Le réalisme est la représentation précise, détaillée et précise dans l’art de l’aspect visuel des scènes et des objets, c’est-à-dire qu’il est dessiné avec une précision photographique. Le réalisme dans ce sens s’appelle également naturalisme, mimesis ou illusionnisme. L’art réaliste a été créé à de nombreuses époques et il est en grande partie une question de technique et de formation, et d’éviter la stylisation.

Le réalisme est particulièrement connu pour la représentation précise et soignée des apparences visuelles, souvent décrites avec beaucoup de talent et de soin dans des scènes artificielles et artificielles, ou des scènes historiques imaginaires. C’est le choix et le traitement du sujet qui définissent le réalisme comme un mouvement de la peinture, plutôt que l’attention portée aux apparences visuelles.

Peinture de genre
Chambre XIX
Les frères Induno s’affirment comme deux des principaux défenseurs de la transition de la peinture académique, avec son langage codifié dans la tradition, vers une nouvelle approche de la réalité. Les deux artistes se consacrent avec cet esprit renouvelé à la fois à la peinture d’histoire, aux épisodes des guerres de l’indépendance auxquels Gerolamo avait activement participé et à l’univers multiforme de la peinture de genre. Les œuvres dans la salle font référence à cette veine picturale fortunée et appréciée: à côté de thèmes classiques ou certainement efficaces (Un antiquaire, Les réfugiés d’un village incendié), elles abordent des sujets caractérisés par de nouvelles implications sociales et par la représentation des classes inférieures de la couturière, La vivandière, Sciancato jouant de la mandoline, joueuse de vielle).

Giovanni Carnovali appelé Piccio
SALLE XX
Une salle monographique est dédiée à cet artiste inquiet, qui a vécu indépendamment des grandes expositions officielles et des académies de son temps, afin de réaffirmer son rôle de précurseur de ce qui sera le plus moderne de la peinture lombarde par la suite. Sa splendeur solitaire en avance sur son temps, célébrée par la critique et par les artistes les plus avancés uniquement au XXe siècle, est illustrée par les portraits intenses, attentifs aux maîtres lombards de la réalité, avec des paysages très modernes (le Paysage de grands arbres est emblématique ), et enfin par de précieux exemples de peinture sacrée. Le thème biblique de ces dernières œuvres se retrouve également dans la sculpture de Giovanni Strazza représentant Ismaël abandonné dans le désert, ici pour compléter la pièce.

La scapigliatura
SALLE XXI
Une grande salle monographique est dédiée au mouvement qui doit son nom à l’écrivain Cletto Arrighi (1858): Scapigliatura indiquait un mode de vie et de création au nom d’une existence irrégulière et intolérante pour chaque contrainte partagée par un cénacle de peintres lombards. , sculpteurs et écrivains qui vivent la déception à Milan en raison des espoirs du Risorgimento. Dans le domaine pictural, dominé par des artistes tels que Tranquillo Cremona et Daniele Ranzoni, dont certaines des œuvres les plus importantes sont exposées ici, cette attitude existentielle se traduit par une déconstruction de la forme par la lumière et la couleur, et par la recherche d’une impalpabilité psychologique. des allusions, qui sont également marquées par la première phase de Gaetano Previati, représentée par des portraits d’une étonnante modernité.

Italiens à Paris
SALLE XXII
Dans cette petite salle se trouvent de précieux témoignages de l’échange fructueux avec la France, et en particulier avec Paris, qui traverse toute la culture italienne de la seconde moitié du XIXe siècle. Trois artistes italiens, Giovanni Boldini de Ferrare, Giuseppe De Nittis des Pouilles et Federico Zandomeneghi de Venise, résident depuis longtemps dans la capitale française, entretenant des contacts avec les impressionnistes et la haute société de l’époque. En témoignent les portraits du goût international et mondain de Boldini, qui montrent un raffinement pictural remarquable et une audace compositionnelle, les œuvres de Zandomeneghi, qui peuvent être comparées aux recherches menées au cours des mêmes années par Degas, les douze petites vues de De Nittis. Vésuve. Un bronze, chef-d’œuvre du grand Rodin, complète le spectacle.

