Le théâtre de la Renaissance est l’union des genres dramaturgiques et des différentes formes de théâtre écrites et pratiquées en Europe à la fin du Moyen Âge et au début de l’âge moderne.

Dans cette période, il y a un phénomène de renaissance du théâtre, préparé par la longue tradition théâtrale médiévale qui s’est manifestée dans les cours, les places et les universités sous de nombreuses formes, de la représentation sacrée aux comédies cultivées du XVe siècle.

Le théâtre médiéval tardif
La Renaissance voit le désir des souverains de mieux contrôler le divertissement populaire subversif, y compris les sotties qui ridiculisent les membres réguliers de la famille royale et de l’Église, parfois avec un contenu politique particulièrement partisan. C’est pourtant l’Église, ébouillantée par la Réforme, qui promulguera la première interdiction complète: c’est celle des mystères, en 1548. La même année, la première «comédie régulière», à l’imitation de l’antique, est présentée devant le roi Henri II à Lyon: il s’agit de La Calandria, à laquelle le roi et la reine font triompher, ainsi que de son instigateur Maurice Scève, montrant bien la préférence du pouvoir pour les genres «nobles» hérités de l’antique, et surtout sans référent social contemporain. Plusieurs représentations royales installeront par la suite la tragédie comme un divertissement de cour, mettant à l’occasion dirigé la famille royale elle-même. La comédie ne connaîtra pas le même honneur, et après quelques représentations royales, parfois glorieuses et parfois calamiteuses des spectacles d’Etienne Jodelle en particulier, tous les types de comédies ont été interdits par édit du Parlement de Paris de 1588 à 1594, scellant ainsi le sort du théâtre médiéval et populaire. Cette période, cependant, a ravivé l’art du mime comique, elle n’est pas soumise à la nouvelle loi, et la farce a continué à exister sous des formes plus ou moins clandestines.

La dramaturgie
En 1549, Joachim du Bellay a encouragé les écrivains à restaurer l’ancien modèle. Si le texte du théâtre médiéval était le produit d’un ordre donné par un organisateur à un écrivain anonyme (par exemple pour les mystères), alors la relation littéraire est inversée: ce qui devient premier est l’œuvre, l’écriture dramaturgique, mais aussi les dramaturges, qui ne sont plus anonymes et s’affirment comme écrivains, brandissent parfois leur portrait à la tête du livre, habitude fréquente chez les poètes des Pléiades.

Ce nouveau théâtre renouvelle les sujets, ce qui lui permet de s’ouvrir à de nouveaux horizons parfois délaissés par le théâtre médiéval, où le mystère invitait seulement le croyant à abandonner le péché et à réintroduire un univers philosophique.

À l’époque, trois livres sont connus par les savants, l’Art poétique d’Horace traduit en 1541, l’Art de la grammaire de Diomède et le Traité de la tragédie et de la comédie de Donat. Les principes d’Horace sont généralement appliqués: des pièces de 1500 à 2000 vers, principalement en vers, divisées en cinq actes avec dans la tragédie des interventions de chœurs qui marquent des pauses lyriques aux multiples variations. Des dramaturges grecs comme Sophocle et Euripide sont traduits mais c’est surtout Sénèque dont on admire le style et la rhétorique qui seront imités par les premiers tragiques. Pour la comédie, c’est avant tout Terence qui servira de modèle, avant Plaute.

La tragédie
C’est la tragédie qui occupe l’essentiel de ce théâtre dont l’esthétique se constituera au fur et à mesure de la production, tragédie montrant la misère des grands et leur retournement de fortune.

