L’architecture de la Renaissance est l’architecture européenne de la période entre le début du 14ème et le début du 17ème siècle dans différentes régions, démontrant une renaissance consciente et le développement de certains éléments de la pensée grecque et romaine antique et de la culture matérielle. Stylistiquement, l’architecture de la Renaissance a suivi l’architecture gothique et a été suivie par l’architecture baroque. Développé d’abord à Florence, avec Filippo Brunelleschi comme l’un de ses innovateurs, le style Renaissance s’est rapidement étendu à d’autres villes italiennes. Le style a été porté à la France, l’Allemagne, l’Angleterre, la Russie et d’autres parties de l’Europe à des dates différentes et avec des degrés divers d’impact.
Le style Renaissance met l’accent sur la symétrie, la proportion, la géométrie et la régularité des parties, comme en témoignent l’architecture de l’Antiquité classique et en particulier l’architecture romaine antique, dont il reste de nombreux exemples. Des arrangements ordonnés de colonnes, de pilastres et de linteaux, ainsi que l’utilisation d’arcs en plein cintre, de dômes hémisphériques, de niches et d’édicules ont remplacé les systèmes proportionnels plus complexes et les profils irréguliers des bâtiments médiévaux.
Haute Renaissance
À la fin du XVe siècle et au début du XVIe siècle, des architectes tels que Bramante, Antonio da Sangallo le Jeune et d’autres ont montré une maîtrise du style et de la capacité à l’appliquer aux bâtiments tels que les églises et les palais de la ville. les temps anciens. Le style devint plus décoré et ornemental, statuaire, dômes et coupoles devenant très évidents. La période architecturale est connue comme la « Haute Renaissance » et coïncide avec l’âge de Léonard, Michel-Ange et Raphaël.
Bramante
Bramante
Donato Bramante (1444-1514), né à Urbino, passe de la peinture à l’architecture, trouvant son premier patronage important auprès de Ludovico Sforza, duc de Milan, pour qui il produit de nombreux bâtiments pendant plus de 20 ans. Après la chute de Milan aux Français en 1499, Bramante se rendit à Rome où il obtint un grand succès sous le patronage papal.
L’abside de Santa Maria delle Grazie, Milan.
La plus belle réalisation architecturale de Bramante à Milan est son ajout de la traversée et de la chorale à l’église abbatiale de Santa Maria delle Grazie (Milan). C’est une structure en briques, dont la forme doit beaucoup à la tradition italienne des baptistères à coupole carrée. Le nouveau bâtiment est presque centralement planifié, sauf que, à cause du site, le choeur s’étend plus loin que les bras du transept. Le dôme hémisphérique, d’environ 20 mètres de diamètre, s’élève à l’intérieur d’un tambour octogonal percé au niveau supérieur d’ouvertures classiques cintrées. L’ensemble extérieur a délimité les détails décorés avec l’ornementation locale en terre cuite.
À Rome, Bramante a créé ce qui a été décrit comme «un joyau architectural parfait», le Tempietto dans le cloître de San Pietro à Montorio. Ce petit temple circulaire marque l’endroit où saint Pierre a été martyrisé et est ainsi le lieu le plus sacré de Rome. Le bâtiment adapte le style apparent dans les restes du temple de Vesta, le site le plus sacré de la Rome antique. Il est entouré par et en contraste spatial avec le cloître qui l’entoure. Comme on l’approche du cloître, comme dans l’image ci-dessus, il est vu encadré par une arche et des colonnes, dont les formes sont répercutés dans sa forme autonome.
Bramante a continué à travailler au Vatican où il a conçu l’impressionnant Cortili de St. Damaso et du Belvedere. En 1506, la conception de Bramante pour la reconstruction de la basilique Saint-Pierre par le pape Jules II fut choisie et la première pierre posée. Après la mort de Bramante et de nombreux changements de plan, Michel-Ange, en tant qu’architecte en chef, revint à quelque chose de plus proche de la proposition originale de Bramante
Sangallo
Antonio da Sangallo le Jeune, (1485-1546), faisait partie d’une famille d’ingénieurs militaires. Son oncle, Giuliano da Sangallo, fut l’un de ceux qui soumirent un plan pour la reconstruction de Saint-Pierre et fut brièvement co-directeur du projet avec Raphaël.
