La musique de la Renaissance est une musique vocale et instrumentale écrite et jouée en Europe à l’époque de la Renaissance. Consensus entre les historiens de la musique a été de commencer l’ère vers 1400, avec la fin de l’époque médiévale, et de le fermer autour de 1600, avec le début de la période baroque, débutant ainsi la Renaissance musicale environ cent ans après le début du Renaissance comme il est compris dans d’autres disciplines. Comme dans les autres arts, la musique de la période a été influencée de manière significative par les développements qui définissent la période de l’époque moderne: la montée de la pensée humaniste; la récupération du patrimoine littéraire et artistique de la Grèce antique et de la Rome antique; augmentation de l’innovation et de la découverte; la croissance des entreprises commerciales; la montée d’une classe bourgeoise; et la Réforme protestante. De cette société changeante émergea un langage musical commun et unificateur, en particulier le style polyphonique (c’est-à-dire musique aux multiples lignes mélodiques indépendantes exécutées simultanément) de l’école franco-flamande, dont le plus grand maître était Josquin des Prez.

L’invention de l’imprimerie en 1439 rendit moins cher et plus facile la distribution de textes de musique et de théorie musicale à plus grande échelle géographique et à plus de gens. Avant l’invention de l’imprimerie, les chansons et la musique écrites et les textes de théorie musicale devaient être copiés à la main, un processus long et coûteux. La demande de musique en tant que divertissement et en tant qu’activité de loisir pour les amateurs éduqués augmente avec l’émergence d’une classe bourgeoise. La diffusion des chansons, des motets et des messes dans toute l’Europe coïncide avec l’unification de la pratique polyphonique dans le style fluide qui culmine dans la seconde moitié du XVIe siècle chez des compositeurs tels que Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orlande de Lassus, Thomas Tallis et William Byrd. La stabilité politique relative et la prospérité dans les Pays-Bas, ainsi qu’un système éducatif florissant dans les nombreuses églises et cathédrales de la région, ont permis la formation d’un grand nombre de chanteurs, d’instrumentistes et de compositeurs. Ces musiciens étaient très recherchés dans toute l’Europe, en particulier en Italie, où les églises et les cours aristocratiques les embauchaient comme compositeurs, interprètes et enseignants. Depuis l’imprimerie a facilité la diffusion de la musique imprimée, à la fin du 16ème siècle, l’Italie avait absorbé les influences musicales du nord avec Venise, Rome, et d’autres villes devenant des centres d’activité musicale. Cela a renversé la situation d’une centaine d’années plus tôt. L’opéra, genre scénique dramatique dans lequel les chanteurs sont accompagnés d’instruments, est né à Florence. L’opéra a été développé comme une tentative délibérée de ressusciter la musique de la Grèce antique (OED 2005).

La musique était de plus en plus libérée des contraintes médiévales, et plus de variété était permise dans la gamme, le rythme, l’harmonie, la forme et la notation. D’autre part, les règles du contrepoint sont devenues plus contraignantes, notamment en ce qui concerne le traitement des dissonances. À la Renaissance, la musique devient un véhicule d’expression personnelle. Les compositeurs ont trouvé des moyens de rendre la musique vocale plus expressive des textes qu’ils mettaient en place. La musique profane (musique non-religieuse) a absorbé les techniques de la musique sacrée, et vice versa. Des formes laïques populaires comme la chanson et le madrigal se répandent dans toute l’Europe. Les tribunaux ont employé des artistes virtuoses, à la fois chanteurs et instrumentistes. La musique est aussi devenue plus autosuffisante avec sa disponibilité sous forme imprimée, existant pour elle-même. Les versions précurseurs de nombreux instruments modernes familiers (y compris le violon, la guitare, le luth et les instruments à clavier) se sont développées sous de nouvelles formes à la Renaissance. Ces instruments ont été modifiés pour répondre à l’évolution des idées musicales, et ils ont présenté de nouvelles possibilités pour les compositeurs et les musiciens à explorer. Des formes anciennes d’instruments à vent modernes et de cuivres comme le basson et le trombone sont également apparues; étendre la gamme des couleurs sonores et augmenter le son des ensembles instrumentaux. Au cours du XVe siècle, le son des triades complètes (accords à trois notes) devint commun, et vers la fin du XVIe siècle, le système des modes ecclésiastiques commença à s’effondrer complètement, laissant la place à la tonalité fonctionnelle (le système dans lequel chants et les morceaux sont basés sur des «clés» musicales), qui domineraient la musique d’art occidentale pour les trois siècles suivants.

