Peinture portrait

La peinture de portrait est un genre dans la peinture, où l’intention est de représenter un sujet humain. Le terme «portrait painting» peut aussi décrire le portrait peint. Les portraitistes peuvent créer leur œuvre par commande, pour des personnes publiques et privées, ou ils peuvent être inspirés par l’admiration ou l’affection pour le sujet. Les portraits sont souvent des documents importants de l’État et de la famille, ainsi que des souvenirs.

Historiquement, les peintures de portrait ont principalement commémoré les riches et les puissants. Au fil du temps, cependant, il est devenu plus courant pour les clients de la classe moyenne de commander des portraits de leurs familles et de leurs collègues. Aujourd’hui, les portraits sont toujours commandés par des gouvernements, des entreprises, des groupes, des clubs et des particuliers. En plus de la peinture, des portraits peuvent également être réalisés dans d’autres médias tels que la gravure, la lithographie, la photographie, la vidéo et les médias numériques.

Histoire:
Ancien monde
Les racines de Portraiture sont probablement trouvées dans les temps préhistoriques, bien que peu de ces travaux survivent aujourd’hui. Dans l’art des civilisations anciennes du Croissant fertile, en particulier dans Egypte , les représentations des souverains et des dieux abondent. Cependant, la plupart d’entre elles ont été réalisées de manière très stylisée, et le plus souvent de profil, généralement sur de la pierre, du métal, de l’argile, du plâtre ou du cristal. Le portrait égyptien accordait relativement peu d’importance à la ressemblance, au moins jusqu’à la période d’Akhenaton au XIVe siècle avant notre ère. Portrait de notables dans Chine Cela remonte probablement à plus de 1000 av. J.-C., bien qu’aucun n’ait survécu à cet âge. Les portraits chinois existants remontent à environ l’an 1000

D’après les preuves littéraires, nous savons que la peinture grecque ancienne comprenait des portraits, souvent très précis si l’on en croit les louanges des écrivains, mais il ne reste aucun exemple peint. Les chefs sculptés de souverains et de personnalités célèbres comme Socrate survivent en quantité et, comme les bustes individualisés des dirigeants hellénistiques sur les pièces de monnaie, montrent que le portrait grec peut se ressembler, et les sujets sont représentés avec relativement peu de flatterie. avait la réputation d’être laide. Les successeurs d’Alexandre le Grand ont commencé à ajouter leur tête (en tant que figure divinisée) à leurs pièces de monnaie, et ont bientôt utilisé les leurs.

Le portrait romain a adopté des traditions de portrait des Étrusques et des Grecs, et a développé une tradition très forte, liée à leur utilisation religieuse des portraits d’ancêtres, aussi bien que la politique romaine. Encore une fois, les quelques survivances peintes, dans les portraits du Fayoum, Tombeau d’Aline et Severan Tondo, tous d’Égypte sous domination romaine, sont clairement des productions provinciales qui reflètent les styles grecs plutôt que romains, mais nous avons une multitude de têtes sculptées, dont beaucoup portraits individualisés de tombes de classe moyenne, et des milliers de types de portraits de pièces de monnaie.

Moyen Âge
La plupart des premiers portraits médiévaux étaient des portraits de donateurs, principalement des papes dans les mosaïques romaines, et des manuscrits enluminés, un autoportrait de l’écrivain, mystique, scientifique, enlumineur et musicien Hildegard de Bingen (1152). Comme avec les pièces de monnaie contemporaines, il y avait peu de tentative de ressemblance. Monuments funéraires en pierre répartis à l’époque romane. Entre 1350 et 1400, des figures séculaires ont commencé à réapparaître dans des fresques et des peintures sur panneau, comme dans Charles IV de Maître Théodoric, qui recevaient la féerie, et les portraits redevenaient des figures claires. Vers la fin du siècle, les premiers portraits à l’huile d’individus contemporains, peints sur de petits panneaux de bois, sont apparus Bourgogne et la France, d’abord en tant que profils, puis en d’autres points de vue. Le Wilton Diptyque de ca. 1400 est l’un des deux derniers portraits de Richard II de Angleterre , le premier roi anglais pour qui nous avons des exemples contemporains. Jan Van Eyck, Robert Campin et Rogier van der Weyden ont été parmi les premiers maîtres néerlandais du portrait. Des portraits de donateurs commencèrent à être montrés comme présents, ou à participer aux principales scènes sacrées montrées, et dans des images de cours plus privées, des sujets apparurent même comme des figures significatives telles que la Vierge Marie.