L’action est minuscule, c’est un théâtre du mot où le personnage agit peu, se lamente, il est la victime souffrante et se lamente passivement du désastre d’où l’importance de la valeur rhétorique dans le discours et les diatribes consacrés à la plainte et aux lamentations. Les sujets sont tirés de la Bible à travers de grandes figures amenées sur les lieux comme Moïse, Abraham, Esther mais aussi les mythes grecs: nous voyons apparaître une tragédie biblique édifiante où, dans les moments difficiles, les écrivains écrivent aux calvinistes persécutés et se réfèrent au condition historique de leur temps. Histoire (essentiellement l’histoire de Rome et à la fin du siècle, en particulier l’histoire plus proche, moderne) et fiction fictive, tragédie de l’amour et de la vengeance. Theodore Beza avec Abraham sacrifiant écrit la première tragédie française qui n’est pas une adaptation et une traduction d’une œuvre ancienne et Stephen Jodelle avec captive Cléopâtre écrit la première véritable tragédie française à l’ancienne, qui exercera une forte influence sur le développement plus tard de la genre en mettant en place une dramaturgie qui va continuer pendant une longue période. Robert Garnier est l’un des représentants les plus illustres de son genre: il a été le plus joué, ses œuvres ont été réimprimées plusieurs fois et ont connu un grand succès dans les librairies. On peut également citer Antoine de Montchrestien dont la conception de la tragédie est très proche de lui et qui oriente ses thèmes vers l’édification morale et religieuse dont le chœur est porteur.

Théâtre de la Renaissance en Italie
La Renaissance était l’âge d’or de la comédie italienne, aussi grâce à la récupération et la traduction dans les diverses langues vulgaires, par les humanistes de nombreux textes classiques grecs et latins (textes théâtraux tels que les comédies de Plaute et Terence et les tragédies de Seneca des œuvres théoriques telles que la poétique d’Aristote, traduite pour la première fois en latin par l’humaniste Giorgio Valla en 1498).

Les genres développés et proposés étaient la comédie, la tragédie, le drame pastoral et, plus tard, le mélodrame, qui eut une influence considérable sur le théâtre européen du siècle. Mais il a également continué dans la tradition médiévale de la représentation sacrée qui a eu de nombreux exposants même pendant la Renaissance.

La comédie
Niccolò Machiavelli est l’un des dramaturges les plus représentatifs du théâtre de la Renaissance; la secrétaire florentine avait écrit l’une des comédies les plus importantes de cette période, La mandragola (1518), caractérisée par une charge expressive et une sève inventive à peine plus tardive, inspirée par des références satiriques à la réalité quotidienne des personnages et non plus nécessairement liée aux types de tradition classique.

Florence
Parmi les premiers dramaturges se trouvaient de nombreux Florentins, à commencer par Agnolo Poliziano avec L’Orfeo (1480), une comédie pastorale-mythologique. Mais au siècle suivant se sont établis comme de vrais professionnels de la comédie Anton Francesco Grazzini a déclaré le Roach, Giovan Battista Cini, Giambattista Gelli, Giovanni Maria Cecchi, Benedetto Varchi et Raffaello Borghini et le jeune Lorenzino de ‘Medici, qui a écrit une comédie L’Aridosia (1536) avant d’être assassiné par les assassins du Grand-Duc Cosimo comme un tyrannicide pour le meurtre de son cousin le duc Alexandre.

La Rome des papes
Dans la Rome de Léon X, Pietro Aretino va faire rage avec ses pasquinades mais aussi avec des comédies comme La Cortigiana (1525), où il viole de nombreuses conventions linguistiques et scéniques.
À Rome, le théâtre a été redécouvert et, pour la première fois, approuvé par les papes, qui ont compris la possibilité de l’exploiter à des fins politiques. Le théâtre de la Renaissance à Rome n’avait pas de représentants comme les autres tribunaux italiens, à l’exception de Francesco Belo qui écrivit Il pedante (1529) et Annibal Caro (originaire de Civitanova Marche, mais toujours à Rome au service de la famille Farnese ).

Curiosité. Parmi les très rares pièces qui ont pour cadre la Rome des Papes, en effet, pour être précis, la Rome du jubilé de 1525, digne de mention, la plus importante comédie dramatique croate et slave de la Renaissance en général: « Dundo Maroje » ( Padron ou Oncle Maro), écrit en 1550 par le raguse Marin Držić, également connu sous le nom de Marino Darsa (1508-1567).

Farsa cavaiola
La farce cavaiola était un genre littéraire de dialecte fortuné, un membre de la « dernière grande saison du théâtre comique du 16ème siècle […] qui a prospéré dans et autour de Naples », lié avant tout au nom de Vincenzo Braca. Le genre a dû connaître une floraison remarquable entre la fin du XVe et le XVIe siècle, mais de cette production ostentatoire, sur une période d’un siècle et demi, il a très peu survécu.