Antonio da Sangallo a également soumis un plan pour Saint-Pierre et est devenu l’architecte en chef après la mort de Raphaël, à être succédé lui-même par Michel-Ange.
Sa renommée ne repose pas sur son association avec Saint-Pierre, mais dans sa construction du Palais Farnèse, « le plus grand palais de cette période », a commencé en 1530. L’impression de grandeur réside en partie dans sa taille, (56 m de long par 29,5 mètres de haut) et dans son emplacement élevé donnant sur une large place. C’est aussi un bâtiment d’une belle proportion, inhabituel pour une maison aussi grande et luxueuse de la date, ayant été construite principalement en brique stuquée plutôt qu’en pierre. Contre les murs lisses et rosés, les coins de pierre des angles, le portail massif et rustique et la répétition majestueuse de fenêtres finement détaillées donnent un effet puissant, établissant un nouveau standard d’élégance dans la construction de palais. La partie supérieure des trois étages de même taille a été ajoutée par Michel-Ange. C’est probablement aussi bien que cet impressionnant bâtiment est en briques; le travertin pour ses détails architecturaux ne provenait pas d’une carrière, mais du Colisée.
Raphaël
Raphaël (1483-1520), Urbino, formé à Pérouse à Pérouse avant de s’installer à Florence, fut pendant un temps l’architecte en chef de Saint-Pierre, travaillant de concert avec Antonio Sangallo. Il a également conçu un certain nombre de bâtiments, dont la plupart ont été achevés par d’autres. Son œuvre la plus influente est le Palazzo Pandolfini à Florence avec ses deux étages de fenêtres fortement articulées de type «tabernacle», chacune étant entourée de pilastres ordonnés, de corniches et de frontons arqués et triangulaires alternés.
Maniérisme
Le maniérisme architectural a été marqué par des tendances très divergentes dans les travaux de Michel-Ange, Giulio Romano, Baldassare Peruzzi et Andrea Palladio, qui ont conduit au style baroque dans lequel le même vocabulaire architectural a été utilisé pour une rhétorique très différente.
Peruzzi
Baldassare Peruzzi, (1481-1536), était un architecte né à Sienne, mais travaillant à Rome, dont le travail relie la haute Renaissance et le maniériste. Sa Villa Farnesina de 1509 est un cube monumental très régulier de deux histoires égales, les baies étant fortement articulées par des ordres de pilastres. Le bâtiment est inhabituel pour ses murs décorés de fresques.
L’œuvre la plus célèbre de Peruzzi est le Palazzo Massimo alle Colonne à Rome. Les caractéristiques inhabituelles de ce bâtiment sont que sa façade courbe doucement autour d’une rue incurvée. Il a dans son rez-de-chaussée un portique central sombre parallèle à la rue, mais comme un espace semi-fermé, plutôt que d’une loggia ouverte. Au-dessus s’élèvent trois étages indifférenciés, les deux supérieurs avec de petites fenêtres horizontales identiques dans de minces cadres plats qui contrastent étrangement avec le porche profond, qui a servi, dès sa construction, de refuge aux pauvres de la ville.
Giulio Romano
Giulio Romano (1499-1546), était un élève de Raphaël, l’assistant sur divers travaux pour le Vatican. Romano était également un designer très inventif, travaillant pour Federico II Gonzaga à Mantoue sur le Palazzo Te, (1524-1534), un projet qui combinait ses compétences en tant qu’architecte, sculpteur et peintre. Dans ce travail, incorporant des grottes de jardin et des fresques étendues, il utilise des effets illusionnistes, des combinaisons surprenantes de forme et de texture architecturales, et l’utilisation fréquente de caractéristiques qui semblent quelque peu disproportionnées ou désalignées. L’effet total est inquiétant et dérangeant. Ilan Rachum cite Romano comme « l’un des premiers promoteurs du maniérisme ».
