Art portugais, Raisons et émotions, Musée national d’art contemporain, Portugal

La collection de l’exposition “L’art portugais, raisons et émotions”, couvre une grande partie de son arc temporel, du milieu du XIXe siècle aux années 1980, et occupe toutes les galeries du musée, de l’aile Serpa Pinto. Il commence par le portrait, thème du dix-huitième siècle rarement abordé dans les dialogues générationnels d’artistes collectifs et par des œuvres inconnues de Miguel Lupi, Luciano Freire, Veloso Salgado, Duarte Faria, Maia et Constantino Fernandes.

Des affinités et des permanences entre paysages romantiques et naturalistes sont présentées, bien qu’elles se distinguent par l’exaltation du sentiment et du traitement de la lumière naturelle, des symbolismes nostalgiques de la fin du XIXe siècle, d’œuvres majeures et d’auteurs peu référencés tels que António Patrício et José de Brito, et se distingue un ensemble de peintures inédites de la Legacy Veloso Salgado récemment constituée.

Le sens de la modernité des premières décennies du XXe siècle, exprimé par les liens d’Amadeo de Souza-Cardoso à l’avant-garde internationale, en particulier ses propositions abstraites, s’articule avec les mouvements de contestation du milieu du XXe siècle et les nouveaux paramètres figuratifs de Paula. Rego, dans les principales galeries du musée. Des œuvres rares de Emmérico Nunes, António Soares, Abel Manta, Bernardo Marques, Mily Podez, Jorge Barradas, Hein Semke, Jorge Oliveira et les magnifiques collages de Jorge Vieira sont révélés.

Ce voyage artistique portugais de cent cinquante ans permet d’aborder les auteurs et les œuvres rarement montrées, en contextualisant les raisons entre émotions et sensibilités artistiques. La proposition de conservation renvoie à une réflexion sur les implications sociales et politiques et sur les notions de la manière d’être moderne, depuis le XIXe siècle, en distinguant dans le chemin chronologique les continuités et les changements, les goûts et les concepts, dans l’art le plus complet. collection. contemporain, le prochain et l’original, justifiant ainsi le nom de ce musée fondé en 1911.

Thème
L’exposition d’art portugais. Reasons and Emotions, composé de peinture, dessin, gravure, sculpture, photographie et vidéo, est divisé en sept noyaux. Il fait partie du milieu du XIXe siècle et présente des portraits et des paysages à la fois romantiques et naturalistes.

«Miroirs d’âmes», «Le pouvoir de l’image», «Une culture moderne», «Attention à la peinture!», «Formes de communication et de contestation», «Langages et expérimentation», «Postmodernisme» sont les titres du sept noyaux.

Miroir des âmes
En se concentrant sur le thème du portrait du XIXe siècle, avec des œuvres d’artistes tels que Columbano Bordalo Pinheiro, António Ramalho, Constantino Fernandes ou Veloso Salgado, toutes deux avec des œuvres inédites, à savoir un portrait du père de l’artiste du premier âge et le portrait d’un japonais de la seconde.

Le pouvoir de l’image
Du portrait, on va à la nature et au théâtre, en tant que mise en scène du monde, dans un noyau qui commence par la sculpture et par une œuvre jamais exposée d’António Manuel da Fonseca.Le lien au théâtre est également très présent dans l’art, un reflet de la séduction de la modernité du 19ème siècle.

Une culture moderne
Entre dans le modernisme avec des artistes tels que Sousa Lopes, Bernardo Marques, Antonio Soares, Abel Manta, Eduardo Viana ou encore Mario Eloy, qui introduisent une esthétique futuriste.

Attention à la peinture!
Almada Negreiros est le peintre vedette qui, afin de libérer la patrie portugaise de l’esprit de nostalgie, s’oppose à l’irrévérence, servie par un dessin d’observation rigoureux et fluide, dans des peintures comme A Reading, A Nap, Acrobates et Harlequins. , Ballet ou intérieur, tous du milieu du XXe siècle.