De l’époque de la Renaissance, la musique séculaire et sacrée notée survit en quantité, y compris des œuvres vocales et instrumentales et des œuvres mixtes vocales / instrumentales. Une énorme diversité de styles musicaux et de genres a prospéré pendant la Renaissance. Ceux-ci peuvent être entendus sur des enregistrements faits au 20ème et 21ème siècle, y compris des messes, des motets, des madrigaux, des chansons, des chansons accompagnées, des danses instrumentales, et beaucoup d’autres. À partir de la fin du 20e siècle, de nombreux ensembles de musique ancienne ont été formés. Des ensembles de musique ancienne spécialisés dans la musique de la Renaissance offrent des tournées de concerts et des enregistrements, en utilisant des reproductions modernes d’instruments historiques et en utilisant des styles de chant et d’interprétation qui, selon les musicologues, étaient utilisés à cette époque.

Aperçu
L’une des caractéristiques les plus marquantes de la musique d’art européenne de la Renaissance était le recours croissant à l’intervalle du troisième et son inversion, le sixième (au Moyen Âge, les tiers et les sixièmes étaient considérés comme des dissonances). : le quatrième parfait, le cinquième parfait, l’octave et l’unisson). La polyphonie – l’utilisation de plusieurs lignes mélodiques indépendantes, exécutées simultanément – devint de plus en plus élaborée tout au long du 14ème siècle, avec des voix très indépendantes (à la fois dans la musique vocale et dans la musique instrumentale). Le début du 15ème siècle a montré la simplification, avec les compositeurs recherchant souvent la douceur dans les parties mélodiques. Cela a été possible grâce à l’augmentation de la portée vocale dans la musique – au moyen âge, la gamme étroite rendait nécessaire le croisement fréquent des parties, nécessitant ainsi un plus grand contraste entre eux pour distinguer les différentes parties. Le modal (par opposition à tonal, aussi connu comme « clé musicale », une approche développée dans l’ère de la musique baroque ultérieure, vers 1600-1750) caractéristiques de la musique de la Renaissance a commencé à se décomposer vers la fin de la période avec l’utilisation accrue des mouvements des racines des quintes ou quarts (voir le « cercle des quintes » pour plus de détails). Un exemple de progression d’accords dans lesquels les racines des accords se déplacent selon l’intervalle d’un quatrième serait la progression des accords, dans la tonalité de Do Majeur: « D minor / G Majeur / Do Majeur » (tous sont des triades; accords). Le mouvement de l’accord de D mineur à l’accord de G Major est un intervalle d’une quatrième parfaite. Le mouvement de l’accord G Major à l’accord C Major est également un intervalle d’une quatrième parfaite. Cela plus tard développé dans l’une des caractéristiques déterminantes de la tonalité à l’époque baroque.

Les principales caractéristiques de la musique de la Renaissance sont (Fuller 2010):

Musique basée sur les modes.
Texture plus riche, avec quatre parties mélodiques indépendantes ou plus en cours d’exécution simultanément. Ces lignes mélodiques entrelacées, un style appelé polyphonie, est l’une des caractéristiques déterminantes de la musique de la Renaissance.
Mélange, plutôt que contrastant, des lignes mélodiques dans la texture musicale.
Harmonie qui a placé une plus grande préoccupation sur le bon déroulement de la musique et sa progression des accords.
Le développement de la polyphonie a produit les changements notables dans les instruments de musique qui marquent la Renaissance du Moyen Age musicalement. Son utilisation encourageait l’utilisation d’ensembles plus grands et exigeait des ensembles d’instruments qui se fondraient dans toute la gamme vocale (Montagu sd).

Genres
Les principales formes musicales liturgiques (ecclésiastiques) qui sont restées en usage durant la Renaissance sont les messes et les motets, avec d’autres développements vers la fin de l’ère, d’autant plus que les compositeurs de musique sacrée commencent à adopter des formes musicales profanes. (comme le madrigal) à usage religieux. Les masses des XVe et XVIe siècles utilisaient deux types de sources: monophonique (une seule ligne mélodique) et polyphonique (plusieurs lignes mélodiques indépendantes), avec deux principales formes d’élaboration, basées sur la pratique du cantus firmus ou, au début, 1500, le nouveau style d ‘«imitation omniprésente», dans lequel les compositeurs composaient une musique dans laquelle les différentes voix ou parties imitaient les motifs mélodiques et / ou rythmiques d’autres voix ou parties. Quatre types principaux de masses ont été utilisés:

