Film postmoderniste

Le cinéma postmoderniste est une classification pour les œuvres qui articulent les thèmes et les idées du postmodernisme à travers le cinéma. Le film postmoderniste tente de renverser les conventions dominantes de la structure narrative et de la caractérisation, et teste la suspension de l’incrédulité par le public. Typiquement, ces films décomposent également la fracture culturelle entre art haut et bas et remettent souvent en cause les représentations typiques du genre, de la race, de la classe, du genre et du temps dans le but de créer quelque chose qui ne respecte pas l’expression narrative traditionnelle.

Vue d’ensemble du postmodernisme
Le postmodernisme est un paradigme complexe de philosophies et de styles artistiques différents. Le mouvement est apparu comme une réaction au haut modernisme. Le modernisme est un paradigme de la pensée et de la vision du monde caractérisé de façon spécifique contre laquelle le postmodernisme a réagi. Le modernisme s’intéressait aux récits maîtres et méta de l’histoire de nature téléologique. Les partisans du modernisme ont suggéré que le progrès sociopolitique et culturel était inévitable et important pour la société et l’art. Les idées d’unité culturelle (c’est-à-dire le récit de l’Occident ou quelque chose de similaire) et les hiérarchies de valeurs de classe qui accompagnent une telle conception du monde sont un autre marqueur du modernisme. En particulier, le modernisme a insisté sur une division entre les formes d’art «basses» et les formes «hautes» d’art (créant plus de jugements de valeur et de hiérarchies). Cette dichotomie est particulièrement axée sur le fossé entre la culture officielle et la culture populaire. Enfin, mais de manière non exhaustive, il y avait une foi dans le «réel» et l’avenir et la connaissance et la compétence de l’expertise qui imprègne le modernisme. Au fond, il contenait une confiance dans le monde et la place de l’homme dans le monde.

Le postmodernisme tente de subvertir, de résister et de différer des préoccupations du modernisme dans de nombreux domaines (musique, histoire, art, cinéma, etc.). Le postmodernisme a émergé à une époque non définie par la guerre ou la révolution, mais plutôt par la culture des médias. Contrairement au modernisme, le postmodernisme n’a pas foi dans les récits de maîtrise de l’histoire ou de la culture, ni même dans le soi en tant que sujet autonome. Le postmodernisme s’intéresse plutôt à la contradiction, à la fragmentation et à l’instabilité. Le postmodernisme est souvent axé sur la destruction des hiérarchies et des frontières. Le mélange de périodes et de styles d’art différents qui peuvent être considérés comme «élevés» ou «faibles» est une pratique courante dans le travail postmoderne. Cette pratique est appelée pastiche. Le postmodernisme adopte une vision profondément subjective du monde et de l’identité et de l’art, en postulant qu’un processus sans fin de signification et de signes est le lieu de toute « signification ». Par conséquent, le postmodernisme démontre ce qu’il perçoit comme un monde fracturé, le temps et l’art.

Histoire
Le Postmodernisme suscite un désenchantement avec les idées du modernisme et le mouvement de tolérance et de diversité. C’est justement pour cette raison que c’est la conjonction des mouvements qui ont en commun le rejet de la «raison», niant la possibilité d’une connaissance totale et objective. Pour le postmodernisme, la seule vérité possible est la subjectivité.

Les cinéastes britanniques et américains ont été les premiers à produire des films postmodernes. Dans cette nouvelle ère, après les années 1970 apocalyptiques, et avec l’établissement de la violence et du contenu conservateur à l’écran, la séduction par la douceur de l’image, les rythmes de l’assemblée et la violence de la couleur sont annoncés comme les bannières d’une nouvelle relation entre le cinéma et son public. Un temps marqué par de grands idéaux est suivi par un autre d’incrédulité et d’auto-ironie, de refus de créer.

L’un des premiers genres du cinéma postmoderne est la science fiction, qui devient l’un des véhicules idéaux et prend des motifs du cinéma policier des années 40, des bandes dessinées et des discussions existentielles, comme Blade Runner (Ridley Scott, 1982), où l’intrigue des accents tragiques aux réplicants parfaits mais éphémères, créés pour être des esclaves.