Michelangelo
Michelangelo Buonarroti (1475-1564) fut l’un des géants créateurs dont les réalisations marquent la Haute Renaissance. Il a excellé dans chacun des domaines de la peinture, de la sculpture et de l’architecture et ses réalisations ont entraîné des changements importants dans chaque domaine. Sa renommée architecturale réside principalement dans deux bâtiments: les intérieurs de la bibliothèque Laurentienne et son hall au monastère de San Lorenzo à Florence, et la basilique Saint-Pierre à Rome.
St Peter’s était « la plus grande création de la Renaissance », et un grand nombre d’architectes y ont contribué. Mais à son achèvement, il y avait plus de conception de Michel-Ange que de tout autre architecte, avant ou après lui.
St Peter’s
Le plan qui fut accepté lors de la pose de la première pierre en 1506 fut celui de Bramante. Divers changements de plan ont eu lieu dans la série d’architectes qui lui ont succédé, mais Michelangelo, quand il a repris le projet en 1546, est revenu au plan de croix grecque de Bramante et a remodelé les piles, les murs et le dôme, donnant le poids inférieur les proportions massives des membres et l’élimination des allées encerclant du choeur et des bras transept identiques. Helen Gardner dit: « Michelangelo, avec quelques coups de stylo, a converti sa complexité de flocon de neige dans une unité massive et cohérente. »
Le dôme de Michel-Ange était un chef-d’œuvre de conception utilisant deux obus de maçonnerie, l’un dans l’autre et couronné par une lanterne massive soutenue, comme à Florence, sur des côtes. Pour l’extérieur du bâtiment, il a conçu un ordre géant qui définit chaque baie extérieure, le tout étant maintenu par une large corniche qui court comme un ruban ondulant autour du bâtiment entier.
Il y a un modèle en bois du dôme, montrant sa coquille extérieure comme hémisphérique. Quand Michel-Ange est mort en 1564, le bâtiment avait atteint la hauteur du tambour. L’architecte qui a succédé à Michel-Ange était Giacomo della Porta. Le dôme, tel que construit, a une projection beaucoup plus raide que le dôme du modèle. Il est généralement supposé que c’était della Porta qui a fait ce changement à la conception, pour diminuer la poussée vers l’extérieur. Mais, en fait, on ne sait pas qui a fait ce changement, et il est tout aussi possible et stylistique que Michel-Ange lui-même, à un moment ou à un autre, ait supervisé le projet.
Le vestibule de la bibliothèque Laurentienne
Bibliothèque Laurentienne
Michel-Ange était à son plus maniériste dans la conception du vestibule de la Bibliothèque Laurentienne, également construit par lui pour abriter la collection de livres Médicis au couvent de San Lorenzo à Florence, le même San Lorenzo à laquelle Brunelleschi a refondu l’architecture de l’église en Moule classique et formule claire établie pour l’usage des ordres classiques et leurs divers composants.
Michel-Ange prend tous les composants de Brunelleschi et les plie à sa volonté. La bibliothèque est à l’étage. C’est un long bâtiment bas avec un plafond en bois orné, un plancher assorti et encombré de corrals finis par ses successeurs au design de Michel-Ange. Mais c’est une pièce claire, l’éclairage naturel coulant à travers une longue rangée de fenêtres qui semblent positivement entassées entre l’ordre des pilastres qui défilent le long du mur. Le vestibule, en revanche, est grand, plus grand que large et encombré par un grand escalier qui sort de la bibliothèque dans ce que Pevsner appelle un «couloir de lave», et éclate dans trois directions quand il rencontre la balustrade de l’atterrissage. C’est un escalier intimidant, d’autant plus que la montée des escaliers au centre est plus raide que des deux côtés, ne faisant que huit pas dans l’espace de neuf.
L’espace est bondé et il faut s’attendre à ce que les espaces muraux soient divisés par des pilastres de basse projection. Mais Michel-Ange a choisi d’utiliser des colonnes appariées, qui, au lieu de se détacher du mur, se sont enfoncées profondément dans les creux du mur. Dans l’église de San Lorenzo à proximité, Brunelleschi utilisait de petits supports de console à défilement pour rompre la ligne fortement horizontale du parcours au-dessus de l’arcade. Michel-Ange a emprunté les motifs de Brunelleschi et a placé chaque paire de colonnes enfoncées sur une paire de consoles jumelles. Pevsner dit que le « Laurenziana … révèle le maniérisme dans sa forme architecturale la plus sublime ».
