Musique des Philippines

La musique des Philippines comprend les arts de la performance musicale aux Philippines ou les philippins composés de différents genres et styles. Les compositions sont souvent un mélange de différentes influences asiatiques, espagnoles, latino-américaines, américaines et indigènes.

La musique des Philippines est un mélange de sons européens, américains et natifs. Influencé par la musique philippine de 377 ans, héritage de l’Espagne coloniale, du rock and roll occidental, du hip-hop et de la musique populaire des États-Unis, la musique folklorique de la musique austronésienne et indo-malaise de Gamelan.

Musique primale
Une série d’enregistrements réalisés sur de la musique jouée sur place est une musique primitive. Il ne doit pas être répété et doit être effectué une seule fois.

Musique indigène
Parmi les compositeurs de chansons populaires, on peut citer l’artiste national pour la musique, Lucio San Pedro, qui a composé le fameux « Sa Ugoy ng Duyan » qui évoque le contact affectueux de la mère avec son enfant. Un autre grand compositeur connu comme compositeur patriotique, Antonio Buenaventura.

Musique de gong
La musique philippine du gong peut être divisée en deux types: le gong plat communément appelé gangsà et joué par les groupes de la région de la Cordillère des gongs à tête grise joués parmi les groupes islamistes et animistes du sud des Philippines.

Kulintang fait référence à un instrument à carillon en forme de gong monté dans les îles du sud des Philippines, avec ses ensembles d’accompagnement variés. Différents groupes ont des manières différentes de jouer le kulintang. Deux groupes majeurs semblent se démarquer dans la musique kulintang. Ce sont les Maguindanaon et les Maranaw. L’instrument kulintang lui-même pouvait être attribué à l’introduction de gongs en Asie du Sud-Est depuis l’Inde avant le Xe siècle ou, plus probablement, à l’introduction de gongs de Java via l’Inde au XVe siècle. Néanmoins, l’ensemble kulintang est la forme de musique la plus avancée d’avant la fin du XVIe siècle et l’héritage des Européens dans l’archipel des Philippines.

La tradition de la musique d’ensemble kulintang elle-même est régionale, antérieure à la création des Philippines, de l’Indonésie et de la Malaisie actuelles. Il transcende la religion, avec des groupes ethniques bouddhistes, hindous et chrétiens à Bornéo, Flores et Sulawesi jouant du kulintangan; et des groupes musulmans jouant le même genre de musique à Mindanao, Palawan et l’archipel de Sulu. Il est lié de manière lointaine aux ensembles gamelan de Java et de Bali, ainsi qu’aux formes musicales de l’Asie du Sud-Est continentale, principalement en raison de leur utilisation pour les mêmes carillons de gong à la fois mélodiques et percutants.

Musique d’influence hispanique
L’Espagne a gouverné les Philippines pendant 333 ans et l’influence hispanique dans la culture philippine est omniprésente. Cette influence peut être facilement constatée dans la musique folklorique et traditionnelle, en particulier dans les régions de Tagalog et de Visayan, où l’influence espagnole était la plus grande.

Musique Rondalla
Le Rondalla est un orchestre à cordes traditionnel composé d’instruments de type mandoline à deux cordes tels que la banduria et le laud; une guitare; une contrebasse; et souvent un tambour pour percussion. La rondalla tire ses origines de la tradition ibérique de rondalla et accompagne plusieurs formes de chants et danses influencées par les hispaniques.

Harana et Kundiman
Les Harana et Kundiman sont des chansons lyriques populaires datant de la période espagnole et sont généralement utilisées dans les rituels de cour. Le Harana est ancré dans la tradition mexico-espagnole et basé sur les motifs rythmiques de la habanera. Le Kundiman, quant à lui, a des origines précoloniales dans les régions tagalophones du pays, utilise un rythme à trois mètres et se caractérise par un début de touche mineure et un changement majeur au second semestre.

