Galerie autrichienne, Belvedere

La Österreichische Galerie Belvedere est un important musée d’art situé dans le palais du Belvédère à Vienne. Il abrite des œuvres de plusieurs époques allant du Moyen Âge au baroque jusqu’au 21e siècle.

Des collections

Moyen Âge
La collection d’art médiéval du Belvedere comprend quelque 220 œuvres allant du roman au début de l’époque moderne. Elle se concentre sur les sculptures et les peintures sur panneaux du XIVe au début du XVIe siècle, qui donnent un aperçu représentatif de la diversité et du développement des arts picturaux gothiques en Autriche.

Parmi les premières sculptures significatives, on peut citer l’expressionnante Madonna Sonntagberg ou le groupe de personnages du maître de Großlobming datant de la période du Beautiful Style vers 1400. Le changement fondamental du premier réalisme est documenté de manière impressionnante par le viennois Albrechtsmeister et le Znojmo Altar, dont la passion les reliefs conservent encore l’original, ont une peinture au canon détaillée. Les œuvres principales des générations suivantes proviennent de Conrad Laib, du Schottenmeister viennois, de Rueland Frueauf the Elder et du Younger, de Michael Pacher, de Marx Reichlich, de Hans Klocker, d’Urban Görtschacher et de nombreux autres, souvent inconnus de tous les jours. Le travail d’Andreas Lackner annonce déjà la nouvelle image de l’humanité de la Renaissance. Depuis 2007, le Schaudepot Schatzhaus Medieval abrite environ 60 œuvres majeures de la collection d’art médiéval du Belvédère supérieur. Les splendides anciennes écuries du Belvédère sont des chefs-d’oeuvre de la peinture sur panneau, des sculptures et des autels gothiques à ailes, dans une présentation dense. Parmi eux, l’un des plus anciens autels autrichiens de ce type: l’autel d’Altvellacher, construit vers 1400. Outre les œuvres de grands maîtres tels que Friedrich Pacher ou Hans Klocker, vous trouverez de nombreuses œuvres précieuses de la plupart des peintres et sculpteurs anonymes. . En termes de temps, l’arche s’étend du crucifix roman au début du XVIe siècle, en mettant l’accent sur la peinture et la sculpture de style gothique tardif.

Baroque
L’histoire de la collection baroque est étroitement liée à l’activité de collecte du constructeur des châteaux du Belvédère, le prince Eugène de Savoie. Des peintures individuelles de cet équipement, telles que celles de Johann Georg de Hamilton ou de Franz Werner Tamm, ont survécu jusqu’à nos jours dans la collection du Belvédère. La collection baroque comprend environ 800 objets de peinture et de sculpture, mais aussi de gravure et de médailles; Il donne une image impressionnante de la production d’art baroque dans les régions de l’ancienne monarchie des Habsbourg. En particulier, le 18ème siècle est représenté par des peintures et des sculptures presque encyclopédiques. Là encore, une attention particulière est accordée aux artistes qui ont été connectés en tant qu’étudiants ou enseignants de l’Académie de Vienne.

Le Belvédère possède la plus grande collection d’œuvres au monde – Franz Anton Maulbertsch et Franz Xaver Messerschmidt – parmi deux de ces artistes. Les premiers travaux de Maulbertsch se caractérisent par des couleurs intenses et un clair-obscur dramatique. Les visages parfois déformés de manière grotesque dans ses œuvres (que l’on trouve dans The Holy Family, par exemple) sont devenus sa marque de commerce. Grâce à son atelier bien géré, il a pu mener à bien de nombreuses missions de grande envergure dans la région de l’ancienne monarchie du Danube. Franz Xaver Messerschmidt s’est acquis une grande renommée, notamment grâce à la tête de son personnage, qui ne fait cependant partie que de sa créativité, caractérisée par son génie technique. Outre sa remarquable collection de têtes de personnages, le Belvédère présente également les deux statues monumentales de l’empereur François I er Stephan et de Maria Theresia, qui représentent d’autres moments forts de son travail.