Masse du cantus firmus (masse du ténor)
Le cantus firmus / masse d’imitation
La masse de paraphrase
La masse d’imitation (masse de parodie)
Les messes étaient normalement intitulées par la source d’où elles empruntaient. La masse de cantus firmus utilise la même mélodie monophonique, habituellement tirée du chant et habituellement dans le ténor et le plus souvent dans des valeurs de note plus longues que les autres voix (Burkholder nd). D’autres genres sacrés étaient la madrigale spirituelle et la laude.

Pendant cette période, la musique laïque (non religieuse) a une distribution croissante, avec une grande variété de formes, mais il faut être prudent dans l’hypothèse d’une explosion de variété: depuis que l’imprimerie a rendu la musique plus disponible, beaucoup plus que de l’époque médiévale précédente, et probablement un riche stock de musique populaire de la fin du Moyen Age est perdu. La musique profane était une musique indépendante des églises. Les principaux types étaient le Lied allemand, la frottola italienne, la chanson française, le madrigal italien et le villancico espagnol (Fuller 2010). D’autres genres vocaux séculaires comprenaient la caccia, le rondeau, le virelai, la bergerette, la ballade, la musique calculée, la canzonetta, la villanella, la villotta et la chanson de luth. Des formes mixtes comme le motet-chanson et le motet séculaire sont également apparues.

La musique purement instrumentale incluait de la musique de consort pour les flûtes à bec ou violes et d’autres instruments, et des danses pour divers ensembles. Les genres instrumentaux communs étaient le toccata, le prélude, le ricercar et le canzona. Les danses jouées par des ensembles instrumentaux (ou parfois chantées) comprenaient la basse danse (It. Bassadanza), le tourdion, le saltarello, la pavane, le galliard, l’allemande, la courante, la bransle, la canarie, la piva et la lavolta. De la musique de nombreux genres pourrait être arrangée pour un instrument soliste tel que le luth, la vihuela, la harpe ou le clavier. De tels arrangements ont été appelés intabulations (It. Intavolatura, Ger Intabulierung).

Vers la fin de la période, les premiers précurseurs dramatiques de l’opéra tels que la monodie, la comédie madrigale, et l’intermedio sont entendus.

Théorie et notation
Selon Margaret Bent: «La notation de la Renaissance est sous-prescriptive par nos normes [modernes], quand elle est traduite sous une forme moderne, elle acquiert un poids prescriptif qui surspécifie et déforme son ouverture d’origine» (Bent 2000, p.25). Les compositions de la Renaissance n’étaient notées que dans des parties individuelles; les scores étaient extrêmement rares et les barres de mesure n’étaient pas utilisées. Les valeurs des notes étaient généralement plus grandes que celles utilisées aujourd’hui; l’unité primaire de battement était la semibreve, ou note entière. Comme cela avait été le cas depuis l’Ars Nova (voir musique médiévale), il pourrait y avoir deux ou trois d’entre eux pour chaque breve (une double note entière), qui peut être considéré comme équivalent à la «mesure» moderne, bien que c’était lui-même une valeur de note et une mesure ne l’est pas. La situation peut être considérée de cette manière: elle est la même que la règle selon laquelle, dans la musique moderne, une noire peut être égale à deux croches ou à trois, ce qui serait écrit comme un «triplet». Selon le même calcul, il pourrait y avoir deux ou trois de la note la plus petite suivante, le « minim », (équivalent à la « demi-note » moderne) à chaque semibreve.

Ces différentes permutations étaient appelées «parfait / imparfait tempus» au niveau de la relation breve-semibreve, «prolation parfaite / imparfaite» au niveau de la semibreve-minim, et existaient dans toutes les combinaisons possibles entre elles. Trois-à-un a été appelé «parfait», et deux à un «imparfait». Il existait également des règles selon lesquelles les notes individuelles pouvaient être réduites de moitié ou doublées («imperfection» ou «altérée», respectivement) lorsqu’elles étaient précédées ou suivies d’autres notes précises. Les notes avec des notes noires (comme les noires) sont moins fréquentes. Ce développement de la notation mensurale blanche peut être le résultat de l’utilisation accrue du papier (plutôt que du vélin), car le papier le plus faible était moins capable de résister aux rayures nécessaires pour remplir les têtes de notes solides; la notation des temps antérieurs, écrite sur vélin, avait été noire. D’autres couleurs, et plus tard, des notes remplies, ont été utilisées régulièrement, principalement pour faire respecter les imperfections ou altérations susmentionnées et pour demander d’autres changements rythmiques temporaires.