Dans les années 1920, Harana et Kundiman sont devenues plus populaires après que des artistes comme Atang de la Rama, Jovita Fuentes, Conching Rosal, Sylvia La Torre et Ruben Tagalog les ont présentés à un public plus large.

Tinikling
Le Tinikling est une danse de Leyte qui consiste à frapper, à taper et à glisser sur le sol, en coordination avec un ou plusieurs danseurs qui se promènent entre les pôles. C’est l’une des danses philippines les plus emblématiques et elle est similaire à d’autres danses de bambou d’Asie du Sud-Est.

Cariñosa
La Cariñosa (qui signifie « aimante » ou « affectueuse ») est la danse nationale et fait partie de la suite de danses folkloriques philippines María Clara. Il est notable pour l’utilisation du ventilateur et du mouchoir en amplifiant les gestes romantiques exprimés par le couple effectuant la danse traditionnelle de cour. La danse est similaire à celle du mexicain Jarabe Tapatío et est liée aux danses de Kuracha, Amenudo et Kuradang dans la région des Visayas et de Mindanao.

Musique Pilipino originale
La musique originale de Pilipino, plus communément appelée musique originale de Pinoy, musique philippine originale ou OPM, ne se référait à l’origine qu’aux chansons pop philippines, en particulier aux ballades populaires après l’effondrement de son prédécesseur, le Manila Sound de la fin des années 1970.

Sylvia La Torre, Diomedes Maturan, Ric Manrique Jr., Ruben Tagalog, Helen Gamboa, Vilma Santos, Edgar Mortiz, Carmen Camacho, entre autres, ont vu le jour entre les années 1950 et 1960.

Dans les années 1970, les artistes populaires étaient Nora Aunor, Tirso Cruz III, Pilita Corrales, Eddie Peregrina, Ramon Jacinto, Victor Wood et Asin. Les plus grands artistes musicaux philippins commerciaux étaient Claire dela Fuente, Didith Reyes, Rico Puno, Ryan Cayabyab, Basil Valdez, Celeste Legaspi, Hajji Alejandro, Rey Valera, Freddie Aguilar, Imelda Papin, Eva Eugenio, Marco Sison, Nonoy Zuniga et Leah. Navarro, Cendrillon, Tillie Moreno, Ric Segreto, Janet Basco, Boyfriends (groupe philippin), Hotdog, VST & Co. et bien d’autres.

Entre les années 1980 et les années 1990, OPM était dirigée par des artistes tels que Regine Velasquez, Pops Fernandez, APO Randonnée, Kuh Ledesma, José Mari Chan, Dingdong Avanzado, Rodel Naval, Janno Gibbs, Ogie Alcasid, Joey Albert, Lilet, Martin Nievera. , Manilyn Reynes, Lea Salonga, Kristina Paner, Rachel Alejandro, Raymond Lauchengco, JoAnne Lorenzana, Francis Magalona, ​​Sharon Cuneta, Sheryl Cruz, Keno, Lou Bonnevie, Zsa Zsa Padilla et Gary Valenciano, entre autres.

Dans les années 1990, Eraserheads, The Company (groupe vocal), April Boy Regino, Smokey Mountain, Rivermaya, Jaya, Agot Isidro, Dessa (chanteuse philippine), Isabel Granada, Vina Morales, Donna Cruz, Jolina Magdangal, Jessa Zaragoza , Ariel Rivera, Frontière Sud, Carol Banawa, AfterImage, Côté A, Andrew E., Lani Misalucha, Saison Ella May, Joey Ayala, chanteur, April Boys, Color It Red, Roselle Nava et Blakdyak.