Dans l’exposition permanente, une sélection représentative de l’ensemble de la collection donne un aperçu de l’époque baroque en Autriche. Ici, le château et le musée peuvent être vécus sous une forme merveilleusement complémentaire, comme dans la salle située en face de la chapelle du château, dans laquelle le modèle est présenté pour le retable par Francesco Solimena, de sorte que la conception et l’exécution être vu côte à côte. Ici, vous pourrez également admirer d’autres œuvres d’art sacré baroque de Paul Troger, Josef Ignaz Mildorfer et surtout Martin Johann Schmidt, dit Kremser Schmidt. Dans la collection, des sujets frappants peuvent être identifiés. Les portraits courtois des virtuoses internationaux Jacob van Schuppen et Martin van Meytens, qui montrent le rang social, la posture correspondante et les insignes comme signe du pouvoir dans le haut absolutisme, font face aux portraits bourgeois privés de Jan Kupetzky, Christian Seybold ou Franz Anton Palko, Les œuvres de Johann Georg Platzer et Franz Christoph Janneck illustrent le festival, la musique et la culture de la danse de l’époque. La peinture de nature morte raffinée comprend des œuvres inspirées scientifiquement de Johann Adalbert Angermayer ou de Franz Michael Siegmund von Purgau, ainsi que des natures mortes de cuisine bien arrondies d’Anna Maria Punz. Les œuvres majeures de la peinture d’histoire religieuse et mythologique se trouvent dans les œuvres de Johann Michael Rottmayr, Martino Altomonte, Paul Troger, Franz Anton Maulbertsch et Kremser Schmidt. La peinture de paysage a été déterminée dans la seconde moitié du 18ème siècle par le travail de Johann Christian Brand.

Classicisme – Romantisme – Biedermeier
La collection du XIXe siècle est de loin la plus vaste du Belvédère. Le développement artistique de la première moitié du siècle, allant du classicisme au romantisme jusqu’au déploiement de la peinture viennoise Biedermeier, est presque entièrement vérifiable la base de nombreux travaux. Le noyau de la collection remonte à l’époque de la Galerie de tableaux impériaux, qui était accessible au public à partir de 1781 dans le Belvédère supérieur. Les œuvres de Johann Knapp, Jakob et Rudolf von Alt, Heinrich Friedrich Füger, Friedrich Gauermann, Angelika Kauffmann, Anton Petter ou le peintre de fleurs Franz Xaver Petter étaient déjà visibles dans le Belvédère dans la première moitié du XIXe siècle. Depuis la direction de Franz Martin Haberditzl, la collection d’œuvres d’art européennes, telle que celle de Caspar David Friedrich ou de Jakob Philipp Hackert, a enrichi sans cesse la collection.

Avec les œuvres d’Angelika Kauffmann, Heinrich Friedrich Füger et Johann Baptist Lampi, le portrait s’inspire de la conception baroque-classiciste de l’image aux influences anglaises et françaises à travers François Gérard jusqu’aux grands peintres de la période viennoise Biedermeier Friedrich von Amerling et Ferdinand Georg Waldmüller. La peinture d’histoire est représentée par les œuvres significatives de divers artistes: peintres tels que Heinrich Friedrich Füger, Anton Petter ou Hubert Maurer, conservés jusqu’au 19ème siècle dans l’académisme, d’autres comme Ludwig Ferdinand Schnorr de Carolsfeld et Moritz von Schwind. leurs œuvres une réalisation romantique de thèmes historiques. En outre, une confrontation avec des événements contemporains s’est développée, comme en témoigne le Belvédère, par exemple dans les œuvres de Jacques Louis David (Napoléon au Grand Saint-Bernard) ou de Johann Peter Krafft. La collection de sculptures classiques comprend un petit nombre d’œuvres de grande qualité, notamment Perseus et Andromède de Franz Anton Zauner, Mars et Vénus avec Amor de Leopold Kissling et The Youthful Cupid de Johann Nepomuk Schaller.