Le divisionniste Segantini
SALLE XXIII
Commence ici le long exercice du divisionnisme: ce terme désigne le courant pictural qui unit l’étude de la lumière et des couleurs à de nouvelles connaissances scientifiques sur la perception visuelle. Les protagonistes de la salle sont Les deux mères de Giovanni Segantini, exposées lors de la première triennale de Milan en 1891 aux côtés de la Maternité de Gaetano Previati (Banca Popolare di Novara). Le sujet, très répandu dans la culture littéraire et figurative de l’époque, est rendu avec le trait par petits coups de pinceau typiques de la peinture divisionniste. Malgré cela, la scène semble toujours imprégnée d’un naturalisme solide, ce qui apparaît clairement dans les autres toiles exposées ici, illustrant le paysage dégagé de Maloja et ses figures animales.

Vittore Grubicy et Emilio Longoni
SALLE XXIV
Vittore Grubicy de Dragon est une figure importante de l’art italien dans la seconde moitié du XIXe siècle: marchand et collectionneur, il expose à Londres en 1888 une série de chefs-d’œuvre de la peinture italienne, obtenant ainsi une visibilité énorme. Parallèlement à son activité de peintre, les huit toiles, qui constituent le grand poème panthéiste ou poème d’hiver, témoignent des recherches menées par les divisionnistes sur les effets de l’atmosphère dans la peinture de paysage. Les œuvres sont disposées au mur selon le schéma prescrit par l’artiste lors de leur donation à la municipalité de Milan. Un des artistes promus par Grubicy est Emilio Longoni, que le marchand encourage à rejoindre le divisionnisme avec son ami Segantini.

Sentiers du naturalisme
SALLE XXV
Dans cette salle, nous pouvons voir comment la peinture lombarde de la seconde moitié du XIXe siècle est souvent suspendue entre l’expérimentation divisionniste et une reconstitution rêveuse du vrai naturel. Le portrait lyrique de la fille de Giovanni Sottocornola, Anita, brise la couleur, la réduit au bleu du fond et au blanc de la robe, dans de vastes champs de lumière. Plinio Nomellini, peut-être le plus original des peintres divisionnistes, représente un moment de la vie de famille avec une peinture aux tons acidulés et imprégnée d’une élégante vibration de petites zones d’ombre et de lumière. À côté de ces peintures importantes, des scènes de genre aux tons idylliques, telles que Le retour de la fête de Moïse Bianchi et Matin en été de Pietro Chiesa, sont des exemples d’une manière plus traditionnelle de restituer les effets de la lumière.

Peinture sociale
SALLE XXVI
Vers la fin du XIXe siècle, Milan se transforma, vit l’essor d’installations industrielles et accueillit de nombreux travailleurs, attirés par la ville sous l’angle du travail et d’une vie meilleure. Ce qui les attend, souvent, ce sont des conditions de vie difficiles et une misère généralisée que les artistes les plus sensibles n’hésitent pas à dénoncer à travers leurs œuvres, exécutées selon la technique divisionniste. Morbelli est parfaitement à l’aise pour représenter autant les symboles de la ville moderne (gare centrale de Milan en 1889) que les implications négatives de la vie qui s’y déroule (comme la sinistre démission des peintures situées dans le Pio Albergo Trivulzio). Le malaise social est également au centre des travaux d’Attilio Pusterla et de Giovanni Sottocornola et est rendu encore plus manifeste par la puissante icône sociale d’Enrico Butti’s Miner.

Medardo Rosso
SALLE XXVII
Un environnement monographique, récemment réaménagé, est dédié aux œuvres de l’un des sculpteurs les plus significatifs de l’évolution du langage figuratif international. Medardo Rosso, après une courte participation aux cours réguliers de l’Accademia di Brera à Milan, a été formé au cours des années marquées par les résultats ultérieurs de la production échevelée et par l’attention contemporaine croissante portée au contexte social de la ville. Dans ce contexte naissent les œuvres de Rosso dont les sujets font référence à un Milan populaire (gosses, vieillards, prostituées, concierges): des idées réalistes confrontées à un regard vif et brut, figées sans complaisance descriptive dans des figures aux surfaces mouvantes et vibrantes de la lumière. Depuis 1889, Rosso séjourne à Paris depuis trente ans.

