le Palais Encyclopédique
Plus de cent cinquante artistes de plus de trente-huit pays exposent des œuvres d’art contemporaines, des artefacts historiques et des objets trouvés. Le Palais encyclopédique est spacieux, accueillant le travail des hautement qualifiés et des autodidactes, des universitaires et des difficiles à catégoriser. L’exposition de Gioni suggère une collection de collections, pleines de bestiaires et d’albums de coupures et de visions du monde totalisantes. C’est souvent magistral et provocateur, mais aussi frustrant.

Pour une exposition de quelque 160 artistes, elle est cohérente et rythmée avec soin, tissant de nombreux refrains : L’histoire fâcheuse du surréalisme avec l’ethnographie et l’étrange.

Faits saillants des pavillons nationaux
88 pavillons, première participation pour 10 pays : Angola, Bahamas, Royaume de Bahreïn, République de Côte d’Ivoire, République du Kosovo, Koweït, Maldives, Paraguay, Tuvalu et Saint-Siège

Pavillon de l’Argentine
Le travail d’Adrián Villar Rojas dérive d’une histoire qui spécule sur le présent à partir d’un futur hypothétique, déployant une dimension politique du fantasme. Focalisé sur ce bout du monde, le nôtre, il propose de repenser la place de la création artistique comme refuge de l’existence, de la passion et de la sensibilité. Cette installation in situ de sculptures monumentales est basée sur les théories des multivers, qui affirment que de nombreux univers différents pourraient coexister ; ainsi, les grandes figures d’argile affichées sur tout l’espace de l’Artiglierie pourraient être vues comme des apparitions simultanées de ces mondes alternatifs dans le nôtre, attirant l’attention sur les autres chemins que l’humanité a pu emprunter au cours de son histoire évolutive.

Adrián Villar Rojas voit son travail comme une alternative à la production artistique traditionnelle latino-américaine, liée à la simplicité et au ready-made. Son travail possède un ton personnel distinct. Il combine l’expérimentation formelle avec la construction d’un récit, qui lui permet de réfléchir sur l’art, ses formes d’apparition, et ses significations, comme si c’était la fin des temps et la fin du monde. Il se lance dans des projets ambitieux et complexes, qui entendent dialoguer avec les travaux de ses pairs internationaux au même niveau de potentialité et de risque.

Pavillon de l’Angola
Lion d’or
Le Pavillon de l’Angola, intitulé « Luanda, Ville encyclopédique », présente le travail photographique de l’artiste angolais Edson Chagas. Réfléchissant au thème général de l’exposition d’art internationale de cette année, « Le palais encyclopédique », Chagas se concentre sur les complexités de Luanda, la capitale de l’Angola, présentant une série de photographies, « Found Not Taken », qui capturent des objets abandonnés repositionnés dans contextes urbains choisis par l’artiste. Luanda, Encyclopedic City est une installation composée de 23 affiches photographiques grand format ouvertes à l’interaction avec le public, invitées à réfléchir sur le thème du palais Encyclopédique également à travers la possibilité de créer leur propre encyclopédie personnelle urbaine de Luanda,dans une comparaison stimulée avec la Collection d’Art Ancien exposée dans la Galleria du Palazzo Cini. Luanda, qui découle de la présence d’espaces imprévisibles et de la coexistence de programmes inconciliables : ville et campagne, infrastructures et habitations, décharges et espaces publics.

Ce déplacement et repositionnement d’un objet agit comme un processus de catalogage systématique, qui crée de nouvelles relations entre l’objet et son contexte. Les photographies, présentées en piles disposées autour des salles du Palazzo Cini en juxtaposition avec l’art et l’architecture classiques du bâtiment, explorent les relations qui se nouent entre l’espace et les images, et le rôle de l’imagination et de la créativité dans l’environnement urbain.

Pavillon de l’Australie
Le terrain de Simryn Gill, la zone intertidale, la zone intermédiaire peu sûre, cet endroit mouvant sur une plage où l’océan entre, recouvrant les coquillages et les crabes, les phlébotomes et les mangroves en train de germer, et apportant avec lui des détritus de produits fabriqués par l’homme vers le bas maritime routes commerciales, pour ensuite battre en retraite à nouveau. Son travail propose un espace de négociation entre le petit et le global, entre la nature et l’industrie, car il révèle une compréhension de l’interdépendance de tous dans un monde en mutation.

Pavillon des Bahamas
Un environnement multi-sensoriel unique avec travail vidéo, son et néon. Conçue autour du thème Polar Eclipse, l’exposition explore les sentiments de déplacement et d’appartenance. Le projet regroupe trois sites géographiquement et culturellement distincts : l’Arsenal de Venise, le centre-ville de Nassau et le pôle Nord. En affaiblissant le modèle défini au niveau national des pavillons nationaux de la Biennale, Strachan demande aux spectateurs de remettre en question leurs propres idées de déplacement et d’appartenance à un certain lieu.

L’espace d’exposition principal au sein du pavillon des Bahamas se présente comme une installation distincte et complète, ainsi qu’une collection d’œuvres d’art individuelles. Il présente une installation vidéo à 360 degrés, avec quatorze moniteurs diffusant un documentaire de la reconstitution par Strachan de l’expédition polaire de 1909 de Peary et Henson, en plus d’une installation audio et de trois sculptures lumineuses au néon qui se concentrent sur les thèmes de l’appartenance et du déplacement à travers une série de déclarations. Intitulées ici et maintenant, les trois sculptures lumineuses représentent les phrases « I Belong Here », « You Belong Here » et « We Belong Here ». Avec cette installation, Strachan vise à aborder les changements invisibles dans les cultures, les environnements physiques et les histoires racontées dans l’espace et le temps,dans le sillage de la mondialisation et des récits de progrès.

Pavillon de Bahreïn
Intitulé « In A World of Your Own », le pavillon du Royaume de Bahreïn présente le travail de Mariam Haji, Waheeda Malullah et Camille Zakharia dans un cadre de conservation lâche, lié par l’exploration subjective de la culture et de soi qui se trouve au cœur de leurs pratiques artistiques. En mettant l’accent sur l’importance de l’identité, le pavillon examine l’expression de l’intériorité et des significations privées chez ces artistes.

Pavillon de la Belgique
CHUTE D’UN ARBRE : Berlinde De Bruyckere a trouvé un arbre en France et l’a expédié en Belgique, où elle l’a refait en cire. Il repose dans le pavillon belge, rapiécé de bandages comme un corps humain et délicatement éclairé par une lucarne recouverte de tissu vieilli. De Bruyckere a conçu une nouvelle installation in situ qui s’appuie sur son œuvre existante mais tire sa puissance des liens avec le contexte historique de Venise. Ses sculptures explorent la vie et la mort, la mort dans la vie, la vie dans la mort, la vie avant la vie, la mort avant la mort, de la manière la plus intime et la plus inquiétante. Ils apportent l’illumination, mais l’illumination est aussi sombre que profonde.

Pavillon de la Bosnie-Herzégovine
Le Jardin des Délices est une œuvre d’art hautement engagée socialement, qui cherche à créer des effets à partir de perspectives historiques multiples, et avec de fortes connotations s’appuyant sur le contexte socio-politique, éthique, économique et culturel de la société d’Europe de l’Est. L’ensemble du projet se compose de trois ensembles plus petits interconnectés, un triptyque de marbre, un clip vidéo et une installation, et l’artiste, en tant que son créateur, se pose comme un activiste dont la pratique et la production s’imposent comme modèle d’une manière très spécifique, faisant engagement possible provenant de la communauté locale, c’est-à-dire de l’environnement.

L’idée derrière le projet complet du Jardin des Délices est celle des désirs débridés des gens, des vérités personnelles sous l’absurdité collective de la contemporanéité, telle qu’elle est perçue à travers la Bosnie. Le projet utilise une connaissance du monde global, actuelle et pertinente, filtrée à travers le contexte local, crée une nouvelle vision artistique claire, qui est un déterminant important de l’ensemble.

Pavillon du Canada
Shary Boyle qui est connue pour son utilisation audacieuse de fictions fantastiques pour explorer les états psychologiques et émotionnels humains, Boyle travaille dans une gamme de médias, notamment la performance, la sculpture, le film et les installations immersives, et emploie un haut niveau d’artisanat artisanal dans sa pratique. Elle exploite l’histoire de l’art, les traditions populaires et les mythologies anciennes pour créer un langage symbolique unique. Le travail de Boyle est alimenté par des préoccupations concernant l’injustice de classe et de genre. Son travail embrasse l’hybridité sous toutes ses formes, remettant en question les frontières traditionnelles entre l’humain et l’animal, la vie et la mort, l’homme et la femme. De la sculpture à la projection, elle traduit sa vision personnelle de la sexualité, des relations et de la vulnérabilité humaine à travers un prisme poétique et humain.Boyle crée également des performances multisensorielles immersives et a collaboré avec des musiciens tels que Peaches, Feist, Christine Fellows et Doug Paisley.

Pavillon du Chili
Dans le pavillon du Chili, toutes les 3 minutes de l’eau émerge une réplique parfaite des giardini avec les 28 pavillons nationaux. les visiteurs entrant dans l’espace arsenale rencontrent un bassin rempli d’eau de lagune et ne voient que les reflets de l’eau sur les murs. Alfredo Jaar se concentre directement sur le modèle hiérarchique et exclusif involontaire de l’exposition d’art internationale ; celui qui a continué à être pratiqué et inchangé pendant des années en raison de ses premiers problèmes. « venezia, venezia » montre jaar reproduisant l’intégralité du lieu giardini et l’architecture du site tel qu’il se présente aujourd’hui, sous la forme d’une maquette à l’échelle 1:60. en construisant la réplique des pavillons et de leur nature environnante, l’artiste crée une utopie, dans laquelle nous voyons l’archétype être immergé dans un bassin d’eau trouble et verte,et puis ré-émerger, comme un fantôme de l’histoire.

Alfredo Jaar est un artiste, architecte, cinéaste et conférencier, dont le vaste engagement envers l’art dans divers contextes culturels, politiques et publics l’a amené à créer certaines des œuvres les plus profondes et les plus stimulantes des trois dernières décennies. Le projet est avant tout une critique du modèle de pavillon national de la Biennale plutôt qu’un reflet du naufrage physique de la ville sous les marées vertes de la lagune vénitienne. La photographie de Fontana est en fait un symbole d’espoir et de renouveau, un message non seulement que la Biennale doit rattraper son temps, mais aussi que la culture dans son ensemble doit être repensée.

