La 16e exposition internationale d’architecture, intitulée « Freespace », organisée par Yvonne Farrell et Shelley McNamara et organisée par Paolo Baratta, a eu lieu du 26 mai au 25 novembre 2018. Le thème de cette année montre que l’exposition internationale d’architecture se concentre sur la question de l’espace , dans le but de promouvoir le « désir » d’architecture, la qualité de l’espace, l’espace ouvert et libre.

Le paramètre fondamental de référence est indiqué avec une grande clarté, le désir de créer Freespace peut devenir la caractéristique individuelle spécifique de chaque projet individuel. Pour comprendre l’architecture comme une « pensée appliquée à l’espace où nous vivons, que nous habitons », et proposer des exemples , enseignements et sujets de discussion.

L’invention et la créativité découvertes aux échelles micro et macro des bâtiments historiques libérés par l’intelligence des architectes ; des bâtiments oubliés revisités et ressuscités ; typologies transformatrices de l’habitat ; besoins en infrastructures traduits en équipements publics et civiques.

Un élément clé pour assister à la continuité de la tradition en architecture est la pratique de l’enseignement. De nombreux praticiens invités sont activement engagés dans l’enseignement. Le monde de la fabrication et de la construction se confond avec le monde imaginaire qui est mis en évidence au sein de l’exposition.

L’exposition FREESPACE se développe du Pavillon Central (Giardini) à l’Arsenale, et regroupe 71 participants. Réunis en deux Sections Spéciales : la première, comptant 16 participants, intitulée Close Encounter, rencontre des projets remarquables et présentera des œuvres issues d’une réflexion sur des édifices bien connus du passé ; la seconde, qui compte 13 participants et qui s’intitule La Pratique de l’enseignement, rassemblera des projets développés dans le cadre d’expériences pédagogiques.

L’exposition comprend également 63 participations nationales dans les pavillons historiques des Giardini, à l’Arsenale et dans le centre-ville historique de Venise. 6 pays participent pour la première fois à la Biennale Architettura : Antigua & Barbuda, l’Arabie saoudite, le Guatemala, le Liban, le Pakistan et le Saint-Siège (avec son propre pavillon situé sur l’île de San Giorgio Maggiore).

Le pavillon italien au Tese delle Vergini dans l’Arsenale, parrainé et promu par le Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo, Direzione Generale Arte e Architettura Contemporanee e Periferie Urbane, est organisé par Mario Cucinella et intitulé Arcipelago Italia.

Participants
Des architectes du monde entier, rejoints par les sections spéciales Rencontre rapprochée et La pratique de l’enseignement, répondent au Manifeste d’Yvonne Farrell et Shelley McNamara, afin de révéler, de mettre à nu, l’ingrédient d’espace libre ancré dans leur travail.

6A ARCHITECTES
L’histoire naturelle du Churchill College
L’œuvre de 6a est une litanie de matières disciplinées, de transformations de structures existantes, de tissages de nouveaux et d’anciens, toujours inventifs, toujours sensuels. Leur galerie du sud de Londres expose la structure, contrôle la lumière, plie l’espace et absorbe le paysage. Le bâtiment du XVIIIe siècle, qui abrite le centre d’exposition d’art contemporain Raven Row, a été réveillé par leur compréhension habile de l’histoire et de la superposition ultérieure. Donner vie aux matériaux semble être un ingrédient central de leur travail : le bois sous diverses formes ; un escalier en chêne vert du Belvedere Zollikon permettant des vues sur le lac de Zurich ; le béton du studio photographique de Jürgen Teller ; la façade en fonte du magasin d’Albemarle Street de Paul Smith. Un sumac et un eucalyptus participent activement à leur création spatiale, en tant que paire de 1830’Les chalets sont modifiés.

Pour cette Biennale Architettura, 6a se concentre sur leur résidence étudiante pour Churchill College, University Cambridge, où le chêne non traité et récupéré forme la nouvelle «écorce» du bâtiment, où le chêne neuf contraste avec l’ancien, ajoutant du raffinement. La forêt de bouleaux nouvellement plantée dans la cour résonne avec le proverbe grec intégré dans le manifeste FREESPACE.

A2 Architectes
Francisco Javier Sáenz de Oiza, Museo-Fundación Oteiza, Alzuza, Espagne
A2 ARCHITECTS est le résultat d’une exploration itérative du travail commun de l’architecte Francisco Javier Sáenz de Oiza et du sculpteur Jorge Oteiza. La proposition est une représentation abstraite de la Fundación Oteiza à Alzuza, Navarre, Espagne. Un artefact fondamentalement spatial et énergétique qui a l’obscurité et le mystère en son cœur. Cet espace circulatoire ou intermédiaire du bâtiment de la Fondation : lumière indirecte et circulation en rampe ; obscurité centrale du hall principal; et galeries inclinées éclairées par le toit au-dessus. Pour rendre cela manifeste, un «espace sombre externe» dans un espace intérieur en couches pour explorer l’écart entre l’épaisseur, la profondeur et l’intimité.

Oteiza s’efforce de les rendre tranchants et silencieux, vigilants et vides. Dans leurs états successifs, on les voit muter avec une autonomie absolue, comme un être animé. Ces œuvres sont des artefacts vivants ; instruments de protection et de défense. Avec des commandes légères pour former l’atmosphère ; comment il établit des relations avec le travail d’Oteiza et comment il guide le mouvement.

Aires Mateus
Francisco Aires Mateus, Manuel Aires Mateus
L’île de Laputa (Les Voyages de Gulliver) suggérant l’image de l’Atelier Mateus comme une île flottante habitée par des intellectuels obsédés par les mathématiques, l’astronomie, la musique et la technologie. L’œuvre bâtie d’Aires Mateus manifeste un raffinement de la pensée, de la forme, du langage architectural. Le travail est très ancré dans la réalité, dans de vrais enjeux, dans de vrais lieux, dans l’utilisation de vrais matériaux avec respect et sensibilité. Leurs croquis décrivent ce que les Smithson appelaient le « vide chargé », les espaces intermédiaires où tout peut arriver comme dans leur musée de la photographie et des arts appliqués à Lausanne.

Tous les croquis montraient l’échelle d’un être humain, soit en tant que spectateur, soit en tant qu’habitant. Cela reflète leur conviction éthique que « l’architecture travaille principalement pour la vie ». L’installation réalisée avec leurs élèves qu’ils décrivent comme « une réflexion sensible, poétique et mathématique, sur l’espace ». Ancré dans l’amour de la physicalité et de la matérialité de l’architecture, cet espace produit par leurs étudiants exerce une pureté poétique et une présence si appropriée dans le merveilleux espace de l’Artiglierie.

Alison Brooks Architectes
Quand Alison Brooks parle d’architecture, elle utilise des termes tels que générosité, civisme, quête d’authenticité et de beauté. Elle voit la beauté comme objective, disant qu’elle parle aux sens. C’est une expression de soins, un exemple d’artisanat et la valeur de la citoyenneté. Dans cette Biennale Architettura explorant l’espace libre, elle présente des manières d’expérimenter « l’espace d’habitation en tant qu’infrastructure civique qui permet le potentiel humain », regroupant des éléments pour intensifier les expériences, utilisant le bois comme matériau de liaison et polyvalent.

Se référant à l’influence bénigne de la beauté, elle confirme que les moments de beauté offrent sécurité, espoir, attachement et identité. La beauté est un langage qui s’est perdu. Elle comprend et interprète l’histoire et la culture, les matériaux et la structure, couvrant des échelles allant de l’échelle urbaine à l’intime. Elle relève des défis. Diagnostiquer la vie contemporaine afin que le changement, la modification et la croissance fassent partie de ses propositions de logement, elle considère le logement comme la forme d’architecture la plus laborieuse. Visant la générosité en volume et en hauteur, elle prône des plafonds hauts de 2,6 m pour assurer la lumière naturelle, estimant que si les proportions sont mesquines, alors l’expression sera mesquine. Pour elle, proportion, artisanat et beauté sont intimement liés. La polyvalence dans l’habitat invente de futures possibilités d’utilisation.

Alvaro Siza
L’exposition d’Álvaro Siza est cette réponse poétique très personnelle qui exprime la base du manifeste FREESPACE. Un écran incurvé placé en face d’un banc incurvé forme une douce étreinte, implique un enclos, une niche reflétant la lumière et les ombres tout au long de la journée, avec une pièce de sculpture sur laquelle contempler dans un moment de repos. Il y a aussi un sentiment d’ironie ajouté avec le placement d’une échelle dans l’espace, et dans le titre, Evasão, évasion ou évasion. Cela donne la valeur de liberté, la valeur de faire de l’espace qui enferme mais ne piège pas l’utilisateur, de faire de l’espace qui libère l’esprit.

Ce sentiment d’impliquer une clôture sans limites définies est une qualité d’inspiration dans le travail d’Álvaro Siza ; Nous l’avons d’abord expérimentée sous le porte-à-faux du Centre galicien d’art contemporain de Saint-Jacques-de-Compostelle, où l’espace est maintenu juste assez pour marquer un espace pour se tenir debout, un espace à partir duquel le contexte environnant est encadré et rendu plus présent.

Studio d’Architecture Amateur
Comment «légaliser» les structures illégales construites spontanément dans la ville grâce au design
Amateur Architecture Studio enseigne, teste des matériaux, construit des prototypes, change les opinions des gens et cherche à donner aux gens le temps de voir une autre façon de progresser. Il ne s’agit pas d’effacer le passé, mais qui trouve le moyen de tisser des désirs contemporains avec des artisanats réévalués, valorisant la culture. Kenneth Frampton écrit dans l’exposition intitulée The Architect’s Studio au Louisiana Museum of Modern Art, Danemark : « Basés à Hangzhou, Wang Shu et Lu Wenyu ont été les témoins directs du mastodonte consistant à maximiser la modernisation chinoise à partir de son impact sur leur propre ville. Trois il y a des décennies, Hangzhou avait été expressément choisi par eux comme un endroit souhaitable pour vivre et travailler, en grande partie à cause de CP01 ses vénérables traditions artistiques et son rapport harmonieux avec la nature… ».

Amateur Architecture Studio donne vie aux peintures de paysages chinois ; ils s’en enrichissent, constatant que ces tableaux invitent à entrer, à les pénétrer dans l’espace. Utilisant des crayons et non des ordinateurs, ils sont les gardiens du lieu et de l’atmosphère. Les lacunes «trouvées» dans le tissu urbain en évolution du village de Guashan offrent à Amateur Architecture Studio l’opportunité de recherche pour développer des prototypes au sein de minuscules éclats de FREESPACE. Ici, ils manipulent intelligemment l’espace pour offrir au travailleur migrant et au salarié à faible revenu une invention et une dignité considérée.

Andra Matin
Élévation
La propre maison d’Andra Matin avec ses plates-formes d’espaces entrelacés, synthétise l’artisanat contemporain, fusionne la modernité avec une compréhension fluide de la tradition spatiale. Son travail cherche des moyens de valoriser et de fusionner la tradition dans le travail contemporain. Expression de l’humanité sur cette planète fragile, les formes de construction traditionnelles témoignent de l’imagination et de l’invention.

Avec une population de plus de 265 millions d’habitants, l’Indonésie a la 4ème plus grande population au monde, dont plus de 55% de la population vit en zone urbaine. Dans tout ce vaste archipel, la construction traditionnelle a été une méthode éprouvée et acceptée pour enfermer la vie quotidienne par la construction. Sur de longues périodes, il a répondu au climat, aux croyances, aux normes sociales et aux matériaux disponibles. L’Andra Matin parcourt une distance de plus de 5 000 kilomètres dans l’archipel indonésien de Sabang à Merauke – qui sont des lieux positionnés à 6 degrés au-dessus et 8 degrés au-dessous de l’équateur – et présente des recherches sur les langages architecturaux locaux, qui se sont développés naturellement dans ce climat tropical. Cette recherche révèle des relations à la terre, au ciel, aux brises, soulignant la polyvalence de la pensée humaine, des traditions,compétences matérielles et techniques qui forment ces enceintes. Il représente la merveille des compétences inventives humaines.

Angela Deuber Architecte
Présence physique
Explorant un thème consistant à dépasser la frontière entre l’intérieur et l’extérieur, à dissoudre les frontières, à prendre conscience de l’intégration et de la continuité de l’espace et des contextes, Angela Deuber utilise le dessin comme méthode de chevauchement, pour fusionner les frontières des dessins architecturaux traditionnels ; une tache de blanc dans la mer de couleur devient le point d’ancrage du projet ; les plans du site et les sections du site sculptent le paysage ; plans et coupes de bâtiments planent ; les dessins en trois dimensions fusionnent les plans et les coupes ; les modifications de couleur à grande échelle se réfèrent aux méthodes de construction.

Ce que Deuber appelle Analytiques est une sorte de palimpseste, qui fusionne et superpose les différentes échelles du dessin architectural. Dans l’école de Thal, en Suisse, Angela Deuber libère l’espace avec une clarté structurelle. La Cluer House sur l’île de Harris, en Écosse, modifie le paysage pierreux et évocateur, revendiquant un nouveau territoire. Des vues lointaines sont capturées entre un nouveau toit et un paysage de grenier. « Être dans cette maison est à oublier mais parfaitement sécurisé et gratuit » (Divisare). Nous voudrions que le visiteur s’arrête et fouille ces panneaux et donne à chacun du temps, car en cherchant ces dessins, vous apprenez à démêler les histoires des bâtiments qu’ils représentent.

Architecte De Vylder Vinck Taillieu
Sauf si jamais les gens – Caritas pour Freespace
Le projet que de Vylder Vinck Taillieu présente dans cette Biennale Architettura est CARITAS, l’intervention dans une ancienne clinique psychiatrique à Melle, en Belgique, où à l’origine chaque département avait sa propre villa, formant un lieu unique uni par son style architectural particulier. Deux composantes particulières de notre manifeste résonnent profondément avec le travail de l’architecte de Vylder Vinck Taillieu. Le premier est : « FREESPACE encourage à revoir les manières de penser, de nouvelles manières de voir le monde, d’inventer des solutions où l’architecture assure le bien-être et la dignité de chaque citoyen de cette planète fragile ». La seconde est : « L’ESPACE LIBRE peut être un espace d’opportunité, un espace démocratique, non programmé et libre pour des usages non encore conçus ».

Au fil des ans, des bâtiments ont été démolis, détruisant la composition de ce campus. Un nouveau directeur a arrêté le processus de démolition, lançant un concours d’architecture. Heureusement, il a été remporté par de Vylder Vinck Taillieu et avec leur intelligence architecturale, leur compétence et leur humanité, l’histoire de ce lieu avance à partir de ce moment-là. Ils ont posé une question cruciale : que faites-vous avec un bâtiment à moitié démoli ? La pensée stratégique libre radicale employée par ces architectes conduit à une solution complètement inattendue et merveilleuse, où le passé et le présent, la matérialité tactile et la mémoire éphémère s’entremêlent.

Assembler
Le sol de l’usine
Le groupe nommé « Assembler » représente des valeurs profondément opposées à celles des orientations actuelles de l’immobilier et de l’urbanisme et des architectes qui les servent. Là où les valeurs foncières élevées dans le sud de l’Angleterre et dans d’autres parties du pays écrasent la plupart des choses auxquelles un prix ne peut être attaché, elles défendent les avantages non quantifiables, en particulier de la société humaine, de personnes profitant de la vie ensemble parce que c’est mieux que de faire cela par eux-mêmes.

Ils présentent un certain nombre de leurs projets : le prix Turner 2015 Granby Four Streets, Liverpool ; le Cineroleum; et Folly for a Flyover – un sous-sol d’autoroute à Londres, qui forme un nouvel espace public. Ils repensent les situations, ils inventent. Leur exposition, The Factory Floor, présentée dans la Sala Chini, implique des milliers de tuiles en terre cuite, ce qui crée un territoire distinctif à travers le seul matériau. Développé par Granby Workshop Liverpool, chaque tuile capture un moment de chance dans l’acte de fabrication. Après cette Biennale Architettura, ces carreaux uniques seront installés en permanence dans le jardin de la Fondation VAC à Venise.

Atelier Peter Zumthor
Rêves et promesses – Modèles de l’Atelier Peter Zumthor
Imprégné de Heidegger, sa pensée est fondamentalement liée à l’expérience du lieu. Pour lui, les lieux et les espaces sont stockés dans nos corps et sont le terreau fertile et les points de départ de son travail… « la pensée n’est pas abstraite, mais fonctionne avec des images spatiales. Elle a des composantes sensuelles ». Son sens haptique très articulé lui permet d’être dans ses espaces futurs imaginés, tout en étant simultanément dans des expériences antérieures. Il invente des espaces dont il espère que quelqu’un « … se souviendra avec plaisir… ».

Dans cette exposition, Zumthor propose un atelier de ses modèles pour que nous puissions en profiter, nous permettant d’explorer son propre voyage des pensées et des souvenirs à la réalité, à ses espaces qui nourrissent l’âme. Dans une société qui célèbre l’inessentiel, l’architecture peut opposer une résistance, lutter contre le gaspillage des formes et des significations et parler son propre langage. Je crois que le langage de l’architecture n’est pas une question de style spécifique. Chaque bâtiment est construit pour un usage spécifique dans un lieu spécifique et pour une société spécifique. Mes bâtiments tentent de répondre aux questions qui émergent de ces faits simples de la manière la plus précise et critique possible.

Aurélio Galfetti
La maison de Paros et la transmission du savoir
Aurelio Galfetti a réalisé un film enregistrant une merveilleuse conférence qu’il a donnée à des étudiants et à des collègues, en utilisant des dessins à la craie blanche sur un tableau noir, décrivant à la fois ses valeurs humaines et sa philosophie architecturale. La conférence décrit le processus de conception de sa maison sur une île grecque. A travers ses croquis à la craie, il décrit et tisse ses premières expériences de vie dans une vallée profonde en Suisse, et sa recherche de son site de rêve dans un paysage idéalisé avec un grand horizon. La maison forme un grand espace collectif à l’échelle du paysage étendu.