Les frères Luke ou Nazaréens à orientation romantique sont représentés dans le Belvédère principalement par des œuvres religieuses (par exemple, Johann évangéliste Scheffer de Leonhardshoff, Sainte Cécile, Joseph de Fuhrich Le passage de Marie), mais également par des mises en œuvre picturales de récits romantiques (par exemple Moritz von Schwind La belle Mélusine). La représentation paysagère romantique est représentée entre autres par l’un de ses principaux représentants, Joseph Anton Koch (La grande cascade de Tivoli), et montre le réalisme de Biedermeier (Ludwig Ferdinand Schnorr de Carolsfeld. Le large Föhre à côté du Brühl Mödling) tardivement. La reproduction réaliste de la nature en peinture commencée en 1830 peut être trouvée dans les œuvres de Friedrich Loos, Franz Steinfeld, Friedrich Gauermann ou Ferdinand Georg Waldmüller. Les vedutas de Rudolf von Alt occupent une place particulière dans le domaine de la peinture de paysages (par exemple, la cathédrale Saint-Étienne, le port de Naples avec le Vésuve).

La nature morte atteignit une période de forte floraison à l’époque Biedermeier: après les modèles flamands et hollandais, de magnifiques pièces de fleurs furent créées, comme on peut le voir au Belvedere dans des œuvres de Franz Xaver Petter, Josef Lauer et Joseph Nigg. De plus, certains artistes de l’époque ont témoigné d’un intérêt croissant pour la botanique (hommage de Johann Knapp à Jacquin « Jacquins Denkmal »).

Le temps de Biedermeier dans la peinture de genre pourrait être mieux présenté. Nous avons également à appeler Ferdinand Georg Waldmüller (matin du Corpus Christi, au début du printemps dans les bois de Vienne), qui, ainsi que Johann Matthias Ranftl et Friedrich Gauermann, se consacrent à la représentation du genre paysan. Josef Danhauser s’est concentré dans ses présentations sur les représentants de la bourgeoisie, tandis que Peter Fendi a une préférence pour les événements de la vie des gens ordinaires (The Listener, The Garnishment). Les étudiants Carl, Albert Schindler et Friedrich Treml, de Fendi, sont les représentants les plus importants du genre dit du soldat. Les peintures de Michael Neder occupent une place particulière dans les scènes de la vie de la population de la banlieue viennoise. Des œuvres de Franz Eybl, Erasmus Engert et Eduard Ritter complètent la collection.

L’historicisme
Le Belvédère abrite la collection la plus complète et la plus importante de peintures de l’historicisme autrichien. Des bustes de portraits, des images de matériel et des portraits peints témoignent de la forte demande de représentation de la riche bourgeoisie de Ringstraßenzeit et sont présentés de manière détaillée dans le Belvédère supérieur.

C’est Hans Makart qui a principalement marqué la vie de Vienne en tant que personnalité d’artiste pendant 15 ans. Sa peinture sensuelle-enivrante séduit par la bravoure technique, qu’il a volontiers présentée au public lors de festivals en studio. Ainsi, toutes ses œuvres – y compris les remarquables portraits de Magdalena Plach (1870) ou d’Eugenie Scheuffelen (1867) – doivent être comprises comme des mises en scènes efficaces. Cette opulence correspond également aux allégories de Makart Les Cinq Sens (1872-1879) ou à ses peintures monumentales Bacchus et Ariane (1873/74). Il appartient également au groupe des images sensationnelles telles que Niljagd (1876) ou Venise rend hommage à Caterina Cornaro (1872/73). Ce dernier associe de manière exemplaire la réalité historique à une splendeur d’image fictive et à la mise en scène de l’auto-représentation bourgeoise.