Les accidents (p.ex., les objets tranchants, plats et naturels qui changent les notes) n’étaient pas toujours spécifiés, un peu comme dans certaines notations de doigté pour instruments de guitare (famille de tablatures) aujourd’hui. Cependant, les musiciens de la Renaissance auraient été très entraînés au contrepoint dyadique et possédaient donc cette information et d’autres informations nécessaires pour lire correctement une partition, même si les altérations n’étaient pas écrites. Ainsi, «ce que la notation moderne exige [accidentels] aurait été parfaitement apparent sans notation à un chanteur versé en contrepoint.  » (Voir musica ficta.) Un chanteur interpréterait sa partie en imaginant des formules cadentielles avec d’autres parties, et en chantant ensemble, les musiciens éviteraient les octaves parallèles et les quintes parallèles ou modifieraient leurs parties cadentielles à la lumière des décisions d’autres musiciens ( Bent 2000, page 25). C’est à travers des tablatures contemporaines pour divers instruments à cordes pincées que nous avons acquis beaucoup d’informations sur les altérations accidentelles effectuées par les praticiens originaux.

Pour des informations sur des théoriciens spécifiques, voir Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa Maria, Giuseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius et Pietro Cerone.

Début de la période (1400-1470)
Les principaux compositeurs du début de la Renaissance ont également écrit dans un style médiéval tardif, et en tant que tels, ils sont des figures de transition. Leonel Power (vers 1370 ou 1380 – 1445) était un compositeur anglais des époques musicales de la fin du Moyen Age et de la Renaissance. Avec John Dunstaple, il était l’une des figures majeures de la musique anglaise au début du XVe siècle (Stolba 1990, p.140, Emmerson et Clayton-Emmerson 2006, p. Power est le compositeur le mieux représenté dans le Old Hall Manuscript, l’une des seules sources intactes de musique anglaise du début du XVe siècle. La puissance était l’un des premiers compositeurs à établir des mouvements séparés de l’Ordinaire de la Messe qui étaient thématiquement unifiés et destinés à une exécution contiguë. Le Manuscrit de l’Ancien Hall contient sa masse basée sur l’antienne de Marie, Alma Redemptoris Mater, dans laquelle l’antienne est énoncée littéralement dans la voix de ténor dans chaque mouvement, sans ornements mélodiques. C’est le seul cadre cyclique de l’Ordinaire de masse qui puisse lui être attribué (Bent nd). Il a écrit des cycles de masse, des fragments, des mouvements uniques et une variété d’autres œuvres sacrées.

John Dunstaple (ou Dunstable) (vers 1390-1453) était un compositeur anglais de musique polyphonique de l’époque médiévale tardive et des débuts de la Renaissance. Il était l’un des compositeurs les plus célèbres au début du 15ème siècle, un proche du pouvoir, et était largement influent, non seulement en Angleterre mais sur le continent, en particulier dans le style en développement de l’école bourguignonne. L’influence de Dunstaple sur le vocabulaire musical du continent était énorme, en particulier compte tenu de la rareté relative de ses œuvres (attribuables). Il a été reconnu pour posséder quelque chose jamais entendu auparavant dans la musique de l’école bourguignonne: la contenance angloise («la contenance anglaise»), un terme utilisé par le poète Martin le Franc dans son Le Champion des Dames. Le Franc ajoute que le style influence Dufay et Binchois. Quelques années plus tard, vers 1476, le compositeur et théoricien de la musique flamand Tinctoris réaffirme la puissante influence de Dunstaple, soulignant le «nouvel art» inspiré par Dunstaple. Tinctoris a salué Dunstaple comme le fons et l’origo du style, son « source et origine ».

La contenance angloise, bien que non définie par Martin le Franc, était probablement une référence au trait stylistique de Dunstaple d’employer l’harmonie triadique complète (accords de trois notes), avec un goût pour l’intervalle du troisième. En supposant qu’il avait été sur le continent avec le duc de Bedford, Dunstaple aurait été introduit au fauxbourdon français; empruntant certaines sonorités, il crée des harmonies élégantes dans sa propre musique en utilisant des tiers et des sixièmes (un exemple d’un troisième intervalle est les notes C et E, un exemple d’un sixième intervalle est les notes C et A). Pris ensemble, ceux-ci sont considérés comme des caractéristiques déterminantes de la musique du début de la Renaissance. Beaucoup de ces traits peuvent provenir d’Angleterre et s’enraciner dans l’école bourguignonne vers le milieu du siècle.

