Le modernisme est, dans le contexte artistique catalan, le mouvement connu en France sous le nom d’Art Nouveau, en Allemagne sous le nom de Jugendstil et en Autriche sous le nom de Sezession. Malgré la popularité de la peinture, de l’architecture et de la sculpture, en Catalogne, le modernisme est particulièrement remarquable pour les arts décoratifs, en surmontant la distinction entre l’art et l’artisanat. Même si les créateurs catalans assimilent naturellement l’influence de tout ce qui se fait en Europe, grâce aux voyages internationaux, aux foires et expositions, et aux publications sur la décoration et l’architecture, le Modernisme a ses racines ici avec sa propre personnalité et ses propres accents.

L’énorme activité constructive de Barcelone après l’Exposition internationale de 1888 a conduit à une période dorée pour les architectes, devenue multidisciplinaire et entourée d’artistes et d’artisans: verriers, charpentiers, mosaïstes, etc. L’architecture n’est plus seulement un projet de construction ou de conception de meubles, mais aussi de vaisselle et de couverts. Sous le cachet moderniste, les dessins, souvent inspirés de modèles fournis par la nature – une mine inépuisable de ressources esthétiques, envahiraient tous les espaces de la vie quotidienne.

Les arts décoratifs et le design en Catalogne ont subi une profonde transformation et un renouveau à la suite du processus d’industrialisation du XIXe siècle. Au cours de ce siècle, les articles artisanaux ont été progressivement remplacés par des articles plus grands, plus rapides et moins chers produits dans les usines. La nouvelle force productive nécessite une nouvelle façon de concevoir l’objet, car la production de masse impose une parfaite synchronisation des différentes phases d’un processus beaucoup plus complexe que la production artisanale.

Dans cette étape primitive du design industriel, la nécessité d’imiter l’esthétique du monde artisanal devient claire. La divergence entre la pure fonctionnalité de l’objet et sa valeur en tant que belle forme a été au cœur d’un intense débat européen au cours du XIXe siècle. La société a eu du mal à accepter des objets qui étaient loin de l’aspect traditionnel de l’artisanat, et l’industrie a choisi de satisfaire ce goût à travers souvent vide de contenu décoratif. L’album encyclopédique-pittoresque des arts industriels de Lluís Rigalt (1857-1859) illustre le début difficile de la relation entre l’art et l’industrie.

Des théoriciens européens tels que John Ruskin et William Morris ont vivement critiqué l’objet industriel basé sur la copie aveugle et l’éclectisme. Le triomphe du nouveau modèle, selon eux, impliquait un déséquilibre social (l’usine met fin aux artisans) et un appauvrissement matériel et spirituel (l’usine ne fournit que des répliques dévaluées). Pour Morris et le mouvement Arts and Crafts, l’alternative était le retour au modèle artisanal qui digne à la fois l’artisan et l’objet. Bien que ne partageant pas la position de Morris, l’industrie a compris que les objets ne pouvaient pas imiter plus étroitement le passé, mais devaient à la place harmoniser les matériaux, la forme et l’utilisation avec la conception d’une nouvelle réalité sociale et culturelle. La défense de Morris par l’artisanat a également dissous le traditionnel discrimination des arts décoratifs par rapport aux Beaux-Arts traditionnels.

La Catalogne est un exemple paradigmatique dans la construction de la nouvelle réalité culturelle et artistique. Les produits textiles catalans étaient le meilleur exemple d’une capacité de fabrication soutenue par la volonté de raffinement constant et de projets entrepreneuriaux. Reflétant cette dynamique se trouvent les différentes expositions qui se sont déroulées à Barcelone au XIXe siècle, comme l’Exposition des produits de la Principauté (1844) ou l’Exposition industrielle et artistique (1860). Le point culminant des expositions publiques vient avec l’Exposition universelle de Barcelone (1888), comprise comme un grand effort pour intégrer la Catalogne dans le cadre de la modernité internationale à travers l’industrie et le design local.

Dans le même temps, des personnalités comme Francesc Vidal i Jevellí ou Alexandre de Riquer ont adapté le discours des arts et métiers en Catalogne et ont cimenté le rôle que joueraient les arts décoratifs à l’époque moderniste. L’architecture et les arts appliqués sont compris comme un ensemble qui définit l’esthétique et l’identité du bâtiment, éliminant la hiérarchie entre architecte et artisan grâce à une étroite collaboration. La symbiose révèle la concordance entre le modernisme et les tendances de renouvellement similaires au niveau européen. Ils partagent tous le concept d’une œuvre «d’art total», l’intégration de tous les arts dans le cadre global du projet.