Renaissance
La Renaissance marque un tournant dans l’histoire du portrait. En partie intéressés par le monde naturel et partiellement intéressés par les cultures classiques de la Grèce antique et de Rome, les portraits – peints ou sculptés – jouaient un rôle important dans la société de la Renaissance et étaient considérés comme des objets et des représentations du succès terrestre. statut. La peinture en général atteignait un nouveau niveau d’équilibre, d’harmonie et de perspicacité, et les plus grands artistes (Léonard, Michel-Ange et Raphaël) étaient considérés comme des «génies», dépassant de loin le statut de commerçant apprécié par la cour et l’église.

De nombreuses innovations dans les différentes formes de portraits ont évolué au cours de cette période féconde. La tradition du portrait miniature commence, qui reste populaire jusqu’à l’âge de la photographie, en se développant à partir des compétences des peintres des miniatures en manuscrits enluminés. Les portraits de profils, inspirés des médaillons anciens, ont été particulièrement populaires Italie entre 1450 et 1500. Les médailles, avec leurs images recto-verso, ont également inspiré une vogue de courte durée pour les peintures recto-verso au début de la Renaissance. La sculpture classique, comme l’Apollo Belvedere, a également influencé le choix des poses utilisées par les portraitistes de la Renaissance, poses qui ont continué à être utilisées à travers les siècles.

Les artistes nord-européens ont ouvert la voie à des portraits réalistes de sujets profanes. Le plus grand réalisme et le détail des artistes nordiques au cours du 15ème siècle était dû en partie aux coups de pinceau plus fins et aux effets possibles avec des couleurs à l’huile, tandis que les peintres italiens et espagnols utilisaient encore la détrempe. Parmi les premiers peintres à développer la technique de l’huile, Jan van Eyck. Les couleurs à l’huile peuvent produire plus de texture et de degrés d’épaisseur, et peuvent être stratifiées plus efficacement, avec l’ajout de couches de plus en plus épaisses les unes sur les autres (que les peintres appellent «gras sur maigre»). En outre, les couleurs à l’huile sèchent plus lentement, permettant à l’artiste de faire des changements facilement, tels que la modification des détails du visage. Antonello da Messina fut l’un des premiers Italiens à profiter du pétrole. Entraîné à Belgique , il s’est installé Venise autour de 1475, et a été une influence majeure sur Giovanni Bellini et l’école du nord de l’Italie. Au cours du 16ème siècle, le pétrole comme un moyen de propagation de popularité dans tout L’Europe  , permettant des rendus plus somptueux de vêtements et de bijoux. Le passage du bois à la toile a également affecté la qualité des images. Italie dans la première partie du 16ème siècle et se propager à Europe du Nord au cours du prochain siècle. La toile résiste mieux au craquage que le bois, elle retient mieux les pigments et nécessite moins de préparation, mais elle était initialement beaucoup plus rare que le bois.

Au début, les Européens du Nord ont abandonné le profil et ont commencé à produire des portraits de volume et de perspective réalistes. dans le Pays-Bas , Jan van Eyck était un portraitiste de premier plan. Le mariage Arnolfini (1434, National Gallery, Londres ) est un point de repère de l’art occidental, un exemple précoce d’un portrait de couple de pleine longueur, superbement peint dans des couleurs riches et des détails exquis. Mais tout aussi important, il met en valeur la nouvelle technique de peinture à l’huile mise au point par van Eyck, qui a révolutionné l’art et s’est propagée à travers L’Europe  .

Les principaux portraitistes allemands y compris Lucas Cranach, Albrecht Dürer, et Hans Holbein le Jeune qui ont tous maîtrisé la technique de peinture à l’huile. Cranach a été l’un des premiers artistes à peindre des commandes grandeur nature grandeur nature, une tradition populaire dès lors. À ce moment-là, Angleterre n’avait pas de portraitistes de premier ordre, et des artistes comme Holbein étaient demandés par des mécènes anglais. Sa peinture de Sir Thomas More (1527), son premier mécène important Angleterre , a presque le réalisme d’une photographie. Holbein a fait son grand succès en peignant la famille royale, y compris Henry VIII. Dürer était un dessinateur exceptionnel et l’un des premiers artistes majeurs à faire une séquence d’autoportraits, y compris un tableau intégral. Il a également placé son personnage autoportrait (en tant que spectateur) dans plusieurs de ses peintures religieuses. Dürer a commencé à faire des autoportraits à l’âge de treize ans. Plus tard, Rembrandt amplifierait cette tradition.