Gaetano Previati
SALLE XXVIII
Après une formation académique et une première expérience dans le domaine de Scapigliatura (comme en témoignent les travaux de la salle XXI), Previati de Ferrara donne vie à une langue caractérisée par l’attention portée aux grands thèmes universels, rendue avec une peinture de plus en plus dématérialisée et réalisée. seule lumière: il s’affirme comme l’un des principaux interprètes des deux grands moments de la culture figurative du deuxième XIXe siècle, le divisionnisme et le symbolisme. La salle, aménagée autour de la Madonna dei Gigli, qui constitue l’un des points d’arrivée de la recherche symboliste, propose une sélection des différentes étapes du parcours artistique de Previati, parmi lesquelles figurent des œuvres telles que la Madonna of Chrysanthemums ou la Maternity. la peinture échevelée, jusqu’aux reconstitutions historiques oniriques du Roi Soleil et de Journey in the blue,

SALLE XXIX
La salle communique par trois arches avec la salle de bal adjacente (salle XV), formant presque un seul espace. Depuis les fenêtres donnant sur la cour, vous pourrez profiter d’une vue large sur les jardins publics Indro Montanelli de Porta Venezia, conçus à l’origine par Giuseppe Piermarini, un architecte actif dans la Lombardie autrichienne du XVIIIe siècle. Ils trouvent ici leur place, dans une pause par rapport au chemin chronologique des salles, mais conformément aux décorations néoclassiques de la salle, deux tempéra lunettes de sujet mythologique d’Andrea Appiani et deux bustes en bronze, Napoléon Ier d’Antonio Canova et le portrait d’Eugène de Beauharnais par Gaetano Manfredini. Cette dernière effigie nous transmet le visage de celui qui, en tant que vice-roi d’Italie, a fait de la villa son palais,

Symboliste Segantini
SALLE XXX
La visite au premier étage se termine avec les résultats du travail de Segantini plus proche du symbolisme. Dans le travail de l’artiste du Trentin, le divisionnisme est destiné à exprimer des contenus symboliques, comme on peut le voir dans des œuvres telles que la déesse païenne, l’ange de la vie ou l’amour aux sources de la vie, s’apparentant à l’idéalisme international et à un linéarisme presque sécessionniste. La sculpture L’Alpeby Leonardo Bistolfi est associée à la construction d’un monument à Segantini. Enfin, le visiteur est renvoyé avec une œuvre d’Alberto Martini, déposée par le Museo del Novecento à Milan: exposée à la Sala del Sogno de la Biennale de Venise en 1907, avec son extrême raréfaction de la forme, introduit les exemples de renouveau et de modernité typiques les avant-gardes du nouveau siècle, parfaitement incarnées par la sculpture de Wildt exposée à côté.

Collection du XIXe siècle
Cette collection a commencé à prendre forme en 1861, lorsque l’avocat Fogliani – exécuteur du testament du sculpteur Pompeo Marchesi – a voulu faire don à la ville de Milan de cette collection d’artistes composée d’œuvres célèbres de Canova à Marchesi. C’était le premier des nombreux dons qui enrichiraient la municipalité d’art qui, en 1903, serait réuni dans une galerie d’art contemporain. En fait, à partir de 1865 – avec la dotation du comte Gian Giacomo Bolognini – jusqu’à un ajout important en 1902 avec des œuvres de professeurs et d’étudiants de l’Académie des beaux-arts et de la galerie de peinture de Brera, la collection d’art moderne a pris une telle ampleur qu’elle a été séparée de les collections d’art ancien. Inaugurées en 1877 dans la salle des jardins publics, les œuvres y sont restées jusqu’en 1903, date à laquelle, avec l’ajout du musée archéologique national,

Dès le début, la Galerie, destinée à la Ville, a hébergé et amélioré des œuvres et des chefs-d’œuvre locaux grâce à des dotations et des dons. Cela témoigne des attentes et de la reconnaissance de ce musée de la part des citoyens, également associés à d’autres institutions: la Société des Beaux-Arts qui, à partir de 1843, fait régulièrement l’achat d’expositions d’art, notamment celles de Brera. Ces œuvres ont ensuite été divisées entre les membres et reversées à la galerie.