Giacomo della Porta
Giacomo della Porta, (1533-1602), était célèbre comme l’architecte qui a fait de la coupole de la basilique Saint-Pierre une réalité. Le changement de contour entre le dôme tel qu’il apparaît dans le modèle et le dôme tel qu’il a été construit, a provoqué des spéculations quant à savoir si les changements ont eu lieu avec della Porta ou avec Michel-Ange lui-même.
Della Porta a passé presque toute sa vie professionnelle à Rome, concevant des villas, des palais et des églises dans le style maniériste. L’une de ses œuvres les plus célèbres est la façade de l’église du Gesù, projet qu’il a hérité de son professeur Jacopo Barozzi da Vignola. La plupart des caractéristiques de la conception originale sont maintenues, subtilement transformées pour donner plus de poids à la section centrale, où della Porta utilise, entre autres motifs, un fronton triangulaire bas superposé sur un fronton segmentaire au-dessus de la porte principale. L’étage supérieur et son fronton donnent l’impression de comprimer le bas. La section centrale, comme celle de Sant’Andrea à Mantoue, est basée sur l’Arc de Triomphe, mais a deux divisions horizontales claires comme Santa Maria Novella. Voir Alberti ci-dessus. Le problème de relier les allées à la nef est résolu en utilisant les rouleaux d’Alberti, contrairement à la solution de Vignola qui fournissait des supports beaucoup plus petits et quatre statues au-dessus des pilastres appariés, pesant visuellement les coins du bâtiment. L’influence de la conception peut être vu dans les églises baroques à travers l’Europe.
Andrea Palladio
Andrea Palladio (1508-80), «l’architecte le plus influent de toute la Renaissance», était, en tant que maçon, initié à l’humanisme par le poète Giangiorgio Trissino. Sa première grande commande architecturale fut la reconstruction de la basilique palladienne de Vicence, en Vénétie, où il devait travailler la plus grande partie de sa vie.
Palladio devait transformer le style architectural des palais et des églises en adoptant une perspective différente sur la notion de classicisme. Tandis que les architectes de Florence et de Rome se tournaient vers des structures comme le Colisée et l’Arc de Constantin pour fournir des formules, Palladio se tourna vers les temples classiques avec leur simple forme de péristyle. Quand il utilisait le motif «arc de triomphe» d’une grande ouverture cintrée avec une ouverture inférieure de chaque côté, il l’appliquait invariablement sur une petite échelle, comme les fenêtres, plutôt qu’à grande échelle comme Alberti l’utilisait à Sant ‘. Andrea. Ce motif romain antique est souvent appelé l’arc de Palladian.
Le plus connu des bâtiments domestiques de Palladio est la Villa Capra, également connue sous le nom de « la Rotonda », une maison centrale avec une salle centrale en dôme et quatre façades identiques, chacune avec un portique semblable à celui du Panthéon de Rome. À la Villa Cornaro, le portique en saillie de la façade nord et la loggia encastrée de la façade du jardin sont de deux étages ordonnés, le supérieur formant un balcon.
Progression de Early Renaissance à Baroque
En Italie, il semble y avoir une progression continue de l’architecture du début de la Renaissance à travers la Haute Renaissance et le maniérisme jusqu’au style baroque. Pevsner commente le vestibule de la bibliothèque laurentienne selon lequel «on a souvent dit que les motifs des murs montrent Michel-Ange comme le père du baroque».
Si la continuité peut être le cas en Italie, ce n’est pas forcément le cas ailleurs. L’adoption du style architectural de la Renaissance a été plus lente dans certaines régions que dans d’autres, comme on peut le voir en Angleterre, par exemple. En effet, comme le pape Jules II faisait démolir l’ancienne basilique de Saint-Pierre pour faire place à la nouvelle, Henri VII d’Angleterre ajoutait une nouvelle chapelle glorieuse dans le style gothique perpendiculaire à l’abbaye de Westminster.