Aurelio Galfetti a joué un rôle clé en tant que professeur, directeur d’école et fondateur de l’Accademia di architettura di Mendrisio, USI. Son œuvre bâtie a eu une énorme influence dans la culture de l’architecture et sur nous en tant que jeunes architectes. Les bâtiments de Galfetti décrivent sa croyance continue dans l’harmonie nécessaire entre l’architecture, l’infrastructure sociale et le territoire qu’elle occupe, à la fois physique et culturel. La simplicité, la générosité et l’ouverture de son style de présentation représentent pour nous la quintessence de la façon de communiquer les vraies valeurs de l’architecture. Pour nous, cette conférence rassemble l’énergie imaginative créative de l’architecte en exercice avec la capacité de stimuler l’imagination et l’enthousiasme des étudiants et des collègues.

Barclay & Crousse
La présence de l’absence
Les projets cherchant comme des archéologues, ils positionnent l’architecture contemporaine comme le témoignage silencieux du paysage, du mouvement et de la matérialité, comme des enclos humains tendres et abstraits face aux océans et aux déserts à l’espace infini. Quand on parle de construction au Pérou, il est possible de « entretenir l’imperfection », ce qui signifie qu’il est possible au Pérou d’exploiter les méthodes de construction locales d’une manière qui libère l’architecture et permet aux architectes « une chance de s’émerveiller », avec des ressources limitées. , avec la liberté d’inventer. Lorsqu’ils observent le monde, ils parlent de construire en Europe, où l’accent est mis sur le détail, l’illusion de contrôle et d’efficacité.

Discutant de leur musée de Sitio Julio C. Tello, les architectes décrivent « la patine laissée par les constructeurs dans le ciment poli donne au musée un aspect céramique qui ressemble aux céramiques précolombiennes qui sont exposées à l’intérieur », où un ciment pouzzolane de teinte rouge se fond le nouveau bâtiment aux tons du désert environnant.

Architectes et études de la Colombie-Britannique
L’acte de construire
Terre modifiée, travail humain et pensée construisent une bibliothèque à Muyinga, Burundi, Afrique. C’est une école inclusive pour les enfants malentendants. En commençant par des recherches approfondies sur son climat de soleil intense et de fortes pluies, ainsi que par l’étude de la culture et des techniques de construction, une méthode de construction avec une implication locale a été développée. La maçonnerie en blocs de terre comprimée et les tuiles en terre cuite répondent à un système structurel simple. Le volume et la ventilation croisée simple donnent du confort.

A un niveau supérieur, un hamac en corde de sisal fabriqué à la main agit comme un monde suspendu indépendant et inventif pour les enfants. C’est le type de réflexion et de fabrication qui est au cœur de la méthode de recherche architecturale de BC architects & studies : trouver le besoin ; rechercher un moyen d’y parvenir qui implique la participation; encourager les gens à se sentir responsabilisés par la planification ; imaginer quelque chose de nouveau et le rendre réel. Sous le titre The Act of Building, ces chercheurs-action présentent quatre projets utilisant cinq méthodes pour véhiculer leurs stratégies d’investigation, l’utilisation des outils et la technique de construction.

Bearth & Deplazes Architekten
Amours – Microcosme
Cette minuscule exposition située dans le grand espace héroïque de la Corderie. Il pose la question de la présence, de l’intimité et de la découverte en architecture. Bearth décrit les deux parties comme la pratique (Amours) et l’enseignement (Microcosme). Ce qui est également intriguant, c’est que le travail du professeur Microcosmi, exposé dans cet espace minuscule, assez solide pour survivre au grand paysage et au climat rigoureux des montagnes suisses.

La dualité de la structure est également intrigante. Le monde du professeur et le travail de Bearth & Deplazes dans une moitié de la petite boîte, le monde de l’étudiant dans l’autre. Le travail des étudiants est une exploration continue des modes de vie, des formes d’habitation et du microcosme du quotidien intime dont l’architecture est le cadre. Cette exposition célèbre à la fois les mondes séparés et interactifs de l’enseignant et de l’élève. Si les connexions ne sont pas évidentes en termes de travail produit, ce que le visiteur apprécie, ce sont les différentes énergies des deux. Les qualités partagées relèvent plutôt de la curiosité, de la rigueur, de la construction, de la matérialité, de la création de l’espace et de la synthèse. Une « petite cabane » pleine de riches trésors à découvrir.

Benedetta Tagliabue – Miralles Tagliabue Embt
Tissage Architecture
Faisant une nouvelle station de métro dans une banlieue est de Paris, Tagliague décrit le quartier comme manquant d’identité. La nouvelle gare et la place attenante sont l’occasion de transformer la place grise et abandonnée en une place colorée, où les formes du toit de la pergola, basées sur les motifs décoratifs et les couleurs de l’Afrique, donnent une nouvelle vie à l’espace. Cette pergola fait partie de la Biennale Architettura, où l’architecte tisse le sens dans un motif répété, fusionnant l’artisanat avec l’architecture, le personnel et le général.

Les merveilles naturelles du monde sont vues comme des sources d’inspiration, tissées dans le travail de cet architecte. By a observé le mouvement des volées d’oiseaux alors qu’ils survolaient le paysage environnant. Les dessins de ces murmures, les modèles de vol des oiseaux, sont devenus la base d’inspiration de leur proposition, où le mouvement, la construction et le paysage fusionnaient.

Groupe Big-Bjarke Ingels
Grand U : Humanhattan 2050
En collaboration avec la ville de New York, la proposition BIG U a été développée pour protéger le Lower Manhattan des inondations, des tempêtes et des conséquences du changement climatique. Le projet forme un « collier » de dix milles autour d’une zone basse de Manhattan formant un système de protection, un système qui fournit également des équipements communautaires nécessaires localement. Les arbres et les plantes résilients et tolérants au sel, placés dans le nouveau parc public, ajoutent une protection, tout en offrant du plaisir aux citoyens dans les zones de loisirs nouvellement construites.

Le projet inventif et stimulant, en plus de fournir des investissements d’infrastructure indispensables, capture une composante civique avec générosité. Nous espérons que ce projet à New York pourra être une source d’inspiration pour les nombreux endroits dans le monde qui doivent faire face à des problèmes similaires, que ce soit dans l’immédiat ou dans un proche avenir et que nous puissions tous bénéficier de leurs expériences partagées. Cette équipe diversifiée aux expertises interconnectées recherche des solutions à des problèmes réels et fournit simultanément des composants civiques à l’épreuve du temps.

Boyd Cody Architectes
Eileen Gray, E-1027, Roquebrune & Tempe à Pailla, Castellar, Alpes Maritimes, France
Ce projet est une exploration de l’emplacement ou de la mise à la terre de deux des maisons d’Eileen Gray, E-1027 et la moins connue Tempe à Pailla. Il y a une compréhension contextuelle démontrée dans la conception de ces deux maisons qui affirme davantage la capacité innée de Gray en tant qu’architecte.

Deux des dessins originaux du site, une section et un plan, servant de modèles spatiaux pour deux grandes pièces murales, traduisant ses lignes au rendu exquis dans l’espace matériel. Chaque maison est absente des études ; ce qui reste c’est le sol ou l’ESPACE LIBRE qu’elle manipule pour eux. Ces modèles ne sont pas seulement des représentations, mais lorsqu’ils sont vus sous un autre angle et lus à une autre échelle, ils deviennent des expériences spatiales ancrées en eux-mêmes.

Bucholz Mcevoy Architectes
Frederick Law Olmsted, Delaware Park, Buffalo, États-Unis
L’intention sous-jacente du travail d’Olmsted à Buffalo fait référence au placement d’une ville dans un parc par opposition à des parcs dans une ville. La nature est considérée comme une sous-couche nourricière de la ville. C’est aussi un premier plan complexe, multiforme, révélateur et chorégraphié, porteur de systèmes vivants, offrant des espaces et des lieux d’engagement avec la nature-ville, structurant un avenir en phase avec le temps, incarnant le changement. Créer une riche palette de lieux civiques verts, diversifiés, démocratiques, égalitaires, formels et informels, voies vertes, paysages pastoraux, espaces cérémoniels, espaces privilégiés, lieux paysagers favorisant les loisirs et la socialisation, soutenant l’idéal d’une ville de vie saine.

La proposition dans sa composition cherche à explorer les qualités du travail d’Olmsted à Buffalo à travers des méthodes de fabrication, d’assemblage, de tissage, de superposition, de transformation et d’expression de certaines des qualités spatiales, haptiques et expérientielles des paysages d’Olmsted. Collaborer avec les systèmes naturels, calibrer le temps qui passe, être témoin des histoires de la ville au fil du temps, incarner les mémoires culturelles, s’adapter aux nouveaux modes d’utilisation. Le système connecté : une série d’espaces de parc, des promenades, des cercles verts comme tissu conjonctif, un collier d’espaces verts, accueillant des chemins de mouvement (piétons, cyclistes, calèches, patineurs), le tout créant une infrastructure verte cohérente. Tissage soigné de la topographie, entremêlant les systèmes naturels et construits, avec une superposition du plan de masse pour accueillir les chemins de surface, les eaux souterraines,et le drainage, tout en créant et en dirigeant des vues.

Burkhalter Sumi Architekten avec Marco Pogacnik
Konrad Wachsmann – La structure de la vigne
Burkhalter Sumi allie construction et recherche avec une fascination pour la modernité et la tectonique de l’architecture. Leur livre récent se concentre sur la section en tant qu’ADN de l’espace. Leur travail va de projets complexes à des dessins à la craie viscérale qui sculptent le papier et réclament de l’espace. Leur capacité est d’« ouvrir » l’essence des structures historiques, en décrivant les origines et les sources, en plaçant l’œuvre dans son cadre historique.

Lors de la 16e Exposition internationale d’architecture, ils présentent une œuvre de Konrad Wachsmann, considéré comme l’un des principaux représentants de la préfabrication industrielle, à l’instar d’Alberto Mangiarotti, Marco Zanuso, Buckminster Fuller et Jean Prouvé. Avec la vigne, Wachsmann invente un système semblable à une vigne, où les nœuds et les structures de support forment une seule entité. C’est peut-être l’une des conceptions de construction les plus radicales de l’époque de Wachsmann, qui n’existait jusqu’à présent que sous forme de dessin. Réalisée spécialement pour la Biennale Architettura 2018, une construction à l’échelle 1:1, placée dans les Giardini, permettra de comprendre et d’apprécier cette sculpture massive, cette « double colonne ».

Carla Juaçaba
Ballast
Cédric Price a voulu créer une image du futur, son intention était différente car elle avait affaire à ce qu’il était possible de faire, avec un rapport direct à la réalité, Cette structure d’échafaudage de confinement radicale et éphémère de 90 000 m2 n’était pas une étude de forme, mais une sorte d’abstraction.

Lorsque son pavillon 2012 a ouvert au public, il y avait une file d’attente de personnes d’un kilomètre de long pour accéder à ce bâtiment gratuit. Ses projets construisent avec une clarté de construction, discutant du type de sol sous les fondations, de l’industrie de la construction où les dessins ne sont parfois pas nécessaires, dans un climat où la nature luxuriante envahit en très peu de temps. Faisant référence à la corderie historique de la Corderie et utilisant le terme nautique Ballast, Juaçaba apporte une idée du poids et de la masse du béton, et de la propriété de traction de la corde à la Biennale Architettura, présentée comme des totems de béton dans les Giardini.

Carr Cotter & Naessens Architectes
Auguste Perret, Salle Cortot, Paris, France
Instrument de jeu et d’écoute très accordé, la Salle établit entre la musique et l’auditeur un rapport intime et intense. Le plan est ingénieux, une réponse particulière au site resserré mais typologiquement dérivé d’une riche tradition de salles de réunion – le bouleuterion grec, le Teatro Olimpico et le Teatro Farnese. L’expérience essentielle de cet espace archétypal est la connexion entre la musique et le public. La musique progresse dans ses notes, accords et harmonies au fil du temps, modifiée et accordée par l’espace et la forme du bâtiment lui-même, mais aussi par les membres du public assis. Sans siège à plus de 17 mètres de la scène ovale, le public réduit la réverbération, tandis que les angles et les courbes de l’enceinte diffractent et reflètent le son.

La salle Cortot est réputée pour sa superbe acoustique et son espace intimiste. Le bâtiment présente un frontispice sobre et magnifiquement travaillé sur la rue, révélant peu de la surprise de cet espace extraordinaire, moulé de béton bronzé et de contreplaqué. L’environnement acoustique est finement réglé et les moyens par lesquels cela est réalisé, le volume, la proportion, l’articulation et la superposition des matériaux sont complètement intégrés dans la conception du bâtiment.

Caruso St John Architects avec Philip Heckhausen
La façade est la fenêtre sur l’âme de l’architecture
Dans l’esprit du thème de FREESPACE, Caruso St John se concentre sur la façade, révélant sa richesse historique et son potentiel de générosité sociale. Au moyen de son propre travail et de façades choisies de différents lieux et de différentes époques qui l’ont influencé, le visiteur de la Biennale Architettura peut approfondir, « plus profondément dans la construction de ces façades et dans la relation mystérieuse entre l’image urbaine et réalité matérielle ».

Dans tous leurs travaux, Adam Caruso et Peter St John discutent du potentiel émotionnel et des qualités physiques de la construction. La pratique comprend et orchestre les matériaux, jumelant les mondes de la recherche de l’enseignement et de la preuve par la construction inventive. Le lieu et le brief donné nourrissent leur imaginaire, ancrent sensuellement leurs bâtiments. La mémoire et la familiarité se transforment en beauté et en élégance contemporaines.

Conception de cas
Une école en devenir
Un campus par Case Design, qui est une collection de structures simples disposées autour d’une série informelle de passerelles, de cours, de jardins et de terrasses. Case Design déclare que FREESPACE est créé par des participants réfléchis qui sont prêts à s’engager dans l’acte de créer, décrivant des moments d’intimité. Dans la 16e Exposition Internationale d’Architecture, ils présentent des maquettes, des tables, des tabourets, des luminaires, des écrans formant des espaces à l’échelle pour ressentir d’autres lieux et d’autres vies.

Ce nouveau campus scolaire, l’Académie Avasara, est proche du village de Lavale près de Pune et assure l’éducation de jeunes femmes en Inde. Des salles ont été disposées autour du périmètre des bâtiments permettant au noyau central d’être complètement ouvert pour servir uniquement à des fins de circulation. Cette partie de l’Inde est chaude et humide. La réponse naturelle de l’environnement est d’aspirer l’air de l’extérieur à travers une série de conduits de terre, où il est passivement pré-refroidi, avant d’être acheminé dans les salles de classe et les espaces de vie. Ces cheminées solaires utilisent la chaleur du soleil, conçue pour entraîner tout le flux d’air. Une structure en béton fournit une matrice ouverte d’espaces avec des écrans de bambou fournissant de l’ombre.

Cino Zucchi Architetti
Merveilles du quotidien – CZ lit l’écran LCD
L’architecte milanais Cino Zucchi pour présenter le travail de Caccia de son propre point de vue. un architecte qui déchiffrerait et apporterait à la communauté des architectes et à un public plus large une architecture italienne spécifique. Présenter l’importance de l’architecture italienne sur la scène mondiale, nous a incités à nous intéresser à l’architecture italienne récente.

Cino Zucchi a répondu que l’architecture est la toile de fond bien-aimée de nos vies. sa méthode d’architecte comme une approche de type mix and match, où l’analyse seule ne suffira pas et l’invention seule ne suffira pas, où les habitudes et la culture filtrent les données brutes pour faire de l’architecture. Il déclare que ses valeurs sont l’urbanité, la beauté des villes et la nouvelle responsabilité environnementale Cino Zucchi explore le travail de Caccia Dominioni sous trois titres. Façades : écrans habités dans la ville ; Espaces intérieurs : grottes creusées par le mouvement et la lumière ; et Détails : entrelacs narratifs entre matière et forme.

Clancy Moore Architectes
Kay Otto Fisker, Hornbækhus, Copenhague, Danemark
Le Hornbækhus fait une architecture généreuse de moyens minimes. C’est une architecture d’infrastructure. La ligne prolongée de sa façade marque un territoire au sein duquel une communauté a été gracieusement réunie. Son succès réside dans le calibrage de son architecture, l’articulation soignée de divers éléments. Seuls six dessins de Hornbækhus de Kay Fisker survivent. Ces fiches relatent la construction d’une ville comme une conversation entre la stratégie et le détail. Leur économie et leur précision décrivant le minimum requis pour permettre l’habitation. Le projet refait cette architecture de relief en trois fragments représentant l’essence des Hornbækhus. La forme de ces pièces décrit les différentes conditions d’angle du bloc. Tandis que leur articulation surfacique, tant à l’intérieur qu’à l’extérieur, est tirée du bâtiment’s différentes façades.

Cette attitude réside surtout dans le traitement des façades du bâtiment. Bien que massives, ses façades extérieures sont douces avec les fenêtres qui font face à la ville exprimées en avant, accompagnées de généreuses bandes de plâtre. Celles-ci captent la lumière et dématérialisent les grands murs de briques. Ce faisant, cette façade devient un rideau tiré réuni à chacun de ses angles vifs par des joints de pierre. Il est suspendu à une corniche soulignant son caractère de tissu tendu s’adressant à la ville. En revanche, sa face interne est définie par des fenêtres légèrement en retrait. Un visage plus fort est fait à l’enceinte plus intime. Les coins internes de cette salle commune sont chanfreinés pour rendre son étreinte plus complète.

Historiens de l’architecture cramoisie
Une ville de va-et-vient
Crimson Architectural Historians est un travail collectif entre la recherche historique, la critique et la pratique architecturale, avec la ville contemporaine comme sujet. Ils considèrent l’histoire non pas comme un événement clos dans le passé, mais comme quelque chose qui peut donner à la ville un sens à travers le temps, et leurs projets tentent de faire fonctionner ce potentiel historique latent dans le présent.