Parce que de nombreux exemplaires des œuvres de Dunstaple ont été trouvés dans des manuscrits italiens et allemands, sa renommée à travers l’Europe devait être répandue. Parmi les œuvres qui lui sont attribuées, une cinquantaine subsistent, parmi lesquelles deux masses complètes, trois sections de masse connectées, quatorze sections de masse individuelles, douze motets isorythmiques complets et sept cadres d’antiennes mariales, comme Alma redemptoris Mater et Salve Regina, Mater misericordiae . Dunstaple fut l’un des premiers à composer des masses en utilisant une seule mélodie comme cantus firmus. Un bon exemple de cette technique est sa Missa Rex seculorum. On pense qu’il a écrit de la musique laïque (non religieuse), mais aucune chanson en langue vernaculaire ne peut lui être attribuée avec certitude.

Oswald von Wolkenstein (vers 1376-1445) est l’un des compositeurs les plus importants de la première Renaissance allemande. Il est surtout connu pour ses mélodies bien écrites et pour son utilisation de trois thèmes: voyager, Dieu et le sexe.

Gilles Binchois (1400-1460) était un compositeur néerlandais, l’un des premiers membres de l’école bourguignonne et l’un des trois compositeurs les plus célèbres du début du 15ème siècle. Bien que souvent classé derrière ses contemporains Guillaume Dufay et John Dunstaple par des érudits contemporains, ses œuvres étaient encore citées, empruntées et utilisées comme matériau de base après sa mort. Binchois est considéré [par qui?] Pour être un bon mélodiste, écrivant des lignes soigneusement formées qui sont faciles à chanter et mémorables. Ses airs sont apparus dans des copies des décennies après sa mort et ont été souvent utilisés comme sources pour la composition de masse par des compositeurs plus tard. La plupart de sa musique, même sa musique sacrée, est simple et claire dans les grandes lignes, parfois même ascétique (ressemblant à un moine). Un plus grand contraste entre Binchois et l’extrême complexité de l’ars subtilior de l’avant (quatorzième siècle) serait difficile à imaginer. La plupart de ses chansons séculaires sont des rondeaux, qui sont devenus la forme de chanson la plus commune au cours du siècle. Il a rarement écrit sous une forme strophique, et ses mélodies sont généralement indépendantes du schéma de rimes des versets auxquels elles sont destinées. Binchois écrivit de la musique pour la cour, des chants profanes d’amour et de chevalerie qui répondaient aux attentes et satisfaisaient le goût des ducs de Bourgogne qui l’employaient, et manifestement ils aimaient sa musique en conséquence. Environ la moitié de sa musique séculaire existante se trouve à l’Oxford Bodleian Library.

Guillaume Du Fay (vers 1397-1474) était un compositeur franco-flamand du début de la Renaissance. Figure centrale de l’école bourguignonne, il était considéré par ses contemporains comme le premier compositeur en Europe au milieu du XVe siècle (Planchart sd). Du Fay a composé dans la plupart des formes courantes du jour, y compris des messes, des motets, des Magnificats, des hymnes, des arrangements de chant simple en fauxbourdon et des antiphons dans le domaine de la musique sacrée, et des rondeaux, ballades, virelais et quelques autres le royaume de la musique profane. Aucune de ses musiques survivantes n’est spécifiquement instrumentale, bien que des instruments aient certainement été utilisés pour certaines de ses musiques profanes, en particulier pour les parties inférieures; toute sa musique sacrée est vocale. Les instruments peuvent avoir été utilisés pour renforcer les voix dans la performance réelle pour presque n’importe laquelle de ses œuvres. Sept messes complètes, 28 mouvements de masse individuels, 15 arrangements de chant utilisés dans les props de masse, trois Magnificats, deux paramètres Benedicamus Domino, 15 paramètres antiphon (six antiphons mariales), 27 hymnes, 22 motets (13 de ces isorythmiques dans le plus style austère et austère du 14ème siècle qui a laissé la place à des compositions mélodiques et sensuelles dominées par les aigus avec des phrases qui se terminent dans la cadence « under-third » de la jeunesse de Du Fay) et 87 chansons ont survécu.