De même, le style qui devait devenir connu sous le nom de Baroque a évolué en Italie au début du 17ème siècle, à peu près au moment où les premiers bâtiments de la Renaissance ont été construits à Greenwich et Whitehall en Angleterre, après une longue période d’expérimentation. formes architecturales locales, ou inversement, l’adoption de formes structurelles de la Renaissance au sens le plus large avec une absence des formules qui régissaient leur utilisation. Alors que les Anglais venaient de découvrir quelles étaient les règles du classicisme, les Italiens expérimentaient des méthodes pour les briser. En Angleterre, à la suite de la restauration de la monarchie en 1660, le climat architectural changea et le goût s’orienta vers le baroque. Plutôt que d’évoluer, comme en Italie, il est arrivé à son terme.
De la même manière, dans de nombreuses régions d’Europe qui comptaient peu de bâtiments purement classiques et ordonnés comme le Santo Spirito de Brunelleschi et le palais Medici Riccardi de Michelozzo, l’architecture baroque apparut presque inédite, sur le modèle d’une sorte de style local Proto-Renaissance. La propagation du baroque et son remplacement de l’architecture traditionnelle et plus conservatrice de la Renaissance étaient particulièrement visibles dans la construction des églises dans le cadre de la Contre-Réforme.
Diffuser en Europe
Le 16ème siècle a vu l’ascendant économique et politique de la France et de l’Espagne, et plus tard de la Hollande, de l’Angleterre, de l’Allemagne et de la Russie. Le résultat a été que ces lieux ont commencé à importer le style de la Renaissance comme indicateurs de leur nouvelle position culturelle. Cela signifiait aussi que ce n’est que vers 1500 et plus tard que des signes de style architectural de la Renaissance ont commencé à apparaître en dehors de l’Italie.
Des livres ou des gravures avec des illustrations gravées montrant des plans et des ornements ont joué un rôle important dans la diffusion des styles de la Renaissance en Europe du Nord, parmi lesquels Androuet du Cerceau et Hans Vredeman de Vries aux Pays-Bas et Wendel Dietterlin Architectura (1593-1594) en Allemagne.
Croatie
Au 15ème siècle, la Croatie était divisée en trois états – la partie nord et centre de la Croatie et la Slavonie étaient en union avec le royaume de Hongrie, tandis que la Dalmatie, à l’exception de Dubrovnik indépendante, était sous la domination de la République de Venise. La cathédrale de Saint-Jacques à Šibenik, a été commencée en 1441 dans le style gothique par Giorgio da Sebenico (Juraj Dalmatinac). Sa construction inhabituelle n’utilise pas de mortier, les blocs de pierre, pilastres et nervures étant collés avec des joints et des fentes de la manière habituelle dans les constructions en bois. En 1477 l’œuvre fut inachevée et continua sous Niccolò di Giovanni Fiorentino qui respecta le mode de construction et le plan de l’ancien architecte, mais continua le travail qui comprend les fenêtres supérieures, les voûtes et le dôme, dans le style Renaissance. La combinaison d’une haute voûte en berceau avec des voûtes basses en demi-tonneau sur les bas-côtés donne à la façade sa forme trèfle distinctive, la première de ce type dans la région. La cathédrale a été inscrite sur la liste du patrimoine mondial de l’UNESCO en 2001.
Royaume de Hongrie
L’un des premiers endroits à être influencé par le style d’architecture de la Renaissance était le Royaume de Hongrie. Le style est apparu suite au mariage du roi Matthias Corvinus et de Béatrice de Naples en 1476. De nombreux artistes, artisans et maçons italiens sont arrivés à Buda avec la nouvelle reine. Visegrád abrite d’importants vestiges du palais d’été du roi Matthias datant de la Renaissance. La conquête ottomane de la Hongrie après 1526 a coupé court au développement de l’architecture de la Renaissance dans le pays et a détruit ses exemples les plus célèbres. Aujourd’hui, la seule architecture de la Renaissance hongroise entièrement conservée est la chapelle de Bakócz (commandée par le cardinal hongrois Tamás Bakócz), qui fait maintenant partie de la basilique d’Esztergom.