FREESPACE encourage à revoir les façons de penser, de nouvelles façons de voir le monde, d’inventer des solutions où l’architecture assure le bien-être et la dignité de chaque citoyen de cette planète fragile. possibilités. Ils ont des questions qui pourraient nous embêter : que pensons-nous du changement ? Quelles nouvelles politiques pourraient permettre l’inclusion ? Comment la société peut-elle s’enrichir de l’altérité ? Comment considérer les dynamiques migratoires comme bénéfiques et enrichissantes à la fois culturellement et économiquement ? Comment les villes peuvent-elles réagir, absorber et faciliter le changement et les opportunités ? Au niveau pratique et physique, comment l’architecture, l’urbanisme, les politiques spatiales et économiques peuvent-elles se combiner pour créer un monde meilleur ?

David Chipperfield Architectes
Au-delà / But
David Chipperfield confirme l’impact total que l’architecture a sur les citoyens de ce monde. Il décrit la beauté d’une peinture du XIVe siècle représentant Sienne comme étant « spatiale et normale » et critique une grande partie de l’architecture contemporaine, en particulier le développement de la ville, « comme quelque chose qui nous arrive ». Dans la fabrication de l’architecture, il maîtrise l’idée et la construction dans la production d’œuvres contemporaines.

En tant que commissaire de la Biennale Architettura 2012 sous le thème Common Ground, il a encouragé les participants à déclarer leurs sources, à trouver ce qui est partagé. Il semble fondamental pour le travail de son bureau, qu’une compréhension profonde et un respect du passé forment le tremplin vers une nouvelle vision de la modernité. Le dialogue est considéré comme un processus inclusif, la collaboration comme étant essentielle à la production de l’architecture. Construire l’histoire, ne pas l’effacer, communiquer, écouter, enrichir la qualité physique de l’espace : telles sont les valeurs confirmées par son travail. Dans la réponse de David Chipperfield à FREESPACE, le dessin de Karl Friedrich Schinkel de l’Altes Museum met l’accent sur la générosité de l’espace et du bâtiment public. La James-Simon-Galerie, en construction sur l’île aux musées de Berlin,devient le véhicule pour discuter et décrire les valeurs du développement d’un langage civique.

De Blacam et Meagher architectes
Cercle d’espace libre
De Blacam et Meagher sont passés maîtres dans l’art de la construction. Pour la 16e exposition internationale d’architecture, ils établissent un lien merveilleux avec Venise à travers la peinture et le dessin de Gentile Bellini, Une procession sur la place Saint-Marc. En collaboration avec l’artiste Alice Hanratty, ils ont réalisé un dessin, « d’après Bellini », de l’espace social central de leur bâtiment à l’Institut de technologie de Cork. Ce dessin met en scène les valeurs exprimées dans leur installation FREESPACE.

Le projet Cork est présenté aux côtés de la Maison du Canada surplombant St Stephen’s Green à Dublin. Le bâtiment en briques rouges de Cork invente un espace public intemporel pour cette institution. Le bâtiment en pierre blanche Roach Bed Portland crée une nouvelle pierre angulaire solide dans la ville, consolidant la place de Dublin du XVIIe siècle. Les murs rouges et blancs et la magie de Venise pénètrent la pensée de ces architectes. Le bâtiment rouge de Cork est un ensemble extraordinaire de surfaces et d’espaces en brique. Le bâtiment en pierre blanche de Dublin a une immobilité et un équilibre classiques. L’installation montre d’autres œuvres à Ibiza et la combinaison de dessins, de livres et de photos crée une atmosphère de contemplation calme où l’on sent la capacité de ces architectes à livrer une architecture qui enrichit véritablement notre vie civique.

Dépaor
Giovanni Michelucci, Église de San Giovanni Battista « dell’Autostrada », Campi Bisenzio, Florence, Italie
Une rencontre rapprochée fait référence à une classification des expériences de l’inconnu – de haut en bas, par ordre de proximité : observation, preuves physiques et contact. Imaginez l’affiche de Spielberg. Ce sont des dessins de l’église de l’autoroute, réalisés à distance, suite à une rencontre. Quand sommes-nous assez proches pour le savoir ? C’est un vieux dilemme entre l’architecture et sa représentation, le paradoxe de l’exposition, de la conservation et bien sûr de l’enseignement.

L’église de Giovanni Michelucci est un bâtiment extrêmement beau et efficace. Désapprouvé « la qualité volontaire des images de la structure et des espaces aléatoires » – peut-être inévitable lorsque l’on regarde des images, comme nous le faisons tous et souvent. Il s’est passé quelque chose entre la première et la seconde édition, entre l’image et le texte, l’espace et le temps. Il a visité. Michelucci a parlé du défi de faire un eye-catcher sur la nouvelle A1 de Milan à Naples. Il a dit vouloir en faire une « paroisse pour touristes » dans une nouvelle culture automobile et donc l’iconographie du pèlerinage : la traversée de la mer Rouge, le voyage des mages et des villes donatrices en silhouette volante. Il a dit qu’il voulait faire un bâtiment sans fin – un nœud sur l’autoroute du soleil.

Diller Scofidio + Renfro
Post-Occupation : le Roy et Diana Vagelos Education Center
Cette tour d’apprentissage, une école de médecine, offre un moyen de créer un espace vertical fluide, brisant la tyrannie de la plaque de sol répétée normalement associée à la fabrication de tours. La qualité théâtrale du ruban vertical d’espaces composé d’escaliers, d’amphithéâtres sociaux et d’études, de galeries et de paliers généreux, tous contribuent à unifier ce bâtiment de quatorze étages en un seul espace libre convivial. Cette installation imaginative combine la présence d’un grand modèle physique avec une méthode dynamique de documentation de la vie du bâtiment à l’aide de deux vidéos de drones.

Il s’agit d’une université verticale dynamique, optimiste et libératrice pour les étudiants et les professeurs, un espace libre généreux où l’interaction sociale est célébrée et où la découverte du savoir est favorisée dans le dynamisme de la forme et la fluidité des espaces. Citant l’influence de la façon dont Robert Altman a filmé The Player et utilisant des drones d’une manière similaire pour enregistrer la vie d’un bâtiment terminé et occupé, c’est comme si le visiteur était une présence invisible regardant à travers les fenêtres, ou une mur’, témoin des activités à l’intérieur.

ADN_Design et architecture
L’histoire de Songyang
Situé dans sept villages du comté de Songyang, province du Zhejiang en Chine, cette série de sept projets représente la diversité de l’architecture et sa capacité à enrichir la vie quotidienne des communautés existantes. Le niveau d’ambition qui anime chacun des projets est impressionnant, tout comme la composante imaginative apportée à chaque contexte spécifique. Un salon de thé, un théâtre en bambou, un pont piétonnier, un musée Hakka, un atelier de sucre brun qui est aussi un espace de divertissement et un atelier de teinture traditionnelle ; chacun destiné à fournir un nouvel espace public gratuit.

L’architecture est ici présentée comme le véhicule de l’expression collective de chacune de ces communautés. On sent l’engagement et la capacité de l’architecte à écouter, à collaborer, à opérer avec un véritable esprit de générosité avec la plus grande compétence et sensibilité. Le visiteur monte sur la carte de ce vaste territoire décrivant l’échelle du paysage dans lequel ces projets sont réalisés. Ce qui est merveilleux, c’est l’éventail des formes, des stratégies, des techniques architecturales et des matériaux utilisés. Il y a un pouvoir optimiste dans ces interventions relativement modestes. L’imbrication du travail avec le divertissement, du théâtre avec la vie collective, du rituel avec la convivialité, de la tradition avec l’économie, montre la pensée progressiste à l’œuvre.

Dominic Stevens, Jfoc Architectes
Alejandro de la Sota, Gymnase Maravillas, Madrid, Espagne
De la Sota crée une arène d’action en trois dimensions, c’est un spectacle auquel les gens participent, ils inventent et réinventent cette action au quotidien. Il a conçu l’espace pour cela avec la force brute d’une structure brute et d’un matériau simple. Le modèle de la Biennale Architettura s’intéresse aux personnes, aux acteurs détenus dans un espace auparavant inimaginable, abrité par l’invention structurelle d’Alejandro de la Sota. Personnes, structure et spectacle.

Donaghy + Dimond Architectes
João Batista Vilanova Artigas, Carlos Cascaldi – Anhembi Tennis Club, São Paulo, Brésil
Vilanova Artigas a conçu l’infrastructure sociale du point de vue pauliste et communiste, en s’appuyant sur sa formation initiale en ingénierie et ses premières pratiques en architecture. Ces fils sont évidents dans la nature de l’espace créé par la structure en relation avec une idée commune de la société. Le processus d’étude est matériel, testant l’équation du poids et de sa répartition, de la matière et de ses innombrables qualités par rapport à la lumière et à l’air, à travers lesquelles l’espace se charge. Vilanova Artigas se distingue comme un architecte qui a embrassé les qualités des matières premières, dont la présence dans des structures articulées crée FREESPACE de concert avec le sol sur lequel elles reposent.

Voici une étude du champ exosquelettique du toit en tant que trope dans l’œuvre de Vilanova Artigas, en collaboration ici avec Carlos Cascaldi : un captage, une donnée perforée drainant, abritant, ombrageant et modulant la lumière au-dessus, tandis que la topographie fluide de terre habitée, les activités et le paysage se jouent en dessous. Vilanova Artigas crée un bosquet sous et dans lequel les logements se promènent en section. Le plan est un contrepoint à la structure sérielle dont l’ordre filtre les éléments et enchevêtre les jardins pour libérer un ESPACE LIBRE dans sa portée et sa portée arrière.

Dorte Mandrup A/S
Conditions Icefiord Centre, Ilulissat, Groenland
Le projet situé dans l’extraordinaire Centre Icefiord au Groenland. Il s’agit d’un projet qui relève les défis les plus extrêmes imaginables en termes de climat. D’où le titre choisi par les architectes – CONDITIONS. C’est aussi un bâtiment très chargé en termes d’ambition et de fonction. L’importance historique de l’endroit où « le peuple inuit et les Européens (nordiques) se sont rencontrés », combinée à la création d’un lieu habitable pour l’interaction sociale au sein de la « superpuissance de la nature » ​​a produit un projet suffisamment robuste pour s’asseoir légèrement sur la terre et exercer une présence singulièrement poétique.

L’ensemble du travail produit par cette pratique reflète bon nombre des valeurs exprimées dans le manifeste Freespace. Le profil de pratique fait référence à « avoir une solide compréhension de la réalité tout en rêvant à voix haute ». Le travail est le produit d’une pensée créative et rafraîchissante produisant des projets très aboutis allant d’un entrepôt Ikea à des bâtiments urbains complexes à usage mixte et à des écoles. Un autre filon d’œuvres très sensibles se situe dans le paysage. Des projets tels que le Centre de la mer des Wadden construit entièrement en chaume et le Centre trilatéral de la mer des Wadden à Wilhelmshaven, construit au-dessus d’un bunker en béton existant. Ce travail montre la maîtrise de l’interprétation des conditions culturelles, écologiques et climatiques données.

Élémentaire
Espace libre : la valeur de ce qui n’est pas construit
Elemental agit parfois en tant que penseur stratégique et inventif et parfois en tant que fabricant actif de bâtiments finis. Le travail s’étend de plusieurs projets de logement progressifs à « système ouvert » à la forme sculpturale claire du Centre d’innovation pour le groupe Angelini. FREESPACE encourage « de nouvelles façons de voir le monde en inventant des solutions où l’architecture assure le bien-être et la dignité de chaque citoyen sur cette terre fragile ». Alejandro Aravena d’ELEMENTAL milite continuellement pour cette cause, soulignant la nécessité pour l’architecture de faire face à l’énorme problème de fournir des « systèmes ouverts » plutôt que des objets finis, afin de loger dignement la population croissante du monde et de nos villes.

Il propose que Freespace soit utilisé comme un verbe, « un commandement pour laisser des vides inoccupés » afin de capitaliser sur l’initiative spontanée des gens pour s’étendre et se construire. Son appel à laisser l’espace libre comme « réserve d’espace public » est louable. Il cite la proportion de terres privées à l’espace public dans les pays développés comme étant de 1:1, tombant à 1:10 dans les pays sous-développés. Ses arguments sont faits à travers ses propres croquis et textes tels qu’exposés ici dans cette Biennale Architettura. Les grandes idées qui vont droit au but sont exprimées simplement et clairement et ne peuvent être ignorées.

Elisabeth & Martin Boesch Architectes
Réutilisation, noir jaune rouge
Martin et Elisabeth Boesch présentent le contenu du beau livre Yellowred. Né d’un besoin d’entrer en relation avec un groupe d’étudiants polyglottes à Genève, un système de dessin clair a été développé pour communiquer dans une situation linguistique « babelesque ». Les couleurs décrivent les éléments nouveaux et anciens se fondant dans une « nouvelle unité silencieuse ». Des projets de réutilisation exemplaires sont magnifiquement présentés en utilisant cette technique décrivant également la rigueur, la précision et la pensée créative de cet architecte.

Martin Boesch est un précurseur dans la réflexion progressive sur la réutilisation et la construction au sein du tissu existant. Construire signifie toujours réutiliser, son approche de l’évaluation de notre patrimoine bâti n’exclut pas la démolition et le remplacement comme décision ultime, prise uniquement après une analyse sérieuse du potentiel de réutilisation significative. Il a cartographié comment la croissance de l’appréciation des bâtiments existants et les conditions « telles que trouvées » ont conduit les architectes à une approche plus réfléchie dans la conception de nouveaux bâtiments, en trouvant un équilibre entre l’ancien et le nouveau. Il a enseigné cette approche dans de nombreuses écoles d’architecture et elle a certainement une influence sur le travail futur de ceux qui étudient puis pratiquent l’architecture.

Elizabeth Hatz Architectes
Espace libre – Ligne, lumière, lieu
Les compétences et la sensibilité d’Elizabeth Hatz l’ont positionnée pour choisir des exemples de dessins importants de l’histoire, afin que le grand public et la communauté architecturale puissent voir les dessins à nouveau, apprécier leur impact et réévaluer leur héritage. Le projet souhaite montrer différentes manières de voir le monde dans l’espace libre du temps et de la mémoire, en s’appuyant sur des couches culturelles héritées, en tissant l’archaïque avec le contemporain. Un exemple significatif de dessins architecturaux. Un fil humain unique de lignes, non seulement de notre monde contemporain, mais aussi des preuves des temps passés.

L’énergie viscérale d’un dessin, le pouvoir de la main et de l’esprit humains d’imaginer, d’enregistrer, de représenter d’une nouvelle manière, sont présentés par Elizabeth Hatz dans un format côte à côte, formant des relations nouvelles et inattendues. Des œuvres familières et moins connues sont placées à proximité les unes des autres. De nouvelles compréhensions, de nouvelles interprétations sont possibles. On peut se souvenir de trésors oubliés. On peut prendre le temps de scruter, de regarder, de voir, d’apprécier.

Estudio Carme Pinós
Cube. Tour de bureaux, Puerta de Hierro
Carme Pinós se concentre sur CUBE I Office Tower, expliquant en profondeur le processus d’imagination et de fabrication, la structure et la vie de ce bâtiment exemplaire. En pensant à la vaste gamme de bâtiments de grande hauteur dans le monde, un bâtiment se distingue pour nous par son invention, son élégance et sa technique. Il s’agit de la tour de bureaux CUBE I de Carme Pinós à Guadalajara, au Mexique. Ses trois structures de béton incurvées indépendantes libèrent trois plates-formes en forme de coin en porte-à-faux formant un vide central, une cour verticale ouverte sur l’air. Différents niveaux de sa section glissée modifient l’échelle de l’ensemble. Les volets à persiennes en bois forment une couche extérieure pour protéger l’intérieur des bureaux du soleil mexicain. Les routes tracées absorbent les voitures. Des escaliers sinueux se connectent au sol, formant une entrée généreuse et accueillante.

Dans le musée, l’auditorium et le centre culturel du Caixa Forum à Saragosse, en Espagne, d’énormes poutres structurelles en béton libèrent les bords et offrent un espace libre. Son pavillon raffiné de pierre et de verre Rio Blanco est perché sur son site panoramique, tandis que ses charpentes sont maintenues en place par leur détail « étriers ». Hernán Díaz Alonso décrit Carme Pinós comme étant vraiment radicale, défiant le statu quo, observant que dans son esprit il n’y a pas de distinction entre l’esquisse architecturale et le dessin de construction.

Flores & Prats
Lumière liquide
Le projet de logements à Terrassa, près de Barcelone, Edificio 111, a une complexité sociale et spatiale qui enrichit la vie des occupants avec la même intention de faire un organisme lâche comme cadre de vie. Le nouveau théâtre Sala Beckett à Barcelone, qui occupe un bâtiment abandonné existant autrefois un club de travailleurs sociaux. Un trou dans le toit du bâtiment semi-abandonné existant a révélé une opportunité de permettre à la «lumière liquide» de s’infiltrer à l’intérieur. L’exposition emprisonne la lumière dans la forme sinueuse et emmène le visiteur dans un voyage de découverte.

Le travail de Flores & Prats a la même qualité superposée que leurs beaux dessins. Dans deux bâtiments de Flores & Prats à Palma de Majorque, la Casa Balaguer et le Museu dels Molins, nous avons été témoins du riche vocabulaire de leur langage architectural. Le travail est rigoureux et précis, mais aussi lâche et organique, conçu pour s’adapter aux contextes existants. Ces contextes peuvent être une nouvelle fenêtre ou porte dans un mur, une découpe dans un sol ou un toit existant pour permettre le mouvement ou la lumière, la transformation d’un espace laissé en place en un espace public intime. Leur savoir-faire structurel, leur connaissance des matériaux produisent un merveilleux collage de neuf et d’ancien.