Pavillon de la Chine
Le pavillon de la Chine explore le thème de la « transfiguration », avec un accent particulier sur le rapprochement entre la vie et l’art, la transformation de la vie en art, du banal en œuvres d’art ou en performance artistique, du non-art en art. sept artistes chinois explorent cette notion de changement à travers différents médiums et sujets, s’étendant depuis des perspectives célestes.

En plus de coïncider avec l’esprit de « la confluence des rêves et des images de l’homme », prôné par le thème de la Biennale « Le Palais de l’Encyclopédie », la « transfiguration » contient également des concepts géographiques, spatiaux et graphiques, tels que la position, l’emplacement et la position du diagramme, portant et symbolisant les caractéristiques du temps dans sa connotation, reflétant les traits de la communauté internationale contemporaine : non seulement en Chine, mais aussi dans les changements du monde à travers la mondialisation. Dans le même temps, « Transfiguration » entend offrir innovation, initiative et créativité, en l’inscrivant dans les mutations dues au développement, en mettant en valeur les diversités culturelles et idéologiques du monde contemporain lors d’une exposition avec d’autres pays du monde.Il vise à montrer la diversité ainsi que la divergence et la convergence des différentes cultures, pratiques artistiques et imagerie à l’heure de la mondialisation et de l’internationalisation du monde de l’art.

Pavillon du Danemark
Le pavillon danois présente une installation vidéo multicanal et une intervention architecturale de l’artiste danois Jesper Just. Les visiteurs sont accueillis par un mur de briques entourant l’extérieur du bâtiment, forçant tous à entrer par une seule porte d’un côté. à l’intérieur, cinq projections de films de différentes tailles ornent divers murs et pièces de l’intérieur, leur audio et leurs visuels se fondant les uns dans les autres pour créer de nouvelles expériences narratives. les projections retracent les histoires entrelacées de trois hommes dans une même ville. Le centre urbain représenté est en réalité une banlieue de Hangzhou, en Chine, qui a été construite comme une réplique presque exacte de Paris, avec une tour eiffel. Jesper Just présente cette ville comme si c’était le « vrai » Paris, en utilisant des acteurs français,tout en y laissant un peu d’ambiguïté à cause de certains stéréotypes culturels de la ville qui existent. il était clair pour quiconque que la proportion et l’échelle sont légèrement décalées.

Pavillon de la Finlande
« Falling Trees », combine les expositions individuelles des artistes finlandais Terike Haapoja et Antti Laitinen dans un ensemble semblable à un jardin, qui occupe à la fois le pavillon nordique et le pavillon finlandais Alvar Aalto. L’exposition ‘Falling Trees’ est le point de départ conceptuel d’un événement inattendu à la Biennale Arte de 2011, lorsqu’un grand arbre est tombé sur le pavillon Aalto, le brisant et coupant court à l’exposition présentée à l’époque. Cette rencontre contingente entre l’art et la nature a fourni la première note d’un processus de commissariat sinueux et des échos dans l’ensemble des deux expositions singulières qui s’ensuivent. En 2013, Terike Haapoja transforme le Pavillon Nordique par des gestes architecturaux complets en un laboratoire de recherche.

Les expositions forment un jardin particulier du savoir ; celui où la connaissance ne peut pas être cueillie directement de l’arbre, comme dans les jardins botaniques ou les zoos basés sur la classification. Dans ce jardin, la connaissance signifie une participation et une reconnaissance partagées, ouvertes et concrètes de l’action active de la nature et de ses différentes espèces. Dans ce lieu, la technologie et la science trouvent leur place en tant qu’outils pour enquêter sur les questions fondamentales de la vie et de l’art – la mémoire, notre relation avec la nature et la mortalité. Le projet présente des œuvres composées de vidéos et de photographies, d’installations et de performances, où la conceptualité sans compromis et l’humour absurde se rencontrent sur la scène créée par la nature finlandaise. Les artistes nous mettent au défi de penser nos dimensions humaines sous un nouvel angle,même s’ils fonctionnent de manières très différentes et avec des résultats différents. Leurs œuvres révèlent la contingence dans les fondements de notre quotidien, tout en enrichissant les possibilités de nos facultés imaginatives.

Pavillon de la France et de l’Allemagne
Intitulé « Ravel Ravel Unravel », composé de deux films. chaque écran est centré sur la main gauche d’un célèbre pianiste : louis lortie et jean-efflam bavouzet. Dans ces films, Anri Sala poursuit son exploration de l’espace et du son, ainsi que du langage muet du corps. Il propose une expérience basée sur la différence et la similitude, dans une œuvre ambitieuse qui pousse plus loin ses expérimentations de spatialisation sonore. L’œuvre fait tout autant appel à l’intellect du spectateur qu’à son corps, créant une puissante expérience physique et émotionnelle, plongeant le spectateur dans sa musique.

Occupant l’espace central du pavillon allemand, la première des deux œuvres, intitulée Ravel Ravel, se compose de deux films, chacun centré sur la main gauche d’un célèbre pianiste : Louis Lortie et Jean Efflam Bavouzet. Ces deux interprètes ont été invités par Anri Sala à interpréter le Concerto de Ravel, accompagné par l’Orchestre National de France, dirigé par Didier Benetti. Dans les salles adjacentes, deux autres films sont présentés sous le titre unique Unravel. Chloé, une DJ, est filmée seule, mélangeant chacune des deux interprétations et essayant d’unir les deux versions du Concerto à travers son interprétation unique.

Pavillon de la Grande-Bretagne
Intitulé « English Magic », reflétait les racines d’une grande partie du travail de Jeremy Deller, en se concentrant sur la société britannique, ses habitants, ses icônes, ses mythes, son folklore et son histoire culturelle et politique. Deller cadre ces instances d’une manière contemporaine mais également fidèle au sujet d’origine, tissant un récit presque psychédélique ; oscillant délicatement entre réalité et fiction, réel et imaginaire. Abordant des événements du passé, du présent et d’un avenir imaginaire, Deller a travaillé avec une gamme variée de collaborateurs, notamment des archéologues, des musiciens, des sanctuaires d’oiseaux, des prisonniers et des peintres.

English Magic, une nouvelle œuvre cinématographique de Jeremy Deller, a constitué une partie importante de son exposition. Le film rassemble de nombreuses idées derrière les œuvres du pavillon, avec des éléments visuels et thématiques qui reflètent l’intérêt de Deller pour la nature diversifiée de la société britannique et sa vaste histoire culturelle, socio-politique et économique.

Pavillon de la Grèce
Intitulé « History Zero », composé d’un film de trois épisodes accompagné d’archives de textes et d’images, explore le rôle de l’argent dans la formation des relations humaines. La sélection de documents d’archives qui l’accompagne, Alternative Currencies An Archive And A Manifesto, fournit des exemples et des preuves de systèmes d’échange non monétaires alternatifs, en mettant l’accent sur la capacité de tels modèles à éroder ou à remettre en question le pouvoir politique d’homogénéisation de la monnaie commune, et les moyens dans lequel les communautés fonctionnent par rapport à l’échange de biens en période difficile.

Pavillon de l’Irak
Intitulé « Welcome to Iraq », le projet présente des artistes irakiens vivant et travaillant en Irak sur une plateforme artistique internationale. Les 11 artistes qui ont participé à l’exposition ont également été invités pour la semaine d’ouverture du salon, où ils ont puisé de nouvelles idées de la scène artistique internationale ainsi que du riche patrimoine de la ville. Grâce à cette exposition largement acclamée, de nombreux artistes ont été invités à présenter leur travail dans les principales galeries, foires et festivals mondiaux.

L’exposition comprend le travail du caricaturiste Abdul Raheem Yassir qui utilise un humour pince-sans-rire pour aborder le chaos social et politique et la corruption ; Jamal Penjweny, de Sulaymaniyah, qui montre une série de photographies intitulée Saddam is Here montrant des Irakiens dans des lieux de tous les jours tenant un portrait de l’ancien dictateur sur leur propre visage ; et Cheeman Ismaeel, l’une des deux femmes artistes sélectionnées, qui personnalise les objets ménagers à travers une décoration ornée.

Pavillon de l’Irlande
« The Enclave » est une installation cinématographique multicanal, présentant le travail de Richard Mosse qui a été produit dans l’est de la République démocratique du Congo en 2012. L’artiste utilise pleinement la structure spatiale du pavillon irlandais. L’Enclave a été présentée sur plusieurs écrans installés à l’intérieur de la plus grande chambre sombre. Les paravents sont suspendus aux chevrons, chacun touchant une colonne. En plaçant chaque écran à côté d’une colonne pour activer l’architecture, en travaillant avec elle plutôt qu’en résistant aux colonnes, qui sont difficiles à contourner. Les écrans peuvent être vus des deux côtés, créant une sorte de labyrinthe sculptural dans l’espace. Le spectateur doit participer activement à la pièce dans l’espace, se déplaçant dans la chambre selon l’accent mis par l’œuvre sur le son et la vision.

L’Enclave change de style partout, changeant de vitesse entre l’anthropologique, le métaphorique, le lyrique, le surréalisme et l’absurde. La pièce parle du Réel (au sens lacanien), et du reel (comme dans le film d’actualité). C’est assez différent des photographies antérieures de Richard Mosse du Congo simplement parce que le cinéma et la photographie sont des animaux extrêmement différents. Le cinéma frappe immédiatement le cœur, un peu comme la musique, tandis que la photographie est plus réfléchie, plus infinie, mais moins proche. L’Enclave est profondément viscérale, parfois terrifiante.

Pavillon d’Israël
« The Workshop » de Gilad Ratman, est basé sur un voyage souterrain fictif d’Israël à Venise pris par une petite communauté de personnes. Le projet documente le voyage d’une communauté de personnes d’Israël à Venise, à travers une présentation non linéaire de la vidéo, de l’installation, du son et d’une intervention physique dans le tissu du pavillon lui-même. Leur voyage épique commence dans les grottes d’Israël, se faufile à travers des passages souterrains dangereux avant de faire irruption à travers le sol du pavillon israélien. A leur arrivée, le groupe transforme le pavillon en atelier, se sculptant dans l’argile qu’ils ont transportée d’Israël. réfléchit sur la Biennale en tant que modèle utopique de connectivité des nations.

