Les hommes en titre: la mode dans les vêtements pour hommes de 1715 à 2015, musée d’art du comté de Los Angeles

Reigning Men, qui s’appuie principalement sur la célèbre collection de LACMA, célèbre trois cents ans de retenue et de résonance dans la mode masculine.

introduction
Les histoires de mode ont tendance à être principalement axées sur les vêtements pour femmes, les vêtements pour hommes ne constituant souvent qu’une simple note de côté de l’histoire principale. “Reigning Men: Fashion in Menswear, 1715-2015” conteste directement l’équation de la mode et de la féminité dans cette enquête couvrant trois cents ans de vêtements pour hommes à la mode, organisée en cinq sections thématiques: Révolution / Evolution, Est / Ouest, Uniformité, Conscience corporelle et l’homme splendide. S’inspirant principalement de la collection permanente renommée de LACMA, “Reigning Men” établit des liens éclairants entre histoire et haute couture, retrace les influences culturelles au fil des siècles et célèbre une riche histoire de retenue et de resplendence dans la mode masculine.

Révolution / Evolution
Pendant des siècles, la mode des hommes a connu des révolutions dans les tenues vestimentaires et des évolutions de style reflétant les changements similaires de la société. Cette section étudie les cycles de la mode historique tout en soulignant que l’homme à la mode a toujours fait partie de la société, se réinventant constamment et empruntant souvent à ses ancêtres.

Macaroni
Influencé par les styles continentaux, le macaroni – du nom du plat de pâtes italiennes apprécié par de jeunes Anglais aisés lors du «Grand Tour» du continent européen – est habillé pour affirmer sa vision cosmopolite. À une époque où les Britanniques portaient des silhouettes plus lâches, les macaronis portaient des ensembles remarquables pour leurs couleurs vives et leurs coupes minces.

Révolution et anarchie
Au cours de la dernière période de la Révolution française, des bandes de jeunes hommes arpentaient les rues de Paris vêtues de manteaux serrés et coupés extravagamment, ainsi que de pantalons courts, souvent en tissus à rayures apparentes. Ces incroyables, ou «incroyables», étaient des extrémistes de la mode dont l’apparence scandaleuse, si différente de leurs ancêtres, illustrait l’instabilité de cette période. Des siècles plus tard, Walter Van Beirendonck s’est approprié le look en éclipsant ses excès avec un pantalon en cuir moulant et un redingote orange parfaitement adaptée.

Les punks ont eu recours à diverses stratégies de bricolage pour créer leurs déclarations personnelles anti-mode, comme en témoigne cette veste en cuir. Ses patchs et ses badges indiquent l’affinité du porteur pour des groupes tels que les Ramones, ainsi que pour le CBGB, le club de musique de New York. Les dessus en métal des briquets jetables bordent le col, le revers et les poignets, tandis que les tirettes des fermetures à glissière sont ornées d’une croix avec une lame, de pistolets miniatures et d’un crâne.

Esthete Et Hippie
Après la Seconde Guerre mondiale, certains tailleurs londoniens ont ressuscité des éléments de styles de l’époque édouardienne, créant ainsi un look caractérisé par de longues vestes asymétriques aux épaules étroites et à la bordure en velours. Porté à l’origine par les riches, le style néo-édouardien a rapidement été adopté par de jeunes hommes de la classe ouvrière, avec toutefois plus d’exagération et de couleurs. Bien que les «teddy boys» (comme on les surnommait ainsi après le surnom traditionnel d’Edward) soient considérés comme des délinquants par la presse populaire, ces dandys des temps modernes ont été les précurseurs de la robe flamboyante pour hommes de Peacock Revolution.

Jeunesse et rébellion
De style flamboyant et en proportion exagérée, les costumes de zoot sont nés des clubs de swing et des dancings fréquentés par les jeunes citadins des années 1930 et du début des années 1940. Cet exemple extrêmement rare, probablement de Harlem, a des épaules trop larges avec de larges manches à pattes, des poches de sac suspendues qui volent vers l’extérieur du corps tout en dansant et un pantalon à plis profondément plissé. Ces costumes étaient une forme d’expression culturelle et personnelle pour les amateurs de jazz et les communautés afro-américaines, latino-américaines, juives et autres.