Le genre est centré sur la «farce archétype de Cavaiuolo, ou un Cava paysan ignorant et stupide (c.-à-d. Un habitant de la ville de Cava), imaginé par les citoyens de Salerno dans la grossièreté de son dialecte, et dans ses traits grossiers et caricatures: exemples sont la « Farza de Mastro de Scola » et la « Farza de la Maestra » de Vincenzo Braca, dans laquelle le personnage de cavalerie devient l’archétype du « peuple fou » typique.

Parmi les farces survivantes, les seules qui précèdent Vincenzo Braca sont le « Cartello di sfida cavajola » et le « Ricevuta dell ‘Imperatore », datant du début du 16ème siècle, à la fois par des auteurs qui sont restés anonymes. La réception de l’empereur (anonyme, mais pour certain imputable à la Braca) est la plus ancienne des cavernes lointaines, se réfère burlesquement à l’accueil reçu à Cava par Charles V, qui est passé en revenant de Tunis en 1535.

La seule édition théâtrale professionnelle de la farse cavajole de nos jours est celle produite par le Centre d’Etudes sur le Théâtre Médiéval et Renaissance, dirigé par Federico Doglio, qui fut présenté au Teatro Valle di Roma en 1986 avec l’adaptation et la direction de Giuseppe Rocca .

La farce des hommes des cavernes dans le contexte littéraire de la Renaissance
La «farce cavaiola» fut l’un des «moments forts de l’histoire de la farce en Italie de la Renaissance», à côté de l’apparition d’autres événements littéraires tels que le Strascino siennois, un siècle Niccolò Campani (avant la Congrégation de Rozzi), le Comédie vénitienne des buffles Zuan Polo et Domenico Tajacalze, et le mariazzi padovani del Ruzante. Auparavant aussi Andrea Calmo a été un visiteur fréquent du genre mariazzo tellement que sa comédie La Rhodianait a été attribuée à la Ruzante jusqu’à récemment. Par rapport à ces autres manifestations, cependant, malgré l’expressivité linguistique vive, l’œuvre du Braca se présente avec des inflexions essentiellement macchiétistes, d’une portée plus locale et campaniliste. La plus petite largeur de l’horizon satirique, par exemple, ne permet pas à Vincenzo Braca d’accéder aux niveaux incisifs atteints par la Ruzante.

Comédies en dialecte vénitien
Un cas particulier est représenté par la figure et le travail d’Angelo Beolco appelé il Ruzante du nom du protagoniste paysan Padoue de ses œuvres. La particularité du théâtre Ruzante, anticipé quelques années par l’œuvre d’Andrea Calmo, était d’introduire dans le théâtre italien, qui jusqu’alors avait utilisé le vulgaire florentin, l’usage du dialecte. Ruzante travailla à la cour de Padoue d’Alvise Cornaro qui construisit dans sa villa de Padoue un ensemble spécial appelé Loggia del Falconetto du nom de l’architecte Giovanni Maria Falconett qu’il conçut, un espace propice à la représentation des comédies ruzantiennes telles que Betìa. (1525) et l’Anconitana (1535) pour mentionner les comédies les plus célèbres de Beolco.

De 1535 – 1537 est une comédie exemplaire en dialecte vénitien, avec un titre sans équivoque: La Venexiana qui, même si par un auteur anonyme démontre la maturité du théâtre de la ville de Venise, jusque-là liée aux auteurs du continent.

Dans le cas de Ruzante, le dialecte avec lequel il exprimait sa dramaturgie était le padouan de la campagne vénitienne du seizième siècle: les sons onomatopéiques de la langue difficile furent inspirés, après plusieurs siècles, par des artistes contemporains tels que Dario Fo, qui s’inspira de La langue de Ruzante pour son grammelot.

Le théâtre en dialecte a commencé à se développer pendant cette période avec la Commedia dell’Arte, ses masques, comme le Bergamasco Arlecchino (qui plus tard prend la langue vénitienne), le Napolitain Pulcinella avec ses inventions mimiques et gestuelles et le vieux marchand vénitien Trousers parmi le plus connu. Le Piacentino Girolamo Parabosco et Ludovico Dolce ont également écrit deux comédies et deux tragédies.