Outre Makart, le peintre viennois Hans Canon, qui a longtemps vécu dans le sud de l’Allemagne, a pu établir son propre commerce indépendant à Vienne après son retour. Le Belvédère a des œuvres de toutes les périodes de sa vie (par exemple, Fille au perroquet (1876), La victoire de la lumière sur les ténèbres (1883/84)). Anselm Feuerbach de Speyer est un autre peintre renommé internationalement dans le Belvédère pour ses œuvres importantes. Ses thèmes sont souvent des contenus mythologiques (par exemple, Orphée et Eurydice (1869)) et, contrairement aux peintures de Makart, contiennent une structure stricte dans une couleur atténuée. Alors que Makart et Feuerbach se détournaient de l’image de l’histoire narrative, Anton Romako la transformait en interprétant psychologiquement des situations cruciales (Tegetthoff lors de la bataille de Lissa I (1878-1880)). En outre, outre le degré élevé de psychologisation, les portraits de Romakos s’appuient également sur une application particulière des techniques picturales (par exemple, l’Italien Fischerkind (1870/75)). L’intérêt pour l’Orient, qui a débuté au milieu du XIXe siècle, est manifestement manifeste dans les œuvres de Léopold Carl Müller (Le marché du Caire (1878)), mais aussi dans celles de Alois Schönn et Emanuel Stöckler. Les peintures du peintre historique Franz Defregger, du peintre paysagiste Anton Hansch, de Ludwig Halauska et de Carl Hasch ainsi que des œuvres de Franz von Stuck, de Karl Spitzweg et d’Arnold Böcklin complètent la collection de l’historicisme.

Réalisme – Impressionnisme – Modernisme international
L’important inventaire d’art européen moderne du Belvédère trouve son origine dans l’achat d’art contemporain par le ministère du Cult et de l’éducation, qui avait déjà acquis des œuvres d’art pour la Modern Gallery, fondée en 1903 à partir de 1851. Les œuvres de Jean-François Millet (La plaine de Chailly avec Harrow et Plough (1862)) et Auguste Renoir (Après le bain (1876)) sont tout aussi importantes que Dame en fourrure d’Édouard Manet (1880), The Cook de Claude Monet (1882). ) La victime blessée de Gustave Courbet (v. 1866) ou La femme à la poitrine bronzée d’Edgar Degas se levant du bain (1896/1911).

Dans le recueil d’œuvres de réalisme du Belvédère, dont le principal représentant autrichien, August von Pettenkofen (par exemple, Le jardin des citrouilles (1862), charrette à foin à Szolnok (1867)), figurent d’excellents ouvrages de Carl Schuch (Déboisement à Purkersdorf (1872). )), Wilhelm Trübner (César du Rubicon), Emil Jakob Schindler (La station de navigation à vapeur sur le Danube en face de Kaisermühlen (vers 1871/1872)), Olga Wisinger Florian, Tina Blue (Le printemps dans le Prater (1882)) et Theodor von Hörmann. Les premières œuvres de Carl Moll peuvent également être affectées à ce cercle. Dans le Belvédère supérieur, on peut également voir les œuvres importantes des sécessionnistes berlinois Max Liebermann, Max Slevogt et Lovis Corinth.

Vienne vers 1900
Le département d’art viennois vers 1900 est perçu comme la partie la plus connue des collections du Belvédère tant en Autriche qu’à l’étranger. De nombreuses œuvres de cette époque remontent aux débuts du musée en tant que galerie moderne. Dons importants de la Sécession à la Galerie moderne fondée en 1903, telle que la plaine d’Auvers (1890) de Vincent van Gogh, le buste Henri de Rochefort-Luçay (1897) d’Auguste Rodin et Les Mauvaises mères (1894) de Giovanni Segantini , se tenait au début de la collection de renommée internationale du début du 20ème siècle. Le concept de collection et de présentation remonte à la Sécession, afin d’intégrer l’art autrichien dans le contexte international, de sorte que le visiteur découvre non seulement les points forts des artistes locaux, mais également les œuvres d’artistes de renommée internationale. Les collections du Belvédère décrivent de manière détaillée l’art viennois du début du XIXe siècle du 19ème au 20ème siècle et présentent également le contexte européen en grande partie à travers des exemples significatifs d’une qualité extraordinaire.

