Musée des arts appliqués, Vienne, Autriche

Le Museum of Applied Arts (en allemand: Museum für angewandte Kunst, MAK) est un musée des arts et métiers situé au Stubenring 5 dans le 1er arrondissement de Vienne Innere Stadt. Outre son orientation traditionnelle vers les arts et l’artisanat et le design, le musée se concentre particulièrement sur l’architecture et l’art contemporain.

Le MAK est un musée et un espace d’expérimentation pour les arts appliqués à l’interface du design, de l’architecture et de l’art contemporain. Sa compétence centrale réside dans une exploration contemporaine de ces domaines visant à révéler de nouvelles perspectives et à élucider le discours à la lisière des traditions de l’institution.

Le MAK concentre ses efforts sur l’obtention d’une reconnaissance et d’un positionnement adéquats des arts appliqués. Il poursuit de nouvelles approches de sa vaste collection, qui englobe diverses époques, matériaux et disciplines artistiques, et développe ces approches pour des vues convaincantes.

Bâtiment
À partir de 1869, un nouveau complexe de musée pour le kk Musée autrichien d’art et d’industrie a été construit sur Stubenring 5 dans le style néo-Renaissance selon les plans de Heinrich von Ferstel. Le peintre Ferdinand Laufberger a réalisé une frise en sgraffite et les fresques sur la voûte en miroir de la cage d’escalier. Le 15 novembre 1871, le musée a été ouvert au public dans le cadre d’une grande ouverture et inauguré en tant que premier bâtiment du musée sur le ring. Les dessins animés de Laufberger ont été perdus, et donc vers 1893, la peinture murale des personnages sur la façade extérieure a été réalisée par les élèves de l’école des arts et métiers de Karl Karger. À partir de 1875, en plus du Musée autrichien, un nouveau bâtiment adjacent a été construit pour l’école des arts et métiers de Stubenring 3, dont les plans provenaient également de Heinrich von Ferstel. Il a été ouvert en 1877.

En 1906, une extension du musée de la Weiskirchnerstraße 3 a été conçue par Ludwig Baumann et achevée en 1908. Après la Seconde Guerre mondiale, les dommages de guerre au bâtiment du musée ont été réparés jusqu’en 1949.

En 1989, la rénovation générale du complexe immobilier existant et la construction d’un stockage souterrain à deux étages ont commencé, ce qui a créé des dépôts supplémentaires pour la collection et des espaces d’exposition supplémentaires.

Après cette rénovation, le musée a ouvert ses portes en 1993 et ​​ses salles d’exposition ont été conçues par des artistes tels que Barbara Bloom, Eichinger ou Knechtl, Günther Förg, Gangart, Franz Graf, Jenny Holzer, Donald Judd, Peter Noever, Manfred Wakolbinger et Heimo Zobernig. En 2014, il y a eu une réorganisation de la collection de spectacles de tapis avec une intervention artistique de Füsun Onur et de la collection de spectacles Asia, dont Tadashi Kawamata a été chargée de la conception artistique en 2014 et 2016.

Le bâtiment de la Weiskirchnerstraße est réservé aux expositions temporaires, tandis que les salles du Stubenring abritent la collection d’expositions permanentes et le MAK DESIGN LAB.

L’installation lumineuse MAKlite de l’artiste américain James Turrell est installée sur la façade extérieure du MAK (première installation en 2004, restauration en 2018). La façade historique est éclairée grâce à une technologie d’éclairage développée avec l’expert en éclairage artificiel florentin Targetti utilisant la dernière technologie LED dans dix couleurs différentes. L’installation est visible du coucher du soleil jusqu’à minuit et le matin de 5h00 jusqu’au lever du soleil. James Turrell est également représenté dans la collection MAK avec le Skyspace L’autre Horizon de la succursale MAK Geymüllerschlössel dans le 18e arrondissement de Vienne.

Histoire de la collection
Le MAK abrite une collection inégalée d’arts appliqués, de design, d’architecture et d’art contemporain qui s’est développée en 150 ans.

Dans la manière dont sa collection a vu le jour, le Musée impérial royal autrichien d’art et d’industrie, ouvert en 1864, était un cas exceptionnel au milieu du paysage muséal viennois naissant.

Le musée, officiellement créé en 1863 dans le but de promouvoir l’innovation, était une institution culturelle basée non pas sur une collection impériale ou noble mais sur une collection à compiler à partir de zéro, suivant ainsi un concept entièrement nouveau plus proche de la notion bourgeoise et libérale d’avancer les métiers qu’il ne l’était à tous les désirs de représentation aristocratique. C’était un musée moderne orienté vers les besoins de la population en général et des producteurs de biens.