L’alchimie entre Anglais et Américains a contribué au postmodernisme son sens de l’humour et une imagination visuelle puissante.

Contexte
Les éléments qui caractériseront plus tard le langage cinématographique des années 1970 sont issus de la période de silence. Par exemple, la rupture intentionnelle de la suspension de l’incrédulité était l’une des caractéristiques les plus notables des Marx Brothers, par exemple avec leurs allusions continues au spectateur parlant à la caméra. Le film muet italien Maciste, à partir de 1915, un spectateur appelle Maciste et celui-ci quitte l’écran, une ressource que Woody Allen utilisera plus tard dans The Purple Rose du Caire. Cette rupture du soi-disant «quatrième mur» qui sépare l’œuvre projetée du spectateur a déjà été délibérément brisée par Winsor McCay avec Gertie the Dinosaur (1914). Aussi pendant la même période de film muet est apparu le thème de la «superréalité», l’exemple le plus emblématique étant le personnage de Maria in Metropolis. Le genre Peplum lui-même était déjà en avance sur la postmodernité interagissant avec différents genres. Le western spaghetti était en lui-même un exercice de décostruction du genre occidental. Les premiers échantillons professionnels du postmodernisme se retrouvent précisément dans le film Jusqu’alors, par Sergio Leone, un exercice d’analyse de ce genre cinématographique. Dans le récit du tournant du siècle du XIXe au XXe siècle, nous trouvons également les premiers signes de destruction du méta-récit, avec l’apparition de l’intrahistoire. Enfin, l’intertextualité est l’une des constantes du cinéma de Jess Franco avant sa consolidation en tant qu’élément distinctif de la postmodernité.

Le postmodernisme a continué à se forger jusqu’aux films d’Halloween et de Blade Runner, qui ont finalement défini et structuré le style.

Caractéristiques
Le cinéma postmoderne, à partir du postmodernisme primaire de Fry ou Lyotard et des racines du film clair dans la nouvelle vague française, cherche à explorer et exciter les émotions, les thèmes, les situations, les personnages, allant au-delà des conventions temps et espace narratif. Les principales caractéristiques sont:

Altération de la structure temporelle classique, à travers des flashbacks (Le Parrain: Partie II), la simultanéité des actions (Pulp Fiction), inversant la relation de cause à effet (Memento), mix de formats (JFK) ou d’assemblage (American Beauty).
Le message du film est ouvert à l’interprétation personnelle de chaque spectateur (Cube).
Mélange de genres (Fargo).
Disparition de l’intérêt pour montrer une réalité crédible, forçant le caractère artificiel du cinéma à se manifester au moyen d’une illumination, d’une scénographie, de costumes, etc., artificiels (Chicago).
Pause intentionnelle de la suspension de l’incrédulité (La rose pourpre du Caire)
Déconstruction des systèmes narratifs et analyse des schémas sociaux, familiaux, etc. (Route Révolutionnaire), ainsi que des conventions et traditions culturelles (Shrek).
Intertextualité très évidente ou références très claires à des travaux antérieurs (Étreintes brisées).
Démystification des héros ou humanisation d’entre eux (The Dark Knight).
La vision nostalgique du passé (You’re the One (une histoire d’alors)).
Assemblage rapide, baroque ou agressif (Slumdog Millionaire).
Superréalité Création artificielle d’êtres, d’existences ou d’états qui sont confus ou surpassent les vrais (Inception). Exploration des frontières entre réalité et fiction (Ouvrez les yeux).
L’image de fin de ligne, au-dessus même du contenu (Moulin Rouge !, Spring Breakers, The Neon Demon). Le cinéma postmoderne est un cinéma d’esthéticienne (Spirited Away).
Metalingüismo. Le cinéma, en tant que référence culturelle ainsi que sa propre langue, devient le protagoniste. Le cinéma postmoderne est le cinéma sur le propre cinéma (l’aviateur, Scream)
Pessimisme ou désenchantement dans le traitement de l’histoire (Brokeback Mountain).
Ressource pastiche pour déguiser des films avec une esthétique classique (LA Confidential).
Traitement excessif du sexe et de la violence, montré ouvertement (Basic Instinct). Il y a aussi une tendance à montrer un vocabulaire vulgaire sans censure et à ne pas cacher des passions débridées, des tabous sociaux tels que la drogue et des situations humaines plus extrêmes (Trainspotting).
Tendance à la parodie du cinéma précédent (Austin Powers).
Vulgarisation des remakes (The Departed), suites et continuation de sagas (Alien vs. Predator) et adaptations d’œuvres de médias artistiques populaires, comme la bande dessinée (Road to Perdition), la télévision (Charlie’s Angels) et le jeu vidéo (Resident Evil )
La relativisation morale, qui conduit à des tueurs en série deviennent des protagonistes sans jugement de valeur (Le silence des agneaux).
Distanciation morale. Le réalisateur ne juge pas les actions ou les personnages, mais les montre plutôt sans évaluation préalable pour que le spectateur puisse se faire sa propre opinion (Ágora).
Substitution des réalités méta – narratives ou absolues (Dieu, patrie, raison, science positive etc. Qui avait été jadis source de signification pour l ‘homme) par les « petites histoires », le quotidien, les petites choses. (Signaux)
Plasmation des préoccupations du village global actuel, telles que multiculuralité (Babel), diversité sexuelle (In & Out), nouveaux types de famille (Banquet de mariage) et écologie (Avatar).