Dandy
Le début du XIXe siècle voit l’émergence du dandy, terme qui désigne les hommes extrêmement attentifs à la mode dont le style est à la hauteur de l’élégance raffinée et qui privilégient les vêtements qui accentuent le corps. Au cours de cette période, les manteaux de queue ont été construits selon des techniques de couture nouvelles et innovantes qui transformaient le tissu en laine en silhouettes idéalisées, tandis que le pan coupé devant le manteau et la veste au-dessus des hanches révélaient un pantalon décrivant le physique d’un homme.

En 1994, à l’âge de vingt-sept ans, Ozwald Boateng est à la fois le plus jeune et le premier tailleur noir à ouvrir une maison à Savile Row, localité historique de la mode à Londres. Né dans le nord de Londres d’immigrants ghanéens, les costumes sur mesure de Boateng allient les techniques de couture traditionnelles à des textiles non traditionnels. Cet exemple illustre son approche globale, faite de tweed de laine britanniques rappelant les motifs de tissus d’Afrique de l’Ouest, intégrés dans une silhouette mince et moderne.

Est Ouest
Pendant des siècles, les interactions entre l’Est et l’Ouest ont profondément influencé la mode masculine dans le monde entier. Les ensembles de cette section observent comment les échanges culturels internationaux ont influencé la mode des hommes pendant des siècles.

Vêtements à la maison
À la fin du dix-septième siècle, les vêtements d’Extrême-Orient et du Moyen-Orient ont influencé la mode européenne sous la forme du banyan, un vêtement informel à la maison en soie, en lin ou en coton. La forme en T de ce banian ressemble à la forme d’un kimono japonais, mais elle est construite en coton peint en mordant et teint dans la masse, fabriqué en Inde pour le marché européen. Connus sous le nom de chintz ou de calicot en occident, ces textiles lavables et résistants à la couleur étaient des produits d’importation couramment utilisés dans l’ameublement et les vêtements de la première moitié du XVIIIe siècle.

Fumer et les loisirs
Utilisés à l’origine à la fin du XIXe siècle pour assembler des cigares et faire de la publicité pour des marques de cigares, ces rubans de soie étaient fréquemment rassemblés par des femmes et cousus pour créer des articles utiles pour la maison, tels que couvre-lits, couvre-oreillers, nappes décoratives et occasionnellement des vêtements. Des bandes de cigares en soie ont transformé une veste en laine à rayures fines en un exemple unique de veste pour fumeur à la fois littérale et figurative.

Intersections Culturelles
Ce costume de salon pour un gentleman européen était fait de cachemire doux et léger tissé au Cachemire, en Inde, et était orné de broderies en soie avant d’être coupé et ajusté. Les motifs comportent des tulipes stylisées, des feuilles et des formes en forme de larme avec des pointes incurvées (appelées boteh ou buta, également connues sous le nom de paisley) souvent vues sur des châles du Cachemire tissés à la main, à la mode parmi les femmes européennes et américaines du milieu du XVIIIe au XIXe siècle.

Le fantasque motif de faune et de flore de ce manteau Dries Van Noten est inspiré d’un textile français complexe en soie tissée de 1858 conçu par Lemire and Sons. Van Noten a découvert le textile dans la collection du musée des Arts Décoratifs à Paris lors de la planification de sa première rétrospective en 2014. De nombreux animaux et oiseaux fantaisistes du textile français, ainsi que sa flore ornée et multicolore, étaient sans aucun doute influencés par des motifs de textiles historiques chinois. . De même, les motifs colorés abondent dans les exemples de la dynastie Ming.

Designers japonais
La cape Inverness, un manteau sans manches auquel est attachée une cape, a été introduite au Japon à la fin de la période Edo (1615-1868), où elle a été modifiée avec des emmanchures élargies pour accueillir les manches d’un kimono. Populairement connu sous le nom de tonbi (faucon noir), le manteau était fait de laine importée (rasha) et était à la mode pendant la période Taishō (1912-1926) et le début du Shōwa (1926-1989) parmi les intellectuels, les professionnels et les nantis. a ajouté un chapeau de style occidental à leur ensemble de kimono.

Avec cet ensemble, Yusuke Takahashi a rendu hommage à l’admiration de son mentor, Issey Miyake, pour les traditions textiles japonaises, en utilisant une technique de teinture à l’état collant appelée itajime. Le jardinage était systématiquement plié, serré entre deux gabarits rectangulaires et placé dans une cuve de teinture noire. Une fois que le tissu teint a été séché et déplié, des zones sélectionnées résistantes au noir ont été imprimées en rouge ou en bleu et utilisées pour créer un textile à la mode contemporain qui évoque également les textiles japonais historiques.

