Musée national d’art contemporain, Lisbonne, Portugal

Le Musée national d’art contemporain du Portugal (MNAC) est un musée d’art situé dans le quartier de Chiado à Lisbonne, au Portugal. Il a été créé en 1911 et ré-inauguré dans de nouvelles installations en 1994.

Le musée couvre la période comprise entre 1850 et 1950, avec des œuvres des plus grands artistes portugais de cette période, ainsi que de certains étrangers. Il contient la meilleure collection de peinture et de sculpture portugaises des périodes romantisme, naturalisme et moderne.

Le Musée national d’art contemporain – Museu do Chiado, est l’un des premiers musées d’art contemporain créés à travers le monde. Situé dans le centre historique de Lisbonne, abritant la plus importante collection d’art portugais de la seconde moitié du XIXe siècle à nos jours, le musée est un lieu de visite obligatoire pour comprendre et apprécier l’art portugais moderne et contemporain. Le programme des expositions temporaires revêt une grande importance dans le cadre général des activités du musée. La présentation de la collection est périodiquement renouvelée sur leurs segments temporels ou thématiques, conformément à un travail soutenu de recherches historiques et critiques, mais le programme ne se limite pas à l’art portugais,

Le Musée national d’art contemporain – Museu do Chiado a été créé par décret gouvernemental du 26 mai 1911. Il est né de la division de l’ancien Museu Nacional de Belas-Artes au sein du Museu Nacional de Arte Antiga, hérité de l’ancien les œuvres produites avant 1850 et restées au Palácio das Janelas Verdes et au Musée national d’art contemporain, qui comprenaient toutes les œuvres achevées après cette date et étaient hébergées au Convento de S. Francisco, dans une zone voisine de l’Académie de Belas Artes. La création d’un réseau de musées s’étendant sur tout le pays était la concrétisation d’un projet fondé sur le concept de l’illumination humaine du XVIIIe siècle, dotant le pays des outils nécessaires pour sauvegarder et montrer l’art de la nation. La création d’un musée d’art contemporain a été,

Parmi les artistes représentés figurent António Silva Porto, António Carneiro, António Soares dos Reis, Miguel Ângelo Lupi, Columbano Bordalo Pinheiro, Amadeo de Souza Cardoso, Abel Manta, Dórdio Gomes, Adriano Sousa Lopes, José de Almada Negreiros, Nadir Afonso, Máro Eloy Francisco Augusto Metrass, Auguste Rodin et bien d’autres. Le musée accueille également des expositions temporaires.

Histoire
Depuis 1911, le musée du Chiado occupe une partie de l’ancien couvent de São Francisco (Saint François) à Lisbonne, un bâtiment d’origine médiévale. L’adaptation et la rénovation des espaces du musée en 1994 ont été réalisées par l’architecte français Jean-Michel Wilmotte

La performance du premier directeur du musée, le peintre Carlos Reis, a été discrète. Sa nomination représente un triomphe inattendu pour le lobby conservateur, au détriment des jeunes artistes établis à Paris. Le musée occupait alors trois de ses salles actuelles et était accessible via l’Academia de Belas-Artes. En 1914, le peintre Columbano Bordalo Pinheiro devint directeur, continuant et développant pleinement l’approche traditionnaliste précédemment adoptée et résistant aux démonstrations de mécontentement exprimées par les modernistes alors centrés sur le Café Brasileira à Chiado. Au cours de son mandat de directeur (1914-1929), le musée a été étendu pour remplir plusieurs autres salles, dont une consacrée à la sculpture. Le peintre Adriano de Sousa Lopes, considéré par Columbano comme l’unique artiste de la jeune génération apte à lui succéder, a poursuivi son projet et présenté avec modération certains éléments modernes qu’il était incapable d’accepter lui-même. Jusqu’en 1944, Sousa Lopes se révélerait être un réalisateur plus audacieux que prévu. C’est au cours de cette période que les modernistes ont finalement commencé à faire une incursion dans les collections du musée et que d’importantes sculptures de Rodin, Bourdelle et Joseph Bernard ont été acquises. Au cours de cette période également, le musée a pris de l’ampleur en intégrant l’atelier adjacent de Columbano Bordalo Pinheiro à l’Escola de Belas-Artes, ouvrant ainsi une nouvelle salle dédiée au peintre.

