Bilan de la Biennale d’art de Venise 2011, Italie

La 54ème Exposition Internationale d’Art, ouverte au public du 4 juin au 27 novembre 2011 aux Giardini et à l’Arsenale. Cette édition de la biennale couvre l’exposition internationale d’art dans le pavillon central de Giardini et Arsenale ainsi que 89 participations nationales et 37 événements collatéraux dans toute la ville.

Le thème de l’exposition intitulé « ILLUMInations », souligne l’importance de la lumière et de l’illumination, attire littéralement l’attention sur l’importance de tels efforts dans un monde globalisé. la Biennale di Venezia a toujours été portée par un esprit international, et plus encore à une époque où les artistes eux-mêmes sont devenus des touristes multifacettes, exigeants et culturels.

L’exposition se concentre sur les thèmes de la lumière et de l’illumination, tout en explorant simultanément des idées liées à la « nation ». Il incorpore plusieurs œuvres du vieux maître vénitien Tintoret (1518-1594), qui étaient peu orthodoxes et expérimentales pour son époque, se distinguant par un éclairage dramatique. De plus, dans le cadre du concept curatorial de cette édition, quatre artistes ont été invités à créer des « Para-Pavilions », des structures sculpturales capables d’abriter des œuvres d’autres artistes.

ÉCLAIRAGE
ILLUMInations met l’accent sur la perspicacité intuitive et l’illumination de la pensée que favorise la rencontre avec l’art et sa capacité à aiguiser les outils de perception. L’exposition respecte et même défend la valeur de l’idéalisation de la raison éclairée et une spécificité de la pratique savante européenne occidentale. Les ILLUMInations se concentrent sur la « lumière » de l’expérience éclairante, sur les épiphanies qui accompagnent la compréhension intellectuelle intercommunicante. Le Siècle des Lumières résonne également dans ILLUMInations, témoignant du dynamisme durable de son héritage.

Les questions d’identité et de patrimoine ont longtemps été cruciales pour l’art contemporain et l’intensité de la recherche artistique sur ces questions ne devrait pas diminuer dans un proche avenir. Historiquement, de l’âge des ténèbres à la Renaissance, le processus des « ILLUMInations » dans l’art et la culture peut être découvert.

Le titre suggère également un large éventail d’associations, des « Illuminations » follement poétiques d’Arthur Rimbaud et des « Illuminations profanes » de Walter Benjamin sur l’expérience surréaliste à l’art vénérable des manuscrits enluminés médiévaux et à la philosophie de l’enluminure au XIIe siècle en Perse. L’art est une pépinière d’expérimentation de nouvelles formes de « communauté » et d’études des différences et des affinités qui servent de modèles pour l’avenir.

L’art contemporain se caractérise par des tendances collectives et des identités fragmentées, par des alliances temporaires et des objets dans lesquels s’inscrit l’éphémère – même s’ils sont coulés dans le bronze. La dynamique expansive qui a propulsé l’art depuis les années 1960 s’est tournée vers l’intérieur. L’art ne cultive plus le pathétique de l’anti-art. La perception se concentre désormais sur les fondements de la culture et de l’art afin d’éclairer de l’intérieur les conventions sémantiques. D’une part, l’artefact a cédé la place à une emphase sur le processus, tandis que, d’autre part, le renouveau des genres « classiques » comme la sculpture, la peinture, la photographie et le cinéma est motivé par un intérêt à décortiquer leurs codes et à activer leur potentiel dormant. . Ces préoccupations vont de pair avec un autre aspect qui est d’une grande pertinence aujourd’hui :l’art engage et engage fortement ses spectateurs.

De nombreuses œuvres présentées à la 54e Exposition internationale d’art ont été créées spécialement pour l’occasion en référence directe au thème des ILLUMInations. Dans les œuvres du peintre et architecte vénitien jouent un rôle de premier plan dans l’établissement d’une relation artistique, historique et émotionnelle avec le contexte local. Les œuvres des peintres d’art classique sont rarement présentées dans les expositions d’art contemporain. A travers le thème des « ILLUMInations », il est facile de constater qu’il y a des éléments qui ont inspiré le contemporain.

Ces peintures exercent aujourd’hui un attrait particulier avec leur éclairage presque fébrile et extatique et une approche presque imprudente de la composition qui renverse l’ordre classique bien défini de la Renaissance. Bien que l’autoréflexion soit un facteur déterminant de l’art contemporain, elle dépasse rarement le territoire couvert par l’histoire du modernisme.

L’incorporation de l’œuvre du peintre vénitien du XVIe siècle à la Biennale di Venezia transmet des signaux inattendus et stimulants et met en lumière les conventions du commerce de l’art concernant l’art ancien et contemporain. Les analogies intéressantes dans cette juxtaposition ne sont pas de nature formelle mais renforcent plutôt l’importance des œuvres d’art en tant que véhicules visuels de l’énergie.

L’art est un terrain hautement autoréflexif qui cultive un regard lucide sur le monde extérieur. L’aspect communicatif est crucial pour les idées sous-jacentes à ILLUMInazioni, comme le démontre l’art qui déclare et cherche souvent la proximité avec le dynamisme de la vie. C’est plus important que jamais, à une époque où notre sens de la réalité est profondément remis en cause par les mondes virtuels et simulés.