Eléments spécifiques
Le film postmoderniste – semblable au postmodernisme dans son ensemble – est une réaction aux œuvres modernistes de son domaine et à leurs tendances. Le cinéma moderniste, «a exploré et exposé les préoccupations formelles du médium en les plaçant à la pointe de la conscience, le cinéma moderniste interroge et rend visible les pratiques de production de sens du film». La théorie de l’auteur et l’idée d’un auteur produisant une œuvre à partir de sa vision singulière ont guidé les préoccupations du cinéma moderniste. « Explorer la transparence de l’image est moderniste mais saper sa référence à la réalité, c’est s’engager dans l’esthétique du postmodernisme ». Le film moderniste a plus de foi dans l’auteur, l’individu et l’accessibilité de la réalité elle-même que dans le film postmoderniste.

Le postmodernisme s’intéresse à bien des égards à l’espace liminal qui serait généralement ignoré par les offrandes plus modernistes ou traditionnellement narratives. L’idée est que le sens est souvent généré le plus productivement à travers les espaces et les transitions et les collisions entre les mots et les moments et les images. Dans son livre Creative Evolution, Henri Bergson écrit: «L’obscurité est éclaircie, la contradiction s’évanouit, dès que nous nous plaçons dans la transition, pour y distinguer des états en y croisant des pensées croisées. est plus dans la transition que dans la série des états, c’est-à-dire les coupes possibles – plus dans le mouvement que dans la série des positions, c’est-à-dire les arrêts possibles. La force de cet argument est que les espaces entre les mots ou les coupures dans un film créent autant de sens que les mots ou les scènes eux-mêmes.

Le cinéma postmoderniste est souvent séparé du cinéma moderniste et du film narratif traditionnel par trois caractéristiques clés. L’un d’entre eux est un usage extensif de l’hommage ou du pastiche, résultant du fait que les cinéastes postmodernes sont ouverts à mélanger des genres et des tons disparates au sein d’un même film. Le second élément est la méta-référence ou l’auto-réflexivité, mettant en évidence la construction et la relation de l’image à d’autres images dans les médias et non à toute sorte de réalité externe. Un film autoréférentiel attire l’attention du spectateur – soit par la connaissance que les personnages ont de leur propre nature fictive, soit à travers des visuels – que le film lui-même n’est qu’un film. Ceci est parfois réalisé en mettant l’accent sur le regard non naturel d’une image qui semble artificielle. Une autre technique utilisée pour réaliser la méta-référence est l’utilisation de l’intertextualité, dans laquelle les personnages du film référencent ou discutent d’autres œuvres de fiction. De plus, de nombreux films postmodernes racontent des histoires qui se déroulent dans l’ordre chronologique, déconstruisant ou fragmentant le temps afin de souligner, une fois de plus, le fait que ce qui apparaît à l’écran est construit. Un troisième élément commun est un rapprochement entre les activités intellectuelles et intellectuelles et les styles artistiques – par exemple, une parodie du plafond de la chapelle Sixtine de Michel-Ange dans laquelle Adam cherche un hamburger McDonald plutôt que la main de Dieu. Cela illustrerait la fusion du haut et du bas parce que Michel-Ange est largement considéré comme l’un des plus grands de tous les peintres, alors que la restauration rapide est communément appelée parmi les éléments de faible niveau de la société moderne.