Dans Italie , Masaccio a ouvert la voie en modernisant la fresque en adoptant une perspective plus réaliste. Filippo Lippi a ouvert la voie en développant des contours plus nets et des lignes sinueuses et son élève Raphael a étendu le réalisme Italie à un niveau beaucoup plus élevé dans les décennies suivantes avec ses peintures murales monumentales. Pendant ce temps, le portrait de fiançailles est devenu populaire, une spécialité particulière de Lorenzo Lotto. Au début de la Renaissance, les portraits étaient généralement petits et parfois couverts de couvercles protecteurs, articulés ou coulissants.

Au cours de la Renaissance, la noblesse florentine et milanaise, en particulier, voulait des représentations plus réalistes d’eux-mêmes. Le défi de créer des vues convaincantes sur les trois quarts a stimulé l’expérimentation et l’innovation. Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi, Leonardo da Vinci et d’autres artistes ont développé leur technique en conséquence, en ajoutant le portrait aux sujets traditionnels religieux et classiques. Leonardo et Pisanello ont été parmi les premiers artistes italiens à ajouter des symboles allégoriques à leurs portraits séculaires.

L’un des portraits les plus connus dans le monde occidental est la peinture de Léonard de Vinci intitulée Mona Lisa, du nom de Lisa del Giocondo, un membre de la famille Gherardini de Florence et Toscane et l’épouse du riche marchand de soie florentin Francesco del Giocondo. Le fameux “sourire de Mona Lisa” est un excellent exemple d’application d’une asymétrie subtile à un visage. Dans ses carnets, Leonardo conseille sur les qualités de la lumière dans le portrait:

Un très grand degré de grâce dans la lumière et l’ombre est ajouté aux visages de ceux qui sont assis dans les portes des pièces sombres, où les yeux de l’observateur voient la partie ombrée du visage obscurci par les ombres de la pièce, et voyez la partie éclairée du visage avec le plus grand éclat que l’air lui donne. Grâce à cette augmentation des ombres et des lumières, le visage reçoit un plus grand relief.

Leonardo était un étudiant de Verrocchio. Après être devenu membre de la Guilde des peintres, il a commencé à accepter des commandes indépendantes. En raison de ses vastes intérêts et conformément à son esprit scientifique, sa production de dessins et d’études préliminaires est immense bien que sa production artistique finie soit relativement faible. Ses autres portraits mémorables comprenaient ceux des femmes nobles Ginevra de ‘Benci et Cecilia Gallerani.

Les portraits de Raphaël qui ont survécu sont beaucoup plus nombreux que ceux de Leonardo, et ils présentent une plus grande variété de poses, d’éclairage et de technique. Plutôt que de produire des innovations révolutionnaires, le grand accomplissement de Raphaël consistait à renforcer et affiner les courants en évolution de l’art de la Renaissance. Il était particulièrement expert dans le portrait de groupe. Son chef-d’œuvre le École de Athènes est l’une des fresques les plus importantes du groupe, contenant des portraits de Léonard de Vinci, de Michel-Ange, de Bramante et de Raphaël lui-même, sous l’apparence de philosophes antiques. Ce n’était pas le premier portrait de groupe d’artistes. Des décennies plus tôt, Paolo Uccello avait peint un portrait de groupe comprenant Giotto, Donatello, Antonio Manetti et Brunelleschi. Comme il a pris de l’importance, Raphael est devenu un portraitiste préféré des papes. Alors que de nombreux artistes de la Renaissance acceptaient avidement les commandes de portraits, quelques artistes les refusèrent, notamment le rival de Raphaël, Michel-Ange, qui se chargea plutôt des grandes commandes de la chapelle Sixtine.

