L’Orphisme ou Cubisme Orphique, terme inventé par le poète français Guillaume Apollinaire en 1912, était une émanation du cubisme centré sur l’abstraction pure et les couleurs vives, influencé par le fauvisme, les écrits théoriques de Paul Signac, Charles Henry et le chimiste teinté Eugène Chevreul. . František Kupka, Robert Delaunay et Sonia Delaunay, qui ont relancé l’utilisation de la couleur au cours de la phase monochromatique du cubisme, ont été les pionniers de ce mouvement perçu comme la clé du passage du cubisme à l’art abstrait. La signification du terme Orphisme était insaisissable quand il est apparu et reste dans une certaine mesure vague.

Histoire
Les Orphistes étaient enracinés dans le cubisme, mais évoluaient vers une abstraction purement lyrique, voyant la peinture comme le rapprochement d’une sensation de couleurs pures. Plus préoccupé par l’expression et la signification de la sensation, ce mouvement a commencé avec des sujets reconnaissables mais a été rapidement absorbé par des structures de plus en plus abstraites. L’orphisme visait à se passer de sujets reconnaissables et à se fier à la forme et à la couleur pour communiquer le sens. Le mouvement vise également à exprimer les idéaux du Simultanisme: l’existence d’une infinité d’états d’être interdépendants.

La décomposition de la lumière spectrale exprimée dans la théorie des couleurs néo-impressionnistes de Paul Signac et Charles Henry a joué un rôle important dans la formulation de l’orphisme. Robert Delaunay, Albert Gleizes et Gino Severini connaissaient tous Henry personnellement. Charles Henry, mathématicien, inventeur, esthéticien et ami intime des écrivains symbolistes Félix Fénéon et Gustave Kahn, a rencontré Seurat, Signac et Pissarro lors de la dernière exposition impressionniste en 1886. Henry franchirait la dernière étape en introduisant la théorie associative émotionnelle dans monde de la sensation artistique: quelque chose qui influencerait grandement les néo-impressionnistes. Henry et Seurat étaient d’accord pour que les éléments fondamentaux de l’art – la ligne, la particule de couleur, comme les mots – puissent être traités de manière autonome, chacun possédant une valeur abstraite indépendante l’un de l’autre, s’il choisissait l’artiste. «Seurat sait bien», écrivait Fénéton en 1889, «que la ligne, indépendante de son rôle topographique, possède une valeur abstraite évaluable» en plus, bien sûr, des particules de couleur et de la relation des deux à l’émotion de l’observateur. La théorie sous-jacente à Neo-Impressionsim aurait un effet durable sur les œuvres produites dans les années à venir par Robert Delaunay. En effet, les néo-impressionnistes avaient réussi à établir une base scientifique objective pour leur peinture dans le domaine de la couleur. Les cubistes devaient le faire dans le domaine de la forme et de la dynamique, et les Orphistes le feraient aussi avec la couleur.

Les symbolistes avaient utilisé le mot orphique par rapport au mythe grec d’Orphée, qu’ils percevaient comme l’artiste idéal. Apollinaire avait écrit une collection de quatrains en 1907 intitulée Bestiaire ou cortège d’Orphée (Paris, 1911), dans laquelle Orphée était symbolisé comme un poète et un artiste. Pour Apollinaire et les symbolistes qui l’ont précédé, Orphée était associé au mysticisme, quelque chose qui inspirerait les efforts artistiques. La voix de la lumière qu’Apollinaire a mentionnée dans ses poèmes était une métaphore des expériences intérieures. Bien qu’elle ne soit pas entièrement articulée dans ses poèmes, la voix de la lumière est identifiée comme une ligne qui pourrait être coloriée et devenir une peinture. La métaphore orphique représentait ainsi le pouvoir de l’artiste de créer de nouvelles structures et harmonies de couleurs, dans un processus créatif novateur qui se combinait pour former une expérience sensuelle.