Dans les années 2000 et 2010, les principaux artistes OPM étaient Sarah Geronimo, Julie Anne San José, Angeline Quinto, Jonalyn Viray, Kitchie Nadal, Barbie’s Cradle, KZ Tandingan, Aiza Seguerra, Toni Gonzaga, Nina, Yeng Constantino, Piolo Pascual et Jovit Baldivino. , KZ Tandingan, Nyoy Volante, Spongecola, Jennylyn Mercado, Kim Chiu, Mark Bautista, Christian Bautista, Charice, Jed Madela, Erik Santos, Parokya Ni Edgar, Kamikazee, Sam Milby, Abra, James Reid, Sheryn Regis et Gloc-9, parmi beaucoup d’autres.

Des groupes clandestins ont émergé et avec eux leurs perceptions de l’idéalisme et de l’expression de soi. Le célèbre parolier de Circle ‘s End, Geno Georsua est arrivé en tête comme expressionniste mélodramatique. Le bassiste Greg Soliman de UST Pendong saisit le titre de meilleur bassiste de musique underground.

Depuis son origine, l’OPM a été centré à Manille, où le tagalog et l’anglais sont les langues dominantes. D’autres groupes ethnolinguistiques tels que Visayan, Bikol et Kapampangan, bien que produisant de la musique dans leur langue maternelle, ont rarement été reconnus comme des OPM. Les cas inhabituels incluent la chanson de Bisrock (musique rock de Visayan) « Charing » par le groupe de Davao, 1017. Les défenseurs du multiculturalisme et les fédéralistes associent souvent cet écart à l’hégémonie culturelle de Manille centrée sur le tagalog. Ayant créé avec succès un sous-genre de rock philippin qu’ils appellent « Bisrock », les Visayans ont, de loin, la plus grande collection de musique moderne dans leur langue maternelle, avec de grandes contributions des groupes Visayan Phylum et Missing Filemon. Cependant, un groupe appelé Panciteria de Groupies, originaire de Tacloban, ville de langue Winaray, a lancé en 2009 un album mp3 téléchargeable gratuitement sur Soundclick.com, contenant 13 chansons en tagalog et une très courte chanson en langue cebuano.

Les Kapampangans suivent. Le premier vidéoclip de « Oras » (« Time ») du groupe Kapampangan basé à Tarlac City, Mernuts, a pénétré dans MTV Pilipinas, devenant ainsi le premier vidéoclip de Kapampangan à rejoindre les rangs des autres clips musicaux traditionnels philippins. RocKapampangan: La naissance de Philippine Kapampangan Rock, un album de remakes modernes de chansons improvisées folkloriques Kapampangan de divers groupes de Kapampangan a également été lancé en février 2008 et était régulièrement diffusé via la chaîne câblée Infomax-8 de Kapampangan. stations, GVFM 99.1. Inspiré par ce que les habitants appellent «la renaissance culturelle Kapampangan», le ballereur Ronnie Liang, né à Angeles City, a traduit certaines de ses chansons populaires telles que «Ayli» (version Kapampangan de «Ngiti») et «Ika» (version Kapampangan de Kapampangan). « Ikaw ») pour son album reconditionné.

Malgré la demande croissante de musique non-tagalog et non anglaise et la plus grande représentation des autres langues philippines, l’industrie locale de la musique philippine, basée à Manille, n’est pas à même d’investir dans d’autres régions. Parmi leurs principales raisons figurent la barrière de la langue, la petite taille du marché et l’importance socioculturelle du régionalisme aux Philippines.

Le premier concours de composition de chansons du pays, Metro Manila Popular Music Festival, a été créé en 1977 et lancé par la Fondation de musique populaire des Philippines. L’événement a mis en vedette de nombreux chanteurs et compositeurs de premier plan à son époque. Il a été organisé chaque année pendant sept ans jusqu’à son interruption en 1985. Il a ensuite été relancé en 1996 sous le nom de « Metropop Song Festival », pour sept années supplémentaires avant d’être abandonné en 2003 en raison du déclin de sa popularité. Une autre variante du festival, baptisée Himig Handog, a été lancée en 2000 et exploitée par ABS-CBN Corporation et sa filiale musicale Star Records. Cinq compétitions ont eu lieu jusqu’à présent entre 2000 et 2003 et ont finalement été relancées en 2013. Contrairement à ses prédécesseurs, le concours a différents thèmes qui reflètent le type de chansons choisies comme finalistes chaque année. En 2012, le Philippine Popular Music Festival a été lancé et serait inspiré par le premier concours de composition de chansons.