Faits saillants des pavillons nationaux

Pavillon de l’Australie : le fil d’or
« Le fil d’or » de Hany Armanious, l’invocation de formes et de cultures anciennes, son adhésion à une transformation presque alchimique d’un matériau en un autre et son intérêt pour l’incorporation des processus de fabrication et d’exposition d’œuvres d’art dans les sculptures elles-mêmes, soulignent son désir de localiser le mystérieux dans le mondain. En arguant que les objets de notre vie quotidienne, les souffleurs de feuilles, les vases, les théières, les paniers, les fers à repasser, les stores ou même une couronne Burger King en carton, peuvent apporter autant de plaisir visuel, autant de potentiel de beauté, que ces choses conçues ou réputé être dans le domaine de l’esthétique, son travail est une reconnaissance qu’il y a plus dans ce monde qu’il n’y paraît.

Le projet est un panoramique et embrasse des idées et des images quel que soit le lieu. Le travail d’Armanious est perspicace, poignant et souvent humoristique. Basées sur le processus de moulage, les sculptures d’Armanious présentent une double interprétation d’objets allant de l’histoire ancienne au quotidien. Ses moulages méticuleux d’objets trouvés, généralement des objets redondants ou mis au rebut qui présentent l’usure de leurs vies passées, sont délibérément créés dans des matériaux non précieux, le plus souvent en résine de polyuréthane. L’exposition redéfinit l’intention traditionnelle du moulage, créant de multiples reproductions identiques d’un objet, et utilise plutôt le processus pour créer des objets uniques. L’objet original et le moule sont souvent détruits, et les objets inanimés scrupuleusement moulés deviennent des sortes d’artefacts,détournant temporairement l’attention de l’objet lui-même vers le processus de sa fabrication et de son évolution.

Pavillon du Canada : Steven Shearer : Exhumer pour consommer
L’exposition solo « Exhume to Consume » comprend une sélection de peintures, dessins et sculptures de Steven Shearer, présentant des œuvres nouvelles et inédites, qui s’inspirent de diverses influences telles que l’histoire de l’art, la culture populaire et l’architecture vernaculaire. Adoptant et développant des styles et des thèmes spécifiques à l’histoire de la peinture figurative, y compris ceux associés au symbolisme, à l’expressionnisme et au fauvisme, Shearer établit des parallèles formels et thématiques entre l’histoire de l’art et les aspects oubliés ou abandonnés de la société.

Steven Shearer exhume des objets, des images et des idées de l’histoire mais aussi de son propre passé, leur redonnant du sens en les insérant dans un contexte contemporain. Son travail découle de sa compilation continue de milliers d’images provenant de sources telles que des fanzines, des babillards électroniques en ligne et des sanctuaires d’images sur des sites Web personnels. Ces sources fragmentaires fonctionnent de manière générative car elles sont combinées et recyclées à travers son travail. Son art suscite le potentiel psychique et émotif de ces images et les transforme pour refléter son expérience subjective.

Pavillon de la Chine : Pervasion
L’exposition « Pervasion » présente des œuvres d’art créées par Cai zhisong, Liang yuanwei, Pan gongkai, Yang maoyuan et Yuan gong. Peng feng présente cinq installations d’un seul artiste évoquant les parfums associés à la tradition culturelle du pays (par opposition à l’accent traditionnel de l’occident sur l’esthétique) : thé, lotus, liqueur, encens et phytothérapie. L’œuvre de Cai évoque le thé ; yuans, l’odeur de l’encens; yang, herbes médicinales; pan’s, l’odeur du lotus; et liang est l’odeur piquante de l’alcool blanc traditionnel de la Chine – « baijiu ». « Cloud-tea » de cai zhisong, les « dispositifs » peints en blanc sont en acier et abritent des carillons éoliens et du thé. lorsqu’ils sont déplacés par le vent, les nuages ​​émettent l’odeur du thé et le son du vent lui-même. le parfum vient du thé longjing,où les moines bouddhistes boivent du thé pour garder une humeur pure et rafraîchissante. l’installation est conçue pour induire des sentiments d’éveil et d’éveil.

Bien que convenablement liés, le brouillard environnant fait d’ailleurs partie d’une autre œuvre, « l’encens vide » du yuan gong. à l’aide d’une vingtaine d’atomiseurs à ultrasons, le système de brouillard d’eau à haute pression de l’installation remplit le pavillon d’un brouillard d’encens atomisé toutes les deux heures, à partir d’un carré de cailloux blancs posés sur l’herbe. « Tout est visible » de Yang maoyuan sur le sol de la citerne de l’arsenal, les visiteurs trouvent des milliers de pots de médecine. des prescriptions médicales traditionnelles chinoises sont gravées à l’intérieur de ces pots mais à l’extérieur il n’y a aucun signe. Selon la théorie de la médecine traditionnelle chinoise, toutes les choses sont visibles, que ce soit les points d’acupuncture, les méridiens ou les collatérales, cependant, elles n’existent pas du tout pour la science moderne.