Francesca Torzo Architetto
Z33, maison d’art contemporain
Francesca Torzo revient aux principes premiers dans son exploration du langage architectural et du langage des matériaux et de la construction. Elle allie invention et praticité, aisance intellectuelle et rigueur, et amour de la fabrication et de la construction. Elle a, dans le passé, étudié le béton de manière approfondie, poussant la capacité de certains mélanges de béton à la limite, grâce à la fabrication de modèles pratiques et à des tests en laboratoire.

Le projet est l’extension de Z33, maison d’art contemporain en Belgique, est un travail d’amour. Des briques sur mesure ont été fabriquées selon sa « recette » afin d’obtenir une certaine couleur et une certaine taille, et afin de créer un magnifique mur de briques pleines, avec une texture et une couleur de surface d’une beauté unique. Le collage d’espaces existants et nouveaux se rassemble pour former un ensemble de pièces, qui semblent avoir été rassemblées à partir d’un entrepôt personnel d’expériences diverses. Cette façon de chorégraphier des séquences spatiales peut paraître aléatoire et tout à fait intuitive, mais elle aboutit à une totalité cohésive très précise. C’est l’un de ses premiers bâtiments et montre un niveau d’habileté, de talent et de sensibilité poétique aussi rafraîchissant qu’inspirant.

Gion a. Caminada
Véser Vrin
Visiter l’œuvre de Gion A. Caminada, ancrée au plus profond des montagnes suisses, c’est faire l’expérience d’un tissage de contemporain et d’ancien, où les motifs existants sont réinterprétés, animés et transformés. Sur le village reculé de Vrin qui a été durement touché par la migration. À partir des années 1980, la fondation Pro Vrin a initié un projet pour améliorer les infrastructures du village et tenter de réduire la perte de sa population. Afin d’éviter la spéculation, la municipalité a acheté tous les terrains à bâtir disponibles. Depuis plus de trente ans, Caminada, le fils d’un agriculteur local, construit des projets sur cette terre.

Caminada utilise l’histoire pour le moment les gens dans l’architecture, s’immerge dans des expériences enrichissantes et des influences multiples. Il utilise le terme « cosmopolitisme », qui diffère du « globalisme », définissant le premier comme se concentrant sur un lieu spécifique tout en étant pleinement informé du fonctionnement du monde. Intéressé par tout, il se réfère au bricolage comme méthode de synthèse. Focalisé sur le lieu, il renforce la différence afin d’inscrire et de respecter les identités séparées. Cette stratégie de renforcement du local a des répercussions bénéfiques écologiques conséquentes.

Gkmp Architectes
José Antonio Coderch de Sentmenat, Edificio Girasol, Madrid, Espagne
Edificio Girasol ou « Le Tournesol » illustre l’adhésion de l’architecture à ce que FREESPACE décrit comme « les dons gratuits de la nature en matière de lumière – lumière du soleil et clair de lune ; air ; gravité ; matériaux – ressources naturelles et artificielles ». Le bâtiment fait un angle avec la rue de Madrid pour recevoir le soleil de l’après-midi profondément dans le plan. Il est fait de fines lignes de structure en acier, de lignes sinueuses de murs carrelés de terre cuite, de lignes verticales chatoyantes de volets en teck. Les lignes varient en épaisseur et en densité pour maintenir l’espace et donner différents degrés de transparence et d’intimité. Les murs carrelés semblent défier la gravité et s’accrocher au-dessus de la rue.

L’installation comprend une plate-forme à gradins et deux écrans sinueux qui évoquent ensemble l’espace profond du seuil du Girasol. Cet espace permet aux habitants d’être à la fois dans la ville et isolés. Les couches de lignes entre l’intérieur et l’extérieur créent une impression de ce que Sáenz de Oiza décrit comme un « organisme à moitié ouvert ». A l’approche par les galeries du pavillon central, les écrans courbes présentent une frontière énigmatique fermée qui évoque la présence urbaine du bâtiment. Le visiteur passe derrière ceux-ci, tourne et monte dans une petite pièce tenue par les écrans incurvés et par une série d’écrans transparents décalés qui s’élèvent de la plate-forme, créant des vues diagonales vers l’espace de la galerie.

Gruposp
Espaces sans nom
La présentation de la Biennale de GrupoSP s’intitule Espaces sans nom, où ils partagent des espaces architecturaux remarquables qui sont pour eux des sources d’inspiration. À la recherche de connexions au sein du manifeste FREESPACE, ils entrelacent une sélection de huit de leurs projets, datant de 2004 à 2017, avec les œuvres d’Oscar Niemeyer, Lina Bo Bardi, Roberto Burle Marx, Vilanova Artigas et Paulo Mendes da Rocha.

L’école de GrupoSP à Votorantim, à l’extérieur de São Paulo, au Brésil, positionnée perpendiculairement à la rue, l’organisation divise le programme en deux parties tandis qu’une rampe relie le paysage au bâtiment et est elle-même le paysage de l’école. L’installation sportive est encastrée au cœur du complexe et creusée dans le sol. Les lattes de bois forment une couche extérieure qui protège du soleil. En gardant le sol libre, l’espace circule sous le siège du SEBRAE (Service brésilien de soutien aux micro et petites entreprises) à Brasilia, qui est une sorte de campus organisé autour d’une place à laquelle font face les fonctions publiques. Le bâtiment est enveloppé de protections solaires métalliques réglables.

Architectes Gumuchdjian
Un festival linéaire le long du sentier transcaucasien
Cette collaboration entre les architectes et un aventurier se concentre sur la création d’un sentier pédestre de 750 km du nord au sud de l’Arménie, appelé le Transcaucasian Trail. Les architectes voient leur rôle de catalyseurs, de créateurs d’espaces publics le long de cet itinéraire, générant des lieux où les expériences culturelles s’engageront avec les communautés locales. L’ambition de ce projet s’inscrit dans l’esprit de la thématique Freespace dans la mesure où il promeut la culture sur le consumérisme et promeut une alternative à la « main morte du tourisme conventionnel ».

Ce sera un travail d’amour, construit patiemment au fil du temps, en six étapes. Il y a une conviction dans la proposition faite par les architectes que de petites interventions dans cet immense paysage rassembleront les gens. L’idée est qu’un tel projet valoriserait à la fois le passé et se tournerait vers l’avenir et que sa mise en œuvre engagera l’activité créative des jeunes. Il y a un sentiment rafraîchissant d’impatience de s’éloigner de l’approche sentimentale et opportuniste à la fois de la culture et du paysage de l’Arménie et de faciliter une façon de regarder les ressources et l’héritage historique avec un regard neuf. Ils décrivent cet ouvrage comme « un manifeste architectural doux avec un objectif culturel ambitieux ».

Salle Mcknight
Instruments uniques : espaces d’attente
Le projet présenté comme un ensemble, recoupant un certain nombre de leurs projets, y compris la ré-imagination de nouveaux espaces civiques à partir d’une variété de perspectives différentes. La métaphore, la comparaison et la narration sont au cœur du travail de Hall McKnight. Leur place Vartov, lauréate du concours, une séquence de nouveaux espaces publics adjacents à l’hôtel de ville dans le centre de Copenhague, comprend une nouvelle forêt de 120 cerisiers et un nouvel espace public. Cette place est dominée par le plus ancien des bâtiments voisins. Un personnage d’une histoire peu connue de Hans Christian Andersen regarde l’espace depuis une fenêtre dans l’un de ces bâtiments. Le motif de la surface de la nouvelle place est généré par les fenêtres de ce même bâtiment.

Leur logement à Greenwich, Londres est basé sur une idée de l’étude spatiale des compositions de trois formes, tout comme dans les natures mortes. Ils ont interprété leurs propres observations de l’interaction humaine sur le campus de l’Université Gallaudet à une échelle différente, à l’aide d’un meuble portant une collection de récipients, chacun réalisé par un menuisier, un céramiste et un métallurgiste. Cet ensemble revendique les valeurs de fabrication et d’expérience au-dessus de l’image et de l’effet.

Hassett Ducatez Architectes
Angelo Mangiarotti, Bruno Morassutti, Edificio per abitazioni in Via Quadronno 24, Milan, Italie
Le projet a combiné les pièces d’interprétation de ce bâtiment en un seul objet. Il s’agit des dimensions exactes et de la forme du bâtiment au 1:25, posé sur un socle. Nous voulions qu’il ressemble à un bâtiment mais aussi à un objet abstrait. En expliquant la grande séquence d’entrée et la relation au sol, cela devient plus lisible. Les matériaux sont ceux communs au design italien des années 50 et 60 ; noir opaque brillant et une petite quantité de plexiglas blanc semi-lustré, d’acier et de noyer. Nous utilisons les tours cannelées sculpturales du concept de Mangiarotti. Les pièces sont coupées. Une version abstraite du dispositif mural de garde-robe, qui est un élément clé de la souplesse du plan, est révélée. Il s’agit ici d’un dispositif pour transmettre l’occupation humaine et l’échelle.

C’est une œuvre généreuse et mémorable. Une falaise habitée qui est lâche et lyrique. Formé de grilles, il est haut et étroit, plus tour que dalle, bien qu’il lui manque la présence dominatrice de certaines tours. Le mélange masculin/féminin est également pondéré. Toutes verticales élégantes, comme les dessins de gratte-ciel en verre de Mies van der Rohe (1922), elle se lit comme un ensemble de minces volumes. Il n’exerce pas son poids lorsqu’il atterrit sur la terre, il s’assoit doucement, disparaissant dans un agencement de logements élaborés autour de la rue et du bord du parc. Avec une grille de façade remarquablement légère, à l’échelle d’une personne, à nouveau haute, élégante, avec des ombres et des cannelures et du bois, comme un beau meuble bruni résonnant. Derrière tout ce modelé bien travaillé, ce caractère courtois et généreux,les espaces de vie sont disposés et évasés dans une grille coudée. Ils semblent pleins de possibilités et de nuances, grands et petits moments.

Architectes Heneghan Peng
Gordon Bunshaft ‘Skidmore, Owings and Merrill’ (SOM), Beinecke Rare Book and Manuscript Library, Yale University, New Haven, USA
La ferme Vierendeel est la solution d’un architecte à un problème d’ingénierie ; le projet expose les forces invisibles derrière la façade, une ferme segmentée de Vierendeel. La prémisse commence par adopter une posture « réactionnaire » contre les techniques prévisibles employées par les architectes pour créer des « choses », à savoir les sens, avec le visuel dominant. Dès lors, la pierre translucide est ignorée en totalité car elle est au cœur de la technique architecturale, de la visibilité. Regardez la géométrie mais la géométrie invisible ; notez que la géométrie/les lignes de régulation telles que les systèmes de proportions, par exemple le rectangle doré, sont considérées comme visibles.

Nês Lobo, Architectes
Un banc pour cent personnes, Piazzale Marconi
Le projet de Lobo pour la refonte de la Piazzale Guglielmo Marconi à Bergame, en Italie, est un acte de transformation. C’est dans un endroit très particulier, avec des couches de préexistant, de nature et d’artifice. L’ambition du projet est de réaffirmer le sens urbain et de réarticuler les relations urbaines. Un banc circulaire, entouré de huit cerisiers et d’une végétation parfumée, qui affecte l’espace d’une manière particulière, forme le nouveau foyer d’énergie. Pour la 16e Exposition internationale d’architecture, des éléments du projet Piazzale Guglielmo Marconi sont présentés de manière à communiquer au visiteur la logique du projet.

A l’école secondaire Francisco Rodrigues Lobo de Leiria, au Portugal, et dans les nombreuses écoles et autres projets qu’elle a réalisés, l’invention et l’élégance sont les caractéristiques du travail d’Inês Lobo. Le but principal de l’architecture est de construire un monde meilleur pour tous. Elle renvoie aux propos de Lina Bo Bardi : « Au fond de moi, je vois l’architecture comme un service collectif et une poésie. Quelque chose qui n’a rien à voir avec l’art, une sorte de vie entre découverte et pratique scientifique. C’est un chemin difficile, mais il est la voie de l’architecture ».

Jensen & Skodvin Arkitekter As
Toit de protection au-dessus de la source d’eau de source Moya
Jensen et Skodvin sont, pour nous, une présence importante dans l’architecture depuis les années 1990 en raison de leur approche imaginative, imprévisible et très sensible. Leur point d’arrêt Liasanden, qui faisait partie du projet de route touristique nationale à Sognefjell (Norvège 1997), a montré une combinaison originale de compétences en paysage, en architecture et en ingénierie dans une solution de conception simple. Leur engagement envers les composantes humanistes, tectoniques et écologiques de l’architecture en a fait des participants importants de Freespace.

Le projet de Jensen et Skodvin présenté à Venise, le toit protecteur sur la source d’eau de source Moya, Changbai, Chine, montre la résolution du défi pratique considérable de la construction dans une réserve forestière, partie d’une zone de conservation où aucune machine n’est autorisée. la forme de la toiture, la structure et la trajectoire sont déterminées par une cartographie précise du site ; par la cartographie des positions des arbres et la préservation de ces arbres ; par la forme de la source d’eau; et en trouvant un moyen de faire la médiation entre ces géométries complexes. La sophistication et la beauté des formes qui en résultent reflètent un profond respect pour cet environnement et, bien sûr, la base même de l’ensemble de l’effort est de protéger une source d’eau potable, l’un des principaux défis pour les architectes du monde entier, aujourd’hui et à l’avenir.

John Wardle Architectes
Quelque part Autre
Le projet réfléchit sur la question de l’Australie étant « à l’envers au fond du monde », avec un fil conducteur intellectuel et créatif fort qui libère à la fois. L’idée d’inverser les scènes de rue en trompe-l’œil de Scamozzi dans le Teatro Olimpico de Palladio comme moyen de se concentrer vers l’extérieur et de capturer un public, en plus d’être interculturel, a montré une ouverture et une volonté de dialoguer spatialement avec le visiteur.

Ils ont construit une série de lentilles tridimensionnelles pour décrire leur vision du monde à partir de leur emplacement particulier sur la terre, en utilisant la lumière, la couleur, l’artisanat et les éléments architecturaux des cadres et des portails. Ces caractéristiques dans leurs projets construits, qui montrent ce sentiment de manipuler continuellement l’espace, de zoomer et de dézoomer, même à l’échelle d’infrastructures telles que le magnifique pont de Tanderrum.

Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa / Sanaa
Guruguru
L’idée du projet étant une spirale, sans début ni fin ; l’idée qu’il s’agit d’une bobine presque invisible, formant à peine une enceinte, une fine pellicule de matière suggérant une séparation entre l’intérieur et l’extérieur. Cela décrit en quelque sorte une vision alternative du monde. Une alternative à la masse et au poids. Une structure invisible, la forme elle-même étant la structure. Cette réponse poétique et précise au thème de FREESPACE touche une autre note, exprime une autre sensibilité, qui diffère de notre propre perception de l’espace.

Le travail de SANAA évoque toujours pour nous, cette sensation d’espaces et de bâtiments posés légèrement sur la terre. Le Rolex Learning Center de Lausanne avec son gros ventre de béton ondulé, ressemble à un nuage ou à une vague déferlant sur le site en route vers un autre endroit. L’ambition exprimée par SANAA pour nombre de ses projets, est que le bâtiment ne se fasse pas remarquer. Des bâtiments comme le musée du Louvre Lens dans le nord de la France ou le Grace Farm Building aux États-Unis, sont si finement réglés que la finesse des éléments de toiture et des colonnes confère aux bâtiments une merveilleuse qualité éthérée lumineuse, tout comme leur installation ici. .

Kéré Architecture
Zoi
Francis Diébédo Kéré fait de l’architecture par la construction. Il apprend à sa communauté au Burkina Faso à construire ses bâtiments. Il apprend à ses élèves à faire de l’architecture par l’acte de construire. Il est un symbole d’espoir, exsudant la passion et la croyance dans le pouvoir d’inspirer de l’architecture. Il responsabilise les communautés, en utilisant toujours les ressources locales. Il enseigne la valeur de l’invention, transformant des matériaux ordinaires en pièces d’architecture sophistiquées. Tous ceux qui collaborent avec lui ressentent un sentiment de fierté et d’accomplissement. Avec la tâche de construire quelque chose qui améliorera la vie des gens. Sa créativité pragmatique inventive est motivée par un sens sophistiqué de la structure, des matériaux et de l’interprétation des influences culturelles.

L’Atelier Kéré réalise un projet construit, d’abord dans un centre de réfugiés pour demandeurs d’asile situé dans l’ancien aéroport de Tempelhof à Berlin puis transporté à Venise. Réalisée en bois, cette ‘boîte magique’ adaptable a de multiples configurations, tantôt formant une enceinte, tantôt s’ouvrant vers l’extérieur. La structure a une qualité ludique et légère comme un jouet d’enfant, si approprié dans un environnement d’urgence restrictif. Une intervention architecturale modeste destinée à mettre en scène et à accueillir une interaction sociale inattendue et non programmée.

Kevin donovan, ryan w. architectes de Kennihan
Jean Prouvé, Eugène Beaudouin, Marcel Lods, Vladimir Bodiansky, Maison du Peuple, Clichy, France
La Maison du Peuple (Clichy, 1936-1939) est un exercice de synthèse programmatique, matérielle et opérationnelle, offrant des espaces pluriels et adaptables à une circonscription ouvrière. Les exigences complexes du marché, de l’auditorium et du cinéma occupent le même ensemble d’espaces de manière séquentielle, grâce au déploiement d’écrans mobiles, d’un plancher empilable, de balustrades pliables, d’un toit coulissant et d’autres éléments mobiles. Le projet se fait par assemblage : d’éléments réalisés en tôle mince renforcée par une combinaison de méthodes artisanales et quasi-industrielles, mais aussi d’idées et de groupes d’individus investis (architectes, fabricants, ingénieurs, clients et utilisateurs).