Formes de communication et contestation
Avec la fin de la Seconde Guerre mondiale, les nouveaux mouvements artistiques, tels que l’abstraction, le néoréalisme et le surréalisme, apparaissent ici dans les peintures de Fernando Lanhas, de Tereza de Arriaga, d’Antonio Dacosta, de Vespeira, de Mario Cesariny et de Jorge Vieira – avec collages. très peu connus surréalistes – ou Alexandre O’Neill.

Langues et expérimentation
Un thème pour les mouvements artistiques des années 1960 à 1980, né de l’urgence du changement dicté par la guerre coloniale et renouvelé avec la révolution de 1974, dans lequel les artistes croisaient déjà les beaux-arts avec la scénographie, le film ou le texte, ainsi qu’une résultat de son expérience au fil des saisons à Paris, Londres et Berlin, avec l’appui des bourses Gulbenkian.

Des artistes tels que Paula Rego, Lourdes Castro, João Vieira, Ana Hatherly, Eduardo Nery José Escada, Antonio Sena, Jorge Pinheiro et Jorge Martins font partie des artistes représentatifs de ces mouvements.

Postmodernisme
Les postmodernistes ouvrent la voie à divers concepts, dont l’auto-réflexivité et l’identité, la dystopie de l’architecture moderniste ou la critique du paysage, où la photographie a été utilisée à titre expérimental, le paysage n’est pas fictionnel, mais un aspect documentaire et les œuvres d’architecture moderne sont critiquées.

Julião Sarmento, Fernando Calhau, Victor Pomar, Nuno Cera, Paulo Catrica et Francisco Tropa sont quelques-uns des artistes représentés dans ce dernier noyau de l’exposition.

Caractéristique de l’art portugais
La contemporanéité de l’art portugais présente des moments de rupture significatifs, à partir des années 60, à travers le travail d’auteurs fondamentaux du néo-avant-garde, en rupture avec les valeurs modernistes héritées de la politique culturelle de l’Estado Novo. La révolution démocratique de 1974 marque le début d’un nouveau contexte politique, social et culturel qui déterminera le caractère expérimental et hétérogène de l’art portugais dans les décennies à venir. Le panorama artistique des décennies suivantes, jusqu’à la fin du XXe siècle, sera marqué par l’autonomie des pratiques artistiques et la consécration de nouvelles langues par certains des artistes nationaux les plus établis, intégrant l’art portugais à la scène internationale.

La collection du Musée national d’art contemporain a présenté certaines des transformations survenues dans l’art portugais depuis les années 1960, notamment.

Événements et voyages

Kultur (1962)
Kultur est la première approche de ce qui serait la production la plus étendue et peut-être la plus caractéristique de Joaquim Rodrigo. Rodrigo a mélangé les quatre couleurs principales de sa théorie déjà définie (rouge, jaune, blanc et noir) sur un fond ocre, en inscrivant des signes avec les mêmes couleurs, remplissant des zones ou en dessinant les contours.

Cette œuvre fait allusion à un épisode de la vie politique nationale, qui n’a été reconnu que maintenant, qui a été enregistré par un tableau qui a élargi son domaine du monde et la diversité naturelle des événements qui composent une époque.

La figuration est schématique et synthétique et utilise des contours topographiques, adhérant strictement aux éléments bidimensionnels déjà familiers des travaux précédents de Rodrigo. La narration est également présente et suppose une articulation des signes visuels disposés de manière isolée sur le plan. Les affinités avec la cartographie sont claires et constituent notre compréhension de la peinture de Joaquim Rodrigo de cette phase, qui révèle un arrangement de petites perceptions couplées à un mouvement, un voyage ou, plus généralement, une partie du voyage.