Pavillon de Chypre : taxonomie temporelle
« Temporal Taxonomy », propose une synergie entre les dessins d’objets « émotionnels » de Doering et les topographies « scientifiques » de Christofides. Il vise à créer un dynamisme particulier à travers une muséographie du temps et de l’espace, l’exposition vise à explorer d’une part les relations sociales, politiques et culturelles, ainsi que les tendances et les tensions au niveau local et mondial, et d’autre part il tente d’opérer à la manière des « manuscrits enluminés » médiévaux qui transmettent des connaissances nouvelles et précieuses.

Chypre est représentée par deux artistes, Marianna Christofides et Elizabeth Hoak-Doering. Partant de l’expérience chypriote et de la réalité historique, les deux artistes abordent les questions d’historicité, d’identité et de mémoire d’une manière particulière, retraçant et cartographiant les données d’une histoire culturelle plus large. Le travail des deux artistes s’éloigne de l’expérience chypriote et du champ de la sociopolitique, mais il s’étend et se transforme de manière à articuler un discours substantiel dans le cadre d’un système mondial beaucoup plus large. Les questions de multiculturalisme, de croisement, de déplacement, de migration et d’hybridation sont un terrain d’entente dans leurs recherches. Leur rencontre au sein du pavillon chypriote vise à mettre en évidence et à négocier les positions existantes et les contradictions autour de l’homogénéité apparente d’un environnement mondialisé,tout en répondant simultanément au besoin profondément humain de transgression spirituelle et intellectuelle : un besoin qui conduit à une redéfinition des systèmes d’existence spatio-temporels, ainsi qu’à une reformulation de l’expérience humaine.

Pavillon de l’Egypte : 30 jours de course dans l’espace
Le multimédia « 30 jours de course dans l’espace » de Basiony, a enregistré les vraies scènes du Caire pendant le printemps arabe. Une visualisation numérique de l’activité physique de l’artiste alors qu’il courait sur place dans une chambre spécialement installée. Ses signes vitaux s’affichaient sur les murs sous forme de graphiques et de lignes. La pièce a été reprise à la Biennale de 2011, avec des images documentaires que Basiony a tournées des manifestations de la place Tahrir telles qu’elles se déroulaient, du 25 au 27 janvier.

Pavillon de l’Estonie : une femme prend peu de place
« A Woman Takes Little Space » se compose de six installations de pièces conceptuellement connectées dans un environnement chaleureux et semblable à un appartement. Dans ses installations photographiques, vidéo et in situ, l’artiste explore divers sujets, allant de la féminité et de l’espace social aux différentes représentations des femmes dans la société contemporaine, ainsi que les emplois « féminins ». En plus de l’accent mis sur l’espace, il y a aussi un fort accent sur le temps, l’encerclement du temps et un certain élément de répétition rituelle et de « ne pas aller nulle part ».

La série de photographies capture des femmes d’âges et de statuts sociaux différents sur leur lieu de travail. La série s’inspire d’une affirmation faite dans une chronique d’opinion sur l’égalité des genres parue dans les médias estoniens il y a quelques années, déclarant que les femmes ont besoin de moins d’espace pour leur travail quotidien que les hommes. L’une des questions qui traverse l’exposition porte sur les mécanismes qui permettent à de telles idées de se poursuivre relativement librement grâce à un accord tacite entre toutes les parties. A côté d’un travail centré sur la sphère privée et le corps, il y a aussi la vidéo Unsocial Hours qui explore le modèle du cycle du travail et de la vie sociale des femmes à travers l’alimentation.

Pavillon de la France : Chance
Installation spectaculaire intitulée « Chance » de Christian Boltanski, elle traite d’un thème qui lui est cher : la chance, la malchance et le hasard, des forces qui nous fascinent et imposent leurs propres lois. Un environnement frénétique où des éléments en mouvement constant évoquent la loterie sans fin de la vie. Cet ensemble d’œuvres de Christian Boltanski se présente aussi comme un conte philosophique dans lequel le spectateur ne se contente pas d’enregistrer passivement une histoire mais se livre à un véritable jeu. Il peut lui-même être choisi par le destin et, si la chance lui sourit, remporter l’une des œuvres de l’exposition.

Le « hasard » ouvre à un examen plus large du destin. Le déroulement de la vie et le rythme des naissances et des morts posent la question de l’universel et de l’individuel sous une forme nouvelle, de ce qui distingue un être d’un autre. Loin d’être sinistre, l’ambiance y est chaleureuse. Même si la brutalité d’un système industriel et mécanique déjoue l’harmonie néoclassique du bâtiment, ici une lumière tamisée illumine les visages des nouveau-nés. Périodiquement, l’un d’eux est choisi, et, si rien ne le distingue des autres en apparence, c’est peut-être pourtant celui dont la puissance et la renommée marquent l’histoire.