Se représentant dans des bustes d’argile, accompagnés d’enregistrements de voix gutturales, l’événement-atelier du groupe suggère un retour à une étape prélinguistique de la société humaine primitive. Thème récurrent dans son travail, Ratman explore ici la tension entre les modèles universels de comportement humain d’une part et les divisions de langue, de nationalité ou de gouvernement d’autre part. « L’Atelier », les vidéos et le son, offrent au spectateur le reflet d’un événement qui s’est déroulé à cet endroit même. Ce faisant, l’œuvre crée une histoire fictive, mais vraie. Ratman montre un monde où le transit peut avoir lieu au-delà des frontières nationales dans des réseaux cachés : gratuits, non détectés et non identifiés. Opérant dans de petites communautés à un stade utopique, présocial et même prélinguistique,comme celles récurrentes dans l’œuvre de Ratman est essentielle.

Pavillon de l’Italie
Le Pavillon italien présente un voyage idéal à travers l’art italien d’aujourd’hui, un itinéraire qui raconte les identités, l’histoire et les paysages – réels et imaginaires – explorant la complexité et les couches qui caractérisent les vicissitudes artistiques du pays. Un portrait de l’art récent, lu comme un atlas de thèmes et d’attitudes en dialogue avec l’héritage historique et l’actualité, avec une dimension à la fois locale et internationale. Un dialogue croisé de correspondances, de dérivations et de différences entre les maestros acclamés et les artistes des générations futures. Une topographie insolite, qui permet une réévaluation de certaines trajectoires fondamentales de l’art italien récent, un retour sur des chemins oubliés, la guérison de l’amnésie culturelle et donne une nouvelle visibilité aux auteurs solitaires. L’exposition est divisée en sept espaces, six salles et un jardin,que chacun abrite le travail de deux artistes, qui sont réunis sur la base de l’affinité de leurs poétiques respectives et des intérêts communs dans les thèmes, les idées et les pratiques.

Sept binômes autour du projet : corps/histoire, vue/lieu, son/silence, perspective/surface, familier/étrange, système/fragment et tragédie/comédie. Dans un dialogue entre artiste et artiste, chambre et chambre, l’exposition présente des œuvres pour la plupart créées spécifiquement pour l’occasion – douze sur quatorze – et se propose comme une plateforme de réflexion sur les caractéristiques et les contradictions de la culture italienne, restituant que complexité vitale à notre art récent qui est fait d’intuitions et de contradictions dont le jeu de l’inverse est l’un de ses éléments fondamentaux, affirmant ainsi le statut d’originalité et d’importance internationale qu’il mérite.

Pavillon du Japon
Intitulé « Abstract Speaking – Sharing Uncertainy and Collective Acts », de Koki Tanaka a examiné les séquelles tangibles et émotionnelles du tremblement de terre et du tsunami qui ont frappé le Japon en 2011. L’exposition présente un Japon qui se remet encore du tremblement de terre, du tsunami et du accidents nucléaires ultérieurs de 2011. Le travail cherche à répondre à la difficulté de percevoir et de partager les problèmes et la douleur des autres. Son plan d’installation a transformé le pavillon du Japon en une plate-forme de partage interactif d’expériences antérieures ou fictives après une catastrophe à travers des missions distinctes. Plus précisément, ces missions ont placé les participants dans des situations inhabituelles et les ont incités à faire face à des circonstances atypiques.

Parmi les exemples d’exercices conçus en cas de catastrophe, citons le fait d’avoir un groupe de personnes descendant l’escalier de secours d’un immeuble de grande hauteur ensemble aussi silencieusement que possible ; se promener dans les rues la nuit avec des lampes de poche à la main ; un « acte collectif » qui imite l’évacuation d’un bâtiment dans l’obscurité totale ; et reconstituer une seule pièce de poterie en utilisant les tessons de plusieurs pièces brisées. Cela visait à décrire la collaboration requise entre les restaurateurs dans leurs tentatives de reconstruire un objet, et agit comme une métaphore des défis dans la construction d’une nouvelle société post-séisme. Des groupes composés de plusieurs personnes ont été sollicités pour faire face à ces circonstances ensemble, et leurs efforts ont été documentés à travers neuf œuvres vidéo et photographiques. Grâce à ces interactions de groupe,Tanaka a étudié comment nous sympathisons avec les expériences des autres à travers nos propres perspectives. À travers des séquences vidéo, des installations photographiques et des expériences de groupe interactives, Tanaka a exprimé les sentiments d’une nation résiliente et résiliente.

Pavillon du Kosovo
Petrit Halilaj rassemble des souvenirs de collaborateurs, de membres de la famille et leur crée un abri au sein du Pavillon, évoquant à la fois ses angoisses personnelles et l’histoire chargée de sa patrie. La pratique artistique de Petrit Halilaj est motivée par une recherche constante de ce qu’est la réalité et de la façon dont la réalité peut être représentée à travers l’art. Ses souvenirs d’enfance rurale, son expérience personnelle de la guerre, de la destruction, de l’exode et du déplacement sont à la base même de ses réflexions sur la vie et la condition humaine. Son travail encadre ses migrations constantes entre le Kosovo, Berlin et l’Italie tandis que sa nostalgie particulière est réparatrice plutôt que réflexive. Ouvrir des canaux de communication avec le public et combler les lacunes de son lien avec le monde de Runik, sa ville natale,jeter des ponts entre les différentes phases de sa vie.

Le travail de Petrit Halilaj est particulièrement personnel, et évoque l’histoire et la culture du Kosovo à travers une collection diverse d’objets personnels. À cette fin, Halilaj utilise l’idée de nostalgie à grand effet dans ses œuvres. Il combine ces objets résonnants avec des évocations surréalistes du monde naturel, qui dans le pavillon du Kosovo trouve son expression dans un abri fait de brindilles et de branches, comme un corps étranger migré d’une époque ou d’un territoire subconscient et oublié dans un voisinage qui n’est rien de moins qu’une icône renommée des réalisations culturelles et artistiques du monde occidental historique. L’inclusion de deux canaris, qui ont vécu à un moment donné dans l’atelier de l’artiste, est un autre geste de symbolisme ambigu, typique du travail de Halilaj.

Pavillon de la Lituanie et de Chypre
Intitulé « oO », le projet résiste aux frontières nationales de manière très affirmée ; en co-travaillant, co-produisant et co-commandant un événement qui n’aurait peut-être pas été pensé possible dans des climats économiques incertains. oO met le spectateur au défi de donner un sens à l’affichage, de catégoriser et de suggérer des formes d’organisation nouvelles et possibles. Réparti sur les étages du palazzetto, le spectacle semble conçu à la manière d’une chasse au trésor, invitant le visiteur à se promener librement dans l’espace. Dans un style singulier, les artistes et le commissaire souhaitent vous faire goûter simultanément le début et la fin du spectacle. L’exposition est vraiment inattendue car elle se déroule avec des lieux et des œuvres d’art improbables : un robot aspirateur déambule et des motos Suzuki Landie et Honda Chaly sont empilées contre les murs.Des images en noir et blanc de gymnastes se juxtaposent parmi ces installations et s’intègrent parfaitement dans l’espace.

Pavillon de la Nouvelle-Zélande
ntitre « Front Door Out Back », les œuvres de Bill Culbert ont été placées dans tout le grand bâtiment, sur les sols, les murs, les plafonds et les espaces extérieurs. L’artiste sort ces objets de leur contexte ordinaire, en formant un amalgame sculptural de ces pièces avec une abondance de tubes de lumière fluorescente, guidant les visiteurs à travers les cours, les salles et les couloirs de la pietà en circulant et en croisant souvent physiquement ses sculptures. en parcourant le site de la pietà, ils voient comment se déroule chaque œuvre de ponceau, jouant sur les qualités du site de la pietà. Le projet est d’introduire une énergie et une simplicité dans le cadre, en enflammant les pièces et le passage qui sont généralement laissés inhabités, les transformant en espaces de vie vibrants.

L’exposition est une installation en huit parties qui est thématiquement liée au monde domestique, dans laquelle nous voyons un ponceau utilisant des meubles (des chaises, des armoires, des tables d’appoint), des bouteilles de détergent colorées, en combinaison avec son médium signature, l’éclairage, pour créer un environnement entièrement expérience immersive pour le spectateur. les objets banals sont composés dans des arrangements simples qui mettent davantage l’accent sur les idées et les notions liées au ménage – le placement des récipients en plastique recouvrant le sol de la pièce principale du bâtiment, offrent un tapis dense de couleurs et de lumière, ou le réseau de chaises et de tables en cascade vers le bas le tout en combinaison avec un éclairage à tubes fluorescents, suspendu dans le couloir de la salle évoquant celui d’un lustre.

Pavillon de la Norvège
Intitulé « Beware of the Holy Whore: Edvard Munch, Lene Berg and the Dilemma of Emancipation », le projet comprend une série d’œuvres rarement exposées d’Edvard Munch en plus d’un film nouvellement commandé par Lene Berg, tourne autour de l’émancipation comme un problème toujours vexé par la contradiction, entre le domaine de la liberté et les conséquences de l’isolement qui accompagnent souvent la poursuite d’une vie « alternative » qualitativement différente. Le film se concentre sur trois personnages différents qui sont interrogés sur leurs rôles de victimes ou d’auteurs dans une situation complexe. Le film explore l’interprétation du comportement humain à partir de concepts préconçus et de normes établies. A l’image de l’exposition dans son ensemble,le film présente la déconstruction d’une scène originale qui fonctionne comme un catalyseur pour une révision des politiques de libération, de lutte des sexes et de conflit interne : le dilemme de l’émancipation.

L’impulsion à opérer dans les marges, à l’extérieur pour tenter de percer ou à l’intérieur pour redéfinir le contexte, est l’un des moteurs essentiels de l’histoire de l’art. L’effort vers une « nouvelle sensibilité » implique une libération psychédélique et narcotique de la rationalité d’un système établi, ainsi que de la logique qui tente de changer ce système. Cette nouvelle sensibilité, qui réside dans l’écart entre l’ordre existant et la vraie libération, pourrait conduire à une transformation radicale – et dans ce changement, l’art fonctionne comme une technique par laquelle reconstruire la réalité à partir de son illusion, son imitation, son harmonie, question pas encore donnée, encore à réaliser. L’exposition explore la relation entre l’art, son contexte social et l’évolution des relations de genre,à la fois à l’ère de l’émancipation dans laquelle Munch a vécu et aujourd’hui.