C’est le sculpteur Diogo Macedo qui, en tant que directeur, a ouvert le musée tous les jours au public en 1945, après une profonde rénovation de la structure et des intérieurs, avec sa propre entrée dans la Rua Serpa Pinto. Après avoir été impliqué dans le mouvement moderniste, puis historien de l’art, sa nomination devait inaugurer une nouvelle ère au musée. Un programme d’expositions temporaires a été mis en place, ainsi que des recherches sur les artistes représentés dans la collection sous forme de brèves monographies publiées par le musée. Cependant, aucune définition claire de la position moderniste n’était à venir, et l’engagement pernicieux envers le naturalisme tardif décontextualisé depuis son époque s’est poursuivi. Certaines œuvres d’artistes apparues dans la seconde moitié des années 1940 ont été acquises, bien que de manière peu claire et imprévue.

Ainsi, jusqu’en 1959, le musée était obsolète et conservateur et avait peu de choses en commun avec les autres musées européens. La nomination politique du peintre Eduardo Malta cette même année, malgré les protestations générales de la communauté artistique et des critiques, insista néanmoins sur une approche rétrospective ayant des conséquences catastrophiques sur la position moderniste de la collection et sur son nécessaire et nécessaire adaptation à la réalité. scène artistique internationale. Un catalogue a été produit, mais les principes nazis sur lesquels repose la présentation de la collection ont été sévèrement condamnés par les dirigeants du régime même qui avait nommé le directeur en premier lieu. En 1970, Maria de Lourdes Bártholo, conservatrice de formation, a été nommée directrice du musée, qui était dans un état de délabrement avancé. Au cours des 17 années suivantes, le bâtiment n’a subi que des travaux de restauration très superficiels. La collection s’est étendue jusqu’à l’époque contemporaine, mais les critères régissant la représentation des divers mouvements, tendances et personnalités de l’art portugais, qui avaient subi de profondes transformations quantitatives et qualitatives au cours de la décennie précédente, n’étaient pas du tout assimilés les acquisitions du musée définissent une compréhension cohérente et large de la contemporanéité.

Après l’incendie de Chiado en août 1988, et même si le musée s’échappa indemne, les œuvres d’art furent retirées par mesure de précaution. La secrétaire d’État à la Culture de l’époque, Teresa Gouveia, a décidé de repenser le domicile de la collection. Le gouvernement français a mis en avant le projet de rénovation du musée par l’architecte Jean-Michel Wilmotte qui, avec l’équipe dirigée par l’historienne de l’art Raquel Henriques da Silva, a redéfini le musée sous la forme exposée depuis sa ré-inauguration le 12 Juillet 1994.

Le projet visait à intégrer les espaces historiquement importants du bâtiment dans un langage architectural néo-moderne, renforçant ainsi l’autonomie des plans constituant les passerelles suspendues, le sol et les plafonds et les murs soudains qui définissent de grandes extensions verticales. Avec une gamme originale et économique de matériaux et de couleurs, son austérité discrète établit un dialogue complet avec les fonctions du bâtiment.

À la réouverture du musée, un catalogue intitulé Museu do Chiado, Arte Portuguesa 1850-1950, produit par Pedro Lapa, Raquel Henriques da Silva et Maria de Aires Silveira, présentait les noyaux les plus cohérents et les plus cohérents de sa vaste collection, plus de deux mille avec des études individuelles sur chaque travail, ainsi que des bibliographies et des contextes historiques respectifs. Compte tenu des faiblesses de la collection en matière de représentation artistique de la seconde moitié du XXe siècle, la politique d’acquisition du musée s’est centrée sur les œuvres fondatrices des mouvements de cette période. Un programme systématique d’expositions temporaires sur les artistes portugais apparues au cours des décennies les moins bien représentées de la collection a été mis en place, parallèlement à l’accent mis sur les études et la recherche présentées dans les catalogues respectifs. Un programme d’art contemporain destiné aux artistes émergents, dont le travail était basé sur des interprétations de la collection du musée, a été mis en place et a permis l’acquisition d’œuvres variées qui ont initié une mise à jour du corpus d’art contemporain de la collection. Depuis la réouverture, le manque d’espace du musée, tant pour la collection que pour les expositions temporaires, est devenu notoire.

À la fin de 1998, Pedro Lapa, membre de l’équipe de réorganisation du musée, est devenu directeur. Le programme des expositions temporaires a pris une importance accrue et l’accent a été mis sur quatre domaines spécifiques, directement ou indirectement liés à la portée chronologique de la collection. C’est ainsi qu’a commencé une série d’expositions rétrospectives sur des artistes portugais du 19ème siècle. Les grandes rétrospectives du musée sur les mouvements et les artistes modernistes portugais se sont poursuivies, avec le premier catalogue raisoneé sur un artiste portugais, Joaquim Rodrigo. En parallèle, de grandes expositions sur les artistes et les mouvements à la pointe de l’histoire ont été coproduites avec d’autres musées internationaux prestigieux. Le programme Interferências (1998-2002) s’est déroulé parallèlement aux expositions susmentionnées et a présenté des œuvres réalisées spécialement pour lui par des artistes contemporains portugais et internationaux. Un autre aspect auquel ce programme accordait une importance particulière était le format des publications qui accompagnaient les expositions et celui qui présentait une analyse scientifique et essayistique approfondie.

