L’art de la protestation est un terme général qui désigne les œuvres créatives qui concernent ou sont produites par des activistes et des mouvements sociaux. Il y a aussi des œuvres contemporaines et historiques et des courants de pensée qui peuvent être caractérisés de cette manière.

Les mouvements sociaux produisent des œuvres telles que des panneaux, des banderoles, des affiches et d’autres documents imprimés servant à transmettre une cause ou un message particulier. Souvent, cet art est utilisé dans le cadre de manifestations ou d’actes de désobéissance civile. Ces œuvres ont tendance à être éphémères, caractérisées par leur portabilité et leur disponibilité, et ne sont souvent pas créées ou possédées par une seule personne. Les différents symboles de la paix et le poing levé sont deux exemples qui mettent en évidence la propriété démocratique de ces signes.

L’art de la protestation inclut également (mais n’est pas limité à) la performance, les installations spécifiques au site, le graffiti et le street art, et dépasse les frontières des genres, des médias et des disciplines artistiques. Tandis qu’un certain art de protestation est associé à des artistes formés et professionnels, une connaissance étendue de l’art n’est pas exigée pour prendre part à l’art de protestation. Les artistes protestataires contournent fréquemment les institutions du monde de l’art et le système des galeries commerciales dans le but d’atteindre un public plus large. De plus, l’art de protestation n’est pas limité à une région ou à un pays, mais plutôt à une méthode utilisée dans le monde entier.

Il y a beaucoup de pièces d’art politiquement chargées – comme Guernica de Picasso, certaines œuvres de Norman Carlberg au Vietnam, ou les images de tortures de Susan Crile à Abu Ghraib.

Histoire
Il est difficile d’établir une histoire pour l’art de protestation, car de nombreuses variations peuvent être trouvées à travers l’histoire. Alors que de nombreux cas d’art de protestation peuvent être trouvés au début des années 1900, comme Guernica de Picasso en 1937, les trente dernières années ont connu une forte augmentation du nombre d’artistes adoptant l’art de la protestation comme un style pour transmettre un message Publique.

Comme la sensibilisation des justices sociales dans le monde est devenue plus répandue parmi le public, on peut voir une augmentation de l’art de la protestation. Certaines des œuvres d’art les plus critiques de la période récente [quand?] Ont été mises en scène à l’extérieur de la galerie, loin du musée et en ce sens, l’art de la protestation a trouvé une relation différente avec le public.

Art activiste
L’art activiste représente et inclut des développements esthétiques, sociopolitiques et technologiques qui ont tenté de défier et de compliquer les frontières traditionnelles et les hiérarchies de la culture représentées par ceux qui sont au pouvoir. Comme l’art de la protestation, la pratique de l’art activiste a émergé en partie d’un appel à l’art d’être connecté à un public plus large, et d’ouvrir des espaces où les marginalisés et les marginalisés peuvent être vus et entendus.

L’art activiste incorpore l’utilisation de l’espace public pour aborder les questions socio-politiques et pour encourager la participation de la communauté et du public en tant que moyen de provoquer un changement social. Il vise à influencer le changement social en s’engageant dans des processus actifs de représentation qui favorisent la participation au dialogue, la sensibilisation et l’autonomisation des individus et des communautés. La nécessité d’assurer l’impact continu d’une œuvre en soutenant le processus de participation du public qu’elle a initié est également un défi pour de nombreux artistes militants. Il oblige souvent l’artiste à établir des relations au sein des communautés où les projets ont lieu.

Si les mouvements sociaux sont perçus comme des «étalages publics répétés» de valeurs politiques et culturelles alternatives, l’art activiste est important pour articuler ces points de vue alternatifs. L’art activiste est également important pour la dimension de la culture et la compréhension de son importance aux côtés des forces politiques, économiques et sociales dans les mouvements et les actes de changement social. Il faut se garder de confondre l’art activiste et l’art politique, car cela masque les différences critiques de méthodologie, de stratégie et de buts activistes.

Base historique en art et en politique
L’art activiste cite ses origines d’un climat artistique et politique particulier. Dans le monde de l’art, l’art de la performance de la fin des années 1960 aux années 70 a travaillé à élargir les frontières esthétiques dans les arts visuels et le théâtre traditionnel, brouillant la distinction rigidement interprétée entre les deux. La nature transitoire, interdisciplinaire et hybride de l’art de la performance a permis l’engagement du public. L’ouverture et l’immédiateté du médium ont invité la participation du public, et la nature du médium artistique a été une plaque tournante pour l’attention des médias.

Les formes émergentes du féminisme et de l’art féministe de l’époque étaient particulièrement influentes pour l’art activiste. L’idée que «le personnel est le politique», c’est-à-dire la notion que la révélation personnelle à travers l’art peut être un outil politique, a guidé beaucoup l’art activiste dans son étude des dimensions publiques à l’expérience privée. Les stratégies déployées par les artistes féministes sont parallèles à celles des artistes travaillant dans l’art activiste. Ces stratégies impliquaient souvent «la collaboration, le dialogue, une remise en question constante des présupposés esthétiques et sociaux et un nouveau respect du public» et sont utilisées pour articuler et négocier les questions d’auto-représentation, d’autonomisation et d’identité communautaire.