Pavillon du Portugal
Le Trafaria Praia est un ferry de Lisbonne, ou cacilheiro, qui a été mis hors service en 2011. Autrefois utilisé pour transporter des passagers sur le Tage, le Trafaria Praia a été transformé en pavillon flottant de Vasconcelos, qui a accosté près des Giardini à Venise et a navigué autour le lagon à intervalles réguliers tout au long de la Biennale. L’exposition abordant les points communs entre Lisbonne et Venise, à savoir leurs riches histoires maritimes, qui ont contribué pendant des siècles à élargir la vision du monde de l’Europe.

The large scale assisted readymade consists of multiple layers of artwork and symbolism. First there is the boat itself, which in Lisbon is a symbol of the blue-collar workers who use the ferry travelling across the river for work. The boat also represents Lisbon’s relationship to Venice, « which evolved through trade, diplomacy, and art…examining three fundamental aspects they share: water, navigation, and the vessel. » By creating a floating pavilion, Vasconcelos is deterritorializing territory—metaphorically circumventing the power struggles that so often mark international relations. » The outside of the ship is covered in azulejos, handpainted tiles, that depict the modern skyline of Lisbon. The interior of the ship contains the work Valkyrie Azulejo. The space is covered from ceiling to floor in textiles in varying shades of blue. Large crocheted irregular forms wrapped in led lights intrude upon the space emphasizing the body’s relationship to the space. An overall immersive experience is created and the space has been compared to the bottom of the ocean or the belly of a whale.

Pavillon de la République de Corée
Intitulé « À respirer : Bottari », Seungduk Kim transforme le pavillon coréen en un lieu d’expérience transcendantale. traiter des problèmes liés au corps, à soi et aux autres, et la relation du «yin» et du «yan» à la vie et à la mort. Seungduk Kim a recouvert l’intégralité de l’intérieur du pavillon national d’un film translucide, séparant l’environnement bâti de la nature. la peau diffracte la lumière du jour, inondant la structure interne de spectres lumineux, l’intensité des arcs-en-ciel de couleur se reflète sur les murs et le sol. cette métamorphose est en correspondance directe avec le mouvement du soleil se levant et se couchant à travers le bâtiment, respirant les fluctuations naturelles du soleil.

« Respirer: bottari » célèbre la double existence du son et de l’absence de son et la réalité de l’obscurité en tant qu’extension de la lumière et de la lumière en tant que partie de l’obscurité. remettant en cause la hiérarchie du savoir visuel sur « l’invisible », dans la respiration bottari les pôles opposés sont traités comme faisant partie d’un même tout. L’artiste souhaite inviter le public à contempler un moment privilégié et une sensation de son corps en train de prendre conscience des conditions de la connaissance et de l’ignorance humaines et de sa psychologie dans l’espace et le temps. c’est la « notion de totalité » qu’elle a poursuivie dans sa pratique jusqu’à présent, comme une manière d’interroger les conditions de la civilisation à cette époque.

Pavillon de la Russie
L’installation de Vadim Zakharov a réuni les étages supérieurs et inférieurs du pavillon russe. Le thème de l’installation tourne autour du mythe grec ancien de Danaé. Dans le hall central du Pavillon, un grand trou carré a été pratiqué dans le plafond de l’espace d’exposition inférieur, et une rampe d’autel avec des coussins pour s’agenouiller a été construite à l’étage supérieur, autour du trou. En regardant vers le bas, le visiteur peut saisir et sentir que nous assistons à un processus unique de matérialisation du mythe. A travers l’énorme trou du sol, les visiteurs tombent dans un autre espace sémantique et poétique, dans lequel des pièces d’or volent d’un plafond pyramidal. Ci-dessous, nous voyons des femmes avec des parapluies, qui les protègent des coups de pièces de monnaie. La salle basse ne peut être visitée que par des femmes.Il ne s’agit pas de sexisme mais suit simplement la logique de la construction anatomique du mythe. Ce qui est masculin ne peut tomber à l’intérieur que d’en haut, sous forme de pluie dorée. Le niveau inférieur du pavillon est une « grotte matrice », gardant intacts la tranquillité, la connaissance et la mémoire.

Le mythe grec de la fécondation de Danaé fait l’objet de nombreuses lectures : une pluie d’or tombant fait référence à la séduction de Danaé comme allégorie du désir et de l’avidité humains, mais aussi à l’influence corruptrice de l’argent. A travers sa mise en scène artistique, Zakharov permet à ce mythe ancien de retrouver une dimension temporelle contemporaine. Des fragments philosophiques, sexuels, psychologiques et culturels se concentrent dans une composition globale semblable à un théâtre dans les salles du Pavillon. Le projet comporte des éléments sculpturaux et picturaux et invite la participation active des visiteurs pour garantir le flux des biens matériels en tant que processus continu. Dans cette Performance en cinq actes, Zakharov présente l’importance de l’incarnation des mythes pour une société qui ne leur prête plus aucun crédit.Le moment est venu de confesser notre grossièreté, notre luxure, notre narcissisme, notre démagogie, notre mensonge, notre banalité et notre cupidité, le cynisme, le vol, la spéculation, le gaspillage, la gourmandise, la séduction, l’envie et la stupidité.

Pavillon de la Serbie
Intitulé « Nothing Between Us », Vladimir Peric et Miloš Tomic trouvent une manière particulière de présenter certains segments des collections qu’ils ont accumulées au fil des ans à travers une accumulation obsessionnelle de divers objets usagés. Les installations de Peric dans le Pavillon forment un ensemble très précisément conçu et commandé expressément pour l’espace du Pavillon. Il comprend diverses portions de plusieurs de ses collections, mais se compose principalement du Musée de l’Enfance. Les œuvres de Tomic sont plutôt des journaux vidéo de ses recherches sur un large éventail de tentatives spontanées, non conventionnelles, amateurs, non sophistiquées, innocemment sans prétention et même naïvement arrogantes pour faire une sorte de musique en dehors des canons acceptés de la production musicale professionnelle.Tous ces enregistrements documentaires au contenu totalement anarchique, évoquant les traditions de l’anti-art antérieures au regard du spectateur, ne sont que des points de départ et des matières authentiquement brutes qui insufflent au projet une vivacité particulière.

Vladimir Peric remodèle le contenu en assemblages allégoriques qui racontent des histoires sur les lieux et les décors d’où ils ont été rassemblés, et racontent les temps désormais perdus où leurs éléments avaient une fonction pratique dans la vie de leurs anciens propriétaires. L’idée est de questionner la question du temps présent, ainsi que la place que les artistes prennent avec leurs œuvres dans l’exposition. Ces objets rassemblés dans des installations minimalistes, dont les éléments sont ordonnés selon des schémas répétitifs, faisant disparaître les caractéristiques individuelles de ces éléments dans le jeu des illusions d’optique. Le travail de Miloš Tomic présente des aspects formels sous-jacents. S’écartant de tout ordre établi stable, la nature apparemment incontrôlable. Tomic change constamment les terrains d’application des compétences et des connaissances professionnelles,afin de permettre l’apparition de diverses choses imprévues, inattendues, voire indésirables, nécessitant l’invention de nouvelles stratégies et méthodes de travail.

Pavillon de l’Espagne
Lara Almarcegui a transformé le pavillon espagnol en un assortiment de décombres et d’autres objets trouvés dans les friches pour examiner le processus de transformation urbaine. Le projet examine le processus de transformation urbaine résultant des changements économiques, politiques et sociaux. Se concentrant sur les friches, les ruines modernes au sein des villes, Almercegui tente d’attirer l’attention sur ces espaces urbains qui échappent souvent à notre conscience. En particulier, elle s’attache à étudier les éléments souvent méconnus qui composent un lieu – les ruines modernes et les friches urbaines qui le composent ; elle découvre les relations entre les sites qu’elle fouille et explore avec leur passé, et évalue leur futur possible.

Le pavillon espagnol est composé de deux parties : l’installation sur le site giardini, parle directement du bâtiment de 1922 construit par javier de luque ; c’est une intervention qui occupe tout son intérieur. on se heurte à des montagnes imposantes et imposantes de divers matériaux de construction, de gravats de ciment, de tuiles et de briques brisées en gravier, correspondant au type et à la quantité utilisés par les travailleurs pour construire le lieu, ce qui rend pratiquement impossible l’entrée directe. dans les autres pièces latérales, on trouve des monticules plus petits et moins lourds, chacun divisé selon le matériau (sciure de bois, verre et un mélange de scories de fer et de cendres).

Pavillon du Saint-Siège
Le Pavillon du Vatican a choisi un thème fondamental pour la culture et la tradition de l’Église. C’est aussi une source d’inspiration pour beaucoup d’œuvres qui ont marqué l’histoire de l’art : l’histoire racontée dans le livre de la Genèse. Plus précisément, les onze premiers chapitres ont été choisis, car ils sont consacrés au mystère des origines de l’homme, à l’introduction du mal dans l’histoire, et à nos espoirs et projets futurs après la dévastation symboliquement représentée par le Déluge. De larges discussions sur la multiplicité des thèmes offerts par cette source inépuisable ont conduit au choix de trois domaines thématiques avec lesquels les artistes se sont engagés : Creazione (Création), De-Creazione (Décréation), et l’Homme nouveau ou Ri-Creazione ( Des loisirs).

Le thème de la Création se concentre sur la première partie du récit biblique, lorsque l’acte créateur est introduit à travers la Parole et le souffle de l’Esprit Saint, générant une dimension temporelle et spatiale, et toutes les formes de vie y compris les êtres humains. L’incréation, quant à elle, nous invite à nous concentrer sur le choix d’aller à l’encontre du plan originel de Dieu à travers des formes de destruction éthique et matérielle, telles que le péché originel et le premier meurtre (Caïn et Abel), nous invitant à réfléchir sur « l’inhumanité de l’homme. » La violence et la discorde qui s’ensuivent déclenchent un nouveau départ pour l’humanité, qui commence avec l’événement punitif/purifiant du Déluge. Dans ce récit biblique, le concept du voyage et les thèmes de la recherche et de l’espérance,représenté par la figure de Noé et sa famille puis par Abraham et sa progéniture, aboutissent finalement à la désignation d’un Homme Nouveau et d’une création renouvelée, où un profond changement interne redonne sens et vitalité à l’existence.