La représentation sacrée de la Renaissance
Pendant la Renaissance, la production de théâtre sacré, qui provenait de la représentation sacrée de l’ascendance médiévale, ne s’est pas arrêtée mais a eu une floraison importante qui a véhiculé des thèmes religieux même dans les cours italiennes entre les XVe et XVIe siècles. Bien que répandu à travers l’Europe ce genre a été établi principalement à Florence avec la présence d’auteurs importants tels que Feo Belcari et Lorenzo de ‘Medici au XVe siècle et avec Giovanni Maria Cecchi au XVIe siècle.

Malgré cela, la plupart des représentations sacrées de la Renaissance sont restées anonymes comme dans la coutume médiévale. Ainsi les auteurs (ou l’auteur) de l’Ascension, récités dans l’église du Carmine de Florence et celui de l’Annonciation dans l’église florentine de San Felice dans la Piazza préparée pour le Concile de Florence (1438 – 1439) et les appareils de Philippe resté anonyme. Brunelleschi dans son rôle inhabituel en tant que scénographe, comme en témoigne Vasari dans la vie du même architecte.

Ces représentations ont été écrites pour les confréries florentines des jeunes, la plus célèbre était la Représentation des Saints Jean et Paul écrite par le Magnifique en 1491 pour l’entrée de son fils Piero dans la Compagnia del Vangelista et récitée dans la cour du couvent de la vieille Trinité ou le couvent de San Giusto ai mura, plus tard est devenu Teatro dell’A Via Water. Pour la même Compagnie, près d’un siècle après 1589, Cecchi écrivait L’Exaltation de la Croix; témoignant que même à la fin de la Renaissance ce genre sacré était encore vital apprécié par le peuple et la cour des Médicis.

Le mime
Si d’une part la naissance de la comédie de la Renaissance a permis le développement d’une forme autonome de prose théâtrale, d’autre part la tradition des bouffons et des guitti ne s’est pas perdue, permettant la perpétration grâce aux férus de cour et de mimes. Leurs œuvres ne s’inspiraient en rien de la tradition latine, se détachant ainsi des formes de spectacles contemporains et présentant des modules qui se retrouveront en partie dans la Commedia dell’Arte. Il est faux cependant de considérer les singeries et les burlesques comme la contrepartie de la littérature théâtrale cultivée: les thèmes des bouffons et des mimes du quinzième siècle sont les mêmes que leurs ancêtres, coincés dans une écriture amodest et courte, dans laquelle les thèmes de la ville est comparée à celle du méchant, qui devient un point de référence pour la farce et la moquerie.

Le théâtre juif de Mantoue
Une particularité du théâtre de la Renaissance était la présence d’une figure comme celle de Mantoue Leone de ‘Sommi, de religion israélite dirigée, de la part du duc de Mantoue, le théâtre de la Compagnie juive de 1579 à 1587, se composant un drame, intitulé Magen Nashìm, qui provoqua un scandale parmi les rabbins italiens du XVIe siècle, qui l’accusèrent d’avoir utilisé la langue des ancêtres pour amuser les princes gentils (c’est-à-dire non-juifs). Après la Contre-Réforme, ce type de contamination ne sera plus possible.

La naissance du mélodrame
Au cours du seizième siècle également, les premières expériences qui ont conduit à la naissance du genre le plus révolutionnaire du théâtre italien: le mélodrame.

Dans le palais florentin de Giovanni de ‘Bardi, un groupe d’intellectuels se réunit et prend le nom de Camerata dei Bardi. En essayant d’exhumer l’ancienne typologie de récitar attribuée au théâtre grec classique, ils ont donné naissance à ce style qui sera établi au cours des siècles suivants grâce au génie d’auteurs tels que Claudio Monteverdi, Metastasio jusqu’au grand opéra du XIXe siècle. par Giuseppe Verdi et Giacomo Puccini.

Les premiers expérimentateurs du dortoir florentin, nés vers 1573, furent Jacopo Peri, Giulio Caccini, Vincenzo Galilei (père de Galilée), Emilio de Cavalieri, Jacopo Corsi et le poète Ottavio Rinuccini qui écrivit les premiers livrets.

