Art de la résilience

Art Resilience est un mouvement artistique créé en 2014, basé au Bateau-Lavoir, à Montmartre, Paris. France. La résilience est, à l’origine, un terme utilisé en physique qui caractérise la capacité d’un matériau soumis à un impact à retrouver son état initial. C’est la capacité d’absorber les perturbations, d’être changé, puis de se réorganiser, d’apprendre de la perturbation et de toujours garder la même structure de base, d’avoir toujours la même identité. En art, la résilience est la capacité d’une œuvre d’art à conserver sa particularité à travers l’esthétique malgré une subjectivation croissante.

Le mouvement Art Resilience a été créé en 2014 par Ksenia Milicevic, avec huit membres fondateurs, à savoir John Botica (Nouvelle-Zélande), Gregorio Cuartas (Colombie), Christelle Larson (France), Gérard Lartigue (Mexique), Victor Molev (Canada), Miguel Betancourt (Equateur), Senol Sak (Turquie) et Christopher Stone (Angleterre) à Paris, France. Il s’agit d’un groupe d’artistes pour qui l’art n’est pas le résultat d’un geste aléatoire, ni une forme simplement dramatique pour le divertissement du public. Ce sont des artistes qui font partie du contemporain, mais avec un objectif basé sur l’esthétique, maintenant ainsi la capacité de l’art à lier l’homme au monde. Le terme «résilience» est utilisé par Milicevic se référant à un terme utilisé à l’origine en physique pour caractériser la capacité d’un matériau d’impact à revenir à son état d’origine et à sauvegarder son identité. La résilience est, en art, la capacité de l’œuvre à conserver ses caractéristiques par l’esthétique, malgré la forte subjectivité de l’art contemporain. Le mouvement artistique Art Resilience n’est pas de nature formelle, il ne cherche qu’à redéfinir la notion d’art.

Concept
Quand tout est devenu si fluide, seule la beauté peut donner à l’homme un point de référence et lui garantir un certain équilibre. En bannissant la beauté de l’art, les artistes l’ont soumise à la violence, la vulgarité, la laideur, le vide. Et pourtant, pour que l’art conserve sa capacité à nous situer dans un espace hors du temps, à nous abstraire de nous-mêmes et à nous inclure dans un tout, créant en nous l’expérience même de la vie, qui est la première fonction de l’art, la la beauté est difficile à écarter. La beauté est immuable et constante.

L’homme, par sa sensibilité, perçoit la beauté à laquelle il adhère par l’intelligible car il existe un lien entre la structure de la beauté, le cerveau humain (ainsi que celui de certains animaux, et nous ne savons rien des plantes), et le monde.

Le principe de constance relie l’art et l’univers. L’art est à la fois un concept abstrait et une réalité concrète. C’est sa forme mathématique qui lui donne le caractère de perfection. En tant que concept abstrait, il est immuable, mais en tant que réalité concrète, il se déroule à l’infini.

La beauté, par ce qui est constant, immuable, par la structure parfaite d’un «théorème mathématique» appelle à l’éternité.

La beauté qui relie le plus puissamment l’homme au monde et à l’éternité est la beauté dans l’art. L’art étant l’expression de la conscience de l’existence, la beauté en est le fondement même.

Manifeste de l’art de la résilience
La définition de l’art est possible
La beauté est objective et elle est le fondement naturel de l’art.
L’expression formelle doit être libre, mais basée sur l’esthétique qui garantit la qualité.
L’artiste doit être conscient et responsable de ses actions.
L’art façonne l’individu et la communauté.

L’art de la science
La quête de la beauté fait partie de la tradition de la physique tout au long de son histoire. Et en ce sens, la relativité générale est l’aboutissement d’un ensemble spécifique de préoccupations esthétiques. Symétrie, harmonie, sentiment d’unité et de plénitude, ce sont là quelques-uns des idéaux formalisés de la relativité générale. Lorsque la théorie quantique est un mélange jazzy nerveux, la relativité générale est une valse majestueuse.

Ce n’est peut-être pas le devoir des scientifiques d’enchanter notre paysage conceptuel, mais c’est l’un des objectifs que la science peut atteindre; et aucune idée scientifique n’a été plus captivante que celle d’Einstein. En substance, la théorie nous donne une nouvelle compréhension de la gravité, qui est surnaturellement étrange. Selon la relativité générale, les planètes et les étoiles se trouvent à l’intérieur ou à l’intérieur d’une sorte de tissu cosmique – l’espace-temps – qui est souvent illustré par une analogie avec un trampoline.

En appliquant le concept d’espace-temps à l’ensemble du cosmos et en tenant compte de l’effet gravitationnel de toutes les étoiles et galaxies qui s’y trouvent, les physiciens peuvent utiliser les équations d’Einstein pour déterminer la structure de l’univers lui-même. Il nous donne un plan de notre architecture cosmique.

À une époque où il existe un désir croissant de jeter un pont entre les mondes de l’art et de la science, les sauts créatifs ici sont entraînés à la fois par la spéculation ludique et par les pouvoirs ludiques de la logique. La raison et l’imagination se combinent pour synthétiser un tout que ni l’un ni l’autre ne pourrait réaliser.