Pavillon de l’Allemagne : Christoph Schlingensief
Lion d’or de la meilleure participation nationale
Dans le hall principal du pavillon allemand, la scène de l’oratorio Fluxus A Church of Fear vs. the Alien Within, conçu par Schlingensief pour la Ruhrtriennale 2008, a été présenté. Dans A Church of Fear vs. the Alien Within, Schlingensief utilise ses propres expériences personnelles pour lutter ouvertement avec les thèmes universels et existentiels de la vie, de la souffrance et de la mort. La scène de la pièce, qui se compose de nombreuses projections cinématographiques et vidéo et d’une multitude d’éléments sculpturaux, spatiaux et picturaux, offre aux spectateurs, plus que tout autre de ses décors, une installation totale englobante. L’une des deux ailes latérales du pavillon abrite une salle de cinéma où un programme de six films sélectionnés de différents moments de la carrière de Schlingensief est projeté sur grand écran. Tous les films sont numérisés à partir de la pellicule originale,et ont été partiellement restaurés. Le théâtre est accessible à tout moment pendant les heures d’ouverture de la Biennale et offre à un public international la possibilité de voir une importante sélection de films de Schlingensief, dont certains sous-titrés pour la première fois.

L’aile gauche du pavillon est dédiée à l’Operndorf Afrika de Schlingensief, son village d’opéra en Afrique. Situé près de Ouagadougou, la capitale du Burkina Faso, il comprend une école qui abrite des salles de cinéma et de musique, un café, un hôpital et un théâtre central avec une salle des festivals. Le village de l’opéra est sous la direction d’Aino Laberenz et planifié avec l’architecte Francis Kéré. Outre les photographies et la documentation des parties déjà réalisées du projet africain – et en conjonction avec des scènes sélectionnées de Via Intolleranza II, la dernière pièce de Schlingensief dans laquelle il a collaboré avec des acteurs du Burkina Faso – cette partie du pavillon présente une projection panoramique à grande échelle d’images du paysage naturel entourant le chantier de construction du village de l’opéra,filmé par un cinéaste africain que Schlingensief lui-même avait commandé pour être utilisé dans le pavillon allemand.

Pavillon de la Grèce : au-delà de la réforme
Une installation spécifique au site intitulée « Beyond Reform » de Diohandi, explore l’espace et le temps. Avec l’intérieur et l’extérieur du pavillon révisés, comme un espace existant, qui se tient à un moment donné. La façade de style byzantin était visible à travers de petites fissures dans la surface d’une nouvelle enveloppe extérieure qui recouvre la structure d’origine, tandis que l’eau, la lumière et le son étaient des éléments dominants de l’intérieur du pavillon. L’accès à l’intérieur se faisait à partir d’un couloir ascendant longeant le pavillon entre une surface d’eau, menant jusqu’à la lumière pure. Après des recherches approfondies sur l’architecture et l’histoire du pavillon grec, le nouvel espace de Diohandi voit l’environnement environnant se fondre avec l’intérieur, offrant de nouvelles façons dont le tissu de construction, la lumière, le son et l’eau peuvent coexister.

Diohandi comprend le thème « ILLUMInations » dans son sens le plus profond et le plus élémentaire. A partir d’un espace très spécifique, concret, strictement rationnel, tant à l’extérieur qu’à l’intérieur : tout l’espace est remodelé, bien qu’aucune de ces interventions n’affecte réellement la structure existante. Le son et la lumière sont également au rendez-vous, indispensables à l’œuvre. L’installation du pavillon grec reflète en quelque sorte, avec le travail spécifique de Diohandi, l’état politique actuel de l’Europe et du monde en général. C’est à la fois, évidemment, un commentaire sur l’expérience grecque contemporaine de récession économique et de tutelle du FMI : un lieu de lumière jeté dans les ténèbres et le déclin, s’accrochant, presque bon gré mal gré semble-t-il, à des espoirs de reconstruction spirituelle et sociopolitique. ; autrement dit,à une vision de lumière qui devrait apporter la clarté d’esprit, comme si la catharsis ultime.

Pavillon de l’Inde : tout le monde est d’accord : il est sur le point d’exploser
Le premier pavillon de l’Inde à la Biennale de Venise, intitulé « Everyone Agrees: It’s About to Explode », présente la collection de Zarina Hashmi, graveur et sculpteur, Gigi Scaria, peintre et vidéaste, Praneet Soi, artiste multimédia, et Le Collectif Machine à Désir. Ce pavillon aborde cette idée à travers les tropes de la pratique transculturelle, de la migration et de la pollinisation croisée. En effet, ce pavillon est destiné à servir de laboratoire dans lequel nous testons certaines propositions phares concernant la scène artistique indienne contemporaine. À travers elle, nous pourrions considérer l’Inde comme une entité conceptuelle qui n’est pas seulement territorialement basée, mais qui est également étendue dans un espace global de l’imaginaire.

L’objectif de Hoskote, en faisant sa sélection d’artistes, est de représenter un ensemble de pratiques artistiques conceptuellement rigoureuses et esthétiquement riches qui sont mises en scène parallèlement au marché de l’art. De plus, celles-ci n’ont pas encore été valorisées par le système des galeries et le circuit des maisons de ventes. La manifestation indienne se concentre également sur des positions artistiques qui mettent l’accent sur la nature interculturelle de la production artistique contemporaine : certains des arts les plus importants créés aujourd’hui s’appuient sur une diversité de lieux, et différentes économies de création d’images et d’histoires culturelles variées.