Russie
Le prince Ivan III introduisit l’architecture de la Renaissance en Russie en invitant un certain nombre d’architectes italiens, qui apportèrent de nouvelles techniques de construction et quelques éléments de style Renaissance, tout en suivant en général les conceptions traditionnelles de l’architecture russe. En 1475, l’architecte bolonais Aristotele Fioravanti est venu reconstruire la cathédrale de la Dormition dans le Kremlin de Moscou, endommagée par un tremblement de terre. Fioravanti reçut comme modèle la cathédrale de Vladimir du 12ème siècle, et produisit un design combinant le style russe traditionnel avec un sens Renaissance d’espace, de proportion et de symétrie.
Pologne
L’architecture de la Renaissance polonaise est divisée en trois périodes: La première période (1500-50), est ce qu’on appelle « l’italien ». La plupart des bâtiments Renaissance ont été construits de cette époque par des architectes italiens, principalement de Florence, y compris Francesco Fiorentino et Bartolomeo Berrecci (Wawel Courtyard, Sigismund’s Chapel).
Dans la deuxième période (1550-1600), l’architecture de la Renaissance est devenue plus commune, avec les débuts de maniériste et sous l’influence des Pays-Bas, en particulier en Poméranie. Les bâtiments comprennent la nouvelle halle aux draps de Cracovie et les hôtels de ville de Tarnów, Sandomierz, Chełm (démoli) et le plus célèbre de Poznań.
Dans la troisième période (1600-50), le pouvoir croissant des jésuites et de la contre-réforme a donné une impulsion au développement de l’architecture maniériste et du baroque.
Couronne de Bohême
Le style Renaissance est apparu pour la première fois dans la Couronne de Bohême dans les années 1490. La Bohême et ses terres incorporées, en particulier la Moravie, se classent ainsi parmi les régions du Saint Empire Romain avec les premiers exemples connus de l’architecture de la Renaissance.
Les terres de la Couronne de Bohême ne faisaient jamais partie de l’ancien Empire romain, ainsi ils ont manqué leur propre héritage classique ancien et ont dû dépendre des modèles principalement italiens. Ainsi que dans d’autres pays d’Europe centrale, le style gothique a conservé sa place surtout dans l’architecture de l’église. L’architecture gothique traditionnelle était considérée intemporelle et donc capable d’exprimer le caractère sacré. L’architecture de la Renaissance a coexisté avec le style gothique en Bohême et en Moravie jusqu’à la fin du 16ème siècle (par exemple la partie résidentielle d’un palais a été construit dans le style moderne de la Renaissance mais sa chapelle a été conçue avec des éléments gothiques). Les façades des bâtiments de la Renaissance tchèque étaient souvent décorées de sgraffites (figuratifs ou ornementaux).
France
Pendant les premières années du 16ème siècle, les Français ont été impliqués dans des guerres dans le nord de l’Italie, ramenant en France non seulement les trésors de l’art de la Renaissance comme butin de guerre, mais aussi des idées stylistiques. Dans la vallée de la Loire, une vague de construction a été réalisée et de nombreux châteaux de la Renaissance sont apparus à cette époque, le premier exemple étant le château d’Amboise (vers 1495) dans lequel Léonard de Vinci a passé ses dernières années. Le style devint dominant sous François Ier (voir Châteaux de la Loire).
Pays-Bas
Comme en peinture, l’architecture de la Renaissance a pris un certain temps pour atteindre les Pays-Bas et n’a pas entièrement supplanté les éléments gothiques. Un architecte directement influencé par les maîtres italiens était Cornelis Floris de Vriendt, qui a conçu l’hôtel de ville d’Anvers, terminé en 1564. Le style parfois connu sous le nom de «maniérisme d’Anvers», gardant une structure globale similaire à des bâtiments de style gothique tardif, mais avec les fenêtres et la décoration et les détails florissants dans les styles de la Renaissance, ont été largement influents à travers l’Europe du Nord, par exemple dans l’architecture élisabéthaine, et font partie du mouvement plus large du maniérisme nordique.