Pavillon de la Turquie
Les vidéos d’Ali Kazma se concentrent sur les thèmes du travail et de la production, il croit que le monde a évolué à grande vitesse, que le monde est devenu une autoroute de l’information, qu’il est mobile, etc., mais Ali Kazma voulait rappeler aux gens que nous vivent dans un monde où existent des travaux tels que les papiers d’estampage. Le travail de Kazma explore les particularités mécaniques de diverses professions, de la taxidermie à la céramique d’atelier, de la fabrication de bonbons au travail des notaires turcs. Tirant des idées sur le travail et le sens de l’économie des tâches quotidiennes rituelles et répétitives, ses œuvres soulèvent des questions sur l’organisation sociale et la valeur de l’activité humaine.

Pavillon des États-Unis d’Amérique
Intitulé « Triple point », le travail de Sarah Sze répond directement aux lieux pour lesquels ils ont été commandés, transformant la perspective de l’espace et de l’architecture par des changements d’échelle radicaux, occupant les zones souvent négligées ou périphériques du bâtiment adressé avec son interventions à grande échelle. On expérimente immédiatement le « triple point » dans la cour où « glaneur », une structure vacillante monte et descend à l’extérieur, située à droite de l’entrée principale du pavillon. fusionnant pour former un espace extérieur qui ne se révèle pleinement pleinement que plus tard, sa position redirige l’accès à l’intérieur vers une ancienne porte de sortie à gauche de la rotonde d’entrée, où ils rencontrent les structures de fortune de sze, les assemblages semblant inachevés,mais rappelant notamment des modèles, des machines et des installations telles qu’un laboratoire, un planétarium, un observatoire et un pendule.

Une série de pièces interdépendantes a étendu son exposition vers l’extérieur pour englober l’extérieur, l’approche et la sortie, s’engageant avec le design néoclassique à un autre niveau, défiant son sens palladien de l’ordre. la disposition du pavillon américain invite généralement les visiteurs dans une rotonde par une entrée centrale. Cependant à partir de là, les quatre galeries sont divisées (deux positionnées de part et d’autre du foyer en forme de dôme), obligeant à choisir dans quelle direction entrer, puis les faisant reculer afin de voir les autres salles. Voulant créer une expérience plus intuitive, Sze a fermé l’accès principal, guidant les visiteurs sur le côté du bâtiment pour entrer par la gauche, les orientant pour parcourir la structure de manière logique. on serpente à travers la série d’installations apparemment grossières, mais calculées,fait d’un assemblage d’objets que sze a trouvés et rassemblés à travers venise, l’effort de l’artiste pour inscrire un ordre personnel très fragile dans un univers désordonné.

Événements collatéraux
Institutions nationales et internationales à but non lucratif, présentent leurs expositions et initiatives dans divers endroits de la ville.

25% : la Catalogne à Venise
Cantieri Navali, Organisation : Institut Ramon Llull
Huit chômeurs sont choisis, pour représenter l’éventail social le plus large (un Sénégalais sans papiers, une jeune femme architecte hautement qualifiée, une chercheuse scientifique, et un col bleu quinquagénaire..) tous pour être photographiés par Francesc Torres pendant une période de cohabitation avec l’artiste qui documente leur quotidien. En plus des documents visuels sur leur quotidien, Torres dresse un portrait officiel de chacun d’eux. Après cette première phase où les activités routinières et les situations économiques de tous les personnages ont été documentées, la cinéaste Mercedes Álvarez réalise des tournages où chaque personnage exprime ses opinions sur le rôle de l’art dans leur vie. Ainsi, les huit chômeurs deviennent des sujets actifs de l’exposition.

Un murmure à distance – PEDRO CABRITA REIS
Palazzo Falier, Organisation : Direção-Geral das Artes
Pedro Cabrita Reis, l’un des principaux artistes portugais de sa génération, présente une intervention in situ intitulée A Remote Whisper qui couvre l’ensemble de la surface d’exposition de 700 m² du « piano nobile » du Palazzo Falier. Un murmure lointain traverse les pièces, embrassant les murs, les portes et les sols avec des tubes en aluminium, des lampes fluorescentes et des câbles comme des dessins dans l’espace. C’est une construction semi-précaire, brute, mais presque architecturale qui intègre des fragments d’œuvres de son atelier autrefois abandonné par lui, du matériel documentaire, des photos ainsi que des dessins et des peintures à côté des épaves et des jetsam trouvés dans la ville.

About Turn : Terre-Neuve à Venise, Gill & Peter Wilkins
Galleria Ca’ Rezzonico, Organisation : Terra Nova Art Foundation
About Turn: Newfoundland in Venice, Gill & Peter Wilkins présente de nouvelles œuvres de Gill et Peter Wilkins, artistes contemporains basés à Terre-Neuve, Canada. L’exposition est stimulée par des explorations complémentaires de récits mondains. L’œuvre, qui englobe la vidéo, la photographie et la peinture, joue habilement dans les limites de l’abstraction et de la narration ; le reconnaissable et l’intangible. Les œuvres de Gill mélangent une naïveté feinte avec un contrôle formel, tiré de la vie de famille et des rêves éphémères. Les images de Wilkins relient l’art historique et contemporain, utilisant des abstractions subtiles et distillées de durée et de forme.

Ai Weiwei – Disposition
Zuecca Project Space/Complesso delle Zitelle, Organisation : Zuecca Project Space
Seule nouvelle exposition personnelle majeure de l’artiste en 2013, elle a été présentée dans deux lieux : le complexe Zitelle, siège de Zuecca Project Space, et l’église de Sant’Antonin. Ai Weiwei présente Straight, le premier projet développé à l’aide des longues barres d’armature en acier récupérées dans les écoles qui se sont effondrées lors du tremblement de terre du Sichuan en 2008. Cette œuvre, présentée pour la première fois au Hirshhorn Museum de Washington DC, est ici installée à plus grande échelle à Zuecca Espace projet. Sa deuxième œuvre, intitulée SACRED, est une nouvelle présentation in situ de la Biennale de Venise à l’église de Sant’Antonin, offrant un sens immédiat du drame d’un événement qui souligne le développement contradictoire de la Chine contemporaine.

Art et Savoir – L’esprit du lieu dans les 5 Solides Platoniciens
Biblioteca Nazionale Marciana, Organisation : Fondation van der Koelen pour les arts et la science
Dans la salle monumentale de la prestigieuse Biblioteca Nazionale Marciana (Place Saint-Marc), Lore Bert expose 5 sculptures miroir dans un environnement de papier ainsi que 11 œuvres de grand format, dans une exposition intitulée Art et savoir – L’esprit du lieu dans les 5 solides platoniciens . Les 5 solides platoniciens représentent 5 éléments : la terre, l’eau, le feu, l’air et l’univers. Lore Bert a étudié à l’Académie des Beaux-Arts de Berlin. Elle a organisé plus de 200 expositions et 125 environnements dans plus de 26 pays à travers le monde, dont 40 expositions personnelles dans des musées. Plusieurs publications, dont 38 monographies documentent son travail qui est exposé dans plusieurs collections internationales.

Retour à Retour à la Biennale – Liberté d’Expression
Campo Sant’Agnese, Organisation : Associazione Eventi d’arte e d’architettura
L’art contemporain, de l’après-guerre à nos jours, a théorisé et expliqué les nombreuses et différentes manières de s’exprimer. Les écrivains sont un mouvement artistique phénoménal qui est né des cendres des sociétés fortement urbanisées, où les périphéries sont considérées comme des ghettos et où être citoyen signifie voir la ville comme une grande palette à travers laquelle interpréter sa notion de réalité. Le projet Back to Back to Biennale est un événement culturel, qui d’un certain point de vue collectif et générationnel se caractérise par des performances que livrent les artistes, sans aucun filtre d’un curateur ou d’un point de vue thématique, il y a la liberté d’expression, comme le prétend le sous-titre.

Bart Dorsa. Katia
Dorsoduro 417, Organisation : Musée d’Art Moderne de Moscou (MMOMA)
Bart Dorsa. Katya est une exposition de plaques photographiques au collodion et en verre argenté et de sculptures en bronze présentées dans un espace sombre spécifiquement organisé. Le projet livre l’histoire intime d’une jeune fille russe découverte à Moscou par l’artiste américaine. Le voyage de Katya de la vie monastique orthodoxe stricte, où elle a passé 10 ans de l’âge de 3 à 13 ans, au métro de Moscou est relaté sur sa peau, son visage et son corps. Sa forme a été imprimée sur le verre et dans la sculpture en bronze pour décrire le voyage de Katya et l’archétype du carrefour mythique, qui est un thème principal du travail de Dorsa.

Bedwyr Williams : le messager étoilé
Santa Maria Ausiliatrice (Ludoteca), Organisation : Cymru yn Fenis / Pays de Galles à Venise
Si un poète regarde au microscope ou au télescope, il voit toujours la même chose (Gaston Bachelard). Le Messager étoilé de Bedwyr Williams tire son nom d’une étude publiée par Galileo Galilei sur ses découvertes au télescope. Dans une série de salles et de coursives à Santa Maria Ausiliatrice (Ludoteca), cette nouvelle œuvre s’interroge sur l’exploration de l’espace à la fois infini et infime. La veille nocturne d’un astronome amateur ou la quête d’un adorateur dans les galaxies polies du sol en terrazzo sous ses chaussures.

Souffle
Torre di Porta Nuova
Shirazeh Houshiary présente Breath, une vidéo à quatre canaux conçue pour la première fois en 2003, dans une version remasterisée et dans le cadre d’une nouvelle et unique installation in situ. Dans Breath (2013), les chants évocateurs de prières bouddhistes, chrétiennes, juives et islamiques émanent de quatre écrans vidéo. Le son est chorégraphié avec des images qui capturent le souffle en expansion et en contraction des chanteurs. L’installation est une enceinte rectangulaire revêtue de feutre noir, et est entrée par un passage étroit menant à un intérieur blanc faiblement éclairé. Il y a quatre écrans accrochés au niveau des yeux, d’où les chants des différentes traditions montent et descendent, se gonflent et se dissipent dans un chœur envoûtant qui remplit la pièce et imprègne chacun de ses murs. Là où à l’intérieur se trouve l’unité, à l’extérieur se trouve la multiplicité.