Le paysage, qui renvoie inévitablement à un tout, disparaît dans un champ de forces multiples qui constituent les perceptions que le peintre qualifie d’incidents, isolés dans leur singularité, mais apparemment entraînés par le mouvement sans cesse déduit. Les signes suggèrent différentes couleurs, organisées en stricte connexion avec leur distribution dans le tracé perpendiculaire, qui définissent un absolu ici et maintenant à partir duquel se déploient les dimensions de l’espace et du temps créées par le tableau.

Santa Maria (1961)
Les initiales dans le titre de cette pièce chiffrent le nom de Santa Maria, un paquebot qui a été volé par Henrique Galvão pour attirer l’attention de la communauté internationale sur la situation politique au Portugal. Cette peinture inaugure un nouveau moment dans l’art portugais.

Cet épisode est raconté par des signes disposés dans une grille orthogonale stricte et a été orchestré sur un fond vert aqueux agité où le centre optique correspond au centre du tableau. Rodrigo utilise trois couleurs primaires sur l’arrière-plan dans des formes dessinées en élévation, en plan ou en coupe transversale, ce qui permet une synthèse efficace des informations.

L’image prend une valeur signifiante qui permet à la peinture de fonctionner comme une écriture ou une narration d’épisodes, marquant la peinture comme un registre ouvert au monde et à ses aléas. Les signes graphiques sont mêlés à d’autres signes visuels en articulation avec la dimension pictographique écrite du travail de Joaquim Rodrigo.

Ironie et illusion

Les amants (1965)
Os amorosos de Rolando Sá Nogueira est une évocation ironique et dispersée. Cette peinture révèle les contradictions soulevées au sein de la culture et de la société portugaises entre les nouvelles voies dictées par le développement et la consommation – adoptées par l’art – et la persistance des valeurs morales et idéologiques traditionnelles. Accessoires, restes de la vie contemporaine et cartes postales, avec une touche fin-de-siècle, dénoncent l’approche hypocrite de la sexualité à l’époque.

Les relations amoureuses idylliques sont ridiculisées par le dénigrement, l’association et le transfert de l’image photographique et les relations de désordre juxtaposé et cumulatif de divers fragments provenant de différentes sources et d’images. De nature gestuelle et expressive, cet ordre est proche de celui des artistes Rauschenberg et Kitaj.

Chapiteau (1993 – 2006)
Cette pièce est le résultat de recherches photographiques menées dans les quartiers de Porto suivants: Contumil, Pasteleira, Iles da Boavista et Lapa, où la construction illégitime est courante. L’utilisation répandue de chapiteaux illégitimes comme annexe physique des villes et des banlieues témoigne d’un état d’esprit sociologique.

Dans cette pièce, l’artiste Ângela Ferreira utilise ces matériaux de construction de mauvaise qualité et leur donne un sens conceptuel et sculptural. Ce faisant, l’artiste souligne l’ironie d’une caractéristique architecturale nationale commune faite par les citoyens ordinaires.

La réflexion d’aspects relatifs à la nature du temps et son assimilation à l’image du réel, ainsi qu’un enchantement amusant ou illusoire, sont à la base d’autres mécanismes développés par l’artiste René Bertholo. Au-delà de l’influence cinématographique immédiate de Tinguely, la production de Bertholo est plus technologique et scénographique et peut-être plus proche des amusants mécanismes de la réalité de Calder.

Ce travail développe les mécanismes qui activent notre perception de l’action en conditionnant notre acceptation du virtuel en tant que réalité. Cet engin met en action des référents doux en créant l’illusion d’un paysage animé. En déplaçant le mouvement d’un sujet concret et immédiat – le bateau – à la dimension imperceptible des nuages, une poétique mécanique et idyllique est installée. Le temps se représente lui-même, sans évoluer, comme il se reflète constamment.