Apollinaire
Le terme d’orphisme a été inventé par le poète et critique d’art Guillaume Apollinaire au Salon de la Section d’Or en 1912, en référence aux œuvres de František Kupka. Lors de sa conférence à la section d’Or, Apollinaire a présenté trois des œuvres abstraites de Kupka comme des exemples parfaits de la peinture pure, comme anti-figurative comme la musique.

Dans Les Peintres Cubistes, Méditations Esthétiques (1913) Apollinaire décrit l’Orphisme comme «l’art de peindre de nouvelles totalités avec des éléments que l’artiste ne prend pas de la réalité visuelle, mais crée entièrement par lui-même. un plaisir esthétique non troublé, mais en même temps une structure signifiante et une signification sublime: selon Apollinaire, Orphisme représentait un mouvement vers une forme d’art complètement nouvelle, tout comme la musique était pour la littérature: les peintres orphiques citaient des analogies avec la musique; Par exemple, Amorpha de Kupka: fugue en deux couleurs (1912) et composition abstraite de Francis Picabia Danse à la source (1912) et Wassily Kandinsky dans Über das Geistige in der Kunst (1912) .Les essais théoriques détaillés de Kandinsky décrivent les corrélations entre couleur et son. Delaunay, également préoccupé par les relations entre la couleur et la musique, a souligné la pureté et l’indépendance de la couleur, et a exposé avec succès avec le B Reiter Reiter à l’invitation de Kandinsky. Fernand Léger et Marcel Duchamp, comme ils tendaient vers l’abstraction, ont également été inclus comme Orphistes dans les écrits d’Apollinaire.

Apollinaire est resté avec les Delaunay pendant l’hiver 1912, devenant des amis proches et élaborant de nombreuses idées. Apollinaire a écrit plusieurs textes discutant de leur travail pour promouvoir le concept de l’orphisme. En mars 1913, l’orphisme est exposé au public au Salon des Indépendants. Dans sa revue du Salon parue dans L’Intransigeant (25 mars 1913), Apollinaire écrivait: «Elle combine des peintres de caractères totalement différents, qui ont tous néanmoins réalisé une vision plus intériorisée, plus populaire et plus poétique de l’univers et de la vie’. Et à Montjoie (29 mars 1913) Apollinaire plaide pour l’abolition du cubisme en faveur de l’orphisme: «Si le cubisme est mort, vive le cubisme. Le royaume d’Orphée est proche!

Le salon Herbst (Erster Deutscher Herbstsalon, Berlin) de 1913, organisé par Herwarth Walden de Der Sturm, expose de nombreuses œuvres de Robert et Sonia Delaunay, L’Oiseau bleu de Jean Metzinger (1913, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris) , Les Joueurs de football d’Albert Gleizes (1912-13, Galerie nationale d’art), peintures de Picabia et Léger, ainsi que plusieurs peintures futuristes. Cette exposition marqua un tournant dans la relation d’Apollinaire avec R. Delaunay (qui se refroidirait nettement), suite à quelques remarques dans une discussion avec Umberto Boccioni sur l’ambiguïté du terme «simultanéité». Ce serait la dernière fois qu’Apollinaire aurait utilisé le terme d’orphisme dans ses analyses critiques de l’art; comme il a tourné son attention de plus en plus vers Picabia et Alexander Archipenko, mais surtout vers les Futuristes.

Les Delaunays
Sonia Terk Delaunay et Robert Delaunay, duo mari et femme, deviendront les principaux protagonistes du mouvement Orphic, Robert Delaunay étudie également différents styles de peinture, comme l’art abstrait. Dans leurs œuvres antérieures, leurs styles se concentraient sur les couleurs fauves avec divers degrés d’abstraction; Elle est particulièrement évidente dans La fille finlandaise de Sonia (1907) et Robert’s Paysage au disque (1906). L’ancienne peinture s’appuie fortement sur des couleurs vives et des transitions douces entre les formes, tandis que celle-ci s’appuie sur des pinceaux de couleur et de mosaïque peints sous l’influence de Jean Metzinger, également néo-impressionniste (avec des composants fortement divisionnistes et fauves).

