Art moderne et contemporain, musée des beaux-arts de Virginie

La collection moderne et contemporaine du musée des beaux-arts de Virginie comprend l’art européen après 1900, l’art américain après 1950 et une collection mondiale d’art du XXIe siècle.

Expressionnisme allemand
La plupart de l’art expressionniste allemand de VMFA a été acheté à l’origine de 1905 à 1925 par Ludwig et Rosy Fischer, des collectionneurs avant-gardistes de Francfort, en Allemagne. La collection a ensuite été transmise à leurs fils, Max et Ernst. En 1934, Ernst et son épouse Anne quittèrent l’Allemagne et s’installèrent finalement à Richmond. En 2009, VMFA a acquis la moitié de la collection d’Ernst, soit environ 200 œuvres, dans le cadre d’un contrat d’achat de cadeaux. Deux œuvres supplémentaires représentent la moitié de la collection de Max Fischer.

La collection Sydney et Francis Lewis
Sydney et Frances Lewis ont fait don de plus de quatre-vingts pour cent des œuvres des années 1950 aux années 1980 actuellement exposées au VMFA. Leur collection a commencé modestement au début des années soixante, mais à la fin des années soixante, ils ont atteint le premier rang de ceux qui collectionnent l’art contemporain américain. En 1985, les Lewises ont donné le meilleur de leur collection privée à VMFA. Les galeries Sydney et Frances Lewis de VMFA représentent maintenant l’une des meilleures collections d’après-guerre dans un musée complet aux États-Unis.

Art du XXIe siècle
Avec des œuvres d’artistes internationaux, la collection de VMFA reflète la nature élargie de l’art contemporain. La mobilité et la diversité ont conféré à l’art du XXIe siècle une qualité kaléidoscopique sans style, médium ni mouvement dominant. Les nouvelles technologies influencent les travaux réalisés dans des formats à la fois innovants et traditionnels. Au cours des dernières années, des dons de donateurs tels que Pamela K. et William A. Royall, Jr. ont catalysé la croissance de la collection de VMFA, avec un engagement particulièrement fort envers les artistes afro-américains.

Points forts
La collection d’expressionnismes allemands Ludwig and Rosy Fischer et la collection de modernisme français T. Catesby Jones constituent des exemples exceptionnels de l’art européen du début du XXe siècle. La collection Sydney et Frances Lewis représente l’art américain emblématique des années 1950 à 1980, plus l’art européen des années 1980. Avec le soutien de donateurs tels que Pamela K. et William A. Royall, Jr., notre collection dynamique et diversifiée d’art contemporain continue de croître.

Six danseurs
Ernst Ludwig Kirchner, allemand, 1880 – 1938
En peignant la peau et le costume de chacune de ces danseuses avec la même couleur mauve intense, Kirchner les a rendus semblables à des poupées. Leur impression raide et maladroite accentue encore cette impression, suggérant que Kirchner était aussi intéressé par la mise en scène du rythme général et de l’harmonie du tableau que dans les figures elles-mêmes. L’attention de Kirchner pour les motifs, associée à sa palette de couleurs vives, est parallèle à l’art de Matisse et des Fauvistes, tandis que le pinceau distinctif et l’espace aplati rappellent le travail de Cézanne.

Mélodie Oie Mère
Helen Frankenthaler, Américaine, 1928 – 2011
Le peintre crée quelque chose de magique, spatial et vivant sur une surface plane et avec des matériaux inertes. Cette magie est ce qui rend une peinture unique et nécessaire. La peinture, à bien des égards, est une illusion glorieuse. —Helen Frankenthaler

Dans Mother Goose Melody, Frankenthaler associe les éclaboussures gestuelles de la peinture expressionniste abstraite à la technique innovante de la peinture sur toile peinte qui a permis à Pionnier de devenir une pionnière en 1952. La palette de couleurs, de formes et de lignes rend cette composition rythmée et dynamique. La forme rouge en spirale à droite contre la zone de couleur dense à gauche, tandis que la large bande jaune qui s’étend au bas unit les deux. L’artiste a noté que les trois formes brunes pouvaient faire référence à elle-même et à ses deux sœurs, et que les lignes rouges et noires « faisaient une sorte de silhouette de cigogne – le tout avait un aspect de comptine. »

Synopsis d’une bataille
Cy Twombly, Américain, 1928 – 2011
«Ce que j’essaie d’établir, c’est que l’art moderne n’est pas disloqué, mais quelque chose qui a des racines, une tradition et une continuité. Pour moi, le passé est la source (tout art est résolument contemporain). ”- Cy Twombly (Demande de bourse de 1952 adressée au Virginia Museum of Fine Arts)

Les compositions vibrantes et libres de Cy Twombly, née en Virginie, évoquent souvent des sujets historiques et mythologiques. Dans Synopsis of Battle, ce qui semble être une écriture aléatoire au crayon sur un tableau ardoise est en fait des signes et des symboles dessinés et peints qui font référence à un événement spécifique – la bataille d’Issus (333 av. J.-C.), dans laquelle Alexandre le Grand vainquit Darius. de l’armée beaucoup plus grande de la Perse.