Signes et gestes

Sans titre (1972)
La lettre, au lieu d’écrire, s’affirme comme un signe sur la page blanche. Mais le geste est ce qui nous a été donné pour être lu. L’action du corps au cours du processus de production ajoute une dimension performative à la peinture de João Vieira. Le geste se concentre sur la tache, plus aucune trace dans le sillage large et ferme de la spatule. Une consistance matérielle accentuée confère au geste une apparence monumentale et l’érige en présence formelle.

Les lettres sont chromatiquement isolées, comme des signes autonomes qui ont atteint leur limite. Ce sont les éléments plastiques qui organisent et riment la composition en la structurant sur une grille orthogonale où ils adoptent des rotations et des inversions, ce qui permet un vaste choix de combinaisons.

Ombre de René Bertholo (1964)
L’année 1964 et les années suivantes marquent le début de l’exploration par Lourdes Castro de la silhouette et du contour de personnages isolés et accompagnés, dans des poses instantanées et typiquement photographiques, peintes sur toile. Lourdes Castro a déclaré que, outre l’ombre de la silhouette, il devait y avoir un contour circonscrit au contour d’une absence. Définies par leurs limites et identifiées par leurs titres, ces figures forment une galerie de personnages avec qui elle partage son quotidien. La proximité de l’art et de la vie trouve une relation possible à travers ce vestige, comme dans la cartographie des instants.

Profond (1975)
Les signes d’écriture restent lisibles mais non interprétables, comme le reste d’un mouvement qui nous amène à lire non pas le produit, mais le processus de fabrication d’António Sena. La déviation de l’écriture est une marque inimitable d’un geste, du corps de l’artiste dispersé sur une surface texturale conçue de manière expressive.

Des signes épars dans le vide à côté de traces linéaires géométriques donnent lieu à un ensemble de densités spatiales. Entre l’opacité, la surprise vient à la rencontre d’un mot mer qui, avec le titre Deep, agit comme une signification d’appât: le pouvoir nominaliste du nom active le pouvoir d’évocation, en apportant toutes les références dont il est dépositaire, une ensemble de sensations sans relations analogiques qui convergent dans le bleu profond et profond.

Musée national d’art contemporain, Portugal
Le Musée national d’art contemporain – Museu do Chiado, est l’un des premiers musées d’art contemporain créés à travers le monde. Situé dans le centre historique de Lisbonne, abritant la plus importante collection d’art portugais de la seconde moitié du XIXe siècle à nos jours, le musée est un lieu de visite obligatoire pour comprendre et apprécier l’art portugais moderne et contemporain. Le programme des expositions temporaires revêt une grande importance dans le cadre général des activités du musée. La présentation de la collection est périodiquement renouvelée sur leurs segments temporels ou thématiques, conformément à un travail soutenu de recherches historiques et critiques, mais le programme ne se limite pas à l’art portugais,

Le Musée national d’art contemporain – Museu do Chiado a été créé par décret gouvernemental du 26 mai 1911. Il est né de la division de l’ancien Museu Nacional de Belas-Artes au sein du Museu Nacional de Arte Antiga, hérité de l’ancien les œuvres produites avant 1850 et restées au Palácio das Janelas Verdes et au Musée national d’art contemporain, qui comprenaient toutes les œuvres achevées après cette date et étaient hébergées au Convento de S. Francisco, dans une zone voisine de l’Académie de Belas Artes. La création d’un réseau de musées s’étendant sur tout le pays était la concrétisation d’un projet fondé sur le concept de l’illumination humaine du XVIIIe siècle, dotant le pays des outils nécessaires pour sauvegarder et montrer l’art de la nation. La création d’un musée d’art contemporain a été,

Le logement, bien que temporaire, du Musée national d’art contemporain du Convento de S. Francisco l’a situé symboliquement et opportunément dans la zone fréquentée par les artistes des périodes représentées dans le musée. Il occupait les grandes salles anciennes, les annexes du couvent, où avaient eu lieu les expositions de romantiques et de naturalistes.