De la même manière, notre exposition démontre également les caractéristiques de l’espace libre. L’espace et les surfaces mobiles, superposés aux dessins originaux et aux photographies de la Maison du Peuple, peuvent être reconfigurés à volonté par les visiteurs, qui fabriquent des murs extérieurs et des sièges avec des contrepoids de marbre au fur et à mesure qu’ils lisent les informations. Au fur et à mesure que l’espace est refait, de nouvelles combinaisons d’informations se forment, racontant l’histoire dans un contexte en constante évolution. L’objet de l’exposition, fabriqué à l’aide d’une combinaison de techniques artisanales et industrielles, a été assemblé et transporté sur le site grâce à un acte de collaboration entre architectes et fabricants.

Kieran Long ; Johan rn ; James Taylor-Foster avec Arkdes ; Petra Gipp ; Mikaël Olsson
Sur pied
L’intégralité des archives de Sigurd Lewerentz est conservée au Centre national suédois d’architecture et de design : ArkDes. le développement de la pensée et de la fabrication de Lewerentz. Ces trois chapelles sont présentées à l’aide d’œuvres originales et nouvelles, en se concentrant sur les intérêts fondamentaux de Lewerentz : matériau de lieu, rituel et paysage.

Ce que pour les mortels inférieurs est appelé « détail » était un moyen d’élever et de transfigurer le mondain, et en cela il est de la compagnie de Hawksmoor et de Borromini. Comme une brique a été posée, une paire de poutres enjambe une colonne, un morceau de verre est serré à travers une ouverture dans un mur, un chemin est coupé à travers une forêt.

Lacaton & Vassal
Liberté d’utilisation
Une rampe généreuse de l’école nationale supérieure d’architecture rejoint deux nouveaux espaces publics, reliant la ville au ciel. Un immeuble désaffecté à Paris est injecté de vie, car leur rénovation le transforme. Pour Lacaton & Vassal, les bâtiments des années 1960 et 1970 ne sont pas des échecs de l’histoire. Lacaton & Vassal creusent profondément dans chaque projet pour trouver une nouvelle compréhension, un moyen de libérer des composants latents et non découverts, de sorte que chaque projet soit rafraîchissant et inventif, à la fois joyeux et sérieux.

Leur travail est cohérent et surprenant. C’est une sorte d’honnêteté concrète, jumelée à une rigueur intellectuelle absolue. En recherchant leurs atouts, en évitant la démolition, les transformations changent des vies. Pour eux, générosité de l’espace, liberté d’usage et économie sont des valeurs indissociables. Leur freespace est celui qui ne coûte rien et pourtant il est indispensable. Cela change tout : usage, relations et climat.

Laura Peretti Architectes
Rigenerare Corviale_La Traversée
La topographie de la vitrine du projet est soigneusement manipulée, transformant ce que l’architecte décrit comme le « bâtiment « barrage » d’un kilomètre de long en un bâtiment « filtre » ». Le FREESPACE qui en résulte forme une échelle intermédiaire entre la forme bâtie héroïque et le monde intime des appartements et des habitants. 7000 occupants habitent cette mégastructure sociale, conçue à l’origine comme une frontière protectrice entre la ville tentaculaire et les terres agricoles. Des outils de base tels que les terrassements, les chemins, les routes, les rampes, la biodiversité, la lumière du soleil et la biologie sont utilisés pour former des espaces publics démocratiques et pour établir une connexion avec la nature et avec l’agro romano environnant.

Laura Peretti a réalisé à ce jour des petits travaux extrêmement raffinés mais a continuellement montré un engagement envers l’idée de la transformation du lieu à l’échelle du territoire et cela se reflète dans ses nombreux concours et travaux en dehors de l’Italie. Cette expérience et cette compétence ont porté leurs fruits dans ce projet exemplaire de Rigenerare Corviale. L’ambition de ce projet est réelle, elle est imaginative et une entreprise héroïque pour tous. En travaillant uniquement avec le FREESPACE entre et sous les bâtiments, un tout nouveau territoire est proposé. La circulation et le mouvement deviennent ainsi plus poreux, plus conviviaux, plus sûrs et plus agréables.

Maria Giuseppina Grasso Cannizzo
PLONGER DANS
Maria Giuseppina Grasso Cannizzo conçoit des bâtiments, des structures, des installations d’architecture et enseigne. Elle a une grande ouverture d’esprit qui l’amène à collaborer avec de nombreuses disciplines différentes. Connue pour son travail impressionnant, à petite échelle et très sophistiqué en Sicile, elle est également connue pour sa capacité à exécuter souvent ces travaux avec le minimum de moyens. Un exemple en est la maison de vacances à Noto, où elle a assumé le rôle d’architecte, d’ingénieur, d’inventeur, de devin, de contrôleur des coûts et de gestionnaire de site, avec un travail merveilleusement frais et inspirant.

Elle est également connue pour ses expositions imaginatives où elle révèle ses divers intérêts et son habileté à communiquer des idées souvent complexes et plus abstraites. Le projet présente un film d’une installation réalisée par elle qui se rapporte au thème de l’Entrée. Cette pièce réunit le son, le mouvement et la matérialité. On a l’impression d’entrer et de se déplacer à travers un instrument de musique, un rideau de musique ou un seuil, où le mouvement du corps humain crée un courant d’air, activant la musicalité des pièces cliquetantes. Cet architecte très original explore et avance continuellement ; nous surprend toujours par le plaisir de ses nouvelles découvertes.

Marie-José Van Hee Architecte
N’hésitez pas, asseyez-vous
Quand Yvonne Farrell a visité la maison de Marie-José Van Hee, elle a vécu une atmosphère qui lui rappelait une pièce de Samuel Beckett. Il s’est avéré lors d’une conversation avec Marie-José qu’elle admire en effet beaucoup le travail de Beckett. Cette observation touche en quelque sorte à la composante mystérieuse intangible du travail de Van Hee qui est agréablement assez difficile à mettre le doigt. Le travail de Van Hee va de petites interventions réfléchies dans des contextes domestiques à la création de nouveaux espaces publics et de surfaces au sol riches qui rassemblent les gens. Il y a toujours un sentiment d’attention présent, une profondeur de pensée, une exploration du langage de la construction, une atmosphère d’immobilité et de calme intégrée dans le langage spatial.

Le bâtiment Stadshal à Gand est l’un des projets urbains poétiques les plus pertinents que nous ayons vu depuis longtemps. Pour cette exposition, elle se concentre, à travers ses dessins, sur la recherche de l’architecture dans chaque projet. L’énergie des dessins exprime une impatience presque frénétique de trouver cet espace qu’elle recherche. Ce qui est très important pour nous en tant que conservateurs, c’est que le visiteur apprécie le processus et le parcours de l’architecte dans la fabrication de l’architecture.

Marina Tabassum Architectes
Sagesse du pays
Marina Tabassum a achevé une belle mosquée à Bait Ur Rouf, à Dhaka, au Bangladesh, ainsi qu’un certain nombre d’autres bâtiments très élaborés, sophistiqués et frappants. Elle a choisi pour cette Biennale Architettura de présenter une composante de son travail qui donne un aperçu approfondi de la construction de structures vernaculaires et d’habitation en se concentrant sur la cour bengali. Elle explore l’existence d’espaces libres au sein de la morphologie organique des cours bengalis et documente la vie quotidienne de ces communautés.

Elle enregistre leurs techniques de création d’espace, de création d’enceintes et de création d’un sentiment de communauté. Il s’agit d’une architecture adaptable en constante évolution et en même temps précisément adaptée à la vie des habitants. Ce processus d’observation fine, sensible et patiente permet à l’architecte de faire des interventions minimales réfléchies. L’architecture est faite de manière modeste en l’absence d’impositions normatives ou de solutions de conception. Voir avec innocence et curiosité, selon nous, est la clé pour que l’architecte trouve une solution qui n’est pas prédéterminée mais qui résulte de la consultation et du respect mutuel, conduisant souvent à des résultats merveilleux, inattendus pour l’architecte ou l’utilisateur.

Mario Botta Architetti
Mario Botta: introduction all’architettura
Botta présente une enceinte circulaire tactile, en bois, qui répond à la masse structurelle de la Corderie, dans laquelle le travail des étudiants de l’Accademia di architettura enrichit l’intérieur avec une recherche architecturale semblable à un tabernacle. La présence abstraite et physique de l’école secondaire de Morbio Inferiore et de la maison à tour verticale avec le pont en métal rouge de Mario Botta étaient impressionnantes.

Il fut un temps où l’importance du lieu, du contexte et de la culture n’était pas très appréciée. Il y a eu une exposition du travail des architectes dans le canton suisse du Tessin dans les années 1970 qui a produit un catalogue au format A4, horizontal, couvert de bleu, qui a enregistré les projets construits et proposés dans la région du Tessin. L’influence de ce catalogue ne doit pas être sous-estimée. À l’intérieur se trouvaient des réponses architecturales radicales et contemporaines au lieu. Ce document au contenu puissant, combiné aux écrits de Kenneth Frampton sur le régionalisme critique, a eu une influence significative sur les jeunes architectes en Irlande.

Mary Laheen Architectes, Aoibheann Ní Mhearáin
Jean Renaudie, Centre Jeanne Hachette, Ivry-sur-Seine, Paris, France
Dans les années 1970, dans son rêve d’un cadre de vie de qualité pour tous, l’architecte Jean Renaudie a créé une architecture humaine, généreuse et belle, dans la banlieue parisienne d’Ivry-sur-Seine, dirigée par les communistes. Au Centre Jeanne Hachette, l’architecture de Renaudie met la complexité spatiale au service d’une vie urbaine collective et connectée et d’une relation étroite entre la vie domestique et le monde naturel. La multiplicité et l’individualité des quarante appartements, chacun unique, ainsi que les terrasses végétalisées et la façon dont elles s’interconnectent et se surplombent, reflètent ces idées de base.

Le projet met l’accent sur le « don des terrasses ». Cette générosité de l’espace et cette connexion avec la nature est un cadeau pour l’habitant en appartement, tandis que la plantation abondante est un cadeau pour la ville. Une maquette partielle du bâtiment (échelle 1:25) montre des terrasses, des murs-écrans et quatre appartements ; il commence au niveau de la rue et s’élève jusqu’au niveau du toit, montrant les importants escaliers extérieurs de la rue ainsi que la cage d’escalier intérieure circulante centrale et le noyau d’ascenseur qui dessert vingt-sept appartements. Le spectateur est invité à parcourir ces appartements, de l’arrière de la maquette à travers les terrasses, et aussi, de « l’extérieur » à travers les terrasses et les murs écrans. Les terrasses translucides et texturées représentent les éléments végétalisés et l’effet visuel qu’ils ont pour masquer les appartements,de changer constamment la lumière à l’intérieur et d’offrir un contrepoint à la solidité et à la détermination de la construction en béton.

Matharoo Associés
Notion de mouvement
Les architectes comme avant tout créateurs d’espaces, que ce soit à l’échelle de la ville, du paysage ou du profil de la façade. Le travail de Matharoo Associates est représenté ici par un projet qui s’intéresse à la création d’espaces libres au sein d’une parcelle urbaine resserrée par des moyens économiques. Les architectes parlent de libérer la structure de son rôle porteur, en l’utilisant plutôt comme élément de création d’espace, formant une série de plans imbriqués, courbés et repliés les uns dans les autres. L’effort est d’éliminer les limites perçues et de permettre aux petits espaces d’être perçus comme étant plus grands qu’ils ne le sont réellement.

Ce projet est important pour freespace en raison de son accent sur la structure, l’un des éléments de base de l’architecture, et aussi parce qu’il imprègne et superpose un sentiment de jeu et de plaisir sur ce qui pourrait autrement être conçu comme un composant muet et silencieux. On retrouve cette qualité dans une grande partie du travail de Matharoo Associates qui est à la fois sérieux et ludique comme la House with Balls, ou la Moving Landscapes House. C’est peut-être un produit de la façon dont ils décrivent leur aspiration à ce que l’architecture et la structure soient « libérées de ce fardeau théorique ».

Michel Maltzan Architecture
Appartements étoiles
Michael Maltzan a construit sa réputation avec des commandes pour des musées prestigieux et des maisons privées de luxe, il est également connu pour fournir des abris et d’autres logements aux pauvres de sa ville. Dans les appartements Star de Maltzan, qui abritent des sans-abri de longue durée, la composante espace libre crée un monde où les individus peuvent trouver l’espace pour expérimenter une nouvelle vision d’eux-mêmes, un espace où une nouvelle communauté peut évoluer. Les bâtiments existants d’un étage au niveau de la rue sont modifiés et intégrés. Sur le toit de ces immeubles de rue conservés, 102 appartements planent. L’espace entre les formes une opportunité d’espace libre inventé pour la nouvelle communauté. Confirmant la conviction de Maltzan qu’un bon design fait partie de la guérison, ce projet enrichit la vie des gens, ainsi que la ville de Los Angeles.

Michele Arnaboldi Architetti
Dans le territoire
Michele Arnaboldi s’engage à intégrer l’échelle du territoire à l’échelle des projets individuels. Ayant travaillé avec Luigi Snozzi, il perpétue cette philosophie selon laquelle l’architecture, le paysage, la culture et la communauté sont étroitement liés. Il a promu l’idée de ‘Città Ticino’ comme moyen de faire face à l’urbanisation du paysage tessinois.

Dans cette exposition, il établit un lien direct entre la réflexion derrière la construction de bâtiments et la réalisation d’interventions territoriales stratégiques. Des plans à grande échelle et des photos de maquettes décrivent l’immensité de l’échelle du travail des élèves étirant leur capacité d’analyse, de trouver de nouvelles interprétations et lectures, d’imaginer de nouvelles possibilités. Il change ensuite d’échelle et regarde le grand paysage de l’intérieur vers l’extérieur. À travers les fenêtres, sous les auvents, les porte-à-faux de son propre travail construit, il cadre, capture et se concentre vers l’extérieur de l’intérieur. Ce contraste de focalisation et d’échelle se reflète dans l’espace dans la conception de l’installation.Les outils rationnels détachés des dessins et modèles architecturaux sont utilisés comme un point de référence à partir duquel on zoome directement dans un espace domestique créant un réel plaisir des relations réciproques dynamiques.

Miller & Maranta
espace de pensée
Paysage de pensée, décrit par Quintus Miller comme une « vaste topographie de pensées interdépendantes ». En tant que praticiens, Miller & Maranta ont une capacité unique à faire progresser les techniques de construction anciennes en les rendant pertinentes dans la fabrication de bâtiments contemporains. Cela imprègne leurs bâtiments d’un sens de la culture et d’un sens de la mémoire. Ce lien avec la mémoire est quelque chose qu’ils jugent nécessaire de rendre présent. Les moyens utilisés dans leur travail sont inventifs, tactiles et sophistiqués. Cela vient évidemment de la culture de ce qu’ils ont appelé leur « paysage de pensée », qui est une combinaison d’aléatoire, d’intuitif, d’érudit et de précis.

En présentant cette «constellation inconnue» de fragments, d’espaces, de matériaux, le visiteur curieux est emmené dans un voyage passionnant, activant ses propres souvenirs ou expériences et donnant un aperçu de la merveilleuse capacité de l’architecture à envelopper et à donner forme à des associations inattendues. . Cette exposition qui représente l’ESPACE LIBRE de la pensée et de la créativité, nous rappelle la façon dont AS Byatt décrit la fabrication de la poésie où elle parle d' »une sorte de rythme musical de cellules en feu avec un contenu sensoriel, une combinaison du précis et de l’aléatoire ». . L’exposition montre magnifiquement le monde intérieur, la force motrice dans la fabrication de l’architecture.

Niall McLaughlin Architectes
Présences
Les architectes pensent que les matériaux de l’architecture sont des dons gratuits de la nature ; air, lumière du jour, lumière du soleil, clair de lune, vent, gravité. Ici, l’architecte a réalisé une plate-forme, un huissier, où les rythmes de la vie quotidienne, du temps, de l’utilisation, du rassemblement social, peuvent être cartographiés et superposés sur les espaces des bâtiments. Les bâtiments sont vus ici comme des artefacts qui canalisent, rassemblent et facilitent la vie, et qui peuvent développer leur propre vie active grâce à cette patine d’usage.

C’est une position profonde à laquelle nous souscrivons, et ce travail présente une vision de l’espace libre ouverte dans sa pensée, rigoureuse et poétique dans sa fabrication. Ce sont des qualités qui se reflètent dans le merveilleux travail construit de cette pratique.

Noreile Breen
Luis Barragán, Casa Luis Barragán, Mexico, Mexique
Luis Barragán est un maître de la lumière. Il crée des espaces façonnés par la lumière avec des surfaces qui la contiennent et la modifient. La lumière est une ressource gratuite et le matériau de construction le plus important de l’architecture. Le projet se concentre sur elle en réalisant des modèles physiques à grande échelle, les utilise pour explorer au-delà des idées d’espace, jusqu’à son expérience. Luis Barragán s’est rendu au Mexique pour mieux comprendre ces espaces et a trouvé une expérience spatiale humaine riche et fascinante.

Le modèle de l’exposition est une traduction personnelle de cette expérience de plusieurs de ses maisons, en particulier le couloir de la Casa Luis Barragán. Il capture le caractère de la lumière que j’y ai trouvé. Il considère la source et sa géométrie ; détail des ouvertures et leur orientation ; surfaces et leur réflectance; leur texture et ma relation avec eux. Sa lumière – ambiante et directe – est filtrée, réfléchie et colorée dans une série d’espaces interconnectés. C’est un instrument pour regarder, pour entraîner l’œil à voir. Son extérieur est secondaire et sans conséquence, essentiel seulement pour suspendre l’intérieur. Une seconde traduction se produit entre la lumière du Mexique et la lumière de Venise. Ce modèle devient un dispositif, un registre de deux lieux, orientations et temps.