Parmi les marques cryptiques de l’œuvre, telles que des graffitis, les mots «Issus» (en haut à gauche) et «flanc» (à gauche et à droite) fournissent des indices sur le sujet militaire du tableau. La forme rayonnante, ou flanquante, suggère des diagrammes de mouvements de troupes.

Twombly combine l’énergie du geste expressionniste abstrait avec les pulsions simplificatrices du minimalisme. La peinture reflète également l’attitude curieuse de l’art conceptuel. Twombly s’intéresse au langage en tant que forme visuelle et construction mentale, capable ici de ramener le passé au présent.

Entre l’horloge et le lit
Jasper Johns, américain, né en 1930
«Je roulais dans une voiture pour aller au week-end aux Hamptons, quand une voiture est venue dans la direction opposée. Il était couvert de ces marques, mais je ne l’ai vu que pendant un moment – puis il n’y en avait plus – juste un bref aperçu. Mais j’ai tout de suite pensé que je l’utiliserais pour ma prochaine peinture. ”—Jasper Johns

Les marques de hachures apparaissent en tant que détails ou motifs généraux dans de nombreuses peintures et gravures de John, à compter du début des années 1970. Entre l’horloge et le lit, ce qui semble être au début des marques aléatoires est en fait un système soigneusement structuré de motifs répétés et inversés. Les parties gauche et droite de la peinture en trois parties se reflètent presque exactement l’une l’autre.

Les peintures de John sont souvent des casse-tête visuels à couches superposées qui explorent les paradoxes inhérents aux deux pôles de la peinture – l’abstraction et la représentation. Le titre de cette pièce, Between the Clock and the Bed, provient d’un autoportrait tardif de l’artiste norvégien Edvard Munch (1863-1944), après que Johns eut remarqué la ressemblance entre son propre motif de marque d’éclosion et le motif du couvre-lit de Munch.

Triple Elvis
Andy Warhol, américain, 1928 – 1987
«Dans mon travail artistique, la peinture à la main prendrait beaucoup trop de temps et ce n’est de toute façon pas l’âge où nous vivons. Les moyens mécaniques sont aujourd’hui. . . La sérigraphie est une méthode aussi honnête que n’importe laquelle, y compris la peinture à la main. »—Andy Warhol

Warhol a basé ce portrait macho, devenu gunslinger d’Elvis Presley, sur une photographie publicitaire du Flaming Star de l’ouest de 1960. Ce personnage public, aussi bien emballé que Campbell’s Soup, était parfaitement adapté aux objectifs de Warhol et à sa focalisation sur l’aspect extérieur plutôt que sur l’interprétation psychologique. La répétition par Warhol d’images identiques et sa technique de sérigraphie font souvent allusion à l’omniprésence de la culture de consommation. Les multiples figures qui se chevauchent suggèrent également des images de film individuelles et des mouvements cinématiques, tandis que le fond métallique de l’œuvre évoque le grand écran d’Hollywood.

L’histoire de l’art n’est pas linéaire
Ryan McGinness, américain, né en 1972
« L’histoire de l’art n’est pas linéaire, bien qu’elle soit souvent enseignée en tant que telle. La culture est un réseau multidimensionnel qui se nourrit et se construit sur lui-même dans un mélange qui transcende le temps. » —Ryan McGinness

Né et élevé à Virginia Beach et basé à New York, McGinness est connu dans le monde entier pour son mariage exubérant d’abstraction et de représentation. Son intérêt précoce pour le design, l’illustration et la culture populaire a conduit à un style plat et net d’images audacieuses au format logolike. Il se réfère à ses images sous forme d’icônes, un clin d’œil à son intérêt pour la fusion de la culture d’entreprise et de l’art.

Cette peinture en plusieurs parties a été commandée spécialement pour son emplacement actuel. Ses deux cents icônes sont basées sur des œuvres de la collection de VMFA, que McGinness a étudiées pendant plusieurs années au moyen d’observations directes, de recherches de livres et de visites sur le site Web du musée. McGinness a réinterprété les œuvres à travers un processus de dessin à la main et de conception informatique, produisant un répertoire de nouvelles icônes de représentation. Avec son intuition comme guide, il a ensuite collé les nouvelles images en utilisant le procédé de sérigraphie pour créer un ensemble de peintures vibrantes et densément stratifiées qui servent à la fois d’introduction aux collections du musée.

Musée des beaux-arts de Virginie, Richmond, États-Unis
Le Virginia Museum of Fine Arts, ou VMFA, est un musée d’art situé à Richmond, en Virginie, aux États-Unis, qui a ouvert ses portes en 1936.

Le musée appartient et est exploité par le Commonwealth de Virginie, tandis que les dons privés, les dotations et les fonds sont utilisés pour financer des programmes spécifiques et toutes les acquisitions d’œuvres d’art, ainsi que pour un soutien général supplémentaire. L’entrée elle-même est gratuite (sauf pour les expositions spéciales). C’est l’un des premiers musées du sud des États-Unis à être géré par des fonds publics. C’est aussi l’un des plus grands musées d’art en Amérique du Nord. Le VMFA figure parmi les dix plus importants musées d’art aux États-Unis.

Le musée des beaux-arts de Virginie et la société historique adjacente, la Virginia Historical Society, constituent l’ancre du « District des musées » éponyme de Richmond (également connu sous le nom de « Ouest du Boulevard »).