Dans Venise vers 1500, Gentile Bellini et Giovanni Bellini dominent la peinture de portrait. Ils ont reçu les plus hautes commandes des principaux responsables de l’Etat. Le portrait de Doge Loredan de Bellini est considéré comme l’un des plus beaux portraits de la Renaissance et démontre habilement la maîtrise de l’artiste des nouvelles techniques de peinture à l’huile. Bellini est aussi l’un des premiers artistes L’Europe  signer leur travail, bien qu’il les ait rarement datés. Plus tard au 16ème siècle, Titien a assumé beaucoup le même rôle, en particulier en élargissant la variété des poses et des séances de ses sujets royaux. Titien était peut-être le premier grand portraitiste d’enfants. Après que Titien ait succombé à la peste, Tintoretto et Veronese devinrent des artistes vénitiens de premier plan, aidant à la transition vers le maniérisme italien. Les maniéristes ont contribué à de nombreux portraits exceptionnels mettant l’accent sur la richesse matérielle et les poses élégamment complexes, comme dans les œuvres d’Agnolo Bronzino et de Jacopo da Pontormo. Bronzino a fait sa renommée en décrivant la famille Médicis. Son portrait audacieux de Cosme Ier de Médicis, montre l’austère souverain en armure avec un œil méfiant à l’extrême droite, en contraste avec la plupart des peintures royales qui montrent leurs assistants comme des souverains bénins. El Greco, qui a suivi une formation Venise pendant douze ans, est allé dans une direction plus extrême après son arrivée Espagne , soulignant sa “vision intérieure” de la personne au point de diminuer la réalité de l’apparence physique. L’une des meilleures portraitistes de l’Italie du XVIe siècle a été Sofonisba Anguissola de Crémone, qui a insufflé à ses portraits individuels et de groupe de nouveaux niveaux de complexité.

Portrait de cour dans France a commencé lorsque l’artiste flamand Jean Clouet a peint son portrait opulent de François Ier de France vers 1525. Le roi François était un grand mécène des artistes et un collectionneur d’art avare qui a invité Léonard de Vinci à vivre en France au cours de ses dernières années. The Mona Lisa est resté à France après que Leonardo est mort là-bas.

Baroque et Rococo
Pendant les périodes baroque et rococo (respectivement 17ème et 18ème siècles), les portraits sont devenus des registres encore plus importants de statut et de position. Dans une société de plus en plus dominée par des dirigeants laïques dans des cours puissantes, les images de personnages richement vêtus étaient un moyen d’affirmer l’autorité d’individus importants. Les peintres flamands Sir Anthony van Dyck et Peter Paul Rubens excellèrent dans ce type de portrait, tandis que Jan Vermeer produisit des portraits pour la plupart de la classe moyenne, au travail et pour jouer à l’intérieur. Le portrait de Rubens de lui-même et de sa première femme (1609) dans leur tenue de mariage est un exemple virtuose du portrait en couple. La renommée de Rubens s’étendait au-delà de son art – il était courtisan, diplomate, collectionneur d’art et homme d’affaires prospère. Son atelier était l’un des plus vastes de cette période, employant des spécialistes en nature morte, paysage, animaux et scènes de genre, en plus du portrait. Van Dyck y a été formé pendant deux ans. Charles Ier d’Angleterre employa d’abord Rubens, puis importa van Dyck comme son peintre de cour, l’anoblissant et lui conférant le statut courtois. Van Dyck a non seulement adapté les méthodes de production et les compétences commerciales de Rubens, mais aussi ses manières et son apparence élégantes. Comme il était écrit: «Il était toujours magnifiquement vêtu, avait un équipage nombreux et galant, et gardait une si noble table dans son appartement, que peu de princes n’étaient pas plus visités, ni mieux servis. Dans France Hyacinthe Rigaud domina à peu près de la même manière, comme un remarquable chroniqueur de la royauté, peignant les portraits de cinq rois de France.

L’une des innovations de l’art de la Renaissance a été l’amélioration du rendu des expressions faciales pour accompagner différentes émotions. En particulier, le peintre hollandais Rembrandt a exploré les nombreuses expressions du visage humain, en particulier comme l’un des premiers autoportraits (dont il a peint plus de 60 de son vivant). Cet intérêt pour le visage humain a également favorisé la création des premières caricatures, créditées à l’Académie Carracci, dirigée par les peintres de la famille Carracci à la fin du XVIe siècle à Bologne, en Italie (voir Annibale Carracci).