Pavillon de l’Irak : Eau blessée
« Wounded Water », une sélection passionnante organisée par des professionnels de 6 artistes irakiens de deux générations, y compris divers médias artistiques (peinture, performance, vidéo, photographie, sculpture/installation). Ce sont des temps extraordinaires pour l’Irak. Le projet de créer un pavillon national officiel pour la 54e Biennale de Venise est un travail multiple et participatif en cours depuis 2004. Il s’inscrit historiquement dans une période de grand renouveau après plus de 30 ans de guerre et de conflit dans ce pays. Le Pavillon de l’Irak présente six artistes irakiens contemporains de renommée internationale qui sont emblématiques dans leur recherche artistique expérimentale individuelle, résultat de la vie à la fois à l’intérieur et à l’extérieur de leur pays.

Ils représentent deux générations : l’une, née au début des années 50, a connu à la fois l’instabilité politique et la richesse culturelle de cette période en Irak. Ali Assaf, Azad Nanakeli et Walid Siti ont atteint leur majorité dans les années 1970 pendant la période de création du socialisme politique qui a marqué leur parcours. La deuxième génération, qui comprend Adel Abidin, Ahmed Alsoudani et Halim Al Karim, a grandi pendant le drame de la guerre Iran-Irak (1980-1988), l’invasion du Koweït, les sanctions économiques écrasantes de l’ONU et l’isolement artistique qui a suivi. Cette génération d’artistes a quitté le pays avant l’invasion de 2003, trouvant refuge en Europe et aux États-Unis par pure fortune couplée à la vertu artistique de leur travail.Les six artistes ont ainsi des identités indubitablement forgées avec une pratique artistique contemporaine qui unit la situation globale à l’expérience irakienne et ils représentent une approche sophistiquée et expérimentale d’envergure totalement internationale.

Pavillon d’Israël : le sol d’un homme est le sentiment d’un autre homme
« One man’s floor is another man’s feeling » de Sigalit Landau, liant ensemble la métaphorique et la matière en une seule image, poétique et politique, le titre allusif génère un concept qui laisse largement place à l’imagination. Travaillant avec trois éléments essentiels : l’eau, la terre et le sel, le projet de Landau se rapporte au pavillon israélien lui-même. Le projet est spécifique au site, célébrant l’eau qui s’y trouve, les questions d’interdépendance, les communautés et les sociétés qui vivent dans cette région, adjacentes les unes aux autres, partageant la terre et la culture.

Pavillon de l’Italie : Le Ministère du Patrimoine et des Activités Culturelles
Pour le lieu traditionnel du Pavillon italien, agrandi à l’occasion du 150e anniversaire de l’unification de l’Italie, ont été sélectionnées 200 personnalités majeures de prestige international reconnu qui ont été invitées à désigner un artiste qui a eu une signification dans la première décennie de ce millénaire, de 2001 à 2011. 200 artistes ont été exposés, résultat de 200 manières différentes d’appréhender l’art. Une représentation kaléidoscopique qui ne se limite pas aux choix des critiques et ne suit pas les tendances des galeries, mais nourrit l’extraordinaire union entre art, littérature, philosophie. L’Arsenal a également exposé le Musée de la Mafia, ramené de Salemi à Venise, offrant le leit-motiv de l’exposition : « L’art n’est pas à nous ».

L’exposition Italie : 150 / Biennale : 116. destinée à présenter une collection d’une importance particulière pour la variété, la cohérence et la qualité artistique. L’exposition comprenait les œuvres d’Augusto Sezanne, d’Ettore Tito, de Marcello Dudovich, de Carlo Scarpa, d’Albe Steiner, de Milton Glaser, d’Ettore Sottsass, de Gianluigi Toccafondo et du Studio Tapiro basé à Venise. L’exposition a été réalisée avec les ressources internes de La Biennale, en particulier de l’ASAC (Archives Historiques des Arts Contemporains), dans le cadre plus large du projet de valorisation de ses Fonds. L’exposition a été rendue possible grâce au récent travail de reprise et d’inventaire de l’ensemble de la collection d’affiches avec 3 500 pièces, représentées par 360 affiches générales, ainsi que des affiches secondaires, des affiches et des faire-part.

Pavillon du Japon : Tabaimo : téléco-soupe
L’installation intitulée « téléco-soupe » de Tabaimo, créée en projetant une animation multi-canaux sur des panneaux de miroir, cet environnement multimédia immersif explore l’identité du pays en tant qu’État insulaire. « Téléco-soupe », connote l’idée d’une soupe « inversée », ou l’inversion des relations entre l’eau et le ciel, le fluide et le contenant, le moi et le monde. Inventée par l’artiste, cette expression s’appuie sur une tradition intellectuelle au Japon qui est aux prises avec l’identité du pays en tant qu’État insulaire, ou ce qu’on appelle ces dernières années le « syndrome des Galapagos », utilisé à l’origine pour décrire l’incompatibilité entre les la technologie et les marchés internationaux, mais désormais applicable aux multiples facettes de la société japonaise à l’ère de la mondialisation.La structure de l’exposition fait également référence à un proverbe attribué au philosophe chinois Zhuangzi, « Une grenouille dans un puits ne peut pas concevoir l’océan », et un addendum à la version japonaise de celui-ci, « Mais il connaît la hauteur du ciel.  »