Culture•Esprit•Devenir
Palazzo Mora, Organisation : Global Art Center Foundation
Culture•Mind•Becoming – une exposition d’un groupe d’artistes chinois exceptionnels – vise à juxtaposer l’impact culturel, l’appropriation, la réflexion et la réinvention existant dans la culture chinoise à travers le prisme de la mondialisation. À une époque où les artistes réfléchissent généralement à l’empirisme individuel comme corps principal de leur pratique artistique, les artistes chinois sont revenus à leur héritage culturel après avoir acquis la connaissance de l’art occidental. Grâce à une expérimentation et une évolution constantes, ils mettent en avant un terrain d’entente dans un contexte créatif unique. Les artistes chinois ont été plus ou moins influencés par la culture occidentale à différents moments de leur vie. Vivant dans une société de culture diverse, ils sont inspirés pour redéfinir et réinventer leur composante commune – l’expérience culturelle orientale,qui se manifeste à travers des présentations artistiques.

Pavillon d’urgence : reconstruire l’utopie
Teatro Fondamenta Nuove, Organisation : MAC (Museo de Arte Contemporaneo de Santiago du Chili) ; Fondation CorpArtes
Quarante ans ont passé. Quand le monde a-t-il commencé à changer ? Était-ce 1973 ou 1989 ? Quand « l’imagination au pouvoir » est-elle morte, était-ce en 68 ou en 2012 ? Ou était-ce le 1er janvier 2013 ?

Future Generation Art Prize @ Venise 2013
Palazzo Contarini Polignac, Organisation : Fondation Victor Pinchuk ; PinchukArtCentre
Le Future Generation Art Prize @ Venice présente la deuxième édition du premier prix d’art mondial avec 21 artistes de presque tous les continents et 16 pays différents. 21 déclarations d’artistes indépendants, dont la lauréate principale, Lynette Yiadom-Boakye et les lauréats des prix spéciaux : Ryanne Tabet, Marwa Arsanios, Jonathas de Andrade, Micol Assaël et Ahmet Ögüt offrent un riche éventail de positions artistiques, cartographiant et découvrant les tendances révolutionnaires et futures d’une nouvelle génération d’artistes.

Verrerie, lumière blanche / chaleur blanche
Berengo Center for Contemporary Art and Glass, Organisation : LCF-London College of Fashion
Les artistes invités sont invités à répondre au thème de la lumière et de la chaleur, les composants du feu, l’élément destructeur/créateur lié à la formation de l’univers et de la matière première issue du chaos. L’énergie des rayons du soleil fournit la lumière et la chaleur essentielles à toutes les formes de vie et à la survie sur cette planète. La lumière et la chaleur sont fondamentales pour la fabrication du verre – la lumière fait partie intégrante de notre perception du verre tandis que la chaleur est nécessaire pour le façonner.

je libri d’acqua
Monastero di San Nicolò, Organisation : EIUC – Centre interuniversitaire européen pour les droits de l’homme et la démocratisation
Au centre de son travail, Nocera a souvent placé certains aspects cruciaux liés aux droits humains fondamentaux. Avec son projet I libri d’acqua, l’artiste a concentré son attention sur la migration en tant que phénomène social à part entière. L’essence de sa conversation est mise sur la mobilité humaine vue comme expression de la liberté fondamentale de mouvement et de l’aspiration à la libération que les artistes représentent comme un voyage symbolique. Les Livres d’Antonio Nocera sont des carnets de voyage sans paroles, des histoires non écrites qui se succèdent, protégées par les pages, et s’ouvrent sous nos yeux. Les livres semblent jaillir de l’eau comme objets divins de la mémoire mythologique

Imago Mundi
Fondazione Querini Stampalia, Organisation : Fondazione Querini Stampalia onlus
L’exposition présente la collection, composée de plus d’un millier de petits tableaux (tous au format 10×12 cm) que Luciano Benetton a rassemblés en voyageant à travers le monde. La collection expose les œuvres acquises en Australie, en Inde, en Corée, aux États-Unis et au Japon. Cette collection s’apparente en effet à un inventaire ouvert capable de contribuer et de montrer à quel point le monde est vu, étudié et représenté par les artistes et comment leurs expériences nous aident à comprendre les richesses conservées dans tout ce qui est différent et lointain que le monde offre à nos interprétations.

A Grimani. Verrerie Ritsue Mishima
Palazzo Grimani di Santa Maria Formosa, Organisation:Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Soprintendenza speciale per il patrimonio Storico, Artistico ed Etnoantropologico e per il Polo museale della città di Venezia e dei comuni della Gronda lagunare
A Grimani. Ritsue Mishima Glass Works est la première exposition d’art contemporain créée pour les salles d’un musée, qui était l’ancienne résidence d’une puissante famille vénitienne du XVIe siècle. Les verreries de Ritsue Mishima sont le fruit de longues périodes passées dans le palais. L’artiste, qui vit à Venise depuis 1989, s’exprime en utilisant l’ancienne culture artisanale du four et les maîtres verriers de Murano donnent forme à ses idées, comme en témoignent les photos prises par Rinko Kawauchi, à qui une chambre a été dédiée, permettant d’entrevoir une vision poétique des mystères du travail du verre et du four.

Encre • Pinceau • Coeur, XiShuangBanNa
Conservatorio di Musica Benedetto Marcello, Organisation : Musée d’Art Contemporain, Shanghai
Fin 2012, Simon Ma a été invité à visiter la forêt tropicale de XiShuangBanNa, dans le sud de la Chine. Tandis que Simon Ma me livrait à la sérénité de la forêt tropicale, j’étais de plus en plus étonné par la suprématie de la nature. Alors que les couleurs de mon environnement quotidien s’estompent chaque jour davantage vers le gris, les couleurs ici semblaient si vitales et lumineuses. Simon Ma a observé des arbres atteignant jusqu’à 90 mètres de hauteur, comparables à la plupart des nouveaux bâtiments construits dans les villes chinoises. Pour être si grands, ces arbres doivent avoir des racines extrêmement profondes. Simon Ma s’est alors rendu compte que notre société pour atteindre des sommets a besoin d’aller plus loin et de s’accrocher à ses propres traditions. Les feuilles des arbres forment une composition intrigante avec les plumes du paon.Avec sa queue de 100 yeux, il est considéré comme une manifestation du Phénix céleste sur terre. Dans la tradition du Feng Shui, il est désigné comme l’animal céleste du sud de la Chine, représentant la puissance et la beauté.

LAWRENCE WEINER : LA GRÂCE D’UN GESTE
Palazzo Bembo, Organisation: Written Art Foundation
LA GRÂCE D’UN GESTE, œuvre de Lawrence Weiner, constitue la pièce maîtresse d’une exposition organisée par la Written Art Foundation et présentée au rez-de-chaussée du Palazzo Bembo près du pont du Rialto. Un élément était l’installation de LA GRÂCE D’UN GESTE qui apparaît sur cinq des principales sources de transport de Venise, les vaporetti. Il transporte l’œuvre à travers le Canal Grande, l’Arsenale, les Giardini et au-delà. L’œuvre a été présentée dans dix langues différentes allant du chinois au japonais en passant par l’arabe et l’hébreu. L’exposition au Palazzo Bembo comprenait quatre autres œuvres de Weiner créées à l’origine pour son exposition Displaced au New York Dia Center for the Arts en 1991.

Perdu dans la traduction
Università Ca’ Foscari, Organisation : Musée d’Art Moderne de Moscou (MMOMA)
Lost in Translation est une exposition à grande échelle de plus d’une centaine d’œuvres d’art contemporain russes des quatre dernières décennies se concentrant sur les problèmes historiques, politiques, sociaux et économiques liés au processus de « traduction » d’une œuvre d’art à l’ère de mondialisation. L’exposition présente des œuvres particulièrement difficiles à déchiffrer pour un public qui n’est pas familiarisé avec le « contexte russe » dans lequel elles sont nées et auquel se réfère. Chaque œuvre est présentée accompagnée de sa « traduction élargie » qui rappelle et explique les références essentielles nécessaires à une meilleure compréhension du message véhiculé.

« Aime-moi, ne m’aime pas »
Tesa 100, Organisation : YARAT Contemporary Art Organisatio
Art contemporain d’Azerbaïdjan et de ses voisins
Produit et soutenu par YARAT, une organisation à but non lucratif dédiée à la promotion de la compréhension de l’art contemporain en Azerbaïdjan et à la création d’une plate-forme pour l’art azerbaïdjanais, aux niveaux national et international, Love me, Love me not offre de nouvelles perspectives sur la diversité et la culture culturellement riche de l’Azerbaïdjan et de ses voisins. Il existe actuellement autant de curiosité que d’idées fausses à propos de cette région ; les œuvres présentées donnent un aperçu de la dynamique de chaque nation, mettant en lumière des aspects oubliés ou inconnus de l’histoire et démontrant l’étendue de la vision et de la créativité en jeu à l’intérieur de leurs frontières.

Esprit • Battre
Centro Ricerca Arte Contemporanea, Organisation : Musée d’art moderne de Nanjing Sanchuan
« L’esprit » signifie la pensée et la conscience au sens psychologique du terme, et est identique au cerveau, qui est un énorme centre central pour recevoir et classer les informations. Le but de l’exposition est de considérer l’esprit comme un conteneur, et de s’étendre au système de pensée, et d’explorer la relation entre la création visuelle et le monde multidimensionnel à travers le « cœur », l’organe de réception d’informations commun des genres humains et sa fréquence de battement. Bien que les mots tels que « mondialisation » et « transfrontalier » etc. aient été utilisés à plusieurs reprises, nous analyserons toujours les dernières œuvres et les pensées des créateurs sous des angles similaires avant de trouver des mots plus appropriés.

Nell’acqua capisco
Ateneo Veneto, Organisation : CIAC – Centro Internazionale per l’Arte Contemporanea Castello Colonna Genazzano ; La Fondation Hart
L’eau est protagoniste de ce projet, elle nous raconte les relations, les communications, les sentiments et les aspirations qui se déplacent à travers cet élément en tant que véhicule pour exprimer une humeur. L’eau est le point commun de toutes les œuvres exposées, son son itinérant tente de masquer les sentiments de détresse, plonger dans l’eau peut être un moyen de retrouver le monde extérieur. De plus, l’eau signifie partager, interpréter des messages inclusifs, l’eau nous donne la possibilité de reconvertir un bien commun en éléments plus productifs. Tout cela est raconté à travers les œuvres d’artistes qui ont su créer un dialogue original avec l’eau, parfois joyeux, souvent douloureux, mais toujours réfléchi.