Au début du XVIIe siècle, Hendrick de Keyser a joué un rôle important dans le développement du style Renaissance d’Amsterdam, qui présente des caractéristiques locales, notamment la présence de grandes maisons étroites, le pignon néerlandais et l’utilisation de frontons triangulaires décoratifs. au-dessus des portes et des fenêtres dans lesquelles le sommet s’élève beaucoup plus fortement que dans la plupart des autres architectures de la Renaissance, mais en harmonie avec le profil du pignon. Les détails en pierre sculptée sont souvent de profil bas, en lanières ressemblant à du cuir, une caractéristique stylistique originaire de l’école de Fontainebleau. Cette fonctionnalité a été exportée en Angleterre.
Allemagne
La Renaissance en Allemagne a été inspirée par des philosophes allemands et des artistes comme Albrecht Dürer et Johannes Reuchlin qui ont visité l’Italie. Les premiers exemples importants de cette période sont notamment la résidence Landshut, le château de Heidelberg, le palais Johannisburg à Aschaffenburg, l’hôtel de ville et les maisons Fugger à Augsbourg et St. Michael à Munich. Une forme particulière de l’architecture de la Renaissance en Allemagne est la Renaissance de la Weser, avec des exemples importants tels que la mairie de Brême et le Juleum à Helmstedt.
En juillet 1567, le conseil municipal de Cologne approuva un projet de style Renaissance de Wilhelm Vernukken pour une loggia à deux étages pour l’hôtel de ville de Cologne. St Michael à Munich est la plus grande église de la Renaissance au nord des Alpes. Il a été construit par le duc Guillaume V de Bavière entre 1583 et 1597 en tant que centre spirituel pour la Contre-Réforme et a été inspiré par l’église de Il Gesù à Rome. L’architecte est inconnu. De nombreux exemples de bâtiments Renaissance en brique peuvent être trouvés dans les vieilles villes hanséatiques, comme Stralsund, Wismar, Lübeck, Lüneburg, Friedrichstadt et Stade. Parmi les architectes renommés de la Renaissance allemande figurent Friedrich Sustris, Benedikt Rejt, Abraham van den Blocke, Elias Holl et Hans Krumpper.
Angleterre
L’architecture de la Renaissance est arrivée en Angleterre sous le règne d’Elizabeth I, s’étant d’abord répandue dans les Pays-Bas où, entre autres caractéristiques, elle a acquis des versions du pignon hollandais et des arabesques flamandes aux motifs géométriques ornant les murs. Le nouveau style a tendance à se manifester dans de grandes maisons carrées comme Longleat House.
Le premier grand représentant de l’architecture de la Renaissance italienne en Angleterre fut Inigo Jones (1573-1652), qui avait étudié l’architecture en Italie où l’influence de Palladio était très forte. Jones est retourné en Angleterre plein d’enthousiasme pour le nouveau mouvement et a immédiatement commencé à concevoir des bâtiments tels que la Maison de la Reine à Greenwich en 1616 et la Maison des Banquets à Whitehall trois ans plus tard. Ces œuvres, avec leurs lignes épurées, et leur symétrie étaient révolutionnaires dans un pays toujours épris de fenêtres à meneaux, de créneaux et de tourelles.
Espagne
En Espagne, Renaissance a commencé à être greffé aux formes gothiques dans les dernières décennies du 15ème siècle. Le nouveau style est appelé Plateresque, en raison de la façade extrêmement décorée, qui a rappelé à l’esprit les motifs décoratifs du travail complexe des orfèvres, les Plateros. Les ordres classiques et les motifs de candélabres (un candelieri) se combinent librement en touts symétriques.
À partir du milieu du XVIe siècle, sous les ordres de Pedro Machuca, de Juan Bautista de Toledo et de Juan de Herrera, l’art de la Rome antique se rapproche de l’art antique, anticipant parfois le maniérisme. l’Escorial.
le Portugal
Comme en Espagne, l’adoption du style Renaissance au Portugal a été progressive. Le style dit manuélin (1490-1535) a épousé des éléments de la Renaissance aux structures gothiques avec l’application superficielle de l’ornement exubérant semblable au gothique Isabelline de l’Espagne. Les exemples de manuélin incluent la tour de Belém, un bâtiment défensif de forme gothique décoré avec des loggias de style renaissance, et le monastère Jerónimos, avec des ornements de la Renaissance décorant des portails, des colonnes et des cloîtres.