Grâce à l’utilisation d’une projection d’animation multicanal et de panneaux miroirs, Tabaimo transforme l’intérieur du pavillon du Japon en un puits et l’espace ouvert sous le pavillon, qui s’élève sur pilotis, vers le ciel. La succession d’images conduit à une reconnaissance de l’étendue inimaginable du puits – ou du Japon contemporain – et à travers l’orientation anti-gravitationnelle de l’installation, se connecte à une profondeur/hauteur infinie dans le monde éternel du ciel ci-dessous, visible à travers une ouverture dans le étage au centre Pavillon. Dépassant ainsi les limites du Pavillon, l’installation déstabilise les relations entre le haut et le bas, l’intérieur et l’extérieur, les perspectives larges et étroites, et plonge le visiteur dans une expérience corporelle qui l’interroge,Le monde d’une grenouille vivant dans un puits est-il vraiment si petit ? Et, comment pouvons-nous négocier les points de contact entre l’individu et la communauté – comment négocions-nous nos propres syndromes des Galapagos ?

Pavillon de la Lituanie : Derrière le rideau blanc
Derrière le rideau blanc est une œuvre de Darius Mikšys, qui tente de rassembler et d’afficher une exposition symbolique organisée par un État moderne et d’en faire une véritable exposition et une archive nationale. Agissant à la fois comme un miroir public auto-construit et auto-organisé, Behind the White Curtain constitue une collection d’œuvres d’art d’artistes qui ont reçu la subvention d’État du ministère de la Culture de la République de Lituanie au cours des deux dernières décennies (1992-2010) .

L’État lituanien sélectionne des artistes pour une exposition symbolique en attribuant des prix et des subventions pour faire avancer la pratique des artistes lituaniens. On pourrait y voir une programmation ciblée de produits culturels. De cette façon, l’État agit en tant que conservateur, dont la salle d’exposition n’a pas de murs et dont l’exposition est présentée pendant des décennies. Est-il possible de voir une telle exposition ? Comment le visiter ? Derrière le rideau blanc est une installation et une performance se déroulant des deux côtés du rideau. Un côté sert d’espace de stockage pour l’ensemble de la collection, tandis que le second fonctionne comme une exposition tournante ; façonné en fonction des intérêts spécifiques de chaque visiteur.

Pavillon du Luxembourg : Le Cercle Fermé
« Le Cercle Fermé » de Martine Feipel & Jean Bechameil, se rend compte que la notion d’espace est centrale. L’observateur est confronté à une seule idée : l’évidente nécessité de trouver un nouveau type d’espace. L’œuvre peut être appréhendée à différents niveaux qui touchent autant à la philosophie qu’à l’histoire de l’art ou à la société. Dans ce projet, la gestion de l’espace est en crise. Dans le sillage de la philosophie de Jacques Derrida, il s’agit d’essayer de dépasser la limite d’un lieu pour en trouver un nouveau. Cela revient à penser le sens de la limite et le sens de l’espace qui est principalement le résultat de la tradition.

L’important n’est pas d’outrepasser ou de transgresser la loi en franchissant la limite mais d’« ouvrir » un espace au cœur même de l’ancien espace. Cette ouverture ne crée pas un nouvel espace à occuper, mais plutôt une sorte de poche cachée à l’intérieur de l’ancien sens de la limite. Il s’agit d’une ouverture dans l’espace selon le principe du glissement. Ce glissement interne et la recréation de l’espace impliquent toujours la destruction d’une institution. La situation semble encore ouverte, mais nous manquons de concepts d’action capables de répondre à la crise écologique et à la crise de civilisation. Aujourd’hui, il ne fait aucun doute qu’il est plus urgent que jamais d’envisager toute réflexion sur la question de l’espace comme une œuvre de civilisation, comme un remodelage de civilisation. Modifier le quotidien remodèle complètement notre monde.

Pavillon du Monténégro : la fabrique de frigos et les eaux claires
L’exposition intitulée « The Fridge Factory and Clear Waters », des artistes de la performance conjointe exposés avec Marina Abramović, llija Soskic et Natalija Vujosevic. Obod est une ancienne usine de réfrigérateurs de 140 000 mètres carrés située à Cetinje, capitale de l’ancien royaume du Monténégro, et construite sous le régime communiste de Tito. Obod a été fondée pour produire des réfrigérateurs pour toute l’ex-Yougoslavie, et elle reste aujourd’hui un exemple parfaitement préservé des idéaux du communisme, de l’industrialisation et du modernisme qui étaient si proches des bibliothèques, palais, monastères et montagnes centenaires qui font de Le Monténégro est une situation géographique si fascinante. L’espace a été converti en un laboratoire de production, de présentation, de distribution et de développement de différentes formes d’art de la performance, de la danse,le théâtre, l’opéra, le cinéma, mais aussi favoriser l’architecture, la science et les nouvelles technologies.