Au XIXe siècle, la critique de la pratique des musées d’art de réserver leurs espaces exclusivement à des œuvres d’art «pur» présentées sans égard à leur contexte d’origine était tout aussi courante que d’exiger que les musées accordent également une attention appropriée aux processus par lesquels le les pièces exposées avaient été produites. Le fait que les musées d’art aient négligé les aspects technologiques était en fait considéré comme en partie responsable du rythme relativement lent des progrès des arts.

C’est en réponse à de telles lacunes que Gottfried Semper a développé son «plan idéal» pour un musée «métallotechnique» fictif en 1852. Selon ce concept détaillé – mais difficilement réalisable -, le musée devait combiner une collection de modèles, y compris -des échantillons de date de l’industrie métallurgique avec un «musée imaginaire» d’art métallique. Ce que Semper a décrit n’était rien de moins qu’un musée universel, dont la collection organisée «historiquement, ethnographiquement et technologiquement» examinerait l’ensemble du domaine des études culturelles à la manière d’une «chronologie, d’une coupe transversale et d’un plan au sol». cela, son concept est comparable à ceux des musées des sciences d’aujourd’hui.

À l’époque de Semper, les concepts d’art, de commerce et d’industrie n’étaient pas encore considérés comme contradictoires dans la manière dont leurs définitions actuelles conduiraient à supposer. L’industrie était comprise au sens du mot latin industria, comme industriosité, et allait de pair avec la production et l’innovation par des artisans et des artistes. En Allemagne et en Autriche, où les guildes ont conservé leur influence plus longtemps que dans des pays comme la France et l’Angleterre, ce n’est que tardivement qu’une distinction est apparue entre les concepts d’art et d’artisanat. Ce n’est qu’au cours du XIXe siècle que les deux idées ont divergé dans des contextes où l’on avait précédemment parlé des manufactures d’art, des manufactures et des arts mécaniques.

En Autriche, les efforts pour faire progresser les arts mécaniques ont commencé avec la création de l’Institut polytechnique (1815) et de l’Association des métiers de Basse-Autriche (1839). Il y avait aussi des collectionneurs, des penseurs et des instructeurs de l’Académie des beaux-arts innovants tels que Johann Daniel Böhm (1794-1865), directeur de l’école de gravure de l’académie, et Rudolf von Eitelberger (1817-1885), un publiciste d’art et un éducateur qui a reconnu la problème des produits artisanaux de mauvaise qualité et des modèles collectés à utiliser comme exemples pédagogiques en vue d’une amélioration.

Lorsque Gottfried Semper a conçu son «musée idéal», il avait à l’esprit deux institutions du monde réel: le South Kensington Museum, qui avait été créé à la suite de la grande exposition de 1851 à Londres, et les écoles de design, qui avaient déjà existé à au même endroit. Ces deux institutions ont été créées afin de présenter «l’utilisation exemplaire de l’art dans l’artisanat» comme une collection et comme un outil pédagogique.

La création du «Musée impérial royal autrichien des arts et de l’industrie» a également eu lieu à la suite d’une exposition mondiale. Rudolf von Eitelberger avait été envoyé à Londres en tant que correspondant autrichien pour la deuxième foire mondiale (connue sous le nom de «Great London Exposition») en 1862, et le rapport qu’il a rédigé pour la cour impériale soulignait la compétitivité insuffisante de l’industrie des arts autrichienne à la lumière de la concurrence étrangère. Cela concerne surtout les produits français et anglais, comme cela est déjà apparu à l’Exposition de Paris en 1855. Il formule des recommandations de réformes et de création d’institutions destinées à faire avancer les métiers en Autriche. Jacob von Falke, co-fondateur du musée initié à la demande de l’empereur en 1863 et dirigé par Rudolf von Eitelberger,

Le musée, qui ne disposait initialement d’aucune collection, a adopté des statuts documentant son approche fondamentalement innovante et formulant des objectifs qui offrent toujours des points de départ clés pour une identité actuelle. Dès le début, le musée était orienté vers l’international: des correspondants ont fourni des informations sur la manière dont le commerce et les métiers étaient soutenus et cultivés de Londres à Shanghai et à Tokyo; ils ont également facilité l’acquisition d’objets et de documents de collection en suspens.

La définition de sa mission par le musée était double: soutenir la connaissance et l’industrie, cultiver le goût. La mission d’encourager et de présenter l’innovation dans la production de design et le style reste valable à ce jour. La référence aux modèles a été adaptée en tant que concept d’enseignement et d’étude pour l’ensemble de l’industrie des arts, car elle était déjà pratiquée dans les académies des arts. Un système méritant d’être imité à cet égard se trouvait en Angleterre: là-bas, la mise en place d’un nouveau système éducatif dans les années 1830 avait donné lieu à un dualisme entre l’enseignement humaniste universitaire et la formation professionnelle à vocation commerciale, avec une ornements, une compétence qui devenait de plus en plus importante dans la production industrielle, sous-traités par les académies à des institutions à vocation technique.