L’architecte Lluís Domènech i Montaner a profité du Café Restaurant construit à l’occasion de l’Exposition de 1888 pour accueillir le Château des Trois Dragons, un atelier d’arts appliqués fondé avec l’aide d’Antoni Maria Gallissà. Domènech i Montaner et Josep Puig i Cadafalch se sont toujours entourés des meilleurs artistes et artisans pour leurs projets, tels que Eusebi Arnau, Alfons Juyol et Gaspar Homar. De son côté, Antoni Gaudí avait des collaborateurs réguliers tels que Llorenç Matamala, Josep Llimona et Carles Mani. Gaudí illustre la convergence des différentes disciplines pendant le modernisme avec les conceptions de la forge dans la Finca Güell ou La Pedrera, la conception de la chaussée hydraulique et les meubles pour la Casa Batlló, ou l’expérimentation de la céramique dans la technique des trencadís.

Les institutions catalanes ont exprimé leur inquiétude concernant les arts appliqués et la revalorisation de l’objet avec la création du Centre industriel de Catalogne en 1894 et le FAD (Promotion des Arts Décoratifs) en 1903. Ce dernier jouit depuis lors d’une reconnaissance internationale.

Logement moderniste
Certaines des maisons bourgeoises de Barcelone sont le cadre de la production des meilleurs artistes de l’époque. Tout au long de la journée, des réunions d’affaires aux visites familiales ont eu lieu. Le parfait showroom social. Cela explique un certain luxe exhibitionniste dans certains espaces intérieurs. Une grande demeure pleine de peintures, sculptures, porcelaines, tapis, rideaux et autres ornements. Le travail de l’entretien correspondant devenant indispensable parmi les tâches ménagères.

L’atmosphère de la vie domestique bourgeoise n’est pas possible à comprendre sans le nouveau culte des objets, auquel les artistes modernistes intégreraient le nouveau goût basé sur la récupération de l’artisanat traditionnel. Ils profiteraient ainsi de la grande popularité de ces compléments, des bijoux aux petits objets décoratifs, qui évoquaient l’ambiance sensuelle de la fin du siècle.

Un cadre privilégié d’architecture et d’intérieurs modernistes se trouve dans le Passeig de Gràcia, où les familles les plus riches de la ville se sont installées. Ici, il convient de souligner la «Mançana» (ou bloc) bien connue de la Discorde, qui regroupe la Casa Lleó Morera, la Casa Batlló et la Casa Amatller, présentant respectivement les architectes Lluís Domènech i Montaner, Antoni Gaudí et Josep Puig i Cadafalch.

Casa Batlló
Également appelée Casa dels Ossos (maison des os) ou dels Badalls (maison des bâillements), la maison Batlló, au Passeig de Gràcia 43, est largement représentée dans le musée, où les portes et les meubles d’origine, fabriqués dans l’atelier du l’ébéniste Casas i Bardés, selon les directives d’Antoni Gaudí, est conservé. Les formes ondulantes, sinueuses et biomorphiques de cette décoration font déjà partie de l’art contemporain.

Josep Batlló, propriétaire de l’immeuble, a demandé à Antoni Gaudí de réformer la propriété existante. Gaudí a construit un étage principal avec accès indépendant, reconstruit l’escalier et la cour intérieure, qu’il a recouverts de tuiles bleues et blanches, ainsi que recouvert l’ancienne façade d’une nouvelle avec des trencadís (petites tuiles cassées) ou des fragments de verre coloré. Il a également placé de nouvelles balustrades sur les balcons, une galerie au rez-de-chaussée et couronné la maison d’une double toiture. En bref, il fait ressembler le bâtiment à une œuvre de Gaudí.

Dans le mobilier, Gaudí a opté pour des lignes essentielles, dépourvues d’éléments superflus, à base de matériaux comme le bois, avec ses veines naturelles riches en textures. Ce canapé deux places, aux formes arrondies qui s’adaptent à la forme du corps humain, rassemble tous ces attributs dans un exemple de la capacité inventive de l’architecte. Les portes sont également un bon exemple, des spirales richement coupées, des arêtes et des morceaux cassés.

Une nouvelle industrie
Les expositions de l’industrie artistique organisées périodiquement depuis la fin du XIXe siècle stimulent les relations entre l’art et l’industrie. Basé autour de l’Exposition nationale des industries artistiques de 1892, le centre des Arts décoratifs est créé, à l’image de l’Union Centrale des Arts Décoratifs de Paris. Cette entité, faisant partie du futur Foment de les Arts Décoratifs (FAD – Promotion des Arts Décoratifs), comprend une bonne liste d’artistes qui seraient des figures clés du Modernisme. Ce sont aussi d’importants ateliers de l’industrie artistique, dirigés par le fabricant de meubles Francesc Vidal (en catalan), dans lesquels des artistes ont été formés dans différentes branches des arts décoratifs.