Période moyenne (1470-1530)
Au début des années 1470, la musique a commencé à être imprimée à l’aide d’une presse à imprimer. L’impression de musique a eu un effet majeur sur la diffusion de la musique, car non seulement un morceau de musique imprimé atteignait une région géographique et un public plus large que n’importe quel manuscrit manuscrit ou manuscrit, mais il l’était aussi moins cher. Aussi au cours du XVIe siècle, une tradition de fabricants célèbres développés pour de nombreux instruments. Ces fabricants étaient les maîtres de leur métier. Un exemple est la famille Neuschel de Nuremberg, pour leurs trompettes.

Vers la fin du XVe siècle, la musique sacrée polyphonique (comme en témoignent les masses de Johannes Ockeghem et de Jacob Obrecht) est redevenue plus complexe, d’une manière qui peut peut-être être considérée comme corrélative à l’exploration accrue des détails de la peinture à le temps. Ockeghem, en particulier, aimait le canon, à la fois contrapuntique et mensural. Il a composé une masse, Missa prolationum, dans laquelle toutes les parties sont dérivées canoniquement d’une ligne musicale. C’est dans les premières décennies du siècle suivant que la musique ressentie dans un tactus (pensez à la signature moderne) de deux semibreves-a-breve a commencé à être aussi commune que celle de trois semibreves-to-a-breve, comme avait prévalu avant cette époque.

Au début du XVIe siècle, il y a une autre tendance à la simplification, comme on peut le voir dans une certaine mesure dans l’œuvre de Josquin des Prez et de ses contemporains à l’école franco-flamande, puis plus tard dans celle de GP Palestrina. Palestrina réagissait partiellement aux restrictions du Concile de Trente, qui décourageaient la polyphonie excessivement complexe car on pensait qu’elle entravait la compréhension du texte par l’auditeur. Les premiers compositeurs franco-flamands du XVIe siècle s’éloignèrent des systèmes complexes de la musique canonique et d’autres jeux de la génération d’Ockeghem, tendant vers des points d’imitation et des sections duo ou trio dans une texture globale qui atteignait cinq et six voix.

Période tardive (1530-1600)
À Venise, vers 1530 jusqu’à environ 1600, un impressionnant style polychoral s’est développé, qui a donné à l’Europe une des musiques les plus grandioses et les plus sonores composées jusque-là, avec de multiples choeurs, cuivres et cordes dans différents endroits de la Basilique San Marco di Venezia (voir l’école vénitienne). Ces révolutions multiples se répandirent en Europe au cours des prochaines décennies, en commençant par l’Allemagne puis en Espagne, en France et en Angleterre un peu plus tard, marquant le début de ce que nous connaissons maintenant comme l’ère musicale baroque.

L’école romaine était un groupe de compositeurs de musique à prédominance religieuse à Rome, couvrant la fin de la Renaissance et le début du baroque. Beaucoup de compositeurs avaient un lien direct avec le Vatican et la chapelle papale, bien qu’ils aient travaillé dans plusieurs églises; stylistiquement, ils sont souvent en contraste avec l’école vénitienne des compositeurs, un mouvement concurrent qui était beaucoup plus progressiste. De loin, le compositeur le plus célèbre de l’école romaine est Giovanni Pierluigi da Palestrina. Bien que connu comme un compositeur prolifique de messes et de motets, il était aussi un madrigaliste important. Sa capacité à rassembler les besoins fonctionnels de l’Église catholique avec les styles musicaux dominants durant la période de la Contre-Réforme lui a valu sa renommée durable (Lockwood, O’Regan et Owens sd)

La floraison brève mais intense du madrigal musical en Angleterre, principalement de 1588 à 1627, avec les compositeurs qui les ont produits, est connue sous le nom de Madrigal School anglaise. Les madrigaux anglais étaient a cappella, principalement légers, et commençaient généralement soit par des copies, soit par des traductions directes de modèles italiens. La plupart étaient de trois à six voix.

Musica reservata est soit un style ou une pratique de performance dans une musique vocale a cappella de la seconde moitié du XVIe siècle, principalement en Italie et dans le sud de l’Allemagne, impliquant raffinement, exclusivité et expression émotionnelle intense du texte chanté.