La collection de l’Imperial Royal Austrian Museum of Art and Industry, qui a été créée avec la noble intention de rassembler des chefs-d’œuvre des arts appliqués de toutes les époques et fabriqués à partir de tous les matériaux, a été conçue de manière interculturelle et a offert une occasion unique de retracer le développement d’aspects tels que sous forme de matériaux différents, à travers différentes cultures et au cours de plusieurs siècles.

L’histoire des différents domaines des collections du musée reflète également la transformation à la fois du goût et des exigences imposées aux objets du musée. Au début, il s’agissait surtout d’articles achetés comme cadeaux, achats et métiers à des fins d’apprentissage et d’enseignement en raison de la qualité de leur fabrication et de leur esthétique – en d’autres termes, ils mettaient l’accent sur le caractère modèle de la collection pour la production artistique et industrielle de l’empire à ce temps. Plus tard, cette approche a subi une transformation fondamentale avec l’effondrement de la domination esthétique de l’historicisme. La muséalisation des objets va de pair avec la découverte d’aspects de leur caractère modèle. Un exemple était l’ajout par le musée des collections d’Asie de l’Est du Musée royal impérial du commerce, qu’Arthur von Scala a ensuite intégré à la collection du musée jusqu’en 1907; de tels objets représentent à ce jour un important accent de collection.

Alors que le musée s’est présenté comme le champion des nouveaux concepts esthétiques, comme dans son orientation vers les modèles anglais vers 1900 (avec un impact correspondant sur les acquisitions réalisées pendant cette période), d’autres innovations, telles que le développement de la Wiener Werkstätte, ont été faites justice partielle seulement au fur et à mesure de l’expansion de la collection Ce fut le cas malgré le fait que l’École des arts et métiers, qui était affiliée au musée jusqu’en 1909, employait Josef Hoffmann et Koloman Moser comme professeurs, tous deux travaillant également pour la Wiener Werkstätte en tant que designers. Les lacunes qui se sont produites à cause de cela n’ont pu être comblées que de manière improvisée par la suite via l’acquisition des archives de la Wiener Werkstätte en 1955, ainsi que par le biais d’achats ciblés et / ou de l’attrait de cadeaux et de prêts permanents au cours des années qui ont suivi. .

Lorsque la monarchie a pris fin en 1918, le Musée impérial royal autrichien des arts et de l’industrie est également devenu l’un des musées chargés de préserver les collections impériales telles que les tapis appartenant à l’État qui appartenaient auparavant à la maison impériale. Les seules parties de la collection qui faisaient même allusion à une orientation vers le modernisme consistaient en ces articles achetés lors d’expositions mondiales et lors d’expositions périodiques telles que les expositions d’hiver, et celles acquises via la collecte ciblée de conservateurs de collections individuelles ou par l’acceptation de cadeaux. (comme des œuvres modernes en verre par le verrier J. & L. Lobmeyr). Ce n’est qu’en 1930, par exemple, qu’une grande collection de dessins de Josef Hoffmann a finalement été achetée pour le musée.

Une réorientation des arts appliqués vers les beaux-arts et la création de la collection d’art contemporain et d’architecture ont eu lieu sous la direction de Peter Noever, qui a commencé en 1986. L’exposition et la collection d’art contemporain sont devenues une source d’inspiration importante pour le domaine des arts appliqués. . Des œuvres provenant d’expositions individuelles d’artistes et d’architectes contemporains de renom au MAK ainsi que de participants au MAK Artists and Architects-in-Residence Program à Los Angeles ont constitué la base de la nouvelle collection, qui, grâce à des efforts ciblés tels que les artistes La série d’expositions in Focus (lancée en 2006) a commencé à élargir la collection par des œuvres spécifiques.

Les approches innovantes pour encourager les métiers de la période de fondation du musée restent valables dans de nombreux domaines; à cela s’ajoute une mission pédagogique muséale caractérisée par une nouvelle conception de l’histoire et une culture du goût changée. Le Musée autrichien des arts appliqués et d’art contemporain d’aujourd’hui est destiné à fonctionner comme un «entrepôt intelligent» conformément à la définition du musée fournie par Boris Groys. Ce devrait être un endroit qui attire des universitaires, des éducateurs et un public intéressé grâce à son développement de présentations, d’offres éducatives et de documentation dans les nouveaux médias et les publications. Ceux-ci devraient être capables de présenter la collection dans des contextes toujours nouveaux et, en fin de compte, conformes à ce que la société attend de l’institution d’enseignement, d’apprentissage et de plaisir qu’est le musée.