Musique pop
OPM pop a été régulièrement présenté dans la scène du groupe. Des groupes tels que Neocolours, Side A, Introvoys, Les Dents, Yano, True Faith, Passage et Freestyle ont popularisé les chansons qui reflètent clairement le caractère sentimental de la pop OPM.

Dans le nouveau millénaire jusqu’aux années 2010, les artistes de la musique pop philippine célèbres comprenaient, entre autres, Sarah Geronimo, Erik Santos, Yeng Constantino, Mark Bautista, KZ Tandingan et Christian Bautista.

Chorale
La musique chorale est devenue une partie importante de la culture musicale philippine. Il remonte aux chœurs des églises qui chantent lors de la messe d’antan. Au milieu du 20ème siècle, des groupes de choristes performants ont commencé à émerger et sont devenus de plus en plus populaires avec le temps. Outre les églises, les universités, les écoles et les communautés locales ont créé des chœurs.

Des arrangeurs choraux philippins tels que Robert Delgado, Fidel Calalang, Lucio San Pedro, Eudenice Palaruan, entre autres, ont inclus dans les vastes répertoires de choeurs de superbes arrangements d’OPM, des chansons folkloriques, des chansons patriotiques, des chansons d’amour, des chansons étrangères.

Les Philippine Madrigal Singers (à l’origine l’Université des Philippines Madrigal Singers) est l’un des groupes choraux les plus célèbres, non seulement aux Philippines, mais aussi dans le monde entier. Gagnant des compétitions internationales, le groupe est devenu l’un des groupes de chorales les plus redoutables du pays. Les autres groupes choraux primés sont l’Université de Santo Tomas Singers, les Philippine Meistersingers (ex-ambassadeurs de l’Université adventiste des Philippines), les UP Singing Ambassadors et UP Concert Chorus, entre autres.

Musique rock
Les États-Unis occupèrent les îles de 1898 à 1946 et introduisirent le blues américain, la musique folklorique, le R & B et le rock & roll, qui devinrent populaires. À la fin des années 1950, des interprètes autochtones ont adapté les paroles en tagalog pour le rock et la musique nord-américaine, donnant naissance aux origines du rock philippin. La performance la plus notable dans le rock philippin des années 1960 a été la chanson à succès « Killer Joe », qui a propulsé le groupe Rocky Fellers, atteignant le numéro 16 des palmarès radio américains.

Jusque dans les années 1970, les musiciens de rock populaires ont commencé à écrire et à produire en anglais. Au début des années 1970, la musique rock a commencé à être écrite en utilisant des langues locales, avec des groupes comme le groupe Juan Dela Cruz parmi les premiers groupes populaires à le faire. Mélanger des paroles en tagalog et en anglais a également été populairement utilisé dans la même chanson, dans des chansons comme « Ang Miss Univers Ng Buhay Ko » (« Le Miss Univers de ma vie ») du groupe Hotdog qui a contribué à innover le Manila Sound. Le mélange des deux langues (connu sous le nom de « Taglish »), bien que commun dans les discours informels aux Philippines, était perçu comme un geste audacieux, mais le succès de Taglish dans les chansons populaires, y compris le premier succès de Sharon Cuneta « Mr. DJ » , cassé la barrière pour toujours.

Les musiciens de rock philippins ont ajouté de la musique folklorique et d’autres influences, contribuant ainsi au succès de Freddie Aguilar en 1978. Son premier enregistrement, « Anak » (« Enfant ») d’Aguilar, est l’enregistrement philippin le plus populaire sur le plan commercial. Il est populaire dans toute l’Asie et en Europe et a été traduit dans de nombreuses langues par des chanteurs du monde entier. Asin a également fait irruption dans la scène musicale à la même période et était populaire.