Instruments
De nombreux instruments sont nés à la Renaissance. d’autres étaient des variations ou des améliorations sur des instruments qui existaient auparavant. Certains ont survécu jusqu’à nos jours. d’autres ont disparu, seulement pour être recréés afin d’exécuter de la musique de l’époque sur des instruments authentiques. Comme dans les temps modernes, les instruments peuvent être classés comme des cuivres, des cordes, des percussions et des bois.

Les instruments médiévaux en Europe avaient le plus souvent été utilisés seuls, souvent auto-accompagnés d’un drone, ou occasionnellement en partie. Du XIIIe siècle au XVe siècle, il y avait une division des instruments en haut (instruments forts, aigus, extérieurs) et en bas (instruments plus silencieux et plus intimes) (Bowles 1954, 119 et passim). Seuls deux groupes d’instruments pouvaient jouer librement dans les deux types d’ensembles: le cornett et le sac-à-dos, et le tambour et le tambourin (Burkholder nd).

Au début du 16ème siècle, les instruments étaient considérés comme moins importants que les voix. Ils étaient utilisés pour les danses et pour accompagner la musique vocale (Fuller 2010). La musique instrumentale est restée subordonnée à la musique vocale, et une grande partie de son répertoire était de diverses manières dérivée ou dépendante des modèles vocaux (OED 2005).

Organes
Divers types d’organes étaient couramment utilisés à la Renaissance, des grands orgues à de petits portatives et des organes en roseau appelés «royaux».

Laiton
Les cuivres de la Renaissance étaient traditionnellement joués par des professionnels. Certains des instruments de cuivres les plus courants ont été joués:
Trompette à glissière: Semblable au trombone d’aujourd’hui sauf qu’au lieu d’une partie du corps qui glisse, seule une petite partie du corps près de l’embouchure et de l’embouchure elle-même est stationnaire. De plus, le corps était en forme de S, donc c’était assez lourd, mais convenait à la musique de danse lente pour laquelle il était le plus souvent utilisé.
Cornett: Fait de bois et joué comme l’enregistreur (en soufflant à une extrémité et en déplaçant les doigts de haut en bas à l’extérieur) mais en utilisant un embout buccal comme une trompette.
Trompette: Les premières trompettes n’avaient pas de valve, et se limitaient aux sons présents dans la série harmonique. Ils ont également été fabriqués en différentes tailles.
Sackbut (parfois sackbutt ou sagbutt): Un nom différent pour le trombone (Anon nd), qui a remplacé la trompette de glissement vers le milieu du 15ème siècle (Besseler 1950, passim).

Cordes
En tant que famille, les cordes étaient utilisées dans de nombreuses circonstances, à la fois sacrées et laïques. Quelques membres de cette famille comprennent:

Viol: Cet instrument, développé au 15ème siècle, a généralement six cordes. Il était généralement joué avec un arc. Il a des qualités structurales similaires à celles de la vihuela espagnole (appelée viola da mano en Italie); son principal trait de séparation est sa plus grande taille. Cela a changé la posture du musicien afin de le reposer contre le sol ou entre les jambes d’une manière similaire au violoncelle. Ses similitudes avec la vihuela étaient des coupes de taille vives, des frettes similaires, un dos plat, des côtes fines et un accord identique. Quand il est joué de cette manière, il était parfois appelé « viole de gambe », afin de le distinguer des violes jouées « sur le bras »: viole da braccio, qui a évolué dans la famille du violon.
Lyre: Sa construction est similaire à celle d’une petite harpe, bien que, au lieu d’être pincée, elle soit grattée avec un médiator. Ses cordes varient en quantité de quatre, sept et dix, selon l’époque. Il a été joué avec la main droite, tandis que la main gauche a fait taire les notes qui n’étaient pas souhaitées. Les nouvelles lyres ont été modifiées pour être joué avec un arc.
Harpe irlandaise: Aussi appelé le Clársach en gaélique écossais, ou le Cláirseach en irlandais, au Moyen Age, il était l’instrument le plus populaire de l’Irlande et de l’Écosse. En raison de sa signification dans l’histoire irlandaise, il est même vu sur le label Guinness et est le symbole national de l’Irlande même à ce jour. Pour être joué, il est généralement plumé. [Clarification nécessaire] Sa taille peut varier considérablement d’une harpe qui peut être jouée sur ses genoux à une harpe de grande taille qui est placée sur le sol
Hurdy-gurdy: (Aussi connu sous le nom de violon de roue), dans lequel les cordes sont sonnées par une roue que les ficelles passent. Sa fonctionnalité peut être comparée à celle d’un violon mécanique, en ce sens que son arc (roue) est tourné par une manivelle. Son son distinctif est principalement dû à ses « cordes de drones » qui fournissent un son constant semblable dans leur son à celui de la cornemuse.
Gittern et mandore: ces instruments ont été utilisés dans toute l’Europe. Précurseurs d’instruments modernes dont la mandoline et la guitare.