Seuls quelques exemples peuvent être cités dans ce contexte: des peintures du symboliste belge Fernand Khnopff (Still Water), du norvégien Edvard Munch (le peintre Paul Hermann et le docteur Paul Contard (1897)) du symboliste allemand Arnold Böcklin (Meeresidylle (1887)), Franz von Stuck (Strauss (1891)) et Max Klinger (jugement de Paris (1885-1887)) ont également trouvé leur place dans la collection du Belvédère ainsi que des œuvres importantes de tous les artistes autrichiens renommés du temps. Avec Koloman Moser, Wilhelm Bernatzik, Carl Minor, Josef Engelhart, Karl Mediz et Max Kurzweil, seuls quelques-uns des noms les plus importants sont mentionnés.

Avec un total de 24 œuvres – portraits, paysages et représentations allégoriques – le Belvedere possède la plus grande collection de peintures à l’huile du monde du plus important peintre autrichien Gustav Klimt. Cofondateur de la Sécession de Vienne et organisateur du Kunstschau en 1908 et du Kunstschau international, Klimt fut responsable de la percée de l’avant-garde internationale à Vienne l’année suivante. La collection du Belvédère montre l’évolution de Klimt, de ses premières explorations de l’historicisme au sécessionnisme, en passant par son œuvre tardive, qui intègre les influences des Fauves et de la jeune génération d’artistes autrichiens tels que Egon Schiele. Les portraits de femmes de Klimt, mondialement connus, sont exposés dans le Belvédère supérieur. Leur développement stylistique va du portrait ancien de Sonja Knips (1898) à Fritza Riedler (1906), un exemple raffiné d’art de surface austère, au portrait inachevé de Johanna Staude. (1917/18), avec la représentation de Judith Ier (1901), Klimt crée l’un de ses portraits de femmes les plus célèbres. Les œuvres allégorico-symboliques de Klimt, dont la plus célèbre est l’icône monumentale du Jugendstil de Vienne, The Kiss (Lovers) (1908), ainsi que ses remarquables peintures de paysages telles que Blooming Poppy (1907), Sunflower (1907) et Allee zum Schloss Kammer (1912), peut être trouvé dans les vitrines sont admirées. La célèbre Frise Beethoven de Klimt (1901), l’une des œuvres d’art les plus importantes de l’Art nouveau de Vienne, peut être considérée comme un emprunt permanent du Belvedere lors de la Sécession de Vienne.

Expressionnisme
Après l’effondrement de la Sécession de Vienne, la jeune génération – dirigée par Egon Schiele et Oskar Kokoschka – a inauguré une nouvelle ère. La vaste et importante collection d’art expressionniste du Belvédère, dont la majeure partie représente l’art autrichien de l’époque, est complétée par une petite collection concentrée d’œuvres d’art majeures de l’art international. L’Autriche a enrichi l’expressionnisme avec sa propre variante, clairement distinguable. Si les artistes allemands et français utilisaient des couleurs pures comme moyen d’expression, en Autriche on souriait à des surfaces de couleurs raffinées avec des zones d’ombre et de lumière. Alors que le regard des artistes allemands tournait à plusieurs reprises autour de la vie métropolitaine, le regard des Autrichiens retrouvait toujours son état d’esprit.

Egon Schiele est, avec Gustav Klimt, l’un des artistes visuels les plus importants du modernisme viennois, avec 18 œuvres dans la collection Belvedere. Déjà à l’Académie des Arts de Vienne, Schiele développa son propre langage formel unique. Basé sur l’art de l’Art Nouveau, il combine une structure ornementale avec des lignes brisées et des couleurs expressives, comme le montre le portrait d’Eduard Kosmack (1910). Les peintures de Schiele sont célèbres pour leur passion et leur traitement impartial de la sexualité des hommes et des femmes. L’une des œuvres clés de l’œuvre de Schiele est sans aucun doute l’étreinte de 1917, visible dans le Belvédère supérieur. Les portraits, les peintures de personnages et les paysages de Schiele s’inscrivent souvent dans le champ thématique de la tension entre l’amour et la solitude, la vie et la mort. Le motif de devenir et de disparaître en tant que thème récurrent dans ses œuvres est particulièrement frappant dans la représentation des tournesols (1911).