Uniformité
Les dictons de l’étiquette et de la fonction ont longtemps inspiré les vêtements pour hommes à la mode. Cette section reconnaît que, même si les uniformes militaires et de travail peuvent sembler limiter l’expression individuelle, un examen plus attentif révèle que des normes strictes persistent, même dans les cas classiques.

Vêtements de travail
Cette veste en jean intrigante a été confectionnée à l’aide d’une technique d’impression au laser appelée «Wattwash». Cette image d’un jeune garçon mendiant, vêtue d’une couche d’un drap bleu similaire, est extraite d’une peinture d’un artiste italien anonyme du XVIIe siècle surnommé le «Master of Blue Jeans» pour sa description fréquente de vêtements en jean. La reproduction de ce tableau sur une veste contemporaine démontre que le denim a en fait une longue histoire d’utilisation et d’appréciation.

Vêtements de travail
Pour la conduite de leurs affaires quotidiennes, les aristocrates français et les riches marchands du milieu du dix-huitième siècle enfilaient généralement un costume trois pièces assorti, généralement en soie à la mode dans des tons pastel. Le costume consistait en un manteau sans col, long avec une jupe à plis, et porté avec un gilet jusqu’aux hanches et une culotte jusqu’aux genoux. Cet exemple de velours de soie rose avec un motif de petits boutons floraux rouges n’a pas la broderie ornementale supplémentaire réservée à la cour.

Tenue informelle
Brooks Brothers, une institution américaine de vêtements pour hommes, fabrique des costumes et des vêtements décontractés depuis deux cents ans. En 2007, le drapier s’est associé à Thom Browne, connu pour son jeu novateur dans les proportions de costumes, pour créer la collection «Black Fleece», qui allie un design moderne à des vêtements traditionnels. Un costume blanc rappelle l’air décontracté des costumes d’été légers, mais est mis à jour avec un short de tennis assorti pour les jambes.

Vêtements de sport
Construite avec de multiples poches et affichant une coupe plus ample que les autres manteaux populaires à l’époque, cette veste de tir verte et ce gilet assorti des années 1840 étaient considérés comme l’uniforme optimal par les sportifs. Elle était non seulement faite de velours de laine / soie résistant à l’eau, mais la coupe plus ample de la veste, aux hanches, permettait une plus grande liberté de mouvement pour la chasse. Initialement conçu pour les vêtements de sport, le style évoluerait pour devenir la veste de sac encore en vogue de nos jours.

Vêtements de cérémonie
La tenue de soirée intégrale (également appelée «cravate blanche») a vu le jour au début du XIXe siècle, en particulier avec l’ensemble de soirée de George «Beau» Brummell, une figure emblématique de la mode masculine. L’ensemble de cravate blanche vu ici date des années 1930; plus d’un siècle après l’apogée de Brummell, ses composants incluent toujours un manteau et un pantalon noirs, mis en valeur par un gilet blanc et un nœud papillon blanc.

La conscience du corps
La mode présentée dans cette section montre que les hommes ont été tout aussi préoccupés par l’amélioration de leur physique que les femmes.

Piquer
La carrière de Jean Paul Gaultier a été reconnue pour ses défis à relever dans les rôles de genre traditionnels de la mode. La veste à rayures de son homme est ajustée autour du torse avec des fermetures à glissière, des lacets et du fil élastique froncé pour imiter un corset. Bien que parfois portés par les hommes, les corsets ont été principalement associés aux femmes tout au long de l’histoire du sous-vêtement.

Moulage
Au début du XIXe siècle, le manteau de cape en laine noire renforça les idéaux de l’utilitarisme et de la retenue post-révolutionnaires français. De plus, la qualité malléable de la laine permettait aux tailleurs de tailler facilement et confortablement un manteau bien ajusté, et la coupe parfaite symbolisait rapidement la robe d’un gentleman. Les contours des manteaux ont été conçus avec un rembourrage qui recouvre les côtés et le haut du torse, avec une doublure en soie et de fines coutures. Avec l’aide du fer à repasser, un tailleur pourrait créer une ligne d’épaule et une poitrine soigneusement moulés qui masqueraient les imperfections corporelles et donneraient une silhouette idéale.