En 1589, avec la mise en scène, au Teatro degli Uffizi de Florence, de la comédie La Pellegrina du siennois Girolamo Bargagli, les membres de la Camerata furent appelés à jouer les intermezzi de la comédie qui furent les premières applications pratiques de la théorie musicale de récitar-chant et naissance du mélodrame. Les Intermezzi della Pellegrina ont eu une grande résonance pour l’appareil construit par l’architecte-peintre-scénographe Bernardo Buontalenti qui a anticipé avec cette œuvre les ensembles importants et complexes du théâtre baroque italien.

Les nouveaux espaces récitatifs
Au début du XVe siècle, les représentations ont eu lieu dans des lieux privés tels que les jardins, les cours des couvents et les salles de bâtiments décorés pour des représentations comme dans le cas du Salone dei Cinquecento au Palazzo della Signoria à Florence adapté au théâtre par Vasari . Avec la reconstitution des textes gréco-latins, il a commencé à construire des espaces pour contenir la scénographie, parfois très complexe: à cette époque, de nouveaux espaces théâtraux ont été construits, à partir de la Loggia del Falconetto di Padova. Mais l’exemple le plus frappant de l’application scénographique de la Renaissance fut le Teatro Olimpico d’Andrea Palladio, aVicenza, qui conserve encore aujourd’hui la scénographie originale du XVIe siècle de Vincenzo Scamozzi de l’Edipo re di Sofocle, dont le théâtre fut inauguré en 1585 Plus tard, en 1590, au même Scamozzi, les Gonzague confièrent la construction d’un autre théâtre pour le Palazzo Ducale di Sabbioneta qui prit le nom de Teatro all’Antica.

À Rome, grâce à l’activisme de Pomponio Leto, qui devait redécouvrir le théâtre latin, le Forum et le château Saint-Ange devinrent des lieux de représentations, généralement joués pendant les fêtes et les fêtes; à Castel Sant’Angelo, il y a une cour en forme de théâtre utilisé à l’époque d’Alexandre VI et le Leo X encore plus épris de plaisir.

La redécouverte et l’exploitation des classiques anciens par les humanistes a permis l’étude des œuvres concernant le théâtre non seulement du point de vue dramatique (en 1425 Nicolò di Cusa a découvert, par exemple, neuf comédies de plautine) mais aussi d’un point de vue architectural. vue: architectes, peintres et traités tels que Sebastiano Serlio qui a adapté les modèles classiques grec-romains des scénographies au théâtre du XVIe siècle: comique, tragique et pastoral, tripartition qui a été respectée dans les œuvres du théâtre de la Renaissance. Les ensembles complexes étaient à Girolamo Genga, Baldassarre Peruzzi et Pellegrino da Udine (dans la région de Ferrare) ses meilleurs représentants. Tandis que les auteurs de traité tels que Leon Battista Alberti et Serlio lui-même ont cherché l’inspiration dans Vitruvius dans les aspects théâtraux de son traité sur l’architecture romaine

Un nouveau type de théâtre s’affirme à la fin du XVIe siècle: des théâtres privés payants, ouverts à toutes les classes sociales et qui ne sont plus l’apanage exclusif de l’aristocratie. À Venise, plus qu’ailleurs, a commencé cette affaire, mais qui sera établie au siècle suivant avec la longue saison de la comédie d’art. La diffusion de ces théâtres également dans le reste de l’Italie fait en sorte qu’ils sont nés d’Académies spéciales nées pour gérer ces nouveaux espaces théâtraux, non plus à l’usage exclusif des tribunaux.

Le théâtre de la Renaissance en Grande-Bretagne
Dans la période de la fin du XVe siècle au milieu de la suivante, coïncidant avec le développement de la Renaissance anglaise, des intermèdes, des formes dramatiques de divertissement agissaient devant les cours des nobles dérivant des moralités mais des sujets non religieux, avait une large résonance: au contraire de la morale classique, le rôle du protagoniste était celui du seigneur qui accueillait le spectacle, et qui ne le voyait pas à la recherche du salut éternel de l’âme, mais du bonheur terrestre, divergeant ainsi énormément à partir des objectifs du théâtre religieux. Il a été une propagande politique depuis s’inspirant de l’époque contemporaine, il est arrivé que l’auteur se prononce contre un événement tel que le roi Jean de John Bale, dans lequel l’auteur a déclaré la thèse du meurtre de Giovanni Senzaterra par le archevêque de Canterbury. Dans la dramaturgie des interludes, il y a aussi la possibilité de voir des éléments de dérivation classique, en particulier des auteurs latins et des romans italiens, qui resteront un point de référence pour la production dramatique ultérieure.