Le travail de Marina consiste en une vidéo présentant un récit original et une courte biographie sur ses racines monténégrines, et explique son projet ambitieux d’établir simultanément deux centres de performance au Monténégro (Europe) et à Hudson, New York. Le travail de Marina Abramović peut également être vu dans « Personal Structures » organisé par Karlyn de Jongh et Sarah Gold, qui se tient dans le magnifique Palazzo Bembo près du pont du Rialto sur le Canal Grande. Cette exposition collective rassemble une intéressante combinaison de 28 artistes, des 5 continents. Artistes confirmés ou moins connus, tous sont unis par un intérêt commun : l’attachement au concept du temps, de l’espace et de l’existence.

Pavillon de la Nouvelle-Zélande : un premier regard sur Homer de Chapman
« On first looking into Chapman’s Homer » de Michael Parekowhai, rend hommage au poème du même titre du poète romantique anglais du XIXe siècle John Keats, et fait référence aux notions de découverte, d’exploration et d’interaction culturelle entre l’Ancien et le Nouveau Monde. . L’artiste comprend le travail de Chapman’s Homer d’une manière qui se combine avec l’art de la performance, une grande partie du sens réel de l’œuvre vient de la musique, qui remplit l’espace comme aucun objet ne peut le faire. Michael Parekowhai crée un sentiment de drame et de surprise pour le public.

Pavillon de la Norvège : l’état des choses
Réfléchissant aux principes du passeport Nansen aujourd’hui et à la possibilité que l’image d’une nation puisse en fait être définie par son internationalisme, l’Office for Contemporary Art Norway (OCA) organise « The State of Things », une série de des conférences publiques qui font partie de la représentation de la Norvège pour la 54e édition de la Biennale de Venise. Les conférences publiques, données par des intellectuels de renommée internationale, portent sur des thèmes tels que la diversité, l’Europe, l’environnement, le rétablissement de la paix, les droits de l’homme, le capital, la durabilité, la migration, l’asile, l’esthétique et la guerre. Chacune des communications aborde « l’état des choses » aujourd’hui, en s’inspirant des domaines d’activité et de recherche des intervenants, et de ce qu’ils considèrent comme les priorités intellectuelles et politiques d’aujourd’hui.

Pavillon de la Russie : Zones vides
« Zones vides », une tentative de considérer les actions de CA rétrospectivement comme une vie dans l’art. Axée sur le paradoxe de l’échelle, l’exposition montre l’art comme production de soi plutôt que d’objets (peintures, sculptures, installations). Empty Zones est le concept de la vie en tant qu’œuvre d’art unique. Et cette vie dans l’art a été démontrée en utilisant les métaphores créées pour l’espace du pavillon russe.

C’était le premier exemple en Russie du genre d’art qui sort le spectateur de sa condition passive habituelle et lui offre un rôle actif dans la création d’un événement artistique. dans de vastes espaces ruraux (champs, forêts, rivières…) et dans les textes qui présentent les actions, les accompagnent et commentent les événements d’une action.Cependant, certaines actions ont également eu lieu en ville et dans des espaces clos quand le processus d’élaboration d’un langage esthétique contemporain l’exigeait, CA a réalisé 125 actions et compilé 10 volumes (le travail sur le 11PthP est en cours) des livres Voyages hors de la ville.

Pavillon de l’Arabie Saoudite : L’Arche Noire
« The Black Arch » de Mona Khazindar et Robin Start, c’est avant tout le point de rencontre des deux artistes ; de deux visions du monde ; des ténèbres à la lumière, et de deux villes, La Mecque et Venise. L’œuvre est une scène, conçue pour projeter la mémoire collective des artistes du Noir, l’absence monumentale de couleur – et la représentation physique du Noir, faisant référence à leur passé. Le récit est alimenté par les histoires inspirantes racontées par leurs tantes et grands-mères, et est ancré à La Mecque, où les sœurs ont grandi dans les années 1970.

L’expérience de la présence physique de Black, première partie de l’installation, est frappante pour les artistes, inspirées par les silhouettes noires des femmes saoudiennes. En contrepoint, la deuxième partie de l’installation est une image miroir, reflétant le présent. Ce sont les paramètres esthétiques de l’œuvre. The Black Arch, c’est aussi un voyage, une transition ; inspiré par Marco Polo et un autre voyageur du XIIIe siècle, Ibn Battuta, deux exemples de la manière de relier les cultures à travers les voyages. Les artistes se concentrent sur les similitudes entre les deux villes cosmopolites et leurs pouvoirs d’inspiration. La double vision de deux femmes, deux sœurs, deux artistes se déploie dans un monde de rituel et de tradition qui confronte pourtant avec simplicité la réalité quotidienne du comportement humain.

Pavillon de la Slovénie : appareils de chauffage pour les sensations chaudes
L’installation de sculptures de Mirko Bratuša Heaters for Hot Feelings est composée de huit pièces tactiles, anthropo- et biomorphiques, chacune d’environ 2 m de haut. Des appareils électriques cachés chauffent, humidifient et refroidissent les sculptures en terre cuite. La chaleur générée par le refroidissement des premières sculptures servait à chauffer les autres. Un réseau de connexions est mis en place comme un système de corps artificiels, qui indiquent leur dépendance mutuelle. Les métaphoriques d’un système artistique ainsi construit sont universellement applicables à la société moderne, dans laquelle tout se passe en relation mutuelle : amasser des richesses d’un côté de la planète conduit à la pauvreté de l’autre, exploiter la nature provoque des catastrophes naturelles, les troubles sociaux systèmes.