Les portraits de groupe ont été produits en grand nombre pendant la période baroque, en particulier dans le Pays-Bas . Contrairement au reste de l’Europe, les artistes néerlandais n’ont reçu aucune commission du calviniste Église qui avait interdit de telles images ou de l’aristocratie qui était pratiquement inexistante. Au lieu de cela, les commissions provenaient d’associations civiques et d’entreprises. Le peintre hollandais Frans Hals a utilisé des coups de pinceau fluides de couleurs vives pour animer ses portraits de groupe, y compris ceux des gardes civils auxquels il appartenait. Rembrandt a grandement bénéficié de ces commandes et de l’appréciation générale de l’art par les clients bourgeois, qui ont soutenu le portrait ainsi que la nature morte et la peinture de paysages. En outre, les premiers marchés importants de l’art et des revendeurs ont prospéré Hollande à ce moment-là.

Rembrandt a expérimenté une composition et une technique non conventionnelles, comme le clair-obscur. Il a démontré ces innovations, initiées par des maîtres italiens comme le Caravage, notamment dans sa célèbre Night Watch (1642). La leçon d’anatomie du Dr Tulp (1632) est un autre bel exemple de la maîtrise de la peinture de groupe de Rembrandt, dans laquelle il baigne le cadavre en pleine lumière pour attirer l’attention sur le centre de la peinture tandis que les vêtements et l’arrière-plan les visages du chirurgien et les étudiants se démarquent. C’est aussi le premier tableau que Rembrandt a signé avec son nom complet.

Dans Espagne Diego Velázquez peint Las Meninas (1656), l’un des portraits de groupe les plus célèbres et les plus énigmatiques de tous les temps. Il commémore l’artiste et les enfants de la famille royale espagnole, et apparemment les gardiens sont le couple royal qui ne sont considérés que comme des reflets dans un miroir. D’abord peintre de genre, Velázquez prend rapidement de l’importance en tant que peintre de cour de Philippe IV, excellant dans l’art du portrait, en particulier dans l’extension de la complexité des portraits de groupe.

Les artistes rococo, qui étaient particulièrement intéressés par l’ornementation riche et complexe, étaient les maîtres du portrait raffiné. Leur attention aux détails de la robe et de la texture a augmenté l’efficacité des portraits comme témoins de la richesse mondaine, comme en témoignent les célèbres portraits de Madame Boucher de Madame de Pompadour vêtus de robes de soie ondulantes.

Les peintres anglais Thomas Gainsborough et Sir Joshua Reynolds, qui se sont aussi spécialisés dans l’habillement de leurs sujets d’une manière accrocheuse, sont les premiers grands portraitistes indigènes de l’école britannique. Blue Boy de Gainsborough est l’un des portraits les plus célèbres et reconnus de tous les temps, peint avec de très longs pinceaux et une fine couleur d’huile pour obtenir l’effet chatoyant du costume bleu. Gainsborough a également été noté pour ses paramètres de fond élaborés pour ses sujets.

Les deux artistes britanniques avaient des opinions opposées sur l’utilisation des assistants. Reynolds les employait régulièrement (parfois seulement 20% de la peinture lui-même) alors que Gainsborough le faisait rarement. Parfois, un client devait obtenir un engagement de la part de l’artiste, tout comme Sir Richard Newdegate du portraitiste Peter Lely (le successeur de van Dyck dans Angleterre ), qui a promis que le portrait serait “depuis le commencement jusqu’à la fin dessinez avec mes propres mains.” Contrairement à l’exactitude employée par les maîtres flamands, Reynolds résume son approche du portrait en disant que «la grâce, et, nous pouvons ajouter, la ressemblance, consiste plus à prendre l’air général, qu’à observer la similitude exacte de chaque trait. ” Aussi important dans Angleterre était William Hogarth, qui a osé contourner les méthodes conventionnelles en introduisant des touches d’humour dans ses portraits. Son “Autoportrait avec roquet” est clairement plus humoristique pour son animal de compagnie qu’une peinture indulgente.