Obras Architectes
Les niveaux
Opérant en tant qu’architecte, paysagiste, historien et professeur, Bonnet a une vue d’ensemble unique et savante du monde qui se manifeste dans la richesse de son propre travail et dans le travail de ses étudiants. Répondant au manque d’accueil reçu par des millions de migrants et de réfugiés à leur entrée en Europe, le projet répond à l’autre, à la curiosité et au désir d’altérité

Pour cette Biennale Architettura, il présente un morceau du paysage tessinois sous forme de modèle, une sorte d’organisme détaché sous examen. L’Atelier étudiant propose une méthode alternative indispensable de masterplanning où « chaque intervention tantôt modeste, tantôt héroïque, tantôt monumentale et singulière, tantôt tout à fait ordinaire, remplit son propre objectif précis ». Le travail de l’Atelier et d’OBRAS présenté ici ensemble, est un merveilleux témoignage de la capacité de l’architecture à à la fois « rassembler toutes les dimensions territoriales » et à aborder et promouvoir l’humanité et la générosité à toutes les échelles, des plus modestes aux plus modestes. héroïque.

O’donnell + Tuomey
Paysage pliant / Est et Ouest
En comparant et en combinant deux projets d’échelle, d’emplacement et d’utilisation complètement différents, sous une sorte de forme de « jumeau siamois », O’Donnell et Tuomey démontrent avec force la merveilleuse capacité de l’architecture à transcender l’échelle, à encapsuler des valeurs à travers le temps et la distance, et de se sentir absolument appropriés à leur utilisation et à leur contexte culturel et géographique diversifié.

Le métissage des cultures dans le langage architectural s’exprime également dans cette exposition. En tant qu’architectes en exercice, nous sommes libres de puiser dans le riche héritage de l’architecture du monde, à la fois ancienne et contemporaine. La tâche est de savoir comment adapter et affiner ces influences, les fusionner et les tisser dans la langue locale, rafraîchir et renouveler le familier en absorbant l’énergie et l’inspiration de l’inconnu. Ces architectes ont développé un savoir-faire unique dans cette capacité à réaliser une œuvre à la fois locale et universelle. Un petit projet pittoresque dans l’ouest de l’Irlande se trouve confortablement dans le grand paysage du Connemara. Une grande ville d’opéra à Shanghai forme un nouveau paysage au détour de la rivière Huangpu. Tous deux ont un sens inné de l’artisanat, une richesse de forme et de matière et surtout un sentiment d’appartenance.

Paredes Pedrosa Architectes
Le rêve de l’espace produit des formes
L’outil architectural qui explore la forme spatiale, la hauteur et la profondeur du volume à créer, à occuper par la lumière, par le temps ou par le son, outils de conception clés dans notre pratique quotidienne. Cette idée du « rien » comme étant les espaces intermédiaires, les espaces non déterminés par le besoin, les espaces qui agissent comme le cartilage qui maintient tout ensemble, ce qu’Alison et Peter Smithson décrivent comme « le vide chargé ». L’ensemble sophistiqué de l’œuvre produite par ces architectes témoigne de leur compétence exemplaire en tant que créateurs d’espace.

Les objets exposés apparaissent comme des instruments servant à déterminer la mesure, l’échelle, la qualité de surface des espaces à venir. Il y a un sens de la sculpture, de la manipulation de l’espace, et dans leurs projets, les architectes cherchent à utiliser l’espace libre comme le vide qui relie plutôt que sépare. L’espace libre est dominé par la matière du plan horizontal et par le spirituel de la dimension verticale.

Paulo Mendes Da Rocha
É Projet
La description de Paulo Mendes da Rocha de Venise comme étant « la capitale du monde imaginaire » est à jamais dans nos esprits alors que nous apprenons à mieux connaître cette ville; car nous sommes continuellement renouvelés et interpellés par sa beauté. Paulo Mendes da Rocha a partagé avec nous son travail en nous laissant une totale liberté quant à son interprétation et sa présentation. Sa générosité et son ouverture ont été pour nous une révélation et une leçon. Il voit clairement la culture de l’architecture comme un espace libre, où les architectes peuvent librement errer, chercher, découvrir et apprendre les uns des autres. Son architecture a ce même sentiment d’ouverture et de générosité, accueillant toujours le monde extérieur à l’intérieur, toujours en connexion avec le plus grand territoire, toujours vers le grand horizon.

Peter Rich Architectes
Architecture de paysage | Architecture Paysage
Peter Rich semble penser et voir avec sa main. Ses dessins fluides et vibrants montrent une observation fine du monde qui l’entoure, captant le moindre détail dans le mur, sur le sol, dans le contour du terrain, dans les formes organiques lâches des bâtiments vernaculaires, les enclos , les grappes d’habitation de l’Afrique du Sud.

Cette exposition crée un monde avec ses croquis dessinés à la main. Il y a une force d’énergie incrustée dans ces dessins qui communique le respect et la sensibilité pour la terre, pour les ressources, pour les occupants, pour les communautés. Dans ses propres œuvres, Rich embrasse cette tradition à bras ouverts et crée des bâtiments exemplaires sophistiqués de haute qualité enrichis par la profonde compréhension de son contexte culturel spécifique. Le terrain semble lié aux bâtiments; les bâtiments sont formés par la trame du terrain ; la vie quotidienne et les rituels des communautés sont hébergés, protégés, respectés, créant une architecture absolument en phase avec la culture, le climat et l’héritage ancien de ce lieu. Les dessins de Rich montrent une curiosité et une passion implacables,découvrant des qualités cachées secrètes libérées par la profondeur de son exploration et de sa recherche incessantes.

Proap/Global
Spazio pubblico_Continuità e fragilità
En tant qu’architectes paysagistes, João Nunes et João Gomes da Silva offrent un regard très particulier sur le monde. Ils apportent cela à Venise dans la manière dont ils décrivent l’espace public de l’eau comme un « espace public venant de la mer », ou un « plan d’eau calme qui est le véritable espace public relié à un plan d’eau plus grand qui est le méditéranéen ». L’espace public est décrit comme vivant et mouvant au rythme de l’eau. Ils décrivent les éléments naturels « l’eau et le brouillard sont le même matériau… il y a une absence de gravité, de mémoire claire des limites physiques ». Cette sensibilité se traduit par la capacité de se re-présenter un lieu à nouveau, en le réimaginant à chaque fois avec de nouveaux mots, de nouvelles images, de nouvelles observations.

Dans cette exposition, nous assistons à la présence de cette compétence créative clé nécessaire à la création de nouveaux mondes imaginaires. Un espace est aménagé dans lequel le visiteur peut voir le travail des étudiants côte à côte avec le travail professionnel non académique des professeurs. On entrevoit deux mondes, tous deux enrichis par le partage d’idées, d’observations et de travaux de recherche. Ils présentent des projets dans un enclos bleu évoquant l’atmosphère mystérieuse de Venise.

Rafael Moneo, Architecte
Espace libre
Rafael Moneo nous donne une leçon de retenue, de réflexion, de création d’espace pour contempler et être immobile. Cela fait penser à Laurent Beaudouin qui décrit l’architecture « comme une machine à ralentir le temps ». À la Biennale Architettura 2012, sur le mur à côté des magnifiques dessins au crayon originaux qu’il a exposés, Rafael Moneo a inclus un texte sur le thème de Common Ground que nous avons trouvé à la fois émouvant et mémorable.

L’idée d’une « tablette » sur le mur associée à une « tablette » sur le sol rappelle immédiatement les espaces sacrés où les monuments commémoratifs sont placés et les personnes ou les événements sont commémorés dans la pierre. Ce geste en apparence modeste montre l’autorité d’un architecte si accompli qui peut évoquer des moments de l’histoire de l’architecture avec un toucher si habile. L’inclusion de son projet de mairie de Murcie inscrit sur le panneau du sol, encore une fois, dans un projet, touche à toutes les valeurs que nous exprimons dans notre manifeste Freespace. Ce projet, avec beaucoup d’autres de Moneo, a influencé, inspiré et montré la voie à de nombreuses générations d’architectes.

Riccardo Blumer
Sept architectures automatiques et autres exercices
Riccardo Blumer, architecte et professeur, opère à la manière d’un inventeur, d’un chorégraphe, d’un constructeur de mécanismes et de beaux objets fonctionnels. Notre première introduction au travail de son atelier était une série de cages à oiseaux fabriquées par des étudiants en bois et disposées en ligne d’environ 30 mètres de long. Chaque élève devait faire un trou dans la cage qui permettrait à l’oiseau de se connecter avec son voisin. Le résultat était que les oiseaux volaient sur toute la longueur des cages interconnectées qui ressemblaient davantage à des morceaux d’architecture, tous différents; une terrasse de rue d’oiseaux.

L’atelier de Blumer construit collectivement des inventions et les présente à l’école comme une performance, une grande finale de leurs grands efforts et réalisations. Ceux-ci explorent des phénomènes architecturaux tels que la gravité, la lumière, le liquide et le mouvement. Pour cette Biennale Architettura, vous pouvez directement expérimenter l’une des sept inventions mécanisées créées par des étudiants, « métamorphosant » des éléments d’architecture donnés, en l’occurrence le mur liquide. Ce mur est si mince qu’il existe à peine et en effet, lorsqu’il existe, il est momentané. C’est intriguant et beau, provocateur et ludique. Rappelant les expérimentations du Bauhaus et les sculptures mécaniques de Jean Tinguely, la magie du papillon métamorphosé, nous apprend à nous émerveiller à nouveau.

Rintala Eggertsson Architectes
Corte del Forte
Conçu par Rintala Eggertsson, le bâtiment est optimiste, joyeux, construit par les architectes et leurs assistants. Situé au bord de l’eau, un bâtiment en bois crée une cour entourée d’un passage couvert, une scène, un bar, des places assises à l’ombre. Il peut être utilisé par de petits groupes pour se réunir, se produire, danser, socialiser.

L’architecture offre aux gens des atmosphères, des sentiments, des expériences significatives et nécessaires, pour créer un environnement propice à une bonne vie. La capacité unique de concevoir et de construire de beaux bâtiments et ponts, et en raison de leur capacité naturelle à s’engager avec les gens et avec les spécificités de chaque lieu. Dans la Corderie, vous aurez une idée du processus de réflexion et de travail derrière ce bâtiment, découvrez l’espace libre de Rintala Eggertsson pour la danse et la vie conviviale.

RMA Architectes
Seuils doux
Rahul Mehrotra est un architecte en exercice et universitaire, dont la vaste expérience implique des projets de conservation du patrimoine culturel dans des zones historiques hautement sensibles, des stratégies liées au développement des villes, ainsi que la construction de bâtiments contemporains.
Rahul Mehrotra présente trois projets. On identifie une méthode de stratification spatiale dans un complexe de bureaux où de nouveaux chevauchements se créent, où le monde de l’employé de bureau et le monde du jardinier s’entremêlent. Les divisions hiérarchiques créées par les différences de classe en Inde peuvent en quelque sorte être ajustées par cette stratification architecturale. Dans le second projet, des HLM structurent le paysage d’une ancienne carrière de sable, créant une série de plans d’eau pour récupérer les eaux de pluie. Le troisième projet est une nouvelle bibliothèque, où les architectes stagiaires font l’expérience de l’impact de l’architecture, où ils peuvent activer des réponses aux conditions climatiques locales.

Robert McCarter
Freespace en place : quatre conceptions architecturales modernes non réalisées pour Venise
Robert McCarter est un architecte et universitaire qui a beaucoup écrit sur Scarpa, Kahn, Wright et d’autres architectes. Le projet discute de la liberté d’imaginer l’espace libre du temps et de la mémoire, liant le passé, le présent et le futur ensemble, en l’archaïque avec le contemporain. On passe en revue le passé à travers des bâtiments effectivement construits, mais il est aussi possible de regarder le passé à travers des couches culturelles de propositions architecturales, qui ne sont pas devenues des réalités.

En 1972, Carlo Scarpa a organisé et conçu pour la 36e exposition d’art internationale Quattro progetti per Venezia, qui présentait des projets de maîtres de l’architecture moderne : le Mémorial Masieri de Frank Lloyd Wright ; l’Hôpital de Venise de Le Corbusier ; le Palazzo dei Congressi de Louis Kahn ; et un parc entre la mer et la lagune à Jesolo par le sculpteur et designer nippo-américain Isamu Noguchi. Chacun de ces projets avait été proposé pour Venise entre 1953 et 1970 mais aucun n’a été construit. Au niveau global, comment éclairer nos attitudes vis-à-vis des environnements urbains historiques ? Le passage du temps nous permet à distance d’évaluer et d’évaluer les décisions prises, en tirant les leçons des expériences des autres. Après quarante-six ans, McCarter re-présente l’exposition de ces œuvres de Carlo Scarpa en 1972 à Venise.

Salle 11 Architectes
Tu es là
Le travail de ces architectes réfléchit sur la façon dont nous devrions occuper cette planète, exprimant le thème de « la Terre comme client » tel que représenté dans le manifeste FREESPACE. Leur pratique est animée par l’ambition de faire un travail qui a du sens, sincère et au service de l’humanité. Il y a une résistance à faire des interventions qui éroderaient les ressources précieuses du paysage donné. Alors que les conceptions du projet sont assez familières dans leur langage et leur matérialité, il y a évidemment un autre niveau de perception en cours. Notre curiosité est éveillée sur la façon dont cette différence de perception affecte l’expérience de l’espace, de la lumière et de l’ombre, la relation avec le grand horizon et avec la terre ferme.

Dans cette exposition, le visiteur est invité à découvrir la Tasmanie à travers les yeux de la salle 11. À l’aide de trois projets, ils présentent la perception du paysage depuis l’intérieur des espaces, se confondant avec les espaces et s’éloignant des espaces. Ils décrivent le sentiment du paysage qui s’éloigne de nos pieds, « comme du sable limoneux sous vos orteils… la vague retombe vers la mer… créant une insécurité agréable qui résonne avec l’existence d’une île isolée à 45° Sud ». Une conscience à peine perceptible de sa localisation sur Terre, une sorte d’inversion de l’attraction des forces de gravité, renforcée par la simplicité et l’ouverture de l’architecture.

Rozana Montiel Estudio De Arquitectura
Tenez-vous au sol
Le travail de Rozana Montiel est très sophistiqué, sans indulgence, avec une détermination palpable de construire une forme d’architecture qu’elle qualifie de « construction sociale ». un chemin de pèlerinage, à des conceptions prototypiques de stations d’incinération et de dômes de collecte d’eau. Cet enracinement dans la conviction que l’architecture doit répondre à des besoins extrêmes au Mexique est motivé par la conviction que l’architecture doit toujours fournir « plus ».

Cette exposition communique les valeurs de la pratique, le désir de « changer les barrières en frontières » pour ouvrir de nouveaux horizons, donnant le sentiment que cette section du mur de la Corderie est supprimée et remplacée en faisant entrer la vie du monde extérieur de Venise dans le espace attribué. Ce qui est si engageant dans ce travail, c’est le refus de séparer la beauté du besoin et de la fonction, et de continuer à créer et à promouvoir les possibilités oniriques et oniriques de l’architecture.

Conception de Salter Collingridge
Proposition B
Les dessins magnifiques et détaillés de Peter Salter et Fenella Collingridge décrivent un monde et une sensibilité que l’on craint souvent de perdre. C’est un monde où la construction, l’artisanat, l’érudition, les compétences sublimes et l’invention sont tous inextricablement liés. L’attention sensuelle portée aux petits détails, le profil évidé de la chaise pour plus de confort, la bordure arrondie de la table, les épissures, les fentes, les soudures, les boulons, les roues de planche à roulettes, les chaussures en cuivre et les œillères en feutre, tous se réunissent pour faire ce qu’ils décrit comme un espace d’intimité pour bavarder et bavarder.

Le bâtiment ressemble à une sorte de construction médiévale contemporaine construite avec amour et dévouement, par des architectes particulièrement créatifs et originaux. Un témoignage construit de leur position, un travail de résistance radicale à la pression contemporaine pour anéantir l’artisanat. La pièce présentée à Venise est influencée par la traditionnelle porte des baisers qui laisse passer les gens, mais pas le bétail, mais elle rappelle les œuvres de Jean Prouvé et de Pierre Chareau, et les inventions, machines et dessins de Léonard de Vinci . Cette exposition est ludique, les parties mobiles à apprécier, toutes conçues pour encourager l’interaction sociale. L’échelle minuscule de la pièce parvient toujours à encapsuler l’étendue et la portée de l’architecture.

Sauerbruch Hutton
Oxymoron
Le projet de Sauerbruch Hutton, par exemple, le premier immeuble de bureaux GSW à Berlin, le bâtiment Jessop West pour l’Université de Sheffield, le logement étudiant « Woodie » à Hambourg, les nombreux musées et immeubles de bureaux, qui montrent la capacité de créer un sentiment de bien-être au sein de leurs espaces. Ceci est réalisé par leur habileté innée à créer des environnements physiques agréables qui dégagent un sentiment de calme et de confort.

Cette exposition invite le visiteur, offre un lieu de repos, et reflète la générosité d’esprit du bâtiment du Musée M9 à Mestre, où ils ouvrent des espaces à la communauté, et utilisent « le béton apparent et la céramique pour offrir une matérialité haptique qui correspond aux finitions cocciopesto des bâtiments historiques existants ». Sauerbruch Hutton est connu pour son utilisation de la couleur comme partie intégrante de son langage architectural. Ils disent que la couleur brouille les limites physiques de l’espace, procure un plaisir visuel et enrichit la perception et l’expérience haptique. Cette exposition festive colorée représente leur propre travail, mais rappelle également les bannières, drapeaux, masques et costumes festifs de Venise, et réussit ainsi à transporter un morceau de cette merveilleuse ville dans la Corderie.

Sergison Bates Architectes
Pratique de l’enseignement
Sergison Bates est connu pour un ensemble de travaux impressionnants finement ouvrés dans toute l’Europe et récemment en Chine. Se décrivant comme une pratique fondée sur la recherche, ils sont également des enseignants et des écrivains engagés. Cette exposition ouvre les portes de deux mondes parallèles, celui de la pratique de Sergison Bates et celui de l’atelier pédagogique. L’exposition nous montre ces deux mondes et présente ce que Jonathan Sergison décrit comme « les deux formes de pratique », côte à côte. L’architecture est ici explorée comme une « pratique créative et réflexive », où les échanges critiques et les activités collaboratives sont partagés.