Le rock folk est devenu la musique de protestation philippine des années 1980 et le « Bayan Ko » (« mon pays ») d’Aguilar est devenu populaire comme hymne lors de la révolution EDSA de 1986. Dans le même temps, une contre-culture a rejeté la montée des paroles politiques. À Manille, une scène punk-rock se développe, menée par des groupes comme Betrayed, The Jerks, Urban Bandits et Contras. L’influence de la nouvelle vague a également été ressentie au cours de ces années, sous l’impulsion de The Dawn.

Les années 1980 ont vu l’émergence d’Asin (groupe), Sampaguita (chanteur), Coritha, Florante, Mike Hanopol et Heber Bartolome.

Les années 1990 ont vu l’émergence d’Eraserheads, considérés par de nombreux ressortissants philippins comme le groupe numéro un sur la scène d’enregistrement philippine. À la suite de leur succès, il y a eu l’émergence d’une série de groupes de rock philippins influents tels que True Faith (groupe), Yano, Siakol, Teeth (groupe), Parokya ni Edgar et Rivermaya. sous-genres de rock dans leur style.

Le rock philippin dans les années 2000 s’est également développé pour inclure du hard rock, du heavy metal et du rock alternatif comme Razorback, Wolfgang, Greyhoundz, Slapshock, Queso, Bamboo, Kamikazee, Franco, Urbandub et les groupes progressifs Paradigm, Fuseboxx, Earthmover et Eternal Now. .

Les années 2010 ont vu l’émergence de divers actes non signés de différents sous-genres d’un autre format de rock: la musique indépendante. Actus indépendants tels que Autotelic, Bullet Dumas, Ang Bandang Shirley, Cheats, BP Valenzuela, Elle n’a que seize ans, Le Collectif Ransom, Oh, Flamingo !, Sud, Jensen et The Flips, MilesExperience, Tom’s Story, Ben & Ben, IV de Spades, Clara Bénin et Reese Lansangan, entre autres.

Les festivals de rock ont ​​émergé au cours des dernières années et ce fut un événement annuel pour certains des amateurs de rock / métal. Un grand événement est le Pulp Summer Slam où des groupes de rock / metal locaux et des groupes internationaux tels que Lamb of God, Anthrax, Death Angel et Arch Enemy ont joué.

Le genre néo-traditionnel de la musique philippine gagne également en popularité, avec des artistes tels que Joey Ayala, Grace Nono, Bayang Barrios et Pinikpikan qui connaissent un succès commercial relatif tout en utilisant les sons musicaux traditionnels de nombreuses tribus autochtones des Philippines.

Hip hop
Le hip-hop philippin est une musique hip-hop interprétée par des musiciens d’origine philippine, tant aux Philippines qu’à l’étranger, en particulier par les Américains d’origine philippine. Les Philippines sont connues pour avoir eu la première scène de musique hip-hop en Asie depuis le début des années 1980, en grande partie à cause des liens historiques du pays avec les États-Unis où le hip-hop est né. La musique rap diffusée aux Philippines est apparue dans différentes langues telles que le tagalog, le chavacano, le cebuano, l’ilocano et l’anglais. Aux Philippines, Francis M, Gloc-9, Abra (rappeur), Michael V. et Andrew E. sont cités comme les rappeurs les plus influents du pays, étant les premiers à sortir des albums de rap grand public. Viennent ensuite les rappeuses MC Lara et Lady Diane.

Autres genres
Un certain nombre d’autres genres gagnent en popularité sur la scène musicale philippine, notamment un certain nombre de groupes alternatifs et de bandes tribales faisant la promotion de la conscience culturelle des îles Philippines.