Les sculptures de Mirko Bratuša sont capturées dans divers états d’émotion. Ils sont incroyablement expressifs, conçus avec une extravagance sculpturale et un humour raffiné. Faisant allusion à des phénomènes farfelus de la tradition catholique occidentale, ils nous révèlent l’exotisme dans le banal. Ainsi, afin d’atteindre un niveau d’empathie plus élevé, ils sont fabriqués à partir du matériau résolument expressif et non plus commercialisé en masse de l’argile cuite. Ils sont tactiles, chauds et froids. Ils nous montrent l’aspect psychotique de notre vie quotidienne, reflètent nos peurs et parlent de notre sentiment d’être perdu dans la culture moderne, où il semble que nous ne pouvons plus affecter la politique et les relations sociales de pouvoir et qu’il n’est plus possible d’arrêter la processus de destruction de la nature. Par conséquent, suggère Bratuša, nous devons revenir aux perceptions élémentaires,au royaume de la sensibilité perdue.

Pavillon de la Turquie : Plan B
« Plan B » d’Ayşe Erkmen, s’appuie sur la relation inéluctable et complexe que Venise entretient avec l’eau. Le projet d’Erkmen transforme une pièce à l’intérieur de l’Arsenale en une unité complexe de purification d’eau où les machines fonctionnent comme des sculptures, enveloppant le public à l’intérieur du processus de filtration qui fournit finalement de l’eau propre et potable au canal. Chaque composant de l’unité de filtration a été séparé, diffusant la machinerie dans toute la pièce puis reconnectant les éléments avec des tuyaux prolongés. Erkmen chorégraphie les formes industrielles élégantes pour attirer l’attention sur le processus de transformation, au terme duquel l’eau purifiée est renvoyée dans le canal : un geste futile mais courageux contre l’échelle écrasante du canal et de l’océan.

Formellement, la pratique d’Erkmen commente souvent la relation du minimalisme entre les formes industrielles et le corps. Ici, l’installation génère une expérience viscérale pour les spectateurs qui s’incarnent dans le mécanisme de transformation. « Plan B » véhicule de manière abstraite les systèmes et processus auxquels nous participons quotidiennement : le sang circulant dans le corps, le Capital circulant à travers les frontières, les mécanismes d’autorité, l’approvisionnement en ressources naturelles tout en offrant une référence poétique à la potentialité du changement. Simultanément, l’œuvre est une critique subtilement humoristique de l’euphorie pour des solutions et des changements de courte durée non durables au sein des systèmes et des structures complexes qui nous entourent.

Pavillon du Royaume-Uni : moi, imposteur
« I, imposter » de Mike Nelson, une installation immersive pour le pavillon britannique. La nouvelle adaptation mélange des couches de temps et d’espace en réimaginant l’histoire d’une auberge en bordure de route du XVIIe siècle. Conçu pour soutenir les routes commerciales commerciales à travers l’Asie, l’Afrique du Nord et l’Europe du Sud-Est, l’espace était grandiose à son apogée. La dernière réinterprétation spatiale fait donc s’effondrer le temps en intégrant l’architecture du XVIIe siècle à des artefacts du présent récent, tels que des meubles en plastique et une télévision obsolète. Déplacer l’installation d’istanbul à venise déforme également la perception de la géographie, mais unit les histoires partagées des deux villes en tant qu’anciens centres commerciaux.

Pavillon des États-Unis d’Amérique : Gloria
Intitulé « Gloria », le pavillon américain réaménagé, il y a beaucoup de poussière dans l’air à l’extérieur, et avec tout le carton et les débris qui traînent comme une zone de guerre. Un char britannique de 60 tonnes renversé, appelé Track and Field, ils ont fixé un tapis roulant d’exercice au-dessus de la voie droite du char. Avec des performances de gymnastes américains a eu lieu à l’intérieur du pavillon. Une réplique de la statue symbolique de la Liberté se tenait à côté d’Algorithm, un tuyau monté avec un guichet automatique en état de marche, où l’orgue ne joue de la musique que lors d’une transaction.

Allora et Guillermo Calzadilla représentant les États-Unis avec cinq installations. Les plus arty comprennent l’événement que l’on appelle souvent les Jeux Olympiques du monde de l’art. Comme les athlètes, ils se préparent rigoureusement et finissent par concourir pour l’or. Gloria, comme dans la gloire olympique, ou la gloire de l’art, ou la gloire de la guerre. Mais un char renversé peut facilement être interprété comme un symbole de la gloire fanée de l’Amérique. Le visiteur peut voir la relation entre le militarisme, penser à la guerre. La sculpture renvoie aussi à la gravité, au poids, à l’assemblage, à la performance, au son. Il a donc toutes ces sortes de registres multiples qui le font dépasser une seule fin, utile, pratique, fonctionnelle.