Facteurs de résilience dans l’art
L’art soumis aux différentes conceptions du monde, écrasé par les théories historicistes, rechigne à répondre aux attentes quant à la possibilité d’une parfaite communication entre citoyens égaux à travers une communauté de goût, submergée sous le poids de l’annonce de sa fin prochaine, écrasée sous la politique, réduite à la description du social, déchirée par les exigences de la liberté de l’artiste, moulée dans toutes sortes de formes classées historiquement et géographiquement, fusionnées en un tout par les théories sur la fusion de l’art et de la vie, subies , au fil des décennies, interprétations, manipulations, appropriations, au point d’oublier l’existence même des œuvres d’art. Ils sont devenus enterrés sous toutes sortes d’images et d’objets, quand son existence même n’est pas niée comme historiquement dépassée ou réduite à un simple élément de communication entre les gens. Et pourtant…

Partant du principe que l’art est impossible à définir (Kierkegaard) et de l’identification de la beauté au simple goût subjectif, l’art perd sa spécificité et tout jugement sur la qualité de l’œuvre devient impossible. Le beau est considéré comme obsolète et le jugement sur la qualité du travail est remplacé par d’autres considérations telles que la nouveauté, le message, l’action … ces attributs peuvent faire partie du travail, mais ne peuvent en aucun cas lui donner de spécificité. Progressivement, l’œuvre elle-même finit par disparaître.

Les œuvres d’art reposent sur des structures internes harmonieusement ordonnées, sur le temps en se rapportant au passé, sur le présent en s’adaptant à leurs époques, et se prolongent dans le futur en se fondant sur ce qui est immuable, la beauté. Ainsi, les œuvres d’art acquièrent la forme de vie, ce qui lui donne la spécificité, et que chaque nouveau regard réactive à l’infini. Dans de telles œuvres, artistes et spectateurs se rencontrent, et c’est à travers eux que l’homme participe et fait partie du monde.

La période pendant laquelle une œuvre s’inscrit est abolie, les produits artistiques devenant éphémères. Par la subjectivité, la production n’est centrée que sur l’action de l’artiste, l’intérêt de l’objet d’art ne résidant que dans l’intention signifiante du projet de l’artiste. Et pourtant, l’art est précisément ce qui n’a pas d’intentionnalité.

Le spectateur est réduit à participer au jeu, à déchiffrer le discours ou à se laisser distraire. Le spectateur reste en dehors de l’œuvre. Ainsi, dans les produits d’art contemporain, on assiste à la disparition de l’œuvre d’art, car ces produits ne s’appuient sur aucun fondement et ne se distinguent en aucune manière des autres objets. L’iconoclasme moderne a triomphé. Être iconoclaste, c’est être contre le monde. Être contre le monde, c’est être contre la raison. C’est contre l’homme.

Des expositions
La première Foire internationale d’art de la résilience a été organisée en 2015 par Ksenia Milicevic au Musée de peinture de Saint-Frajou, Saint-Frajou, France. 1er prix: Anna Grazi, Corse, France. 2e prix: Uros Paternu, Ljubljana, Slovénie, 3e prix: Irena Grant, Tasmanie, Australie, prix du jury: Yaffah Kanfitine, Lomé, Togo.
2016, 2e Salon international de l’art de la résilience. 1er prix: Rosemary Meza-Desplas, Dallas, États-Unis. 2e prix: Tanya Ziniewicz, Baltimore, États-Unis, 3e prix: Melvyn Chuang, Taipei, Taiwan, Prix du jury: Mary Joyce, Edmonton, Canada.
Participation de Ksenia Milicevic au Congrès euro-méditerranéen – Marseille: la résilience dans le monde vivant, sous la présidence de Boris Cyrulnik, 19-21 mai 2016, Archives départementales des Bouches du Rhône. Intervention sur la résilience dans l’art.
2017, 3e Salon international de l’art de la résilience. Pays participants: Brésil, Indonésie, Canada, États-Unis, Pakistan, Suisse, Angleterre, Australie, Afrique du Sud, Tunisie, Turquie, France. 1er prix: Mayanne Mackay, Toulouse, France, 2e prix: Mary Joyce, Edmonton, Canada, Prix du musée: Ipung Purnomo, Papouasie, Indonésie. Prix ​​du jury: Olivier Talon, L’Isle-sur-la-Sorgue, France avec l’œuvre “Winter Blues”, collection privée.
2018, 4e Foire internationale d’art de la résilience. Pays participants: Argentine, Australie, Canada, États-Unis, Indonésie, Israël, Porto Rico, Turquie, France. 1er prix: Mary Joyce, Canada. 2e prix: Ana Erra, Argentine. Prix ​​du jury: Corinne Medina Saludo, France. Prix ​​du musée: Allen Rush, États-Unis.

En 2018, la résilience dans l’art a été présentée lors du 4e Congrès mondial sur la résilience organisé par Resilio – Association internationale pour la promotion et la diffusion de la recherche sur la résilience en partenariat avec Aix-Marseille Université à Marseille (France), du 27 au 30 juin 2018.
En 2019, Michelle Marder Kamhi, critique d’art, a rejoint le mouvement Art Resilience.
2019, 5e salon international de l’art de la résilience. Pays participants: Canada, Indonésie, Iran, Égypte, France, Italie, République tchèque, Suisse, Turquie, États-Unis. 1er prix: Mahmoud El-Kouriny, Egypte. 2e prix: Hector Lopez, Suisse. Prix ​​du jury: Mary Nash, États-Unis. Prix ​​du musée: Samaneh Riazati, Iran. Prix ​​de la photographie: Nicholas Luchenbill, États-Unis.

Membres et associés d’Art Résilience
Corinne Medina-Saludo
Christopher stone
Gerard Lartigue
John Botica
Ksenia Milicevic
Michelle Marder Kamhi
Mary Joyce
Miguel Betancourt
Sandra Bromley
Senol Sak
Victor Molev