De même, le jazz a connu un regain de popularité. WDOUJI (Witch Doctors of Underground Jazz Improvisation) a donné l’impulsion initiale avec son album indépendant primé « Ground Zero » distribué par le défunt N / A Records en 2002 et le quatuor de Buhay dirigé par Tots Tolentino l’année précédente. . Cela a ouvert la voie à des tentatives ultérieures, dont le groupe de jazz philippin Johnny Alegre Affinity, dont le premier album éponyme a été publié en 2005 sous le label londonien Candid Records. Mon David a également fait le tour du circuit musical de Las Vegas. Parmi les artistes féminines, Mishka Adams a été la plus importante. Un développement récent est la fusion de la parole et du jazz et aussi avec le rock, principalement attribué à Radioactive Sago Project. Bob Aves, avec son jazz ethno-infusé, The Jazz Volunteers et Akasha, qui ont ancré les légendaires confitures de jazz underground au Freedom Bar pendant près de 11 ans, sont d’autres noms notables. Aujourd’hui, des jams de jazz underground sont désormais organisés dans un bar appelé TAGO jazz bar, situé à Main Avenue, Cubao. Les groupes de jazz les plus récents sont apparus sur la scène jazz locale, à savoir le Swingster Syndicate, pionnier dans le post-bop et le jazz moderne, et Camerata Jazz, connu pour ses arrangements et son jazz philippins.

Les chansons de Pinoy sont devenues populaires dans les années 1970 jusqu’au début des années 1980. Les chanteurs de nouveauté populaires à cette époque étaient Reycard Duet, Fred Panopio et Yoyoy Villame. Michael V., Bayani Agbayani, Masculados, Vhong Navarro, Sexbomb Girls, Joey de Leon (« Itaktak Mo »), Viva Hot Babes et Willie Revillame étaient des artistes pop novateurs dans les années 1990 et 2000.

La musique bossa nova et latino est populaire depuis les années 1970. Des artistes comme Annie Brazil ont été actifs dans les années 1970, tandis que Sitti a récemment reçu des critiques élogieuses pour ses reprises de bossa nova sur des chansons populaires.

Bien qu’il y ait depuis longtemps une scène underground de reggae et de ska florissante, en particulier à Baguio City, ce n’est que récemment que les genres ont été acceptés dans le courant dominant. Des actes tels que Brownman Revival, Put3ska, Roots Revival of Cebu et The Brown Outfit Bureau de Tarlac City ont contribué à populariser ce que l’on appelle les « Island Riddims ». Il y a aussi un renouveau des mods en plein essor, dirigé par Juan Pablo Dream et une grande scène indie-pop.

La musique électronique a commencé au milieu des années 1990 dans le sous-sol de Manille, dirigé par des sommités comme Manolet Dario du Consortium. En 2010, les artistes locaux ont commencé à créer eux-mêmes des chansons en électropop. À l’heure actuelle, la plupart des chansons électroniques sont utilisées dans les publicités. La seule station de radio qui joue uniquement de la musique électronique est la radio 107.9 U. Les années 2010 ont également marqué la naissance de producteurs indépendants, de DJ et d’artistes indépendants tels que Somedaydream, Borhuh, Kidwolf, Zelijah, John Sedano, MVRXX, MRKIII, Bojam, CRWN, NINNO, Kidthrones et Jess Connelly.

Musique folklorique des Philippines
La musique folklorique des Philippines, en tant que musique folklorique d’autres pays, reflète la vie des gens ordinaires, qui vivent généralement dans les villes plutôt que dans les villes. Comme d’autres musiques autochtones d’Asie, la plupart des musiques autochtones des Philippines sont liées à l’environnement. Au contraire, la plupart d’entre eux utilisent une échelle diatonique plutôt qu’une échelle pentatonique.

Intégration Est et Ouest
Comme le paysage du pays, la musique indigène des Philippines est un produit de son histoire colorée. La musique indigène des Philippines a été influencée par le genre de culture qu’elle a connu, et il n’est pas surprenant qu’elle soit aussi bonne que la musique en Chine ou en Inde, car elle ressemble à l’Europe.