Dans cet « espace libre temporel » intime, un film montre le travail de praticiens hautement accomplis ainsi que celui de leurs aspirants. Cet espace temporel est constitué de cadres flottants en toile tendue. On ressent un sentiment de privilège, invité dans les « coulisses », où l’on assiste et se voit offrir l’accès à un espace où les mondes imaginés deviennent réalité. Les écrans en toile suggèrent juste assez d’enceinte pour se concentrer, mais assez ouverts pour permettre à de nouvelles idées et influences d’entrer dans ce processus d’exploration et de développement de conception en constante évolution. Il y a une générosité et une clarté dans cette exposition qui décrit magnifiquement le chevauchement et les échanges riches qui se produisent dans la pratique de l’enseignement.

Skälsö Arkitekter
Bungenäs
Le sujet de l’installation de Skälsö est assez surréaliste dans la mesure où ils ont travaillé dans un site militaire défensif contenant des bunkers militaires en béton, situé sur une île de la mer Baltique.
Au départ, il nous a semblé impossible d’humaniser la présence oppressante de ces symboles de guerre et de les transformer en des lieux où les êtres humains se sentiraient heureux de visiter ou de séjourner.

Leur travail montre une confiance absolue dans les pouvoirs transformateurs de l’architecture. Alors que de nombreux participants cherchaient la lumière du soleil, Skälsö embrasse l’obscurité, les ombres, la douce lumière sombre du nord. Leur installation est constituée de gros blocs de béton posés au sol. C’est le matériau qui a été retiré des bunkers en béton pour faire des espaces habitables. Ces blocs ont une présence étrange qui contraste avec les espaces merveilleusement inventifs créés par leur absence. Le matériel exposé décrit l’engagement avec le paysage et avec les structures existantes. La précision des interventions dégage une nouvelle énergie positive. Les espaces sont libérés par le processus d’excavation, ouvrant les mondes solides des bunkers à l’horizon, au ciel, à l’air et à la lumière.Le lieu est transformé par la puissance de l’architecture.

Souto Moura – Architectes
Vol de jour
En plus des nouveaux bâtiments révolutionnaires produits par Eduardo Souto de Moura, l’architecte a également travaillé sur la transformation exquise des bâtiments en ruine pour la réutilisation. Achevée il y a plus de vingt ans, la transformation du couvent de Santa Maria do Bouro en hôtel a offert une approche de restauration, possédant une vitalité et une autorité peu évidentes depuis l’œuvre de Carlo Scarpa à Vérone.

Dans le projet Alentejo, une transformation se produit à une échelle différente. Souto de Moura décrit la « nature urbaine de la monte », un mini-univers, avec ses rues, ses places, ses cloîtres et ses dépendances. La seule façon de préserver le patrimoine est de vivre avec et de l’utiliser – seule la vie quotidienne le transforme en quelque chose et lui confère un statut patrimonial. Le défaut de ce genre de travail, si trop on le gâche, si on n’en fait pas assez ça ne marchera pas. Les espaces presse à olives deviennent un salon ou un bar ; une étable devient un restaurant.

Steve Larkin Architectes
Kaija et Heikki Siren, Chapelle Otaniemi, Espoo, Finlande
Cette chapelle souligne une relation sacrée avec le paysage finlandais. Il y a trois espaces principaux : la cour, la chapelle et l’abside. La cour d’entrée est légèrement esquissée dans le paysage naturel, un clocher marquant sa signification. La chapelle principale est formée de murs pignons en brique et d’un toit à une pente qui offre deux fenêtres, une haute rosace et une vue sur le paysage derrière le simple autel. Une élégante ferme en bois, faite de petites sections de bois et de fines traverses en acier, nous rappelle qu’il s’agit d’un espace formé à la fois dans et à partir de la forêt. L’espace le plus important est l’abside. C’est la forêt. Marqué par une grande croix blanche, il place le sacré dans le paysage.

Le modèle réarticule cette vue, qui est encadrée par des improvisations sur la croix, les fenêtres, la charpente et le pignon. La ferme laisse tomber ses pattes pour faire une pièce forestière. Les hautes rosaces et la surface du toit intériorisent l’espace de la canopée en bois sous la lumière blanche du nord. La croix est placée au centre à l’intérieur de la forêt pour former la fenêtre entre l’espace de la chapelle et l’abside. La construction en bois empilé est utilisée pour souligner la compréhension de la chapelle Otaniemi de sa place dans la tradition finlandaise de construction d’églises.

Studio Anna Heringer
Ce n’est pas une chemise. C’est un terrain de jeu
Dans le travail d’Anna Heringer, trois questions fondamentales ont été posées : Quels matériaux locaux sont disponibles ? Quelles sont les sources d’énergie locales? Quelles sont les compétences locales disponibles ? Les réponses à ces trois questions sont : la boue et le bambou, les gens et les gens. L’un des pays les plus densément peuplés de la planète, le Bangladesh, avec plus de 163 millions d’habitants, est au centre des travaux de Heringer. L’architecture est un outil pour améliorer la vie. Ce n’est pas seulement un toit au-dessus de nos têtes, cela crée des communautés, renforce la confiance en soi, prend soin de la beauté et de l’identité culturelle, qui sont tous fortement liés à la dignité.

Ce n’est pas une chemise. C’est un terrain de jeu qui nous présente le village, son tissage, ses habitants. Il nous montre les implications de ce que nous faisons, de ce que nous acceptons. Cela nous aide à voir le monde d’une manière différente. Au lieu de déménager dans des villes où les communautés s’effondrent, avec l’ONG bangladaise Dipshikha, Anna Heringer et Veronika Lena Lang ont lancé Didi Textiles, un groupe qui offre aux tailleurs la possibilité de rester dans leur propre village. Cela permet ensuite aux gens de rester chez eux, en impliquant les membres plus âgés de la famille et les enfants dans leur vie quotidienne, en construisant et en soutenant des communautés.

Groupe de studios
Centre Arcus pour le leadership en justice sociale, Kalamazoo, États-Unis
L’idée de faire un mur de maçonnerie en bois était une belle combinaison et une idée que nous n’avions jamais envisagée. Studio Gang a construit un tel mur dans le Centre Arcus. Il est toujours si gratifiant en architecture de voir et de ressentir la grande idée résonner avec la matérialité tactile d’un bâtiment. Le grand travail urbain, techniquement sophistiqué du cabinet côtoie des projets d’échelle plus modeste qui semblent servir de laboratoire de recherche à l’utilisation inventive et imaginative des matériaux naturels, et à l’établissement d’une relation directe entre matérialité, usage et contexte.

Au Centre Arcus, nous aimons l’exploration du cycle de vie du bois et la conviction exprimée par les architectes que le bois a la capacité remarquable de connecter les personnes et l’architecture à travers les cultures et le temps grâce à sa « résonance élémentaire ». Cela est évident dans les fermes en bois et les façades structurelles en treillis de bois du Glencoe Writers Theatre, ou la structure de toit ondulante dynamique de l’Eleanor Boathouse à Chicago. Leur travail s’engage également avec les communautés défavorisées d’une manière inventive, créant des lieux avec des contiguïtés inattendues d’utilisations diverses afin d’agir comme un catalyseur pour l’intégration de ces communautés dans la société.

Studio Odile Decq
Le fantôme du fantôme
Dans Phantom’s Phantom, Odile Decq partage sa passion de jouer avec l’ambiguïté, où les miroirs font réévaluer la dimension et l’espace lui-même. Un palmarès impressionnant de récompenses et de distinctions a été décerné à Odile Decq, dont le Lion d’or à l’Exposition internationale d’architecture de 1996. Architecte en exercice, urbaniste, universitaire et enseignante, elle est la fondatrice de sa propre école d’architecture à Lyon, en France, appelée Institut Confluence pour les stratégies innovantes et créatives en architecture. Pour elle, l’architecture est plus puissante que le design. C’est une culture unique en soi.

Placer de nouveaux usages dans des bâtiments existants est une partie normale du travail d’un architecte. Insérer un usage contemporain dans un édifice hautement sensible et protégé – l’opéra du XIXe siècle, Second Empire et Beaux-Arts de Paris de Charles Garnier – demande habileté créative, bravoure et savoir-faire matériel. Autorisé uniquement à toucher le sol, ce « briseur de règles » crée un mur de verre sinueux, faisant « pas » de verre, augmentant l’illusion. La coupole historique devait être vue, pas cachée. Sa structure en acier ouvré, ses porte-à-faux, son plâtre moulé sont des insertions courageuses. Le banc sinueux réinterprète le luxe contemporain, en utilisant la couleur pour ajouter au drame.

Architectes Taka
Rogelio Salmona, Centro Comunal y Recreativo Nueva Santa Fe, Bogotá, Colombie
Rogelio Salmona, l’architecte colombien le plus en vue du XXe siècle, est connu pour sa maîtrise de la maçonnerie et de la fabrication de lieux. Salmona puise dans les influences colombiennes, européennes, précolombiennes et contemporaines pour créer de riches singularités. Son travail est à la fois local et étranger, dans le temps comme dans le lieu. Il travaille dans l’espace libre du temps et de la mémoire, s’appuyant sur des couches culturelles héritées, tissant l’archaïque avec le contemporain.

Loom est une reconnaissance de la générosité de l’espace libre d’un patrimoine culturel communautaire, produit et partagé lorsque les architectes construisent des bâtiments. Loom est une réponse construite à une œuvre spécifique de Salmona – le Centro Comunal y Recreativo Nueva Santa Fe. L’objet construit tisse la fascination de Salmona pour l’architecture précolombienne et notre affection pour son travail. En regardant à travers le prisme de l’architecture de Salmona, les fascinations personnelles (à la fois irlandaises et autres) qui se profilent dans notre mémoire, sont appelées à voir et à s’entremêler avec son travail.

Architecture et conception de Talli
Tila
La maison Tila à Helsinki, en tant que typologie transformatrice de l’habitation en ce qu’elle offre aux occupants un espace libre pour habiter un volume donné de différentes manières, communique un cadre de vie extrêmement inventif. Les installations et services communs partagés sont fournis, mais les espaces de vie privés sont offerts à l’habitant comme une coquille inachevée. Les mouvements stratégiques sont l’invention du projet et la fourniture de généreux cadeaux spatiaux à l’utilisateur. Ils communiquent une histoire riche, le résultat final d’un voyage complexe et stimulant pour les architectes.

Le squelette structurel et les os du bâtiment facilitent l’habitation libre. Un volume de 5 m de haut est fourni partout. La structure principale est conçue pour que chaque habitant puisse construire des espaces en mezzanine. Les réglementations en matière de construction sont habilement naviguées. Les espaces de circulation communs et l’accès au pont couvert créent une atmosphère conviviale. L’exposition crée un espace domestique intime au sein duquel cette histoire se révèle en deux actes : le cadre de vie et l’histoire de l’occupation. Ces architectes se sont libérés des méthodes restrictives habituelles de fourniture de lieux de vie, remettant en cause l’approche typique du développement, déterminés à montrer que des alternatives sont possibles.

Architectes Tezuka
Jardin d’enfants Fuji
Le jardin d’enfants Fuji est exposé à Venise comme une expérience interactive vivante, invitant à l’engagement émotionnel et intellectuel. Le jardin d’enfants Fuji a été construit en 2007 et Tezuka a continué à construire de nombreux espaces de jeux et écoles pour les enfants. Le thème du jeu est au centre des adultes comme des enfants. Ce charmant projet montre l’architecture comme un outil pour célébrer l’énergie illimitée des enfants. La forme ovale du bâtiment, les barrières apparemment invisibles, l’intégration des arbres, l’espace libre de la toiture, tout se conjugue pour montrer la capacité de l’architecture à libérer le corps et l’esprit.

La projection de la vie et du son du bâtiment sur le toit ovale de la maquette fait entrer les rires des enfants dans la Corderie. En Nouvelle-Zélande, ils ont remplacé une école détruite par un tremblement de terre par une structure en bois résistante aux séismes inspirée des bâtiments en bois de la Nouvelle-Zélande. Leur projet Ring Around a Tree est une structure de jeu lyrique poétique qui s’enroule doucement autour du tronc de l’arbre et de la canopée des feuilles et des branches. Leur récent jardin d’enfants Asahi construit sur une pente montre des enfants grimpant sous, au-dessus et à l’intérieur de la robuste structure en bois qui doit ressembler à une sorte de cabane magique dans les arbres, un espace libre de l’imagination.

Toyo Ito & Associates, Architectes
Nature virtuelle
Toyo Ito a toujours surpris, inspiré et rafraîchi par la nature continuellement progressive et stimulante des espaces et des bâtiments. Les espaces reflètent la philosophie de l’architecte selon laquelle l’architecture est pour les êtres humains. Il déclare que ses bâtiments sont conçus pour être beaux, non pas lorsqu’ils sont vides, mais lorsqu’ils sont habités par des humains. Il y a une volonté sous-jacente d’établir des liens avec la nature, à travers la structure, ou à travers la création de lumière ondulante ou réfléchie comme lorsqu’elle est entourée d’arbres. Ses structures sont extraordinairement innovantes comme on le voit par exemple dans la Médiathèque de Sendai, où des tubes en forme de tronc d’arbre créent une sorte de forêt structurelle.

À la Biennale Architettura 2018, il crée un espace « libre de l’ego de l’architecte ». Il ne veut pas que les gens vivent éloignés de la nature, en répondant au thème Freespace, son projet où les visiteurs peuvent ressentir la nature malgré l’artificiel de l’espace. Un espace qui offre calme et sérénité au milieu de l’exposition animée de la Corderie, un espace où le visiteur peut ressentir un sentiment de convivialité. Cela représente le rôle clé de l’architecture. Il y a un sentiment de libération dans ses bâtiments, où les gens peuvent trouver leur place au sein de la communauté des utilisateurs.

Valerio Olgiati
Expérience de l’espace
Valerio Olgiati insère un amas lâche de colonnes blanches dans l’espace de la Corderie. La masse stoïque des colonnes de la Corderie contraste avec les nouvelles colonnes plus éphémères. Comme un temple grec, il y a juste assez de place pour se déplacer dans les vides. Un espace déjà rempli de colonnes se remplit d’encore plus de colonnes pour faire prendre conscience de la qualité existante de la Corderie.

Cette installation est très représentative de l’œuvre d’Olgiati. Chaque projet est un exercice de concentration intense sur un élément spécifique de l’architecture. Cet élément peut avoir à voir avec un espace, une atmosphère, un matériau, une structure. Il en résulte un artefact qui incarne une intensité de pensée. Croyant en l’universalité des idées et des concepts comme point de départ, et en la capacité de l’architecture à apporter une nouvelle conscience aux conditions existantes, l’étranger informe le familier. Favorisant un intérêt pour l’épistémologie – remontant aux premiers principes dans l’étude du langage et des idées architecturales – la distillation de la pensée avant l’action, la qualité matérielle de l’architecture, la logique de la structure, l’atelier Olgiati est présenté ici à côté de Experience of Space .

Architectes vectoriels
Navire de connexion
La bibliothèque Seashore de Vector Architects, située telle quelle sur une plage, seule au bord de la mer. Le fait qu’il s’agisse d’une bibliothèque a ajouté un autre niveau de richesse à ce rêve, puisque la Bibliothèque en tant qu’institution est l’un des espaces libres les plus importants de notre société. Le projet de Vector racontait la merveilleuse histoire de la façon dont ce « petit espace a déclenché un tel niveau d’énergie sociale », attirant trois mille personnes par jour de tout le pays.

De beaux dessins expriment la pensée, la recherche, la fabrication. Les dessins sont travaillés, comme des outils usés, des couches de graphite accumulant une énergie qui leur est propre. L’exposition est un espace construit qui ressemble à un cocon, un espace d’amphithéâtre, un lieu de réflexion et de calme, de mystère, représentant la qualité de cette merveilleuse bibliothèque du bord de mer. Les architectes ont été témoins d’un niveau d’utilisation tout à fait inattendu de ce petit bâtiment, initialement destiné à soixante-quinze lecteurs. Dans ce cas, l’architecture reflète et satisfait une « forte soif de nourriture culturelle et spirituelle » à une époque où les valeurs commerciales sont si fortement promues.

Architectes Vtn
Stalactite de bambou
Campagne de projet de VTN pour l’intégration d’arbres dans chaque pièce d’architecture ; leur confiance dans l’effet positif des arbres sur les êtres humains ; leur conviction de faire de l’architecture pour les pauvres et pas seulement pour la minorité riche du monde ; et leur utilisation de matériaux écologiquement économiques. Leur travail illustre de nombreuses valeurs exprimées, notamment la prise en compte de « la Terre comme Client ».

Les dessins de la structure de la stalactite de bambou sont d’une beauté fascinante, en particulier leurs dessins du plan. Ils apparaissent comme des dessins d’armature en acier pour un toit tendu en béton, ce qui coïncide bien sûr avec la description de Vo Trong Nghia selon laquelle le bambou est « l’acier vert du 21e siècle ». Le terme stalactite est intrigant et suggère que cette structure a été conçue comme suspendue au ciel, touchant juste le sol par points pour ne pas s’envoler. La manière dont le bambou est travaillé, plié et attaché crée une force indépendante étonnante, n’ayant besoin que d’être ancrée. Transporté à Venise depuis le Vietnam, ce visiteur culturel se tient fièrement au bord de l’eau, prêtant l’ombre de sa lumière tachetée, posant comme un danseur aux pieds légers,ajoutant un sens du théâtre à ce tablier de terrain industriel. C’est un merveilleux symbole d’un avenir optimiste en architecture.

Walter Angonese, Architekt/Architetto
Übernahme / Consegna / Reprise
Walter Angonese exerce une force d’énergie, de passion et de conviction éthique dans sa pratique et son enseignement. Connu pour ses bâtiments artisanaux, réfléchis et sophistiqués principalement réalisés dans sa propre région de Bolzano, en Italie, une région à laquelle il se consacre, Angonese croit au rôle de l’architecte au sein des petites communautés et effectue avec plaisir des travaux à toutes les échelles. En tant qu’enseignant, il inspire le dévouement, la curiosité et le courage.

