Danse de la Renaissance

Les danses de la Renaissance appartiennent au vaste groupe des danses historiques. Pendant la Renaissance, les cours italiennes ont développé une forme de danse recherchée qui comprenait des règles à suivre et une certaine étude des pas et des mouvements. En fait, la danse était considérée comme une véritable forme d’éducation. La danse des nobles était directement dérivée de celle du peuple, mais elle était transformée selon les règles du parfait courtisan: le sang-froid, la noble attitude, les conventions sociales de la chevalerie et de la galanterie. Au quinzième siècle la figure du professeur de danse était en grande demande pour instruire les seigneurs et les courtisans; parmi ceux-ci, Domenico da Piacenza (appelé “Domenichino”) et son disciple Guglielmo Ebreo da Pesarothey seront les premiers auteurs de vrais traités de ce qui s’appelait déjà “l’Art de la Danse”. Domenichino a écrit le manuel De arte saltandi et choreas ducendi et William, auteur du De pratique seu arte tripudii vulgare opusculum, a acquis une réputation telle qu’elle a été appelée à la cour d’Urbino par Federico da Montefeltro. Antonio Cornazzano, qui a écrit le Book of Dance Art, est leur contemporain.

Aperçu
Au cours de la Renaissance, il y avait une distinction entre les danses de pays et les danses de cour. Danses de cour exigeaient que les danseurs soient formés et étaient souvent pour l’affichage et le divertissement, alors que les danses de pays pourraient être essayées par n’importe qui. A la Cour, le spectacle formel était souvent suivi de plusieurs heures de danses de pays auxquelles toutes les personnes présentes pouvaient participer. Les danses décrites comme des danses de pays telles que Chiarantana ou Chiaranzana restèrent populaires pendant une longue période – plus de deux siècles dans le cas de cette danse. Une danse de la Renaissance peut être comparée à une balle.

La connaissance des danses de cour a survécu mieux que celle des danses de pays car elles ont été rassemblées par des maîtres de danse dans des manuscrits et plus tard dans des livres imprimés. Les premiers manuscrits survivants qui fournissent des instructions détaillées de danse sont de l’Italie du 15ème siècle. Les premiers manuels de danse imprimés proviennent de la France et de l’Italie du 16ème siècle. Les premières descriptions de danse en Angleterre viennent du manuscrit de Gresley vers 1500 trouvé dans le Derbyshire Record Office, D77 B0x 38 pp 51-79. Ceux-ci ont été récemment publiés sous le titre “Cherwell Thy Wyne (Montrez votre joie): Danses de l’Angleterre du XVe siècle du manuscrit de Gresley”. La première source imprimée anglaise est apparue en 1652, la première édition de Playford.

Les danses de ces manuels sont extrêmement variées. Ils vont des danses lentes et majestueuses (bassadance, pavane, almain) aux danses vives et rapides (galliard, coranto, canario). La première, dans laquelle les pieds des danseurs ne quittaient pas le sol, s’appelait la danse basse tandis que les danses énergiques avec sauts et soulèvements étaient appelées la haute danse. Certains ont été chorégraphiés, d’autres improvisés sur place.

Une danse pour les couples, une forme de la galliard appelée Lavolta, impliquait une prise plutôt intime entre l’homme et la femme, avec la femme étant soulevée dans l’air tandis que le couple faisait un tour de 3/4. D’autres danses, comme les branles ou les bransles, ont été dansées par beaucoup de personnes dans un cercle ou une ligne.

Les idées modernes sur la première culture de danse européenne de la Renaissance reposent sur les œuvres de trois maîtres de la danse d’Italie: Domenico de Piacenza, Antonio Cornazzano et Guglielmo Ebreo. Leurs œuvres décrivent des séries de pas et de danses similaires, mais en même temps les élèves (Ebreo et Kornatsano) ont un certain développement. Fondamentalement, ils ont des basses en ballet (une suite de morceaux de genres de danse, un précurseur du ballet de la Cour). Ce sont les plus anciennes des danses européennes bien documentées, de la chorégraphie, des mouvements et de l’accompagnement musical qui a atteint de nos jours des informations considérables.

La première source écrite pour les danses en Angleterre est la soi-disant. “Manuscrit Gresley” – est daté à l’année 1500.

À la fin du 16ème siècle, les premiers manuels imprimés publiés sur la danse de la Renaissance, et ils viennent de France et d’Italie.

Le travail théorique de 1581 “Danseur” (Il Ballarino), chorégraphe italien Fabrizio Caroso donne des descriptions détaillées des principales danses de salon de l’époque, parmi lesquelles: Galliard, Canario, Saltarello, Tordilone, à la fin de 1602, Cesare Negri, ” La Grâce d’Amour “, 50 genres de mouvements de saut (” ornements “) sont donnés, par exemple, schisciata -” glisser en avant avec un talon et un orteil arrière “.