Comme les personnes qui travaillent et l’utilisent, la musique indigène des Philippines peut être considérée comme occidentale ou non occidentale, et bien qu’il y ait d’autres divisions dans chaque catégorie, elle montre encore la civilisation d’un groupe. À travers la musique folklorique, il est bon de voir que les Philippins ont une foi profonde en Dieu, une famille proche et respectueuse de l’environnement.

Musique vocale
La musique vocale reste la forme de musique la plus importante trouvée dans le groupe ethnique des Philippines. Et bien qu’il y ait aussi des comédies musicales pour la danse, la musique est toujours la meilleure organisée par les Philippins académiques.

Selon le livre Philippine Literature: Folk Songs de Mauricia Borromeo, les chansons indigènes du pays peuvent être classées comme des chansons occidentales, mala-psaumes et sekulaires provenant de groupes autochtones.

Réveiller l’ouest
Selon Borromeo, les chansons indigènes des Philippines à l’ouest présentent les caractéristiques suivantes:

melodiyang madaling awitin,
silabik et vers,
forme simple,
au maire ou au mineur,
avec des torsions ou des virages,
et accompagnement simple.
Melodiya
La musique occidentale a influencé la chanson folklorique des Philippines à travers l’Espagne. Les Philippines étant soumises à l’occupation espagnole depuis plus de 300 ans, il n’est pas étonnant qu’une personne puisse entendre des similitudes dans la musique folklorique de ces deux pays.

Ce type de musique se retrouve généralement chez les indigènes qui acceptent les croyances chrétiennes, car ils entretiennent une relation plus longue avec les Espagnols que les groupes non chrétiens.

The Broadcasting Music des Philippines a également assisté aux examens de Dorothy Scarborough:

(en anglais)

Une chanson qui commence comme une partition, dûment créditée à l’auteur et au compositeur, peut être modifiée quant aux mots ou à la musique, ou aux deux, par des chanteurs qui l’apprennent et la transmettent oralement pour devenir une chanson folklorique. Le fait que cette source soit connue sous le nom de musique publiée ne fait aucune différence. « … aucune musique folk authentique n’est jamais la copie exacte d’une autre version, même d’une même chanson. Chaque version ou variante a sa propre valeur. » (Scarborough 1935: Avant-propos)
(en tagalog)

Une chanson commence comme un morceau de musique, qui fait l’éloge de l’auteur et du compositeur, qui peut être remplacé comme des mots ou de la musique, ou les deux, par des chanteurs qui ont appris et qui ont fait mouche, qui semble être une chanson folklorique. Le fait que partout où cela peut être appris en tant que musique imprimée n’est pas une différence. « … il n’y a pas de musique folklorique authentique avec une copie exacte de toute version mais la même chanson. Chaque version ou variante a sa propre confidentialité. » (Scarborough 1935: Préface)
Il est évident que des chansons telles que Bisaya-Bisaya telles que Matud Nila et Occasionnellement sont également considérées comme des chansons folkloriques, même si certains passages disent qu’elles ont été créées par Ben Zubiri et Nitoy Gonzales.

Dans le cas du registre, il est facile de chanter même si un chanteur n’étudie pas la musique. La plupart de ces chansons n’ont qu’une plage d’enregistrement comprise entre six et onze tons, tandis que le registre vocal standard normal est de 14 tonalités ou un demi-avoine.

Ils sont également chantés de manière non stressée et, bien qu’ils puissent être utilisés par des falsos, comme les anciens, ils peuvent aussi être inutilisés. S’il y a des moments où ces chansons sont plagiées, beaucoup d’entre elles sont bien parlées par la voix, comme dans la musique populaire.