Collection permanente
Les halls spacieux de la collection permanente ont été repensés par des artistes contemporains afin de présenter les points forts sélectionnés de la collection MAK. Dans un jeu unique de patrimoine artistique et d’interventions contemporaines, les collections historiques ont été mises en scène de manière à inviter à un examen approfondi des expositions individuelles.

La rénovation du MAK en 1986 est allée de pair avec le développement de nouvelles stratégies de présentation de la vaste collection du musée. Le projet de refaire la collection permanente a permis de présenter des objets dignes de conservation dans une interaction incomparable et exemplaire entre patrimoine artistique et interventions contemporaines d’artistes et de designers dont Barbara Bloom, Michael Embacher, Franz Graf, Jenny Holzer, Donald Judd, Tadashi Kawamata et Füsun Onur.

Les différents espaces de la Collection permanente ont été organisés de manière chronologique, les différents éléments de la collection étant disposés de manière à produire des ensembles agréables d’œuvres exceptionnelles plutôt qu’une présentation dense et sérielle. Les artistes participants, dont les interventions ont été développées via un processus de collaboration intense avec les chefs de collection respectifs du MAK, sont arrivés à des approches et des solutions très diverses.

Avec la direction de Christoph Thun-Hohenstein, la Collection permanente doit se lancer dans un processus de changement continu, en s’appuyant sur le concept établi de transformation contemporaine par les artistes travaillant dans le présent. Dans un premier temps, les sections Wiener Werkstätte, Art nouveau Art déco et Architecture du 20e / 21e siècle ont été fermées à la mi-juillet 2012; ceux-ci ont rouvert le 18 septembre 2013 en tant que présentation permanente de VIENNE 1900. Design / Arts and Crafts 1890–1938. Après la réinstallation, la collection permanente ASIA. Chine – Japon – Corée a ouvert ses portes le 19 février 2014 et les tapis de la collection permanente le 9 avril 2014.

Contrairement à l’approche précédente, ces espaces seront repensés comme une collection d’affichage dynamique dans laquelle chaque nouvelle conception périodique des zones individuelles doit être accompagnée d’une rotation des objets exposés.

Vienne 1900, Design / Arts and Crafts 1890–1938
Le cœur thématique de cette présentation est la lutte multiforme pour arriver à un style autrichien, moderne, bourgeois et démocratique. Aujourd’hui, ce chapitre de l’histoire du design et des arts et métiers – subsumé sous les termes du sécessionnisme et du Jugendstil – sert comme aucun autre à soutenir l’identité autrichienne.

Rococo baroque Renaissance
L’arrangement conjoint de verres précieux avec de précieuses dentelles d’aiguille et de fuseau dans la collection baroque rococo de la Renaissance en exposition permanente non seulement respecte les aspects de l’histoire de l’art, mais place également ces matériaux délicats dans un dialogue visuellement sensuel les uns avec les autres qui améliore et accentue leur effet esthétique avec une clarté saisissante.

Historicisme Art Nouveau
La collection Historicisme et Art Nouveau exposée en permanence comprend un aperçu de cent ans de production de meubles Thonet. Ces meubles intemporels et d’autres en bois courbé manifestent une approche créative qui exploite ingénieusement les propriétés du matériau et ouvre de nouvelles voies pour les sièges.

Biedermeier de style Empire
Outre les brillantes réalisations de la production artisanale en Autriche au XIXe siècle, la collection Empire et Biedermeier exposée en permanence montre la polyvalence créative et matérielle d’une époque marquée par des bouleversements culturels, sociaux et économiques à la suite de la révolution industrielle.

Classicisme baroque rococo
Avec une intervention artistique unique, Donald Judd a réussi à mélanger les différents univers stylistiques du baroque, du rococo, du classicisme et du minimalisme. Ici, la Chambre de porcelaine du Palais Dubsky à Brno occupe une place centrale, l’une des premières salles conçues en porcelaine européenne.

Collection Asie
La Collection Asie du MAK est l’une des collections importantes en Europe d’art et d’arts appliqués de la région asiatique. Il a été compilé à partir de collections publiques et privées au cours d’une histoire de 150 ans et offre une vision large de l’histoire de l’art en Asie.

Collection de tapis
La collection de tapis MAK est l’une des plus célèbres au monde. Ces pièces uniques des XVIe et XVIIe siècles présentent une variété incomparable de motifs et de couleurs, de matières et de techniques.

Œuvres sur papier
La salle des œuvres sur papier est entièrement dédiée aux œuvres sur papier. En raison des exigences particulières de conservation du papier en tant que matériau, les riches collections de la bibliothèque MAK et de la collection Works on Paper sont présentées dans des expositions tournantes. Les sujets traités ici couvrent la vaste discipline de la conception graphique commerciale: affiches, dessins, gravures sur bois japonaises, déclarations d’artistes, livres d’artistes et projets architecturaux témoignent de la diversité du programme qui se dégage de la complexité de cette collection.