L’art conceptuel a cherché à élargir les limites esthétiques dans sa critique des notions de l’objet d’art et du système de marchandise au sein duquel il circule comme devise. Les artistes conceptuels ont expérimenté des matériaux non conventionnels et des procédés de production artistique. Fondés sur des stratégies enracinées dans le monde réel, les projets d’art conceptuel exigeaient la participation du spectateur et étaient exposés en dehors de l’espace traditionnel et exclusif de la galerie d’art, rendant ainsi l’œuvre accessible au public. De même, des méthodes collaboratives d’exécution et d’expertise tirées de l’extérieur du monde de l’art sont souvent employées dans l’art activiste pour atteindre ses objectifs de participation communautaire et publique. Parallèlement à l’accent mis sur les idées que l’art conceptuel a endossées, l’art activiste est orienté sur les processus, cherchant à exposer les relations de pouvoir ancrées à travers son processus de création.

Dans le domaine politique, la politique militante et identitaire de l’époque a favorisé les conditions à partir desquelles l’art militant est apparu.

Stratégie et pratique
Dans la pratique, l’art activiste peut souvent prendre la forme d’interventions temporelles, telles que la performance, les événements médiatiques, les expositions et les installations. Il est également courant d’utiliser des techniques médiatiques traditionnelles (à l’aide de panneaux d’affichage, d’affiches, de publicités, d’encarts de journaux, etc.). En utilisant ces canaux commerciaux commerciaux distributifs, cette technique est particulièrement efficace pour transmettre des messages qui révèlent et subvertissent ses intentions habituelles.

L’utilisation de la participation du public comme stratégie d’activation des individus et des communautés pour devenir un «catalyseur du changement» est importante pour l’art activiste. Dans ce contexte, la participation devient un acte d’auto-expression ou de représentation de soi par la communauté entière. L’expression créative responsabilise les individus en créant un espace dans lequel leurs voix peuvent être entendues et dans laquelle ils peuvent dialoguer entre eux et avec les enjeux dans lesquels ils ont un intérêt personnel.

The Artist and Homeless Collaborative est un exemple de projet qui travaille avec des stratégies de participation du public en tant que moyen d’autonomisation individuelle et communautaire. C’est une affiliation d’artistes, de professionnels des arts et de femmes, enfants et adolescents vivant dans des refuges de New York, les A & HC croient que leur travail dans un projet collaboratif d’art offre aux résidents une expérience positive d’auto-motivation. retrouver le sens de l’identité individuelle et la confiance dans l’interaction humaine. »Le processus d’engagement de la communauté dans un dialogue avec les discours dominants et publics sur la question du sans-abrisme est décrit dans une déclaration de son fondateur. , Hope Sandrow: «La pertinence de l’art pour une communauté est exposée dans des œuvres d’art où les sans-abri parlent directement au public et dans une discussion qui considère la relation que l’art a avec leur vie. La pratique de la création artistique incite les personnes vivant dans des abris d’un état de malaise à une participation active au processus artistique  »

Le A & HC est né à une époque où une critique des fabricants, des vendeurs et des consommateurs d’art qui traitaient des préoccupations sociales devenait de plus en plus prononcée. Les critiques arguaient que les œuvres d’art qui avaient pour but de provoquer des conversations politiques, sociales et culturelles étaient confinées dans l’espace exclusif et privilégié des musées de galeries et des collections privées. En revanche, l’A & HC était une tentative de combler le fossé entre la production artistique et l’action sociale, permettant ainsi aux sujets de travail qui étaient auparavant exclus et réduits au silence d’être entendus.

L’art de la résistance
L’art de la résistance est un art utilisé pour montrer leur opposition aux détenteurs de pouvoir. Cela inclut l’art qui s’oppose à des pouvoirs tels que le parti nazi allemand, ainsi que celui opposé à l’apartheid en Afrique du Sud. Willie Bester est l’un des artistes les plus connus d’Afrique du Sud qui a commencé comme artiste de la résistance. En utilisant des matériaux assemblés à partir d’ordures, Bester construit des surfaces en relief puis peint la surface avec de la peinture à l’huile. Ses travaux ont commenté d’importantes figures noires sud-africaines et des aspects importants pour sa communauté. Les artistes de la résistance sud-africaine ne s’occupent pas exclusivement de la race et ne doivent pas nécessairement provenir des townships. Une autre artiste, Jane Alexander, a traité les atrocités de l’apartheid d’un point de vue blanc. Son art de résistance traite de la société malsaine qui continue dans l’Afrique du Sud post-apartheid.

Collections
Les archives du Centre d’étude des graphismes politiques contiennent actuellement plus de 85 000 affiches et la plus grande collection d’affiches sur la justice sociale après la Seconde Guerre mondiale aux États-Unis et la deuxième plus grande au monde. De nombreuses bibliothèques universitaires possèdent de vastes collections, notamment la collection Joseph A. Labadie de l’Université du Michigan qui documente l’histoire des mouvements de protestation sociale et des communautés politiques marginalisées du XIXe siècle à nos jours.