La mise en scène des interludes se caractérise par le dialogue de plusieurs acteurs avec un accompagnement musical souvent composé d’une pipe et d’un tambourin. Parmi les interludes nous possédons environ 80 fragments de scripts qui couvrent une période de 1466 à 1576. Parmi les principaux auteurs du genre, nous devons d’abord mentionner John Heywood, John Rastell, Henry Medwall, John Redford, Nicholas Udall. Just Udall est connu comme l’auteur de la première comédie en anglais: il s’agit du Ralph Roister Doister de 1535, une version modifiée de Miles Gloriosus de Plaut.

Les intermèdes, en raison de leur caractère politisé et cultivé, s’adressaient à un public spécifique: dans le même style, mais avec un sujet comique et léger, il y avait les farces, représentées sur les places du peuple.

D’origine médiévale était le masque, un genre théâtral né à l’origine d’un défilé de masques de carnaval qui, accompagné de musique, a animé les soirées des nobles et s’est ensuite transformé en véritable travail théâtral des années plus tard par Ben Jonson, qu’il a construit dramaturgique installations qui l’ont rendu célèbre pour ces performances.

Théâtre ibérique de la Renaissance
Même en Espagne et au Portugal le théâtre à la fin du XVe siècle et au début du siècle suivant, prend une nouvelle direction et se détache de celui des représentations sacrées de la médiévale tout en restant le sujet sacré le sujet principal des dramaturges ibériques même période. Le personnage le plus important de ce genre fut Marguerite de Navarre (1492-1549) qui continua en plein XVI l’expérience du théâtre des mystères. Toujours en Espagne, il était important de redécouvrir les textes de la Comédie latine. Parmi les auteurs les plus importants de cette période: Juan del Encina, Lope de Rueda, Juan de la Cueva, Juan de Timoneda et Luis Fernández.

Pour le Portugal il y a deux noms à faire: celui de Gil Vicente et António Ferreira. Ce dernier a écrit la tragédie la plus importante, en langue portugaise, de cette période: Ines de Castro.

Les espaces de théâtre étaient très importants pour la maturation du théâtre, qui, des systèmes routiers classiques et de l’intérieur des églises, passait pour avoir leur propre conformation, les espaces à l’intérieur des bâtiments nobles et des universités. Le soi-disant Teatro de salon est né, des espaces intérieurs qui ne sont plus externes et exclusivement utilisés par la noblesse. Alors qu’au milieu du XVIe siècle, les corrales sont nés, les espaces scéniques s’ouvrent également au public populaire moyennant le paiement d’un ticket. Si la comédie a connu sa maturité en passant par le théâtre antique classique, d’autres œuvres se sont plutôt basées sur les mythes de l’histoire de l’Espagne. C’était l’une des différences les plus importantes entre le théâtre de la Renaissance espagnole et celui des autres nations européennes.

Parmi les plus importants écrivains de théâtre de ce genre se distingue la figure de Juan de la Cueva qui, à la fin du XVIe siècle, a écrit des drames historiques: Les Sept Infants de Lara (1579) et La Mort du roi Don Sancho (1588) . Mais le véritable initiateur du théâtre de la Renaissance était Lope de Rueda. De Rueda a été influencé par le style italien, ayant été témoin de leurs performances à la cour espagnole. Il a été le premier à insérer le langage naturel et ses sujets ont d’abord été détachés, par originalité, des modèles gréco-latins, insérant des aperçus de la vie populaire. Il a fait, dans un certain sens, le même chemin de Nicolò Machiavel avec la mandragore. Juan de Rueda a écrit pastoral, cinq comédies et quelques intermèdes scéniques qui l’ont imposé comme l’un des hommes de théâtre espagnols les plus importants avant le Siglo de Oro. En fait, au cours du XVIIe siècle, la plus célèbre Lope de Vega, Pedro Calderón de la Barca et d’autres ont été affirmées, ce qui mettrait les auteurs de la Renaissance en toile de fond, pour les célébrités au niveau européen.