Au 18ème siècle, les femmes peintres ont acquis une nouvelle importance, en particulier dans le domaine du portrait. Parmi les artistes féminins, notons la peintre française Élisabeth Vigée-Lebrun, la pastelliste italienne Rosalba Carriera et l’artiste suisse Angelica Kauffman. Aussi, au cours de ce siècle, avant l’invention de la photographie, des portraits miniatures – peints avec une précision incroyable et souvent enfermés dans des médaillons d’or ou émaillés – étaient très appréciés.

dans le États Unis , John Singleton Copley, formé à la manière britannique raffinée, devint le peintre principal des portraits en taille réelle et miniatures, avec ses images hyperréalistes de Samuel Adams et de Paul Revere particulièrement appréciées. Copley est également remarquable pour ses efforts pour fusionner le portrait avec l’art de la peinture d’histoire académiquement plus vénéré, qu’il a tenté avec ses portraits de groupe de militaires célèbres. Tout aussi célèbre était Gilbert Stuart qui a peint plus de 1000 portraits et était surtout connu pour ses portraits présidentiels. Stuart a peint plus de 100 répliques de George Washington seul. Stuart a travaillé rapidement et a utilisé des coups de pinceau plus doux et moins détaillés que Copley pour capturer l’essence de ses sujets. Parfois, il ferait plusieurs versions pour un client, permettant au modèle de choisir son favori. Remarqué pour ses joues roses, Stuart écrivait: «La chair ne ressemble à aucune autre substance sous le ciel: elle a toute la gaieté de la boutique de la mercerie sans sa brillance éclatante, et toute la douceur du vieil acajou, sans sa tristesse. D’autres portraitistes américains importants de l’ère coloniale étaient John Smibert, Thomas Sully, Ralph Earl, John Trumbull, Benjamin West, Robert Feke, James Peale, Charles Willson Peale et Rembrandt Peale.

19ème siècle
À la fin du 18ème siècle et au début du 19ème siècle, les artistes néoclassiques ont continué la tradition de représenter des sujets dans les dernières modes, qui pour les femmes d’ici là, signifiait des robes diaphanes dérivées des styles de vêtements grecs et romains. Les artistes ont utilisé la lumière dirigée pour définir la texture et la simple rondeur des visages et des membres. Les peintres français Jacques-Louis David et Jean-Auguste-Dominique Ingres ont démontré de la virtuosité dans cette technique de dessinateur ainsi qu’un sens aigu du caractère. Ingres, un étudiant de David, est remarquable pour ses portraits dans lesquels un miroir est peint derrière le sujet pour simuler une vue arrière du sujet. Son portrait de Napoléon sur son trône impérial est un tour de force du portrait royal. (voir galerie ci-dessous)

Les artistes romantiques qui ont travaillé pendant la première moitié du 19ème siècle ont peint des portraits de chefs inspirants, de belles femmes et de sujets agités, en utilisant des coups de pinceau vifs et un éclairage dramatique, parfois d’humeur changeante. Les artistes français Eugène Delacroix et Théodore Géricault ont peint des portraits particulièrement beaux de ce type, en particulier des cavaliers courageux. Un exemple notable d’artiste de la période romantique Pologne , qui a pratiqué un portrait de cavalier était Piotr Michałowski (1800-1855). La série de portraits de malades mentaux de Géricault (1822-1824) est également remarquable. Le peintre espagnol Francisco de Goya a peint certaines des images les plus percutantes et les plus provocantes de la période, notamment La maja desnuda (vers 1797-1800), ainsi que les célèbres portraits de Charles IV.

Les artistes réalistes du 19ème siècle, tels que Gustave Courbet, ont créé des portraits objectifs représentant des gens de la classe moyenne et inférieure. Démontrant son romantisme, Courbet a peint plusieurs autoportraits se montrant dans différentes ambiances et expressions. Parmi les autres réalistes français, on retrouve Honoré Daumier qui a produit de nombreuses caricatures de ses contemporains. Henri de Toulouse-Lautrec a fait la chronique de quelques-uns des célèbres interprètes du théâtre, dont Jane Avril, les capturant en mouvement. Le peintre français Édouard Manet était un artiste de transition important dont le travail oscille entre réalisme et impressionnisme. Il était un portraitiste de perspicacité et de technique exceptionnelles, avec sa peinture de Stéphane Mallarmé étant un bon exemple de son style de transition. Son contemporain Edgar Degas était avant tout un réaliste et sa peinture Portrait de la Famille Bellelli est un rendu perspicace d’une famille malheureuse et d’un de ses plus beaux portraits.

Dans Amérique , Thomas Eakins a régné comme le premier portraitiste, prenant le réalisme à un nouveau niveau de franchise, particulièrement avec ses deux portraits de chirurgiens au travail, aussi bien que ceux des athlètes et des musiciens en action. Dans de nombreux portraits, tels que “Portrait de Mme Edith Mahon”, Eakins transmet hardiment les émotions peu flatteuses de la tristesse et de la mélancolie.