Kean Etro rend hommage aux talents éminents des maîtres tailleurs de la mode masculine italienne en présentant un ensemble relatant littéralement son évolution. Dans un jeu génial sur la création de motif et de structure, le costume et le pardessus sont décorés avec les fils de tailleur, le rembourrage en couches et les points de piqûre couramment utilisés par les tailleurs pour créer un costume sur mesure (sur mesure).

Exposer la peau
En 1850, quand les hommes et les femmes ont été autorisés à partager les installations de baignade publiques, les costumes appropriés sont devenus un problème. Vers la fin du siècle, les maillots de bain pour hommes étaient composés d’un pantalon tronqué et d’une chemise à ceinture. La longue tunique et les couleurs sombres, moins révélatrices que les couleurs claires lorsqu’elles sont mouillées, préservent la modestie du porteur.

Vinaigrette pure
Carol Christian Poell est connu pour incorporer des matériaux inhabituels dans son travail, notamment les plastiques, le métal et les cheveux. Une veste de cardigan transparente tricotée à partir de tubes en plastique compromet à la fois la douceur et l’opacité inhérentes au fil, le vêtement ne produisant ni dissimulation ni chaleur.

L’homme splendide
Les vêtements de cette section montrent comment les créateurs de mode de l’histoire ont remis en question les notions dominantes de la mode masculine et de la masculinité.

Pour les sapeurs ultrachiques du Congo, la mode et le style ne sont pas seulement un moyen d’expression de soi, mais un mode de vie astucieux. Les membres de la SAPE, acronyme de Société des Ambassadeurs et des Personnes Élégantes, sont en grande partie originaires de Brazzaville et de Kinshasa, et respectent un code vestimentaire strict et de la gentillesse. Leurs regards coûteux et accrocheurs, souvent achetés à Paris, à Londres ou à Milan, sont des symboles de la fierté, de l’éthique du travail et de la capacité de sauver des sapeurs, nés de et malgré la pauvreté et la guerre qui les entourent.

Contempler le futur
Un point culminant des thèmes explorés dans Reigning Men est résumé par deux regards qui reconnaissent le passé tout en considérant l’avenir de la mode masculine. Un costume à volants de Rei Kawakubo pour Comme des garçons brouille la frontière entre le masculin et le féminin.

Ahmed Abdelrahman pour la Kandora déconstruite de Thamanyah réinterprète les traditions vestimentaires du Moyen-Orient avec l’esthétique occidentale. De plus, le dessin du tatouage de Mark Mahoney illustre la mode récente en matière d’encre corporelle; Autrefois considéré comme subversif, cet accessoire personnel et permanent est maintenant considéré comme une forme d’art expressif.

Musée d’art du comté de Los Angeles
Le musée d’art du comté de Los Angeles (LACMA) est le plus grand musée d’art de l’ouest des États-Unis. Musée de renommée internationale et partie essentielle du sud de la Californie, le LACMA partage ses vastes collections par le biais d’expositions, de programmes publics et d’installations de recherche qui attirent plus d’un million de visiteurs chaque année. Les collections de LACMA englobent le monde géographique et pratiquement toute l’histoire de l’art. Parmi les points forts du musée, on trouve ses collections d’art asiatique, hébergées en partie dans le pavillon d’art japonais conçu par Bruce Goff; L’art latino-américain, allant des chefs-d’œuvre précolombiens aux œuvres d’artistes contemporains et majeurs tels que Diego Rivera, Frida Kahlo et Jose Clemente Orozco; et l’art islamique, dont le LACMA abrite l’une des collections les plus importantes au monde.

LACMA situé sur la côte du Pacifique, avec une collection de près de 140 000 objets qui illuminent 6 000 ans d’expression artistique à travers le monde. Soucieux de présenter une multitude d’histoires de l’art, le LACMA expose et interprète des œuvres d’art sous des points de vue nouveaux et inattendus, qui s’inspirent du riche patrimoine culturel de la région et de la diversité de sa population. L’esprit d’expérimentation de LACMA se reflète dans son travail avec des artistes, des technologues et des leaders d’esprit, ainsi que dans ses partenariats régionaux, nationaux et mondiaux pour le partage de collections et de programmes, la création d’initiatives novatrices et la participation de nouveaux publics.