Les informations sur les danses de cour ont été conservées dans un volume beaucoup plus important que dans les danses folkloriques. Le destin de la danse folklorique du Saraband, qui a même été interdite en Espagne en 1583, est indicatif. Les échantillons musicaux survivants de la sarabande ont été préservés en raison de sa transformation en une danse de cour lente en Italie et en France au 17ème siècle et appartiennent à des musicologues déjà à l’époque baroque. De même, la danse du chakona est passée au XVIIe siècle au ballet de cour en France, acquérant une allure lente, un caractère cérémoniel. D’une telle danse comme la folie (ainsi que le roman et le passametstso), seuls les thèmes musicaux éponymes – grâce aux œuvres écrites des musiciens, des instrumentistes.

Une exception rare est Moreschi, une danse folklorique de théâtre de rue (voir “Commedia dell’arte”), est descendue jusqu’à nos jours grâce à la chorégraphie décrite dans son traité “Orhezografiya» (Orchésographie, 1589) T. Arbeau, ainsi que dans les écrits ultérieurs de M. Pretorius (1612) et M. Mersenne (1636). Dans les œuvres de Shakespeare, il y a un style skomoroshesky prononcé de la gigue britannique du 16ème siècle (nommé d’après le violon miniature de l’italien maître de la danse) grâce au collectionneur italien de chansons folkloriques Filippo Aziza, sur la danse folklorique du 15ème siècle de la banlieue de Bergame en Italie sous le nom de Bergamasca (également mentionné dans “A Midsummer Night’s Dream” de Shakespeare).

Danse italienne du XVe siècle
Notre connaissance des danses italiennes du 15ème siècle provient principalement des œuvres survivantes de trois maîtres de la danse italienne: Domenico da Piacenza, Antonio Cornazzano et Guglielmo Ebreo da Pesaro. Leur travail traite de pas et de danses similaires, même si une certaine évolution peut être observée. Les principaux types de danses décrites sont bassa danze et balletti. Ce sont les premières danses européennes à être bien documentées, car nous avons une connaissance raisonnable des chorégraphies, des pas et de la musique utilisés.

Coloration italo-française
À la fin du XIVe et XVIe siècles, les principales caractéristiques de la musique européenne de danse de la Renaissance ont commencé à se former: rythmes d’accent réguliers, périodicité structurelle, mélodie carrée, homophonique, mémorable (mais pas semblable aux airs mélodiques de la période postérieure) ).

En France et dans d’autres pays européens, les caractéristiques du nouvel art de la danse se manifestent à la fin du XVIe-XVIIe siècle, alors qu’en Italie, la floraison commence à la fin du XIVe siècle et au début du XVe siècle. Par conséquent, pendant les XV-XVI siècles, l’Italie était le législateur de la mode de la danse: les professeurs italiens travaillaient dans tous les pays d’Europe, beaucoup de genres de danse d’origine italienne dominaient dans les salles de bal et dans les représentations théâtrales. Plus tard (à partir du XVIIe siècle, c’est-à-dire déjà à l’époque baroque), la mode de la danse a été dictée par les Français pendant deux siècles d’affilée.

Types de danses de la Renaissance
Les danses dans les sources de la Renaissance varient beaucoup dans leur essence. Ils sont à la fois lents et solennels – la danse de la basse, la pavana (et la passametstso proche), l’allemande – et le rapide, vif – Saltarello, le galliard, le turdion, le carillon, le canario. La première, où les danseurs ne déchirent pas les deux pieds en même temps, commence à être appelée “basse” ou “basse danse”, tandis que la seconde, énergique, avec des sauts et des soutiens (éléments de soutien) aux “hautes danses”. Une exception est une danse appelée une bière, qui, malgré le rythme élevé, se réfère aux danses inférieures. Certaines danses de la Renaissance sont chorégraphiquement canoniques, dans d’autres, il y a une place pour l’improvisation. Une des paires de danses, le volta, considéré comme dérivé du galliard, implique une assez grande affinité entre un homme et une femme, parce que quand un partenaire est performant, elle tient une femme dans l’air pendant 3/4 tours. D’autres danses, comme le branl, sont exécutées par de nombreuses personnes dans une ronde de danse (en cercle ou à la suite).

À la fin de l’ère, des formes de danse spéciales sont enregistrées, dans lesquelles on trouve des éléments de danse élevée (comme Saltarello) et basse (comme la pavana) – une cascade, un spaniellet.

En Italie, au 16ème siècle, la mode pour la séquence de danse, le ballo acclamé (ballo italien – “danse”), dans lequel plus tard les galliards et une cascade ont remplacé la propagation de Saltarello démodée.

La tradition de contraste entre la danse lente («low dance») et la danse sautante («high dance») a donné naissance à une forme musicale, comme une suite, qui à son tour a influencé la formation de la forme sonate.

Danses folkloriques dans une peinture de Brueghel, vers 1525-1530
Certains types de danses connues de la Renaissance sont:

Allemande
Basse danse ou Basse danse
Branle
Canari
Coranto ou courante
Gallarda ou galliard
Lavolta
Tourdion (gallarda rapide).
Pavana ou Pavane
Zarabanda ou Sarabanda.
Spagnoletta