Les réalistes ont surtout cédé la place aux impressionnistes dans les années 1870. En partie à cause de leurs maigres revenus, beaucoup d’impressionnistes comptaient sur la famille et les amis pour les modeler, et ils peignaient des groupes intimes et des personnages célibataires à l’extérieur ou dans des intérieurs remplis de lumière. Remarqués pour leurs surfaces scintillantes et leurs riches touches de peinture, les portraits impressionnistes sont souvent désarmants et intimes. Les peintres français Claude Monet et Pierre-Auguste Renoir ont créé certaines des images les plus populaires des groupes et des personnes individuelles. L’artiste américaine Mary Cassatt, qui a formé et travaillé dans France , est encore populaire aujourd’hui pour ses peintures engageantes de mères et d’enfants, comme Renoir. Paul Gauguin et Vincent van Gogh, tous deux postimpressionnistes, ont peint des portraits révélateurs de gens qu’ils connaissaient, tourbillonnant en couleurs mais pas nécessairement flatteurs. Ils sont également, sinon plus, célébrés pour leurs puissants autoportraits.

John Singer Sargent a également traversé le changement de siècle, mais il a rejeté l’impressionnisme ouvert et le postimpressionnisme. Il était le peintre de portrait le plus réussi de son époque, utilisant une technique essentiellement réaliste souvent épanchée avec l’utilisation brillante de la couleur. Il était également apte aux portraits individuels et de groupe, en particulier des familles de la classe supérieure. Sargent est né à Florence , Italie aux parents américains. Il a étudié dans Italie et Allemagne , et en Paris . Sargent est considéré comme le dernier représentant majeur de la tradition du portrait britannique à commencer par van Dyck. William Merritt Chase est un autre portraitiste américain de premier plan formé à l’étranger. Cecilia Beaux, peintre de la société américaine, surnommée la “Sargent femelle”, est née d’un père français, étudie à l’étranger et remporte le succès chez elle, en restant fidèle aux méthodes traditionnelles. Un autre portraitiste comparé à Sargent pour sa technique luxuriante était l’artiste parisien d’origine italienne Giovanni Boldini, un ami de Degas et Whistler.

L’internationaliste d’origine américaine James Abbott McNeill Whistler était très lié aux artistes européens et a également peint des portraits exceptionnels, notamment son “Arrangement en gris et noir, la mère de l’artiste” (1871), également connue sous le nom de “Whistler’s Mother”. Même avec ses portraits, comme avec ses paysages sonores, Whistler voulait que ses spectateurs se concentrent sur l’arrangement harmonique de la forme et de la couleur dans ses peintures. Whistler a utilisé une palette discrète pour créer les effets voulus, en mettant l’accent sur l’équilibre des couleurs et les tons doux. Comme il l’a dit, «comme la musique est la poésie du son, la peinture est aussi la poésie de la vue, et le sujet n’a rien à voir avec l’harmonie du son ou de la couleur». La forme et la couleur ont également joué un rôle central dans les portraits de Cézanne, tandis que les portraits d’André Derain et d’Henri Matisse sont dominés par des techniques de couleurs et de coups de pinceau encore plus extrêmes.

Le développement de la photographie au 19ème siècle a eu un effet significatif sur le portrait, supplantant la camera obscura antérieure qui avait déjà été utilisée auparavant comme aide à la peinture. Beaucoup de modernistes affluent vers les studios de photographie pour faire réaliser leurs portraits, notamment Baudelaire qui, bien qu’il proclame la photographie «ennemi de l’art», se trouve attiré par la franchise et la puissance de la photographie. En offrant une alternative bon marché, la photographie a supplanté une grande partie du plus bas niveau de la peinture de portrait. Certains artistes réalistes, comme Thomas Eakins et Edgar Degas, étaient enthousiastes à propos de la photographie par caméra et ont trouvé que c’était une aide utile à la composition. Des peintres impressionnistes, les portraitistes ont trouvé une myriade de façons de réinterpréter le portrait pour rivaliser efficacement avec la photographie. Sargent et Whistler étaient parmi ceux qui ont été stimulés à développer leur technique pour créer des effets que la caméra ne pouvait pas capturer.