La politique en matière d’acquisitions a été développée dans deux directions afin d’atténuer les lacunes évoquées dans la collection. Les années 1950 et 1960, ainsi que les années 1990, sont déjà bien représentées. On a également commencé à incorporer d’autres genres artistiques à la collection, tels que la photographie et la vidéo, des supports fortement exploités dans l’art contemporain. Plusieurs des gardiens du musée participent plus activement à donner au Museu do Chiado – Musée national d’art contemporain les ressources que son titre suggérerait ont grandement contribué à ce processus.

Le manque d’espace est l’un des facteurs qui a le plus entravé la mise en œuvre du large éventail d’activités que le musée a cherché à développer. La possibilité d’exposer ses collections de manière continue, de développer des expositions temporaires à l’échelle désirée, voire de développer des activités pédagogiques, est un des aspects de l’activité d’un musée qui est soumis à des limitations pour lesquelles une solution est attendue depuis longtemps.

Architecture
Installé depuis sa fondation en 1911 dans le monastère de São Francisco da Cidade, gravement endommagé lors du tremblement de terre de 1755, l’actuel Musée national d’art contemporain – Museu do Chiado a été rouvert en 1994 à la suite d’un incendie qui a ravagé la région en 1988 après l’achèvement des travaux de rénovation de l’architecte français Jean-Michel Wilmotte.

L’atrium du musée sert à la fois d’entrée et de réception et révèle le design général adopté pour le complexe: un style architectural néo-moderne qui respecte les vestiges historiques préexistants – une structure monastique datant de la période de reconstruction post-séisme acquis, après l’abolition des ordres religieux en 1834, par le marchand anglais Abraham Wheelhouse. L’atrium révèle deux piliers qui soutiennent une voûte à six côtés en briques dans une austérité de ligne construite s’inscrivant dans la tradition de l’architecture des plaines portugaises. Les travaux de rénovation ont respecté et mis en valeur ces vestiges, en exploitant le haut plafond en ajoutant une plate-forme suspendue qui constitue un plancher intermédiaire servant actuellement à exposer la sculpture. La passerelle suspendue et les escaliers d’accès, le comptoir de réception,

Le gris cendre prédomine dans les salles suivantes et supérieures, utilisées pour exposer la sculpture, dont la grande ouverture verticale amplifie de manière illusoire le petit espace d’exposition du musée. Par un escalier en pierre, le visiteur atteint le deuxième étage de l’immeuble. Ici, on entre dans la Sala dos Fornos (salle du four), construite à l’origine entre 1830 et 1840 par Abraham Wheelhouse, qui l’équipa à l’époque d’une série de fours à briques remarquables. L’ouverture quadrangulaire dans le sol qui relie le couloir inférieur, actuellement revêtue de verre de roche, était presque certainement destinée à soulever et à déplacer de la farine.

Un nouvel escalier mène à une galerie quadrangulaire qui s’ouvre dans la salle des sculptures et permet d’accéder à la fois aux bureaux administratifs supérieurs et à la terrasse, avec vue sur le fleuve, et à l’autre espace d’exposition, deux galeries longitudinales réunies en «L» et entrecoupées par d’étroits rayons de lumière naturelle.

De la galerie suivante, on accède à une salle attenante, espace expérimental bordé de bois où alternent lumière naturelle et lumière artificielle.

La bibliothèque et le Gabinete de Desenhos (salon) sont adjacents à cette salle, les deux zones où l’héritage monastique est peut-être le plus évident, par exemple dans les plafonds voûtés et les deux piliers, qui se distinguent parmi l’ensemble des équipements techniques.

En conclusion de la visite, le visiteur descend par un escalier suspendu jusqu’au café et pénètre dans la terrasse ouverte et le jardin où se trouve une sculpture en bronze des XIXe et XXe siècles. Du jardin, on retourne, par une porte vitrée, à la passerelle suspendue de l’atrium et de là à la réception.

Collection
Le musée national d’art contemporain – La collection du Museu do Chiado retrace l’histoire de l’art portugais de la seconde moitié du XIXe siècle à nos jours et constitue un point de référence incontournable pour les personnes intéressées par son étude.

Le début de la collection est marqué par l’émergence du romantisme au milieu du XIXe siècle. Des artistes tels que Tomás da Anunciação et Cristino da Silva transmettent l’esprit romantique à travers des paysages colossaux, des décors rustiques et dynamiques et un éclairage de fond crépusculaire. L’animalisme et le portrait, dont les plus grands représentants ont été Anunciação et Luiz de Menezes, complètent les thèmes romantiques. Le portrait de Miguel Ângelo Lupi a également été repensé dans une perspective réaliste.