L’exposition implique une stratégie pour le remaniement d’un centre d’accueil qu’il a achevé il y a quelques années. C’est un processus de rectification, de reconquête de la dignité des espaces endommagés par les intérêts commerciaux. En parallèle, les travaux d’étudiants diplômés de ces trois architectes sont contenus dans le même espace. C’est un appel à la nécessité de prendre soin de l’architecture et qu’une mauvaise utilisation peut détruire le cœur d’un bâtiment. La présence de l’installation est monumentale, stoïque, assumant le personnage de guerriers debout, fiers. Il y a un sentiment poignant de lutter ensemble à l’unisson pour la protection des valeurs architecturales.

Weiss / Manfredi
Lignes de mouvement
Weiss/Manfredi montrent à la fois des exemples historiques et contemporains d’« hybrides reliant plusieurs disciplines » par opposition aux « infrastructures monolithiques à usage unique ». L’hybride en architecture est intrigant car il suggère une sorte d’organisme qui peut s’ajuster et changer sans perdre sa forme ou son utilisation. La capacité des architectes à créer une approche ouverte du travail est à la fois stimulante et exigeante, mais les exemples qui inspirent Weiss/Manfredi révèlent leur pensée : les marches espagnoles de Specchi, la promenade de la rivière Plečnik à Ljubljana, la promenade du pont de Brooklyn et le pont de Galata à Istanbul . Ces merveilleux repères communiquent immédiatement le message clé au visiteur, car tous ces exemples sont des connecteurs sociaux vibrants qu’il s’agisse d’escaliers, de ponts ou d’un passage couvert.

L’installation forme un espace « dérivant » où trois projets hybrides de Weiss/Manfredi sont présentés côte à côte avec leurs précédents choisis. Ce travail confirme la philosophie de Weiss/Manfredi selon laquelle « il n’y a pas de frontières entre la ville et le jardin, l’art et l’écologie, les infrastructures et l’intimité en tant qu’opportunités habitables pour créer des espaces publics durables ». Il y a un sentiment d’autorité calme à la fois dans le travail et dans la création de l’exposition. Il y a aussi un merveilleux sentiment de convivialité, de joie et de plaisir dans tous les projets présentés, anciens et nouveaux.

Événements collatéraux
Cette édition présente à nouveau une sélection d’événements collatéraux. Promu par des institutions nationales et internationales à but non lucratif, ils présentent leurs expositions et initiatives à Venise lors de la 16ème Exposition Internationale d’Architecture.

À travers les villes chinoises – La communauté
Università IUAV di Venezia, Promoteur : Beijing Design Week
Le troisième chapitre du programme Across Chinese Cities explore les approches de la planification liées au développement des « communautés » en tant que mécanismes qui créent de nouveaux systèmes d’appartenance sociale, économique et spatiale. Promue par la Beijing Design Week et organisée par Beatrice Leanza (The Global School) et Michele Brunello (DONTSTOP Architettura), l’exposition présente une sélection d’études de cas de contextes chinois urbains et ruraux basés sur la planification intégrée, et donc sur la réconciliation, sur des approches d’organisation basées sur les politiques et les communautés avec des objectifs d’inclusion, d’autonomisation et de créativité collective.

Dans le cadre du projet, le chapitre « Guest City Suzhou » présente les recherches menées par une équipe de praticiens du design qui s’articule autour du plan de régénération de la route Pingjiang qui explore collectivement le contexte unique de traditions préservées de la ville en tant que modèle pour une mise en œuvre future.

Borghi d’Italie – No(F)Earthquake
Galerie Paradiso, Promoteur : Concilio Europeo dell’Arte
Le nouveau projet d’exposition Borghi of Italy – NO(F)EARTHQUAKE est dédié à la préparation aux séismes, à la sécurisation du patrimoine artistique et architectural de notre pays ainsi qu’à la revitalisation des lieux architecturalement symboliques : les villages italiens. Le concept Freespace lancé par les commissaires de la Biennale d’architecture 2018 est lié à l’idée d’un espace « libre et sûr », dans lequel ceux qui utilisent ou vivent dans les espaces, en particulier les résidents, peuvent se sentir « libres » :libre de la peur des tremblements de terre et libre de revenir et de vivre dans les lieux italiens les plus caractéristiques qui, en ce moment historique, risquent d’être complètement abandonnés au profit des nouveaux centres urbains – de nouvelles civitas – généralement construits loin de leurs lieux d’origine et réalisés sous des formes complètement détachées de leurs contextes historiques.

Borghi d’Italie présente également « BorgoAlive! » du Conseil Européen des Arts. projet, qui vise la revitalisation durable d’un village et de ses environs, dans lequel la préservation et la restauration d’un bâtiment emblématique du village devient le moyen de réutiliser et de régénérer un centre historique endommagé et/ou abandonné. Cela devient à son tour une opportunité d’améliorer les ressources artistiques et culturelles des petits centres urbains et de leurs arrière-pays ainsi qu’une opportunité de relancer la croissance économique et sociale, le développement du tourisme local et le repeuplement des villages italiens.

Serre Jardin – Réfléchir, Projeter, Connecter
Serra dei Giardini, Promoteur : Institut suédois
Greenhouse Garden: Reflect, Project, Connect est un événement composé d’une exposition, d’un pavillon en bois temporaire, par les architectes In Praise of Shadows, et d’une série de séminaires et d’ateliers sur l’architecture, l’environnement bâti et les objectifs mondiaux de l’Agenda 2030, comme et comment l’architecture et le bois peuvent en faire partie. Plots, Prints and Projections est le titre de l’exposition à Serra dei Giardini.

Il abritera une série d’installations spatiales à grande échelle qui sont le résultat d’une enquête sur le rôle contemporain et contesté des représentations architecturales et de leurs traductions en forme bâtie, à la rencontre du matériau dynamique bois et de l’industrie manufacturière. Cela impliquera des explorations architecturales des transitions des dessins architecturaux, des mesures, des notations et des instructions virtuelles pour la production à leur manifestation matérielle utilisant le bois comme matériau principal, et vice versa. Ancrés dans l’histoire de la pratique architecturale, les différents modes numériques et analogiques de représentation architecturale continuent d’être des techniques permettant de comprendre et d’étudier la discipline de l’architecture.

Visions sonores primordiales
Ca’ Foscari Esposizioni, Promoteur : Agence internationale pour les énergies renouvelables (IRENA)
Primal Sonic Visions vise à éveiller un sentiment d’émerveillement devant les nouveaux sons et formes d’énergie parmi le public grâce à la puissance et à la beauté primales des sources d’énergie éolienne, solaire, hydraulique et thermique. L’artiste sonore international de renommée Bill Fontana, à travers des œuvres d’art médiatiques haute résolution, explore de nombreux types importants de systèmes d’énergie renouvelable à partir d’une variété d’emplacements géographiques qui célèbrent les aspects visuellement et sonorement convaincants de ces systèmes où la Terre est à la fois client et architecte.

Lorsque les gens entrent dans l’espace, ils vivent une expérience émouvante qui suscite d’abord un sentiment d’émerveillement, puis se transforme en un reflet profond du potentiel et de la puissance de ces sources d’énergie utilisées pour assurer un avenir meilleur à notre planète. Ce travail intervient à un moment particulièrement crucial alors que les effets négatifs du changement climatique deviennent de plus en plus évidents. Ce travail est une collaboration entre l’artiste et l’IRENA dans une tentative sonore et visuelle unique de focaliser l’intuition du public et d’éveiller une réaction émotionnelle globale à l’environnement. L’exposition comprendra également une œuvre d’art médiatique avec le nouveau système de barrière contre les inondations pour Venise, MOSE.

RCR. Rêve et Nature_Catalogne à Venise
Lieu : Cantieri Navali, Castello, Promoteur : Institut Ramon Llull
Le studio RCR a reçu le prestigieux Pritzker Architecture Prize en 2017. À la lumière de cette reconnaissance internationale, nous présentons une exposition qui présente l’univers le plus intime de Rafael, Carme et Ramon. La Biennale Architettura agit comme un catalyseur pour tous les professionnels qui la fréquentent pour poursuivre l’inspiration, les rêves et les intuitions. Pour cette raison, c’est tellement fascinant (et un tel exercice de générosité) que des esprits extrêmement sensibles comme ceux de Rafael, Carme et Ramon partagent leurs rêves et leurs aspirations les plus éclairées. A Venise, pour la première fois, nous présentons les rêves de RCR. Une utopie en construction.

Salon Suisse : En marge de l’architecture
Lieu : Palazzo Trevisan degli Ulivi, Promoteur : Fondation suisse pour la culture Pro Helvetia
Dans la longue histoire de l’architecture, de tels moments se sont toujours avérés plus fructueux lorsque le discours s’ouvrait à des perceptions extérieures, à des idées et des inventions d’autres disciplines scientifiques et artistiques. Aujourd’hui, face aux mutations rapides et fondamentales de la société, de l’économie et de la politique, il est temps de repartir.

Si l’architecture est une île dans l’archipel des disciplines artistiques et scientifiques, alors le Salon Suisse 2018 est un navire qui a quitté le port. Depuis des rivages étrangers, nous reviendrons sur l’architecture et explorerons sa pertinence culturelle et sociale aujourd’hui. Au cours de ce voyage de découverte, nous rencontrerons des philosophes et des anthropologues, des écrivains, des musiciens et des artistes, des comparatistes et des chercheurs en sciences sociales. En discutant de leur travail et de son lien avec l’architecture, le Salon Suisse ouvrira de nouvelles perspectives, non seulement sur les potentiels de l’architecture au 21e siècle, mais aussi sur les connexions cachées qui ont toujours existé entre les différentes disciplines.

Le hasard
Collegio Armeno Moorat, Promoteur : Gouvernement écossais
The Happenstance établit un Freespace dans le jardin au cœur du Palazzo Zenobio, comme un lieu pour construire ensemble de nouvelles possibilités pour les libertés que nous devons revendiquer de toute urgence – et démontrer ce qui peut être construit en cartographiant les connexions, en rassemblant les besoins, les ressources et les idées de Espace libre en Écosse et à Venise. L’espace agit comme une archive active (The Living Library of Ideas), où une équipe d’artistes et d’architectes, experts du jeu, encourage chacun à entrer dans une relation vitale avec l’environnement bâti, en utilisant le jeu comme agent actif dans le processus de repenser et récupérer leur Freespace.

Au cœur de Zenobio, vous trouverez un focus sur les jeunes, leurs capacités, leurs besoins et leur imagination exploitée pour renforcer cette énergie en chacun de nous. Notre programme en direct comprend l’animation d’autres espaces dans la ville. De même, les projections de cinéma en plein air se concentrent sur des exemples inspirants d’individus, d’organisations et de situations qui soulignent le thème de la Biennale Architettura de cette année. Nous avons une proposition pour le visiteur de notre jardin – attendez-vous à avoir de la chance. C’est l’art du bonheur.

Architecture involontaire
Arsenale, Promoteur : Bureau des affaires culturelles du gouvernement de la RAS de Macao ; Musée d’art de Macao
Le mot « espace libre » illustre le paysage changeant « interactif » et la relation complexe entre les personnes et l’espace. En raison du passage du temps, du changement de dynamique sociale et de l’imagination de l’espace entre les générations, les espaces stagnants se sont transformés en espaces de vitalité et d’arôme local. L’« interaction » entre les personnes et l’espace revêt un sens profond, que nous avons nommé Architecture Unintended.

Macao, une ville de plus en plus internationalisée densément peuplée de gratte-ciel, des fragments d’architecture non intentionnelle pouvaient encore être trouvés, dispersés dans les logements densément peuplés, cachés dans les jardins urbains calmes, éludés dans le bazar animé et flashés dans les vieux tremplins. Notre exposition d’architecture a délibérément sélectionné les « cartes à jouer » comme élément de conception de base, qui symbolisent la croissance rapide de l’économie de Macao. En manipulant des « cartes à jouer » sous différentes formes et combinaisons, Unintended Architecture sera réillustré de manière abstraite.

Tissu vertical : densité en paysage
Arsenale, Promoteur : Hong Kong Arts Development Council
Vertical Fabric: Density in Landscape, démontre les conditions urbaines de Hong Kong et explore l’espace libre à travers des tours. 100 exposants, dont des architectes de Hong Kong et d’outre-mer, sont invités à concevoir leurs tours d’espace libre, faisant des déclarations sur la typologie des tours dans la ville verticale. 100 maquettes de tours blanches de 2,0 mètres de hauteur sont ouvertes aux 100 exposants pour redéfinir le potentiel spatial tout en conservant son enveloppe en tant que forme urbaine collective.

L’exposition manifeste l’innovation dans les contraintes tout en générant des espaces extraordinaires à partir de l’ordinaire. En installant 100 tours marchant le long de la cour se prolongeant dans des salles d’exposition, le lieu illustre la compacité de la forme urbaine de Hong Kong et offre une plate-forme de dialogue avec le monde, façonnant un discours sur l’urbanisme et l’architecture verticale de Hong Kong. Il offre également aux architectes la possibilité de repenser la conception de la tour au-delà, en incubant des visions face aux défis mondiaux en matière de technologie, d’environnement et de société.

Vivre avec le ciel, l’eau et la montagne : créer des lieux à Yilan
Palazzo delle Prigioni, Promoteur : China National Taiwan Museum of Fine Arts
L’architecte exposant Sheng-Yuan Huang a déclaré que « chercher la liberté » servait sa philosophie fondamentale de l’architecture et était partagé avec ses collègues de Yilan comme la valeur fondamentale derrière chaque création. Pour eux, la « liberté » n’est pas un concept abstrait, et leur « liberté » leur a permis de contribuer leurs efforts à leur société à moins de 15 minutes en voiture de leur vie réelle.

L’exposition sera présentée avec les thèmes suivants : condenser les mémoires sociales – interventions à travers le temps ; définir une canopée de référence comme nouvelle ligne de référence ; retour à la terre-continuum en suspension du temps. Ces trois thèmes se concentraient sur la création d’espaces publics, y compris la canopée à l’échelle unban, le système de faisceaux vasculaires et le cimetière Cherry Orchard. Le résultat de ces travaux était basé sur l’apprentissage des résidences locales et des milieux naturels avec un certain laps de temps pour façonner soigneusement la vie quotidienne de chacun.

Jeunes architectes en Amérique latine
CA’ASI, Cannaregio, Promoteur : CA’ASI Association 1901
L’exposition souligne le rôle important joué par le monde latino-américain aujourd’hui, à travers son architecture contemporaine. A l’occasion de la 16e Biennale internationale d’architecture, le CA’ASI ouvrira ses portes aux architectes émergents d’Amérique latine afin de souligner la créativité, l’originalité et l’engagement social de leur nouvelle architecture, et de l’aider à gagner une reconnaissance mondiale. Architecture-Studio a créé l’association CA’ASI pour favoriser le dialogue entre l’architecture, l’art contemporain et les visiteurs de la Biennale.

Prix ​​Jeune Talent Architecture 2018
Palazzo Mora, Promoteur : Fundació Mies van der Rohe
Le Young Talent Architecture Award (YTAA) est promu par la Fundació Mies van der Rohe avec le soutien de Creative Europe dans le cadre du Prix de l’Union européenne pour l’architecture contemporaine – Mies van der Rohe Award. La Fundació Mies van der Rohe encourage le débat et la sensibilisation sur des thèmes liés à l’architecture et à l’urbanisme contemporains et, avec la YTAA, vise à soutenir le talent des architectes, urbanistes et paysagistes récemment diplômés qui seront chargés de transformer notre environnement dans le futur.

L’événement collatéral sera une exposition complète présentant les conceptions des œuvres présélectionnées YTAA 2018, y compris les 12 finalistes et, parmi eux, les 4 lauréats. Avec des images et des dessins, des vidéos seront également utilisées pour expliquer les projets de fin d’études. Les lauréats de l’YTAA seront honorés lors d’une cérémonie de remise des prix qui aura lieu à Venise le 20 septembre 2018. La cérémonie sera également complétée par un débat sur les principaux thèmes de l' »Année européenne du patrimoine culturel » organisé par Commission, et les questions qui découleront des résultats de l’YTAA. Le débat comptera avec les lauréats, les membres du jury, un certain nombre de participants à la Future Architecture Platform et d’autres invités.

Projets spéciaux
Il y a deux projets spéciaux à la Biennale Architettura 2018 : l’un est le projet spécial Forte Marghera à Mestre, organisé par Yvonne Farrell et Shelley McNamara, se compose d’une installation des architectes Sami Rintala et Dagur Eggertsson, également construit pour accueillir une série d’événements programmés à Fort Marghera.

Un autre est le projet spécial du pavillon des arts appliqués de la Sale d’Armi de l’Arsenale, qui réfléchit sur l’avenir du logement social en présentant un fragment du lotissement social, Robin Hood Gardens, conçu par Alison et Peter Smithson en East London et achevée en 1972. Renouvelée pour la troisième année consécutive, la collaboration entre La Biennale et le Victoria and Albert Museum de Londres a rendu possible cette exposition organisée par Christopher Turner et Olivia Horsfall Turner.

Réunions
La Biennale Architettura 2018 a été accompagnée tout au long de sa durée par un programme de conversations : Meetings on Architecture, organisé par Farrell et McNamara, sont l’occasion de discuter des différentes interprétations du Manifeste FREESPACE et d’écouter les voix des protagonistes de l’Exposition.

Le programme des Rencontres est complété par des contributions des Pays Participants et un calendrier de conférences organisées en collaboration avec des institutions internationales telles que la London School of Economics/Cities et Alfred Herrhaussen Gesselschaft, et avec le Victoria and Albert Museum de Londres. Enfin, les Archives historiques de La Biennale di Venezia présentent une rencontre centrée sur l’architecture dans les archives.