20ième siècle
D’autres artistes du début du XXe siècle ont également élargi le répertoire du portrait dans de nouvelles directions. L’artiste fauviste Henri Matisse a produit de puissants portraits utilisant des couleurs non-naturalistes, voire criardes, pour les tons chair. Cézanne s’est appuyé sur des formes très simplifiées dans ses portraits, évitant les détails tout en soulignant les juxtapositions de couleurs. Le style unique de l’autrichien Gustav Klimt a appliqué des motifs byzantins et de la peinture dorée à ses portraits mémorables. Son élève Oskar Kokoschka était un portraitiste important de la classe supérieure viennoise. L’artiste espagnol prolifique Pablo Picasso a peint de nombreux portraits, y compris plusieurs rendus cubistes de ses maîtresses, dans lesquels la ressemblance du sujet est grossièrement déformée pour atteindre une expression émotionnelle bien au-delà des limites de la caricature normale. Olga Boznańska (1865-1940) est une remarquable portraitiste féminine du tournant du XXe siècle, associée à l’impressionnisme français. Les peintres expressionnistes ont fourni certaines des études psychologiques les plus obsédantes et convaincantes jamais produites. Des artistes allemands comme Otto Dix et Max Beckmann ont produit des exemples remarquables de portraits expressionnistes. Beckmann était un autoportrait prolifique, produisant au moins vingt-sept. Amedeo Modigliani a peint de nombreux portraits dans son style allongé qui dépréciait la «personne intérieure» en faveur d’études strictes de forme et de couleur. Pour aider à atteindre cet objectif, il a désaccentué les yeux et les sourcils normalement expressifs au point de fentes noircies et de simples arcs.

L’art britannique était représenté par les Vorticistes, qui ont peint quelques portraits remarquables dans la première partie du 20ème siècle. Le peintre Dada Francis Picabia a exécuté de nombreux portraits à sa manière unique. De plus, les portraits de Tamara de Lempicka ont réussi à capter l’ère Art déco avec ses courbes épurées, ses couleurs riches et ses angles vifs. Dans Amérique , Robert Henri et George Bellows étaient de bons portraitistes des années 1920 et 1930 de l’école réaliste américaine. Max Ernst a produit un exemple d’un portrait collégial moderne avec son tableau de 1922 “All Friends Together”.

Une contribution significative au développement de la peinture de portrait de 1930-2000 a été faite par les artistes russes, travaillant principalement dans les traditions de la peinture réaliste et figurative. Parmi eux devraient être appelés Isaak Brodsky, Nikolaï Fechin, Abram Arkhipov et d’autres.

La production de portraits en Europe (à l’exclusion Russie ) et le Amériques En général, il a décliné dans les années 1940 et 1950, résultat de l’intérêt croissant pour l’abstraction et l’art non figuratif. Une exception, cependant, était Andrew Wyeth qui est devenu le principal portraitiste réaliste américain. Avec Wyeth, le réalisme, bien qu’affirmé, est secondaire aux qualités tonales et à l’humeur de ses peintures. Ceci est bien démontré avec sa série de peintures connues sous le nom de “Helga”, le plus grand groupe de portraits d’une seule personne par un artiste majeur (247 études de sa voisine Helga Testorf, vêtues et nues, la période 1971-1985).

Dans les années 1960 et 1970, il y a eu une renaissance du portrait. Des artistes anglais tels que Lucian Freud (petit-fils de Sigmund Freud) et Francis Bacon ont produit des peintures puissantes. Les portraits de Bacon sont remarquables pour leur qualité cauchemardesque. En mai 2008, le portrait de Freud, Benefits Supervisor Sleeping, a été vendu aux enchères par Christie’s en 1995. La ville de New York pour 33,6 millions de dollars, établissant un record du monde pour la valeur de vente d’une peinture par un artiste vivant. Beaucoup d’artistes américains contemporains, comme Andy Warhol, Alex Katz et Chuck Close, ont fait du visage humain un point focal de leur travail. La peinture de Warhol de Marilyn Monroe est un exemple emblématique. La spécialité de Close était d’énormes portraits hyper-réalistes de «tête» de taille murale basés sur des images photographiques. Jamie Wyeth continue dans la tradition réaliste de son père Andrew, produisant des portraits célèbres dont les sujets vont des présidents aux cochons.