Parmi les auteurs de la transition, tardive par rapport à l’Italie, entre le théâtre médiéval et la Renaissance, le plus important fut certainement Fernando de Rojas. Sa tragicomédie La Celestina, de 1499 est peut-être le premier texte exemplaire du théâtre de la Renaissance.

Mais le véritable initiateur du théâtre de la Renaissance fut Bartolomé de Torres Naharro. Son long séjour en Italie, le met en contact, surtout pendant son séjour à Rome, et après 1517 Napolitain, avec des nouveautés italiennes, dont il s’est inspiré pour ses œuvres (toujours rimant) en castillan. Beaucoup de ses comédies ont aussi une ambiance italienne, mais son influence sur le théâtre de sa patrie était importante mais pas encore pleinement reconnue.

Théâtre de la Renaissance française
Le théâtre de la Renaissance en dehors de l’Italie souffre d’un certain retard. Tant en France qu’en Grande-Bretagne, l’héritage du théâtre sacré médiéval est plus important et plus répandu qu’ailleurs. En France, la renommée des auteurs de la Renaissance est alors complètement obscurcie par des tragédiens baroques comme Jean Racine et Pierre Corneille, et la comédie italienne de Molière, élève du célèbre comédien d’art Tiberio Fiorilli, créateur du fameux masque Scaramouche (ou Scaramuccia ).

Le théâtre de la Renaissance française, comme dans d’autres pays européens, reçoit un important coup de pouce de la redécouverte et de la diffusion relative des textes classiques d’origine gréco-romaine. En effet, beaucoup de ces comédies viennent directement des œuvres de Plaute et Terence traduites, plus ou moins fidèlement, en français. Parmi ceux-ci figure le cas de Jean Antoine de Baïf et de ses comédies: L’Eunuque de l’eunuque de Terence et Le Brave, traduction du plautino Miles gloriosus. Le même auteur a également écrit la tragédie Antigone, manifestement inspirée par le homonyme des textes de l’art. En France, la tragédie et la comédie cohabitent. Beaucoup de tragédiographes de cette période sont aussi dramaturges, comme c’est le cas de Jean de La Taille qui a écrit de nombreuses tragédies importantes telles que: Saül le furieux, Daire et Alexandre. En même temps, il écrit deux comédies comiques: Les Corrivaux et Le Négromant.

Une variante importante qui distingue la situation française, comparée à d’autres pays tels que l’Espagne ou l’Italie, est celle des guerres de religion, qui ont influencé, non pas un peu, l’environnement théâtral. Les choix de nombreux auteurs reflètent le climat politique et religieux de l’époque dans les textes. Par exemple, les tragédies reflètent souvent les peurs d’un monde en conflit et en crise. Mais même dans la pièce, on ne peut échapper à la tentative de faire une allusion à la réalité jusqu’à ce que l’on arrive à des textes, comme L’Eugène d’Etienne Jodelle qui devient un véritable texte de propagande politico-religieuse.

Parmi les auteurs les plus prolifiques de la Renaissance en France, il faut citer au moins: Jacques Grévin, aussi tragique et comique, Jean Heudon, Robert Garnier, Nicolas Filleul, Aymard de Veins, Jean Bastier de La Péruse sur la Jodelle précitée, de La Taille et de Baïf et autres mineurs.

En même temps, la forme spectaculaire du ballet, importé d’Italie par les deux reines françaises de la famille Médicis, est née à cette époque: Caterina et Maria. L’aube du baroque et de ses géants obscurcit complètement ou presque complètement le théâtre humaniste du XVIe siècle.

Le théâtre de la Renaissance dans la région germanique
Le théâtre allemand, ou de toute la région germanique, prend un chemin différent du reste de l’Europe. Comparé à la France et à ses guerres de religion, qui ont déchiré le pays avec des preuves même dans des textes théâtraux, l’Allemagne est absolument fâchée. De même que les pays limitrophes de l’électorat allemand sont également contrariés: l’Autriche, la Suisse, la Bohême et la Hongrie.