Oskar Kokoschka est le deuxième représentant de l’expressionnisme précoce en Autriche. Avec douze peintures à l’huile, dont cinq portraits, le Belvédère possède une excellente collection d’œuvres. Les premiers portraits de Kokoschka montrent déjà l’intention de transformer l’état intérieur de la garde d’enfants et de ne pas faire face aux exigences habituelles d’un portrait (Le peintre Carl Moll (1913), Fred Goldmann (1909)). Les nombreux voyages et longs séjours de Kokoschka à l’étranger se reflètent dans ses portraits de villes telles que celle du port de Prague (1936). Dans la collection du Belvédère, le portrait idiosyncratique d’un lion tigre-tigre (1926), dans lequel l’artiste a réussi à rendre la force, la majesté et la puissance de cet animal est particulièrement remarquable. Sa dernière période inclut également des œuvres importantes dans la collection, telles que le monumental Herodot (1963), qui a grandi de couche en couche au cours des dernières années, et dans les traits du visage d’Hérodote qui fait briller le visage de l’artiste.

En tant que grand innovateur, le regretté Richard Gerstl peut également être vu. Il a ignoré le style Art nouveau et a indépendamment trouvé le moyen de faire appel à un expressionnisme gestuel (professeur Ernst Diez (1907), autoportrait, rire (1908)). Au début, Max Oppenheimer utilisa des éléments du cubisme et les poursuivit plus tard dans son œuvre en 1935, The Orchestra.

Parmi les exemples remarquables d’expressionnisme allemand dans le Belvédère, citons les œuvres de membres de l’association d’artistes Die Brücke comme Ernst Ludwig Kirchner (Les montagnes du monastère), Max Pechstein et Emil Nolde et les portraits du natif de Russie Alexej Jawlensky, proche de le cavalier bleu. Les deux groupes étaient toujours à la recherche de nouvelles expressions artistiques. L’inspiration pour ses combinaisons de couleurs puissantes qu’il a trouvées dans l’art populaire russe ainsi que chez les fauvistes français comme Henri Matisse, comme le prouve le portrait d’une dame (1908). Le buste élancé de Kneeling (1913) du sculpteur Wilhelm Lehmbruck montre un degré élevé d’intériorisation expressive et illustre de manière frappante la proximité de l’artiste avec l’expressionnisme. Anton Hanak est sans aucun doute l’un des sculpteurs les plus importants du XXe siècle en Autriche. Son travail, influencé par Lehmbruck, va des esquisses de figures à petite échelle aux figures et monuments monumentaux.

L’entre-deux-guerres et l’art après 1945
L’effondrement de la monarchie des Habsbourg a également entraîné un changement de culture. La perte d’une grande partie de l’ancien territoire de l’État de Cisleithania et la mort d’artistes aussi importants que Gustav Klimt, Koloman Moser et Egon Schiele ont entraîné une rupture brutale de la production artistique autrichienne. Vienne a dû renoncer à sa primauté en tant que métropole européenne de l’art au profit d’autres grandes villes européennes. Cette évolution a favorisé une forte décentralisation dans la nouvelle petite Autriche, qui a conduit à la diversité des manifestations individuelles, souvent contradictoires, de l’art de l’entre-deux-guerres autrichien.

Beaucoup des grands talents viennent maintenant des pays alpins à peine avancés d’Autriche. Le Belvédère possède une collection complète et importante de l’entre-deux-guerres, complétée par certaines des œuvres majeures de l’avant-garde internationale.

La caractéristique de l’époque était l’existence simultanée de différents styles qui, considérés individuellement, produisaient des phénomènes d’une importance considérable. Au premier plan se trouvait le nouvel examen de l’expressionnisme qui, pour de nombreux artistes, était accompagné de la réception des pensées de Cézanne. L’un des représentants les plus significatifs de cet expressionnisme, caractérisé par un retour à la couleur élémentaire, était Herbert Boeckl, qui représentait un certain nombre d’œuvres centrales de la collection Belvedere (par exemple, l’autoportrait parisien, 1923, Johannes Lindner (Portrait blanc), 1919). En plus de Boeckl, Anton Faistauer de Salzbourg a été l’un des artistes les plus remarquables de son époque (roses de mariage I et dame en chemisier blanc, toutes deux de 1913).