Leurs œuvres sont devenues de plus en plus identifiables par le contraste «simultané» des couleurs et la tendance à la non-représentation. Dans Robert’s Eiffel Tower Series, le sujet est représenté comme vu de plusieurs points de vue à la fois; employant le concept de «perspective mobile» développé par son ami proche Metzinger. Bientôt, au lieu d’utiliser des tons sourds comme les cubistes, il peindrait avec des couleurs vives et brillantes juxtaposées l’une à côté de l’autre (un concept dérivé de la théorie des couleurs néo-impressionniste). Il a souvent dépeint la tour avec des rouges et des roses avec des couleurs plus froides partout. Plus Robert peint la tour, plus elle devient abstraite, fragmentée et colorée.

En 1913, les Delaunay exposent leurs œuvres au Salon des Indépendants et au Salon des Herbst, qui est le premier Salon Orphiste, qui accueille aussi des œuvres de Picabia, Metzinger, Gleizes, Léger et des peintres futuristes. Contrairement à d’autres associés à l’orphisme, les Delaunays reviendraient à ce style tout au long de leur vie.

Eugène Chevreul
L’une des plus grandes influences de Robert, outre sa femme, était le chimiste Eugène Chevreul. Le plus connu pour avoir découvert la margarine, Chevreul a plongé dans la chimie des colorants ainsi que dans l’esthétique du contraste simultané des couleurs. Il avait trois idées principales à ses théories de la couleur: «quand des couleurs complémentaires sont juxtaposées, chacune semble être plus intense que lorsqu’elles sont isolées» et «s’il y a une différence perceptible de valeur de lumière noire entre les deux couleurs, alors la plus sombre semblera être encore plus sombre « ainsi que » toutes les couleurs présentes dans le champ de vision se modifient mutuellement de manière spécifique « . Chevreul a influencé de nombreux artistes parce qu’il a compris scientifiquement ce que de nombreux artistes ont exprimé instinctivement.

Après 1913
Même après qu’Apollinaire s’était séparé des Delaunay et que l’orphisme avait perdu sa nouveauté en tant que nouvelle forme d’art, les Delaunay continuaient à peindre dans leur style personnel. Ils n’ont peut-être pas toujours appelé leur travail Orphic, mais l’esthétique et les théories étaient les mêmes. Robert a continué à peindre tandis que Sonia a plongé dans d’autres médias, y compris la mode, l’intérieur et le design textile, tous dans le domaine de l’orphisme.

Héritage
L’orphisme en tant que mouvement fut de courte durée, se terminant essentiellement avant la Première Guerre mondiale. Malgré l’utilisation du terme, les œuvres classées comme Orphisme étaient si différentes qu’elles défient les tentatives de les placer dans une seule catégorie. Les artistes, appelés par intermittence Orphistes par Apollinaire, tels que Léger, Picabia, Duchamp et Picasso, ont créé indépendamment de nouvelles catégories qui pourraient difficilement être classées comme Orphic. Le terme d’orphisme englobe plus particulièrement les peintures de František Kupka, Robert Delaunay et Sonia Delaunay, si elles sont limitées aux implications imposées par la couleur, la lumière et l’expression de compositions non figuratives. Même Robert Delaunay pensait que cette description déformait ses intentions, bien que sa classification temporaire en tant qu’Orphic s’était avérée fructueuse. Les peintres américains Patrick Henry Bruce et Arthur Burdett Frost, deux des élèves de Delaunay, se sont efforcés de créer une forme d’art similaire vers 1912. Les Synchromistes Morgan Russell et Stanton Macdonald-Wright ont écrit leurs propres manifestes pour tenter de se distancer de l’orphisme. Robert Delaunay, mais leur art est parfois apparu inévitablement Orphic. Essentiellement une sous-catégorie stylistique de l’art abstrait créée par Apollinaire, l’orphisme était un terme insaisissable à partir duquel les artistes inclus dans son champ d’action ont tenté de se détacher.