L’usage de l’hommage et du pastiche peut, en lui-même, aboutir à une fusion du haut et du bas. Pour cette raison, l’hommage est parfois accompagné de jugements de valeur des personnages quant à la valeur et la valeur culturelle des œuvres parodiées, en s’assurant que le spectateur comprend si la chose référencée est considérée comme highbrow ou lowbrow.

Enfin, les contradictions de toutes sortes – que ce soit dans la technique visuelle, la morale des personnages ou d’autres choses – sont cruciales pour le postmodernisme, et les deux sont souvent inconciliables. Toute théorie du film postmoderne devrait être à l’aise avec les paradoxes ou les contradictions des idées et leur articulation.

Exemples postmodernes spécifiques

Blade Runner

Blade Runner
Blade Runner de Ridley Scott pourrait être le film postmoderniste le plus connu. Le film de Ridley Scott en 1982 parle d’une future dystopie où des «réplicants» (cyborgs humains) ont été inventés et sont jugés assez dangereux pour traquer quand ils s’échappent. Il y a un énorme effacement des frontières entre les genres et les cultures et les styles qui sont généralement plus séparés avec la fusion de styles et d’époques disparates qui est un trope commun dans le cinéma postmoderniste. « L’ensemble et l’action futuristes se mêlent aux vêtements et aux bureaux des années 1940, aux coiffures punk rock, au style pop égyptien et à la culture orientale. » La population est singulièrement multiculturelle et la langue parlée est l’agglomération d’anglais, japonais, allemand et espagnol. le genre oeil privé de Raymond Chandler et les caractéristiques du film noir ainsi que des motifs bibliques et des images.  » Voici une démonstration du mélange des cultures et des frontières et des styles d’art. Le film joue avec le temps (les différents types de vêtements) et la culture et le genre en les mélangeant tous ensemble pour créer le monde du film. La fusion du noir et de la science-fiction est un autre exemple du film déconstruisant le cinéma et le genre. C’est une incarnation de la tendance postmoderne à détruire les frontières et les genres en un produit autoréflexif. «L’esthétique postmoderne de Blade Runner est donc le résultat du recyclage, de la fusion des niveaux, des signifiants discontinus, de l’explosion des frontières et de l’érosion.La temporalité déconnectée des réplicants et le pastiche de la ville sont tous des effets postmodernes postindustriels : usure, déchets.  »

Pulp Fiction
Pulp Fiction de Quentin Tarantino est un autre exemple d’un film postmoderniste. Le film raconte les histoires entremêlées de gangsters, d’un boxeur et de voleurs. Le film décompose le temps chronologique et démontre une fascination particulière pour l’intertextualité: il introduit des textes issus des domaines de l’art traditionnellement «haut» et «bas». Cette mise en avant des médias place le soi comme «une combinaison libre et transitoire des choix de consommation des médias». Pulp Fiction fracture le temps (en utilisant des lignes de temps asynchrones) et en utilisant des styles des décennies précédentes et en les combinant ensemble dans le film. En mettant l’accent sur l’intertextualité et la subjectivité du temps, Pulp Fiction démontre que l’obsession postmoderne des signes et de la perspective subjective est le lieu exclusif de tout ce qui ressemble à du sens.

D’autres exemples
En dehors de Blade Runner et de Pulp Fiction, le cinéma postmoderne comprend des films tels que:

Blue Velvet (1986)
Thelma et Louise (1991)