Scandinavie
L’architecture de la Renaissance qui a trouvé son chemin vers la Scandinavie a été influencée par l’architecture flamande, et comprenait des pignons élevés et un air de château comme démontré dans l’architecture du Palais de Frederiksborg. Par conséquent, une grande partie de la néo-Renaissance que l’on trouve dans les pays scandinaves provient de cette source.
Au Danemark, l’architecture de la Renaissance a prospéré sous les règnes de Frédéric II et surtout de Christian IV. Inspirés par les châteaux français de l’époque, les architectes flamands ont conçu des chefs-d’œuvre tels que le château de Kronborg à Helsingør et le palais de Frederiksborg à Hillerod. Le palais de Frederiksborg (1602-1620) à Hillerod est le plus grand palais de la Renaissance en Scandinavie.
Ailleurs, en Suède, avec la prise de pouvoir de Gustav Vasa et le début de la réforme protestante, les projets de construction d’églises et de bâtiments aristocratiques se sont pratiquement arrêtés. Pendant cette période, plusieurs magnifiques châteaux appelés Vasa sont apparus. Ils ont été érigés à des endroits stratégiques pour contrôler le pays ainsi que pour accueillir la cour royale itinérante. Le château de Gripsholm, le château de Kalmar et le château de Vadstena sont connus pour leur fusion d’éléments médiévaux avec l’architecture de la Renaissance.
L’architecture de la Norvège a été influencée en partie par l’apparition de la peste à l’époque de la Renaissance. Après la peste noire, la construction monumentale en Norvège s’est arrêtée. Il y a peu d’exemples d’architecture de la Renaissance en Norvège, les plus importants étant les rénovations de la tour médiévale Rosenkrantz à Bergen, Baronnie Rosendal à Hardanger, et le manoir contemporain Austrat près de Trondheim, et des parties de la forteresse d’Akershus.
Il y a peu de preuves de l’influence de la Renaissance dans l’architecture finlandaise.
Pays Baltes
La Renaissance est arrivée tardivement dans ce qui est aujourd’hui l’Estonie, la Lettonie et la Lituanie, les soi-disant États baltes, et n’a pas fait une grande empreinte architecturale. Ce fut une période politiquement tumultueuse, marquée par le déclin de l’État de l’Ordre Teutonique et de la guerre de Livonie.
En Estonie, les influences artistiques provenaient de sources hollandaises, suédoises et polonaises. Le bâtiment de la Confrérie des Têtes Noires à Tallinn avec une façade conçue par Arent Passer, est le seul bâtiment véritablement Renaissance du pays qui a survécu plus ou moins intact. Significativement pour ces temps troublés, les seuls autres exemples sont des bâtiments purement militaires, tels que la tour de canon Fat Margaret, également à Tallinn.
L’architecture de la Renaissance lettone a été influencée par le style polonais-lituanien et hollandais, avec le maniérisme suivant le gothique sans intermédiaires. L’église St. John’s dans la capitale lettone de Riga est l’exemple d’une église gothique antérieure qui fut reconstruite en 1587-1589 par l’architecte hollandais Gert Freze (Joris Phraeze). Le principal exemple de l’architecture de la Renaissance en Lettonie est la Maison des Têtes Noires fortement décorée, reconstruite à partir d’une structure médiévale antérieure en ses formes maniéristes actuelles en 1619-1625 par les architectes A. et L. Jansen. Il a été détruit pendant la Seconde Guerre mondiale et reconstruit pendant les années 1990.
La Lituanie forme quant à elle la moitié de la grande communauté polono-lituanienne. Les influences de la Renaissance se sont renforcées sous le règne des grands-ducs de Lituanie Sigismond Ier l’Ancien et Sigismond II Auguste. Le Palais des Grands-Ducs de Lituanie (détruit en 1801, copie réalisée en 2002-2009) montre des influences italiennes. Plusieurs architectes d’origine italienne étaient actifs dans le pays, dont Bernardino Zanobi de Gianotis, Giovanni Cini et Giovanni Maria Mosca.