Un moment de renouveau a été vécu avec l’introduction, par Silva Porto et Marques de Oliveira, de recherches sur les possibilités de la lumière naturelle, mettant à jour la compréhension de la nature et la façon dont elle avait été abordée de manière imagée. Le paysage ainsi rendu est le principal domaine d’expérimentation du naturalisme, à côté du portrait, qui trouve sa plus belle expression dans l’œuvre d’António Ramalho et, surtout, de Columbano Bordalo Pinheiro.

Introduisant de nouveaux éléments artistiques, le symbolisme d’António Carneiro et de Sousa Lopes marque la transition vers le XXe siècle, qui a débuté par un bref mais saisissant essor de l’avant-gardisme, dont le meilleur exemple est l’œuvre d’Amadeo de Souza-Cardoso. de Santa Rita et l’orphisme d’Eduardo Viana. L’expressionnisme de Mário Eloy dans les années 1920 et le dimensionnisme et le surréalisme développés par António Pedro dans les années 1930, qui ont permis d’établir un lien avec les jeunes surréalistes des années 1940.

Parallèlement à ces études novatrices, un groupe d’artistes a développé le modernisme portugais, défini par un «équilibre indispensable» compatible avec la «politique de l’esprit» d’António Ferro. Ainsi, Almada Negreiros, Dordio Gomes, Abel Manta, Bernardo Marques, Carlos Botelho et Viana et Eloy eux-mêmes, ainsi que les sculpteurs Canto da Maia, Diogo de Macedo et Francisco Franco ont fondé leur recherche sur un classicisme qui tire ses références fondamentales de l’organisation volumétrique de Cezánne. et le travail de la période classique de Picasso.

Les préoccupations politiques restèrent en dehors de l’expression artistique jusqu’au néoréalisme des années 1940, lorsqu’un groupe d’artistes, parmi lesquels Manuel Filipe et Júlio Pomar se distinguèrent, donna une forme formelle à la critique sociale par le biais d’une distorsion expressive. Dans le même temps, le surréalisme s’est développé, ce qui a réactualisé le discours artistique à travers l’expérimentation et le hasard dans les processus de production. António Dacosta, Marcelino Vespeira, Fernando Lemos, Fernando de Azevedo, Jorge Vieira et Mário Cesariny étaient les principaux protagonistes du mouvement. L’art abstrait, introduit en 1944 par Fernando Lanhas, complète ce panorama. Lanhas a travaillé seul jusqu’à ce que Jorge Vieira se consacre à la sculpture et Nadir Afonso et Joaquim Rodrigo à la peinture développent également un intérêt pour l’abstraction.

Les années 60 et 70 ont consolidé une rupture artistique avec la mise à jour des supports de pression et des méthodes. L’esprit d’avant-garde a été récupéré et les artistes et tendances qui les concernaient se sont multipliés, allant de la nouvelle figuration dans les œuvres de Paula Rego et Joaquim Rodrigo à la nouvelle abstraction qui objective la peinture de Jorge Pinheiro, l’expérimentation sur l’objet menée par plusieurs membres. du groupe KWY, en particulier Lourdes Castro et René Bértholo, l’adaptation de Pop Art au contexte portugais de Sá Nogueira, l’examen des questions de perception de Noronha da Costa et Jorge Martins, la recherche sur les signes d’António Sena et João Vieira , et le travail lié au mouvement pressant du Land Art et du mouvement post-conceptuel dominant, parmi lequel Alberto Carneiro, Helena Almeida et Julião Sarmento se distinguent. Le retour à la peinture, aux formes et à l’expressionnisme vécus dans les années 80, ainsi que d’autres enjeux internationaux liés à l’image et à son identité, sont représentés dans la collection par le travail des plus grands artistes de la décennie: Júlia Ventura, José Pedro Croft, Julião Sarmento, Jorge Molder, Pedro Cabrita Reis et Rui Sanches.

La paternité, la déviation et la similitude sont les thèmes exprimés dans le travail de João Penalva qui, avec le romantisme de Rui Chafes et la conscience critique du groupe Homeostético, fait la transition vers les années 90, marquée par des préoccupations différentes mais dévorantes (Ângela Ferreira (João Tabarra, Miguel Palma, Augusto Alves da Silva), lors de l’instauration d’un dialogue réflexif avec des déclarations compromises sur les plans politique, social et culturel. En constante mise à jour, la collection contient des exemples d’oeuvres très récentes d’artistes à la pointe de l’art du XXIe siècle, telles que Alexandre Estrela, João Onofre et João Pedro Vale.