Mais pas pour cela les auteurs théâtraux ont été trop touchés. Même l’Allemagne avait un grand héritage du théâtre médiéval et ses représentations sacrées, avec l’arrivée de la Réforme, ont bientôt remplacé la farce dans la langue vernaculaire. L’importance de cet aspect laïcisant de l’art et de la poésie représentatifs est fondamentale et en fait une caractéristique marquante du théâtre de la Renaissance allemande. Il pourrait arriver que ce dernier fût parfois aussi érotique mais revu dans un sens sacré par Luther lui-même.

Les chants ecclésiastiques catholiques, exclusivement en latin, sont remplacés par des chants vernaculaires, souvent empruntés à des chants antérieurs d’origine non religieuse. Le théâtre allemand accentue cette veine profane qui avait déjà été répandue par les Meistersinger (ou Meistersänger) d’origine du XIVe siècle. De cette tradition, et à l’intérieur, naît le plus important dramaturge du XVe-XVIe siècle: Hans Sachs (1494-1576).

Hans Sachs
Hans Sachs est un géant parmi ses contemporains, s’appuyant également sur un genre particulier présent seulement dans la région allemande: le Fastnachtspiel. Ce type de théâtre vient des fêtes de carnaval, déjà présentes au Moyen Âge, on le retrouve même dans les rituels druidiques d’origine celtique.

Le théâtre gréco-romain, mis au jour et réadapté par les humanistes, a une influence très relative dans la région germanique. Pour cette raison, dans le théâtre allemand du 16ème siècle, la tradition de la farce populaire continue. C’est ainsi que nous passons de la danse au mime et enfin à des textes dialogiques comme ceux de Fastnachtspiele. Hans Sachs en a écrit jusqu’à 85. Hans Rosenplüt, Hans Folz et Jörg Wickram étaient également présents.

D’autres auteurs se sont tournés vers le théâtre érudit comme: Nicodemus Frischlin (1547 – 1590), Johannes Reuchlin (1455 – 1522) et Bartholomäus Ringwaldt (1530 – 1599) qui a écrit un intéressant ouvrage intitulé Speculum Mundi en 1592.

La naissance de Hanswurst
Dans cette typologie théâtrale est né l’un des premiers masques de comédie allemands, celui de Hanswurst (ou Gian Salsiccia). Ce personnage a été tiré du poème satirique « Narrenschiff » de Sebastian Brant en 1519. Pour la critique moderne, ce personnage était l’équivalent du Zanni italien, même si ce dernier naîtra avec quelques décennies de retard. Comparé à Hanswurst.

Suisse
Toujours au sujet de la satire politico-religieuse, il faut signaler la présence du peintre-dramaturge suisse Niklaus Manuel. Bien que ses œuvres soient principalement des comédies satiriques et de la propagande religieuse, celles de Manuel peuvent être considérées parmi les meilleures expressions du théâtre suisse de la Renaissance. L’inspiration du dramaturge bernois vient de sa profonde amitié avec le réformateur Huldrych Zwingli.

Toujours dans le style de Fastnachtspiele, il ya l’œuvre de Pamphilus Gengenbach de Bâle, en particulier: Die zehn Alter der Welt de 1515, Der Nolhart de 1517 et Die Gouchmatt der Buhler de 1521.

Hongrie
Dans la région hongroise, le patronage de Mattia Corvino était fondamental. Le roi de Hongrie, soutenu par les humanistes italiens qui, à la Renaissance, était souvent baptisé à la cour de Buda. Cet environnement si fervent de nouveauté a influencé la société et les arts hongrois et aussi le plus grand dramaturge et poète de l’époque: Bálint Balassi (1554-1594), considéré comme l’initiateur de la littérature en langue magyare, en particulier dans le domaine poétique, qui représente son plus grand engagement.

Dans l’environnement hongrois, la mise en scène des comédies d’un auteur italien tel que Pandolfo Collenuccio qui a exporté le théâtre savant italien en Hongrie ne doit pas être sous-estimée. Dans le sillage du théâtre érudit se trouve la figure du dramaturge Péter Bornemisza, qui a écrit la tragédie en hongrois (Tragoedia magyar nyelven, az Sophocles Electrájából) en 1520 qui est une traduction d’Electra par Sophocle.