Percussion
Certains instruments à percussion de la Renaissance comprennent le triangle, la harpe du Juif, le tambourin, les cloches, la cymbale, le pot-au-feu et diverses sortes de tambours.

Tambourin: Le tambourin est un tambour de cadre. La peau qui entoure le cadre est appelée le vélin et produit le battement en frappant la surface avec les jointures, le bout des doigts ou la main. Il pourrait également être joué en secouant l’instrument, permettant aux cloches du tambourin ou aux cloches à granulés (s’il en a l’un ou l’autre) de « cliqueter » et « jingle ».
Harpe de Juif: Un instrument qui produit du son en utilisant des formes de la bouche et en essayant de prononcer différentes voyelles avec sa bouche. La boucle à l’extrémité courbée de la langue de l’instrument est pincée à différentes échelles de vibration créant des tons différents.

Bois (aérophones)
Les instruments à vent (aérophones) produisent du son au moyen d’une colonne d’air vibrante dans le tuyau. Les trous le long du tuyau permettent au joueur de contrôler la longueur de la colonne d’air, et donc le terrain. Il y a plusieurs façons de faire vibrer la colonne d’air, et ces façons définissent les sous-catégories d’instruments à vent. Un joueur peut souffler sur un trou dans la bouche, comme dans une flûte; dans un bec avec un seul roseau, comme dans une clarinette ou un saxophone moderne; ou un double roseau, comme dans un hautbois ou un basson. Ces trois méthodes de production de sons peuvent être trouvées dans les instruments de la Renaissance.

Shawm: Un shawm oriental typique [clarification nécessaire] est keyless et est d’environ un pied de long avec sept trous pour les doigts et un trou pour le pouce. Les tuyaux étaient également le plus souvent en bois et beaucoup d’entre eux avaient des sculptures et des décorations sur eux. C’était l’instrument à double anche le plus populaire de la Renaissance; il était couramment utilisé dans les rues avec des tambours et des trompettes à cause de son son brillant, perçant et souvent assourdissant. Pour jouer au shawm, une personne met le roseau entier dans sa bouche, gonfle ses joues et souffle dans la pipe en respirant par le nez.

Tuyau de roseau: Fabriqué à partir d’une seule tige courte de canne avec un embout, quatre ou cinq trous de doigt, et le roseau façonné à partir de celui-ci. Le roseau est fait en une petite langue, mais en fonction de la base attachée. C’est le prédécesseur du saxophone et de la clarinette.
Hornpipe: Identique au tuyau à roseaux mais avec une cloche à la fin.
Bagpipe / Bladderpipe: Croyait par les fidèles d’avoir été inventé par des bergers qui pensaient que l’utilisation d’un sac en peau de mouton ou de chèvre fournirait une pression d’air de sorte que lorsque le joueur respire, le joueur n’a plus qu’à serrer le sac sous sa peau. bras pour continuer le ton. Le tuyau de bouche a un simple morceau de cuir rond articulé sur l’extrémité du sac du tuyau et agit comme un clapet anti-retour. Le roseau est situé à l’intérieur du long bec, qui aurait été connu comme un bocal, s’il avait été fait de métal et si le roseau était à l’extérieur au lieu de l’intérieur.
Panpipe: Utiliser un certain nombre de tubes en bois avec un bouchon à une extrémité et ouvert sur l’autre. Chaque tube à une taille différente, ce qui lui donne une plage d’une octave et demie. Le joueur peut placer ses lèvres sur le tube désiré et souffler dessus.
Flûte traversière: Le flûte traversière est similaire à la flûte moderne avec un orifice buccal près de l’extrémité bouchée et du pied pour les doigts le long du corps. Le joueur soufflé à travers le trou de la bouche et la flûte à droite ou à gauche.
Enregistreur: L’enregistreur était un instrument commun pendant la période de la Renaissance.Plutôt qu’un roseau, il utilise une embouchure à sifflet comme principale source de production sonore. Il est généralement fait avec sept trous pour les doigts et un trou pour le pouce.