Estimation et stèle
La plupart des musiciens de style occidental peuvent se voir attribuer un corridor classique, vous avez quatre lignes avec un linceul ou une chanson, vous avez quatre lignes de 12 syllabes chacune. Et bien que cela ne corresponde pas, les lignes finissent dans l’assonance.

Malgré les similitudes entre les chansons folkloriques espagnoles, la musique folklorique autochtone des Philippines n’utilisait pas de longs mellismes. Par conséquent, One Word for Every Note dans le film The Sound of Music est facile à voir dans les chansons folkloriques philippines.

Les caractéristiques de la chanson indigène commune des Philippines sont également caractéristiques d’être stropiques, où une seule mélodie est utilisée à tous les stades. Il semblera bon sur les Ballads, bien que la strophique modifiée, comme la chanson irlandaise Red Is the Rose, soit difficile à trouver. Le mode Dual est également couramment utilisé alors qu’un seul ton sur toutes les étapes est un autre refrain de tonalité différente.

Popularité
Contrairement aux pays de l’Irlande, de la Hongrie et de la République tchèque, il a toujours été l’identité nationale de la musique indigène des Philippines. C’est probablement le résultat de chaque région ayant sa propre langue.

Et bien qu’il y ait des personnes qui tentent de se rassembler dans différentes langues, personne n’a réussi à l’enseigner au niveau primaire. À l’exception des chansons pour enfants, la musique indigène ne fait pas attention aux salles de classe. Par conséquent, il est évident que les chansons folkloriques ne sont que des chansons pour enfants.

L’entrée à la télévision a également contribué à sa perte rapide de popularité, car les Philippins ont immédiatement vu la culture populaire d’Europe et des États-Unis. Et bien que de nombreux Européens adorent dire de la musique, les Philippins risquent toujours de perdre de la musique folklorique.

Tentatives de recrutement
Il y a eu des occasions dans la musique indigène des Philippines pour presque toutes les pièces maîtresses de la musique. Sous les 300 ans d’occupation espagnole aux Philippines, aucun rassemblement de musique folklorique n’a eu lieu. Et bien qu’il y ait eu des occasions à l’époque américaine, elle n’a eu lieu qu’à la fin du 20ème siècle, alors que les romantiques européens voient l’importance des chansons autochtones.

Pendant l’occupation américaine des Philippines, il y a eu des tentatives pour rassembler de la musique folklorique mais ce n’était que les dernières années. La première collection de Fr. Morice Vanoverberg en 1919 concernant la musique indigène de Igorot Lepanto du Nord. Ce ne sont que les seules lettres incluses dans cette collection ne sont pas les tonalités.

La collection intitulée Filipino Folk Songs d’Emilia Cavan est considérée comme la première collection avec un ton. Il a été publié en 1942. Mais la collection réalisée par Norberto Romualdez dans les années 1950 reste la plus importante de cette discipline. Il est nommé d’après la Philippine Progressive Music Series et est également devenu un livre de musique pédagogique standard pour les écoles.

Malheureusement, les Américains étaient les assistants de Romualdez et traduisaient les lettres de ces chansons de langues originales en philippin et en anglais. Cela est dû au désir de cette collection d’apporter les sentiments patriotiques philippins. C’est le fait que le folklore national philippin, Philippines notre terre natale et même les Philippines, le beau, sont une adaptation de l’Amérique le beau dans la liste des chansons. Il a également des chansons des chansons folkloriques d’autres pays.

Un usage commercial
Certains chanteurs de rock ont ​​tenté de tresser les chansons folkloriques dans les années 1970 et à cette époque aux États-Unis. Parmi eux figurent les chanteurs Joey Ayala, Bayang Barrios, Freddie Aguilar et le groupe Salt.

Un certain nombre de musiciens sérieux l’ont également fait, mais personne n’a réussi à le mettre aux États-Unis. Aujourd’hui, il ne suffit plus d’attirer les chanteurs populaires et seuls ceux qui étudient la musique dans les universités en font la promotion.