En 1920, lorsque l’État céda la Villa Reale à la ville de Milan, la galerie d’art moderne trouva son emplacement définitif. La même année, la collection s’agrandit grâce à une donation de Vittore Grubicy De Dragon (avec des œuvres de Giacomo Campi, Giovanni Carnovali, Giovanni Costa, Tranquillo Cremona, Federico Faruffini, Silvestro Lega, Filippo Palizzi, Gaetano Previati, Daniele Ranzoni, Giovanni Segantini) et, en 1921, par vente publique, The Fourth Estate de Pellizza da Volpedo est entré dans les collections de la Galerie.

Si pendant des décennies Villa Reale a coexisté avec d’autres institutions (par exemple, le musée de la marine ou en tant que lieu pour des mariages civils), ce qui a limité la croissance de ses collections, elle est depuis 2006 la seule et unique vitrine de la galerie d’art moderne. et ses activités.

Galleria d’Arte Moderna – Milan
À partir de 1903, la Galleria d’Arte Moderna conserve les collections d’art moderne de la ville de Milan, un patrimoine artistique d’environ 3 500 œuvres. Les collections sont exposées à partir de 1921 au sein de la Villa Reale, l’un des chefs-d’œuvre de l’époque néoclassique de Milan. Conçu par l’architecte Leopoldo Pollock, il a été construit entre 1790 et 1796 pour abriter la maison du comte Lodovico Barbiano di Belgioioso. Villa Reale devint plus tard la résidence du vice-roi Eugenio di Beauharnais, beau-fils de Napoléon.

Parmi les protagonistes incontestés de l’histoire de l’art milanais et italien présents dans la collection figurent Antonio Canova, Andrea Appiani, Francesco Hayez, Tranquillo Cremona, Giovanni Segantini, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Giovanni Boldini, Medardo Rosso et Gaetano Previati.

Grâce aux collections privées et aux dons de familles importantes, telles que Grassi et Vismara, le patrimoine artistique de la galerie s’est enrichi de chefs-d’œuvre des XIXe et XXe siècles.

L’activité d’exposition de la Galleria d’Arte Moderna dialogue avec l’art appliqué, les langages contemporains et l’analyse thématique des artistes présents dans la collection permanente.

Des collections
Ce qui fait la renommée internationale de la Galerie d’art moderne de Milan, c’est la valeur et la qualité des œuvres exposées et hébergées ici: Francesco Hayez, Pompéo Marchesi, Andrea Appiani, Tranquillo Cremona, Giovanni Segantini, Federico Faruffini, Giuseppe Pellizza da Volpedo, Antonio Canova, Daniele Ranzoni, Medardo Rosso, Gaetano Previati sont quelques-uns des artistes importants présents, en tant que protagonistes incontestés de l’histoire de l’art à Milan et en Italie. Leurs œuvres représentent l’art tel qu’il s’est déroulé du 18ème au 19ème siècle, en particulier le courant issu de l’Académie des Beaux-Arts de Brera et qui a lentement pris racine même au-delà des frontières nationales. Grâce aux collectionneurs d’art du XXe siècle et aux dons de familles éminentes (Treves, Ponti, Grassi, Vismara, par exemple), au fil des ans, ces chefs-d’œuvre ont enrichi le patrimoine artistique de la Galerie et confirmé sa mission fondamentale de perpétuer la diffusion de la culture. Les visiteurs peuvent admirer dans les salles de la villa des œuvres de Giovanni Fattori, Silvestro Lega, Giovanni Boldini, Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Pablo Picasso, Amedeo Modigliani et d’autres acteurs de la scène artistique italienne du XXe siècle.