L’importance de cette culture des ateliers devient évidente avec des initiatives telles que les dragons Castell dels Tres, dans la Ciutadella, mis en place par les architectes Domènech i Montaner et Antoni M. Gallissà (en catalan), dans le restaurant de l’Exposition internationale de 1888 : les métiers traditionnels sont expérimentés et perfectionnés, comme la céramique, la forge ou le vitrail. D’autres grandes expositions, comme l’exposition universelle de Paris de 1900 ou les expositions internationales des beaux-arts, sont des moteurs qui dynamisent et encouragent cette activité, sans oublier l’activité générée par les ateliers d’artistes.

Bijoux
Considéré par la bourgeoisie de Barcelone comme l’un des plus grands signes de potentiel économique, les peintres et sculpteurs sont entrés dans le monde de la joaillerie pour la traiter comme une œuvre d’art. Le joaillier, Lluís Masriera (en catalan), également peintre, est l’un des artistes incontournables de l’époque.

Au début du XXe siècle, Masriera prend la direction artistique de son atelier familial, se familiarise avec les secrets de l’émail et incorpore des éléments de l’Art nouveau: fleurs, oiseaux, libellules, influences japonaises, nymphes, mais aussi la figure de Saint George, le saint patron de la Catalogne. En ce qui concerne les matériaux, Masriera a utilisé une base en or, qui améliore les couleurs des pierres précieuses, telles que les rubis, les saphirs et les diamants. Ses émaux translucides aux reliefs très fins sont caractéristiques.

Les bijoux modernistes présentent les caractéristiques habituelles de ce mouvement: liberté de composition, lignes courbes, polychromes et rôle de la fleur, de la faune et des figures féminines. Dans les ateliers Masriera, le processus d’élaboration des bijoux, dont beaucoup étaient articulés et adaptés au corps de ceux qui les portaient, combinait les procédures des artisans avec un certain degré de mécanisation dans le processus créatif, en répétant les modèles, pour atteindre différents niveaux sociaux.

Loisirs et vie sociale
Les loisirs et la vie sociale sont deux des ambitions les plus prisées par la bourgeoisie barcelonaise. Les cafés et autres lieux qui imitent les plus prestigieux salons français deviennent des centres de grande importance pour le développement d’un art qui, en partie, répond à ces besoins.

Le Passeig de Gràcia a vécu son moment le plus splendide de la période moderniste et c’est là que les cafés et les théâtres ont émergé, la haute bourgeoisie en a fait leur boulevard cosmopolite. La Maison Dorée, le Cafè de la Lluna et le Cafè Torino en sont de bons exemples.

Certains de ces locaux sont également une référence pour les intellectuels et les artistes, comme Els Quatre Gats, dont Picasso a lui-même conçu le menú. Dans sa décoration, des éléments néogothiques sont mélangés à des éléments plus populaires, tels que des assiettes, des tuiles et des pots de poterie. La grande quantité de tableaux qui décorent le bar, parmi eux le Tandem de Ramon Casas, arrondit l’image comme l’établissement comme une icône qui pourrait résumer l’ensemble du Modernisme.

Au bout de quelques années, à la fin de la première décennie du XXe siècle, ce cadre allait radicalement changer, et le Modernisme reçut d’amères critiques, au nom du retour au bon goût et au bon nom de la ville. Les maisons ont été redécorées et les objets considérés comme somptueux ont été rangés dans un coin. Des voix sont même apparues qui ont exigé que ces constructions, qui jusque-là étaient le symbole de la bourgeoisie naissante, soient abattues. Une période s’est terminée alors qu’une autre a commencé.

Musée national d’art de Catalogne
Le Musée National d’Art de Catalogne, également connu sous son acronyme MNAC, est un musée d’art de la ville de Barcelone qui rassemble tous les arts dont la mission est de préserver et d’exposer la collection du monde le plus important de l’art catalan, montrant tout du roman à nos jours. Son directeur actuel est Josep Serra.

Le MNAC est un consortium doté de sa propre personnalité juridique, constitué par la Generalitat de Catalunya, la mairie de Barcelone et l’administration générale de l’État. En plus des administrations publiques, des individus et des entités privées collaborant avec l’administration sont représentés au conseil d’administration du musée.

Le siège principal est situé dans le Palais national de Montjuïc, ouvert en 1929 à l’occasion de l’Exposition internationale. Trois autres institutions font également partie du musée dans son ensemble: la bibliothèque du musée Víctor Balaguer à Vilanova i la Geltrú, le musée Garrotxa à Olot et le musée Cau Ferrat à Sitges, dont la gestion est indépendante et sa propriété est basée sur les conseils respectifs .