Parmi les liens artistiques autrichiens du district de Nötscher en Carinthie, qui appartenait au peintre Anton Kolig (La famille de l’artiste, 1928), à Franz Wiegele (portrait de famille Isepp, 1927/28), à Sebastian Isepp et à Anton Mahringer.

Contrairement à la peinture plastique-gestuelle des expressionnistes, la nouvelle objectivité était présentée avec la plus grande précision et la plus grande douceur de représentation possible. Rudolf Wacker, Hans Ploberger, Marie-Louise de Motesiczky et Franz Sedlacek comptent parmi les plus importants représentants autrichiens de cette direction. Franz Lerch (Fille au chapeau, 1929) occupe une position entre l’expressionnisme et la nouvelle objectivité. L’art d’Albert Paris Gütersloh et Oskar Laskes (The Fool Ship, 1923) est ancré à Vienne vers 1900, bien que la grande majorité de leurs œuvres de l’entre-deux-guerres puissent être recensées.

Au cours des trois premières décennies du XXe siècle, de nombreux artistes autrichiens ont quitté le pays car ils espéraient de meilleures conditions de travail et de meilleures perspectives de carrière à l’étranger, par exemple aux États-Unis ou en France.

À partir de 1938, la dictature nationale-socialiste oblige de nombreux artistes à s’exiler, notamment Max Oppenheimer, Joseph Floch, Franz Lerch, Wolfgang Paalen, Hans Boehler, Fritz Wotruba et Georg Ehrlich. Les artistes émigrés et / ou réfugiés ont rencontré de nouvelles impulsions à l’étranger, créant ainsi de nouveaux réseaux. Nombre de leurs œuvres figurent dans la collection du XXe siècle du Belvédère.

Outre la peinture dominante en couleurs, la peinture expressive prédominante en Autriche, qui inclut l’œuvre tardive de Herbert Boeckl (Flying Woodpecker, 1950), a été créée après la Seconde Guerre mondiale, à l’école du réalisme fantastique de Vienne. Cette variante de la peinture surréaliste a été inventée par Albert Paris Gütersloh, cofondateur de l’Art Club.

Comme presque aucune autre direction de l’art autrichien après 1945, l’École de réalisme fantastique de Vienne a acquis une grande renommée internationale. Les représentants importants de ce mouvement sont Ernst Fuchs, Friedensreich Hundertwasser, Arik Brauer, Rudolf Hausner, Wolfgang Hutter et Anton Lehmden, représentés dans le Belvédère avec de nombreuses œuvres dès leurs premières phases de création.

En plus des réalistes fantastiques, les abstraits formaient un groupe important de l’avant-garde artistique en Autriche. L’expressionnisme abstrait et Informel étaient des points focaux dans l’art de l’Europe occidentale et des États-Unis.

À Vienne, à partir du début des années 50, le groupe formé autour de la galerie voisine de St. Stephan d’Otto Mauer forma un centre de peinture informelle. Les peintres Josef Mikl, Wolfgang Hollegha, Arnulf Rainer et Markus Prachensky lui appartenaient. La peintre Maria Lassnig a créé sa propre méthode de réduction figurative. Dans ses premières œuvres, elle a créé des représentations figuratives, qui sont divisées en zones de couleur disséquées de manière cubiste.