Bruit
Ex Magazzini di San Cassian, Organisation : De Arte Associazione
Cent ans après L’Art du bruit de Luigi Russolo, l’exposition réfléchit au bruit comme condition nécessaire et partie intégrante de tout processus de communication. Le rôle de l’art est de rendre dense de sens cette partie de la communication qui échappe habituellement à la codification et à l’entendement, pour revenir ainsi à un principe essentiel d’indétermination. En assumant un mode opératoire fondé sur l’écoute, ou l’immersion, les artistes choisis pour l’exposition placent la processualité dans une position privilégiée au regard des exigences de représentation, tout en situant dans ce que l’on pourrait appeler l’erreur un préalable essentiel pour arriver à comprendre la complexité de existence.

Sinon occupé
Liceo Artistico Statale di Venezia, Organisation : Al Hoash
Autrement occupé présente deux artistes palestiniens de renommée internationale, Bashir Makhoul et Aissa Deebi. Les deux artistes sont nés à l’intérieur des frontières de 1948, en marge d’un autre État de leur patrie et en dehors de la Cisjordanie occupée et des centres de la culture palestinienne contemporaine. Ils ont émigré pour devenir citoyens d’autres États opérant dans un monde de l’art mondialisé. Ils se considèrent toujours comme des Palestiniens et sont à la recherche de nouvelles façons d’imaginer la nation à distance. L’art est capable d’occuper des espaces culturels autrement inaccessibles ou invisibles. Autrement occupé décrit d’autres manières d’imaginer la nation en dehors et au-delà du conflit ; c’est donc un moyen de réflexion artistique et critique à travers la déterritorialisation de la Palestine.

SURPLAY
Associazione Culturale Italo-Tedesca, Organisation : Associazione Culturale Italo-Tedesca di Venezia
OVERPLAY se concentre de manière interdisciplinaire sur la relation entre l’art et la crise. Partant du survol historique de l’histoire de l’art (Caporali, Correggio, Jordaens, Guardi, Rousseau, von Stuck, Schifano, Vedova, Santomaso) il nous entraîne vers la « criticité du sens » présente dans l’installation d’Emiliano Bazzanella où l’iPad devient l’étrangeté d’interminables questions sans réponses créées par un logiciel, ou vers des tentatives d’évasion, de rébellion, de sublimation imaginaire et de reconversion, qui caractérisent un grand groupe d’artistes contemporains majeurs.

Passage à l’Histoire : vingt ans de la Biennale di Venezia et de l’art contemporain chinois
Nappa 89, Organisation : Musée d’Art Contemporain, Chengdu
L’année 2013 marque le vingtième anniversaire de la participation d’artistes contemporains chinois à l’Exposition internationale d’art de la Biennale di Venezia ; il marque également vingt ans d’échanges économiques, culturels et artistiques entre la Chine et l’Occident. Au cours de cette période, il y a un changement enregistré dans les attitudes acceptées envers la culture chinoise et son identité internationale dans le monde occidental, ainsi que envers la contribution de la Chine à l’art contemporain, en particulier dans la peinture. Le thème de l’exposition, passage à l’histoire, en découle-t-il ? En fait, nous pouvons clairement voir que ce sont les efforts combinés d’artistes et de critiques chinois contemporains dans le pays et à l’étranger, ainsi que de ces conservateurs occidentaux passionnés d’art qui ont rendu possible cette période précieuse de l’histoire de l’art contemporain chinois.

PATO·MEN, CARLOS MARREIROS
Arsenale, Organisation : Bureau des affaires civiques et municipales de Macao (IACM) ; Le musée d’art de Macao (MAM)
Ce projet d’installation artistique incite à une réflexion sur l’information et la connaissance, son agencement ordonné ou non, et sa manipulation. De l’Arc de Noé à la Renaissance, du Théâtre de la mémoire de Giulio Camillo au Théâtre de la mémoire de Steve Jobs, le Palais encyclopédique de Marino Auriti en est la cause. Plusieurs Théâtres du Monde se disputent l’ordre dans le Théâtre Global, et pourtant, il y a une place pour l’Ethique. PATO·MEN & Women sont minoritaires mais, pourtant, en très grand nombre. Ce sont des êtres étranges, très ordonnés et spirituels, presque hédonistes, qui pratiquent l’Éthique. Ce projet d’installation artistique était essentiellement en noir et blanc.

STRUCTURES PERSONNELLES
Palazzo Bembo, Organisation : Fondation GlobalArtAffairs
L’exposition présente une combinaison extraordinaire d’œuvres d’art, montrant un large éventail d’approches individuelles concernant les thèmes du temps, de l’espace, de l’existence. Des œuvres d’art qui font une déclaration forte et sincère dans chaque espace donné et contribuent en même temps à créer une exposition complexe dans son ensemble. Chaque pièce doit fournir au spectateur un aperçu de chaque œuvre, projet ou idée présenté du point de vue de l’artiste.

Perspectives par John Pawson
Isola di San Giorgio Maggiore, Organisation : Fondation Swarovski
John Pawson révèle une nouvelle perspective de la Basilique de San Giorgio Maggiore. Perspectives offre au visiteur une vue unique sur la beauté du chef-d’œuvre architectural d’Andrea Palladio. La combinaison d’un ménisque en cristal Swarovski concave et d’un hémisphère réfléchissant plus large crée une expérience optique spectaculaire qui apporte une nouvelle lumière à l’intérieur de la célèbre basilique bénédictine. La mission de la Fondation Swarovski de promouvoir la créativité et l’innovation en travaillant avec des architectes, des artistes et des designers démontre son engagement envers la communauté artistique et au-delà.

Rhapsodie en vert
Istituto Santa Maria della Pietà, Organisation : China National Taiwan Museum
En 1924, lorsque George Gershwin créa sa Rhapsody in Blue, Huang Tu-Shui (1895-1930), le premier artiste moderniste chinois de Taiwan, fonda son bronze In the Outskirts représentant un bœuf et des grues, une vue courante dans les rizières d’Asie du Sud. . La couleur verte, sémantiquement ambiguë dans la tradition chinoise et absente de la fonte du bronze, pourtant manifestement impliquée dans la création de Huang, est le point de départ de Rhapsody in Green. Cette exposition explore comment trois artistes chinois contemporains de Taiwan, Kao, Tsan-Hsing (1945), Huang, Ming-Chang (1952) et Chou, Yu-Cheng (1976), réagissent artistiquement à la couleur verte, soit en prenant une optique, une approche intersubjective, ou conceptuelle, nous rappelant sa juste place dans notre milieu de vie actuel.

RHIZOMA (Génération en Attente)
Magazzino del Sale, Organisation: Edge of Arabia
Edge of Arabia est une initiative artistique indépendante qui développe l’appréciation de l’art et de la culture arabes contemporains avec un accent particulier sur l’Arabie saoudite. Leur exposition pour la 55e exposition internationale d’art de la Biennale di Venezia, RHIZOMA (Generation in Waiting), organisée par Sara Raza et Ashraf Fayadh, s’inspire d’une jeune génération d’artistes saoudiens et embrasse l’art visuel aux côtés de la technologie, de la science et de la nature. philosophie. La conservatrice Sara Raza explique : « Le titre et la prémisse de l’exposition se réapproprient le concept de rhizome, la tige souterraine d’une plante qui tire des racines latéralement plutôt que vers le haut, comme une métaphore de la génération actuelle de la scène artistique florissante d’Arabie saoudite.

Salon Suisse
Palazzo Trevisan degli Ulivi, Organisation: Fondation suisse pour la culture Pro Helvetia
Le Salon Suisse est le programme officiel d’accompagnement de la participation suisse à l’Exposition internationale d’art de la Biennale. Il comprend des tables rondes et des lectures, mais aussi des formats expérimentaux tels que des performances audiovisuelles, des reconstitutions et des conférences-performances. L’édition de cette année est consacrée à l’héritage des Lumières européennes dans le monde de l’art contemporain. Le commissaire du Salon Suisse, Jörg Scheller, a invité des théoriciens et des artistes internationaux à s’engager dans une discussion sur les Lumières d’un point de vue multi-perspective. Tous les événements ont lieu dans l’historique Palazzo Trevisan.

Ecosse + Venise 2013
Palazzo Pisani di Santa Marina, Organisation : Ecosse + Venise
Une exposition de nouvelles œuvres de trois artistes distinctifs travaillant en Écosse aujourd’hui. Corin Sworn crée des installations qui explorent la façon dont les objets circulent pour diffuser des histoires et créer des histoires. Duncan Campbell produit des films qui combinent des documents d’archives avec ses propres séquences, remettant en question les informations présentées. Hayley Tompkins fabrique des objets peints qui transforment des objets familiers et banals, tels que des couteaux, des marteaux, des téléphones portables ou des meubles. L’exposition est organisée par The Common Guild, Glasgow. Scotland + Venice est un partenariat entre Creative Scotland, British Council Scotland et les National Galleries of Scotland.

Steel-Lives, Still-Life
Loggia del Temanza, Organisation : Centro Studi e Documentazione della Cultura Armena
Une femme regarde avec une énergie intense à travers la vie et à travers nous de l’autre côté. Qu’est-ce qu’il y a de l’autre côté ? L’acier résiduel brille d’une redondance puissante ; un résidu qui n’a pas réussi à faire la vie qu’il aurait pu faire. Un flux cinématographique imprègne la temporalité de la photographie de Norayr Kasper, aussi éloignée de la nostalgie que du photo-reportage. Ce qui est en jeu dans ces œuvres, ce n’est pas la disparition, c’est l’existence. Steel-Lives, Still-Life est un récit encadré dans une légèreté palladienne. La femme sait aussi qu’elle a été encadrée par un monde qui a continué sans elle. C’est une nature morte mais qui a la réalité de choquer.