Art contemporain
La collection d’art contemporain Belvedere présente les tendances et les évolutions de l’art autrichien depuis 1970. Elle comprend actuellement environ 1 100 œuvres d’artistes autrichiens et internationaux, qui sont complétées par des prêts à long terme pour la maison et le lacunes dans la collection. Cette collection sert de base à une revue scientifique approfondie de l’art autrichien dans le contexte international des 20e et 21e siècles et vient de recevoir un nouvel élan avec l’ouverture de la 21er Haus, aujourd’hui Belvedere 21, afin d’étendre ses activités de collection dans le domaine de l’art contemporain,

Depuis le milieu des années 1960, la production artistique et ses genres traditionnels se différencient. Par exemple, Bruno Gironcoli et Roland Goeschl n’ont plus eu recours au bronze ou à la pierre comme matériau, mais au plastique comme matériau et au terme « objet » et « processus » plutôt qu’à sculpture. La photo, par contre, efface le cadre. Dans le mouvement pictural de Informel, des artistes tels que Markus Prachensky et Hans Staudacher ont agi de manière spontanée et accidentelle.

Dans l’actionisme, le corps lui-même est devenu le vecteur de l’image et Günter Brus et Rudolf Schwarzkogler ont projeté les blessures de la toile sur eux-mêmes. Leurs actions ont été conçues pour le moment et archivées à l’aide de supports documentaires. En examinant leur corps en tant que surface de projection, VALIE EXPORT, Birgit Jürgenssen et Maria Lassnig, par exemple, ont porté un regard critique sur le regard patriarcal et les systèmes d’évaluation. Franz West étudie les expressions hégémoniques et les concepts médiatiques dans le domaine de l’art depuis les années 1970. Avec ses « pièces de passeport », le dialogue avec le spectateur fait partie intégrante du travail.

Alors que l’art autrichien des années 1970 apportait des contributions importantes à l’art conceptuel et aux arts médiatiques, par exemple avec Gottfried Bechtold, Valie Export et Peter Weibel, la peinture sur panneau redevint présente au cours de la décennie suivante. Alois Mosbacher, Hubert Schmalix et Otto Zitko ont créé des motifs expressifs blanchis à la chaux.

Dans un examen critique de l’art du XXe siècle, les artistes développent des langages et des formes de discours qui traitent des formes d’art traditionnelles et des tendances expressives ainsi que de l’art conceptuel, de l’art minimal, de l’actionisme et de la performance, de l’architecture et du design. La jeune génération d’artistes autrichiens fait partie de la collection d’œuvres z. B. et Gélatine, Brigitte Kowanz, Lois Renner, Rudolf Stingel, Lois Weinberger et Otto Zitko étaient représentés. Au début des années 90, les exigences institutionnelles ont de nouveau été discutées. Pour Marcus Geiger, Gerwald Rockenschaub et Heimo Zobernig, les conditions générales de la présentation de l’exposition (telles que l’affichage, le catalogue, l’inventaire) sont devenues le point de départ de leur exploration artistique. Des artistes tels que Carola Dertnig, Ines Doujak, Dorit Margreiter et Lisl Ponger ont également abordé les problèmes postcoloniaux, la xénophobie et les différences entre les sexes dans la société et dans les arts.

La génération la plus jeune est particulièrement bien représentée dans la collection d’art contemporain, l’activité de la collection s’intensifiant au début du nouveau millénaire. Avec Anna Artaker, Verena Dengler, Manuel Gorkiewicz, Franz Kapfer, Elke Silvia Krystufek, Michael Part, Mathias Poledna, Florian Pumhösl, la renommée de Constance, Hans Schabus, Markus Schinwald, Fabian Seiz et Esther Stocker sont quelques noms.

Comme l’évolution de l’art autrichien se situe toujours dans un contexte international et est également présentée dans le Belvédère, le Belvédère acquiert également des œuvres pertinentes d’artistes internationaux dans le cadre du programme Artiste en résidence et dans le cadre d’expositions thématiques collectives. Il s’agit notamment de Monika Baer, ​​du Keren Cytter, de Roza El Hassan, de Julian Gothe, de Marcin Maciejowski, de David Maljkovic, de Jonathan Monk, de Monika Schwitte et d’Amelie von Wulffen.

Grâce à d’importants prêteurs permanents, la collection comprend également des œuvres de grands noms internationaux tels que Richard Artschwager, Marcel Broodthaers, Dan Graham, Sherrie Levine, Paul McCarthy, Gerhard Richter et Rosemarie Trockel.