Le rêve de l’Eurasie. 987 Témoignages : L’attitude italienne
Palazzo Barbarigo Minotto, Organisation : Fondazione Antonio Mazzotta
L’installation englobe deux aspects : le langage artistique d’Omar Galliani, qui puise dans la grande tradition de la Renaissance italienne, et sa capacité à établir un dialogue entre les cultures européennes et asiatiques. La métaphore sous-jacente pour comprendre cette nouvelle configuration est la fractale : l’ovale du visage eurasien représente les visages de millions sur lesquels la colonne est enracinée. La diversité morphologique et culturelle est reconnue dans le partage d’une nouvelle valeur qui naît de l’union des différences. Pour mettre en œuvre le projet, l’artiste et les commissaires, en synergie avec des firmes italiennes, impliquent 987 témoignages, dont la présence a été documentée sous forme de photos et de séquences vidéo.

Le Grand Canal
Museo Diocesano, Organisation : China Grand Canal Application for World Heritage List Office à Yangzhou ; Association internationale des artistes du lac de l’Ouest.
Le Grand Canal de Chine, patrimoine culturel vivant et thème de cette exposition collatérale, a été creusé pour ouvrir l’échange des ressources humaines et matérielles, et a conduit à une diffusion encyclopédique de l’art, des idées et de la culture cohérente avec la mondialisation d’aujourd’hui. Cette exposition montre la fusion de l’art chinois contemporain, de l’histoire, de la tradition et du monde matériel. Dans une exploration de la signification culturelle et pratique du Grand Canal, les artistes chinois abordent les dichotomies complémentaires, notamment artificielle/naturelle, traditionnelle/contemporaine, homme/femme et matériel/spirituel.

La subversion intime d’Ángel Marcos
Scuola di San Pasquale, Organisation : MUSAC-Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León ; Junta de Castilla y León
« Si vous ne changez pas de direction, vous pouvez vous retrouver là où vous vous dirigez. » Proverbe chinois. Que pouvons-nous faire? Cette question forme le corps fondamental du projet, tout en y ajoutant une synthèse : éventuellement les actions que nous pouvons entreprendre pour mettre en place une civilisation durable doivent être liées à nos sentiments et pensées intimes, ces territoires de pensée créative et affective, chargés d’énergie et de destruction très difficile. On sait ce que les territoires proches des appartenances peuvent donner d’eux-mêmes, ainsi que l’usurpation d’états d’esprit pour la consommation ; alors essayons avec les affections car nous n’avons pas d’autre choix.

La société joycienne
Spazio Punch, Organisation : Fondation Prince Pierre de Monaco
Dora Garcia est lauréate du Prix International d’Art Contemporain (PIAC) de la Fondation Prince Pierre de Monaco pour son œuvre The Deviant Majority (2010), nominée par le commissaire Agustin Perez Rubio. Pour 2013, Garcia propose de produire une nouvelle œuvre, The Joycean Society (2012-2013), qu’elle considère comme la troisième d’une série. Cette œuvre (installation vidéo) s’inspire des groupes de lecture et des clubs littéraires, notamment ceux qui se réunissent régulièrement pour lire à haute voix les œuvres de James Joyce. Dans cette œuvre, l’artiste observe et documente des moments où les membres d’une communauté tentent de comprendre une langue littéraire en relation avec les récits et les histoires que l’écriture traduit.

Le musée de tout
Serra dei Giardini Viale Giuseppe Garibaldi, Organisation : Le musée de tout
Le Museum of Everything est le premier musée errant au monde pour les artistes non formés, non intentionnels et non découverts de notre temps. Depuis 2009, il a accueilli plus de 500 000 visiteurs dans ses installations acclamées en Grande-Bretagne, en France, en Italie, en Turquie et en Russie. Le Museum of Everything travaille avec des écrivains, des penseurs, des conservateurs et des artistes de premier plan et est le principal défenseur mondial de l’histoire alternative de l’art des XIXe, XXe et XXIe siècles.

Ce n’est pas seulement un pavillon
Palazzo delle Prigioni, Organisation : Taipei Fine Arts Museum of Chinese Taiwan
En proposant l’identité de l’étranger, cette exposition manifeste un souci partagé de l’urgence de la coexistence dans le monde d’aujourd’hui. Trois projets de Bernd Behr, Chia-Wei Hsu et Katerina Šedá + BATEŽO MIKILU capturent les relations politiques entre l’imagination et la réalité et étudient comment la possibilité de criticité produite dans la subjectivation ou l’éloignement pourrait être utilisée pour percevoir diverses formes potentielles d’identité culturelle.

Thomas Zipp – Enquête comparative sur la disposition de la largeur d’un cercle
Palazzo Rossini-Revedin, Organisation : Fondation Arthena
Le projet de l’artiste allemand Thomas Zipp porte à la fois sur La Largeur d’un cercle de David Bowie, dont les paroles, utilisant des paraboles de Ainsi parlait Zarathrustra de Nietsche, expriment sa relation avec la « drogue du diable », et l’arc de cercle, qui désigne métaphoriquement des réactions déclenchée chez des patients hypnotisés à des fins de recherche sur l’hystérie par Jean-Maria Charcot (1825-1983). Zipp installe une version d’une unité psychiatrique qui traite de l’hystérie et de la dualité (schizophrénie) chez une personne – l’artiste est à la fois patient et médecin. Zipp fait des recherches sur l’inconscient, explorant les effets des drogues, de la musique heavy metal, de la philosophie, de la religion et des aspects cachés de la psychiatrie et de la psychanalyse.

Transitions
Dorsoduro 453, Organisation : Nuova Icona
Malgré leurs origines, leurs médiums artistiques et leur séparation géographique différents, les œuvres de Victor Matthews et Paolo Nicola Rossini partagent une exploration du thème de la transition et, ce faisant, racontent leurs histoires. Les deux artistes questionnent des thèmes universels tels que la vie, la mémoire, le rêve et l’inconscient, la réalité, le temps et l’espace et passent d’un moment ou d’une idée à l’autre. Pourtant, partant du même point de départ, les deux arrivent à des destinations très différentes. Ces deux artistes présentent la vision de leur réalité telle qu’ils la perçoivent intérieurement et questionnent quelle est la perception qu’on a des paysages qui nous entourent et de ce que l’on voit. Ils défient cette image à travers sa transition – l’extériorisent à travers leur peinture et leur photographie.

Nations Unies pour la Culture
Palazzo Bacchini delle Palme, Organisation: Tongli Academic Exchange Center Foundation
Les Nations Unies culturelles sont créées par Mi Qiu. Ce terme est issu de son mantra quotidien pour le plaisir et pour le sérieux. Heure et lieu à ce moment, rien n’était important même si de belles personnes et un vin moelleux. Nous sommes libérés des sentiments matériels et concrets.

Universo Donna
Museo Storico Navale, Organisation: Marina Militare
L’artiste a réalisé de nombreuses œuvres, même religieuses, pour la marine italienne et a développé un cursus artistique – formé à « l’école » de Pericle Fazzini et Emilio Greco – conduit à présenter l’homme au mystère de la vie à travers « la physicalité et le volume » . Le thème de l’exposition que l’artiste vise à réaliser est, en fait, « la compréhension et la description de l’âme des femmes à travers la physicalité et le volume ».

Voice of the Unseen: Chinese Independent Art 1979/Aujourd’hui
Tesa alle Nappe 91, Organisation : Musée d’art du Guangdong
Qui sont, où sont-ils et que font désormais les artistes qui, avec l’événement historique de l’exposition de 1979 sur le « Mur de la démocratie » de Xidan à Pékin, ont donné naissance au courant de plus en plus influent de l’art contemporain indépendant en Chine ? Cet événement est la tentative la plus ambitieuse à ce jour de répondre de manière globale à ces questions, mettant en lumière l’histoire de l’art chinois des trente dernières années à travers le travail des artistes qui ont créé, de la Post-Avant-garde des années 80 et 90 , le mouvement de l’art chinois non officiel ou indépendant.

Qui est Alice ?
Spazio Lightbox, Organisation : Musée national d’art contemporain, Corée
Qui est Alice ? est une exposition thématique spéciale présentant la collection permanente du Musée national d’art contemporain de Corée. L’exposition présente 30 œuvres de 16 artistes coréens qui transcendent les limites de l’espace physique et du temps, couvrant divers concepts et formes qui traversent les frontières de la «réalité et de la non-réalité» et des «rêves et du réel». Le public est invité au « voyage dans le temps » à travers l’espace-temps, à l’image d’Alice au pays des merveilles qui a fait un saut soudain dans le terrier du lapin. Le public rêve de marcher dans un espace mystérieux de réalité et d’imagination, et devient le personnage principal du « jeu d’ombres » de ses propres histoires.

« Vous (vous). » – Lee Kit, Hong Kong
Arsenale, Organisation:M+, Musée de la Culture Visuelle ; Conseil de développement des arts de Hong Kong
« Vous (vous). » poursuit son exploration dans le royaume quotidien du quotidien. Entièrement composée de nouvelles commandes, l’exposition est conçue à travers la remémoration de moments personnels et collectifs. ‘You (you).’ prend l’entité universelle mais inexistante évoquée par son titre comme point de départ, regardant la notion d’absence pour réfléchir à la construction des mémoires, du temps et des lieux. Lee incorpore divers éléments tels que l’image en mouvement, les objets prêts à l’emploi et le son pour suggérer des traces de dialogues immatériels, permettant la possibilité d’évoquer la texture du quotidien.

Projets
La Biennale organisait également Meetings on Art, une série de conférences, de performances et de débats qui s’est enrichie cette année d’un projet de Marco Paolini, l’un des artistes invités par Gioni à participer à la 55e Exposition. A l’automne, quatre Rencontres sur l’Art différentes ont lieu : l’une sur le mythe de l’artiste autodidacte, L’Existence est Ailleurs ; l’autre sur l’anthropologie des images et l’histoire de l’art, Image-Mondes ; et un sur l’encyclopédie et d’autres envolées de l’imagination, Rien n’est plus doux que de tout savoir. Le dernier rendez-vous, Parlons-en, est prévu le 24 novembre 2013, jour de clôture de la 55e Exposition internationale d’art.

Des activités éducatives ont été organisées à l’intention des individus et des groupes d’étudiants de tous niveaux, des universités et académies des beaux-arts, mais aussi des professionnels, des entreprises, des experts, des fans et des familles. Ces initiatives, menées par une équipe sélectionnée de guides d’exposition formés par la Biennale di Venezia, visent à impliquer activement les participants dans les itinéraires pédagogiques et les laboratoires et les ateliers créatifs.