Art moderne et contemporain de Barcelone, Espagne

L’héritage culturel de Barcelone est immense. La ville a un passé étroitement lié à la production culturelle et artistique qui a servi d’inspiration aux générations actuelles. Le XXe siècle a été une période de profondes transformations sociales, politiques, économiques, technologiques et culturelles. La Catalogne a vécu les événements dramatiques de la guerre civile espagnole et la répression de la dictature de Franco. La transition et la restauration de la Generalitat et le nouveau statut d’autonomie revitaliseront la culture catalane ces dernières années.

La situation politique en Espagne pendant la transition rend le panorama artistique différent de celui des autres pays: des mouvements comme le pop-art ou l’hyperréalisme n’ont pas beaucoup d’écho ici. Sous la Seconde République, la Catalogne était à la pointe de l’architecture européenne. Du néoclassicisme décadent au rationalisme en Europe. Le Groupe des artistes et techniciens catalans pour le progrès de l’architecture contemporaine a préconisé l’utilisation rationnelle de l’espace et le mépris de tout élément constructif sans justification fonctionnelle spécifique. Après la guerre civile et malgré la tentative d’imposer un art officiel par le régime franquiste, apparaissent dans les années 50 des créateurs tels que Coderch, Bohigas et Martorell, Bofill, Moragas, Sostres, Busquets et Sert, entre autres. Face à la répression culturelle et au conventionnalisme de Franco, une série de plasticiens d’avant-garde évoluent vers un certain informalisme., courant de type abstrait. Il s’agit de Tàpies, Tarrats, Ponç et Hernàndez Pijuan. Plus tard, il y a un retour à la figuration, comme en témoigne l’œuvre de Guinovart.

Noucentisme
Le XXe siècle est une tentative de renouveler la culture catalane en l’abordant des innovations produites dans le tout nouveau siècle xx, en parallèle d’une idéologie politique de revendication du catalanisme prônée par Enric Prat de la Riba. Le principal théoricien du mouvement sera Eugeni d’Ors, qui, du journal La Veu de Catalunya, a écrit une série d’articles vantant le travail des jeunes créateurs catalans au début du siècle. Contrairement aux valeurs nordiques défendues par le modernisme, le Noucentisme est revenu au monde méditerranéen, à la culture gréco-latine classique.

L’architecture noucentista coexiste souvent et se mélange avec le modernisme, et comme les tendances historicistes et classicistes persistent, il est difficile d’en apercevoir la frontière. Les points forts incluent des personnages tels que Josep Goday (bâtiment de la poste de Barcelone, 1926 – 1927), Nicolau Maria Rubió i Tudurí (jardins de Montjuïc et le palais royal de Pedralbes, église de la Vierge de Montserrat de Pedralbes), Josep Francesc Ràfols (maison Méndiz) , Vilanova i la Geltrú, 1925), Francesc Folguera (maison de Sant Jordi, Barcelone, 1928-1932), Cèsar Martinell (cave d’El Pinell de Brai, 1917) et Rafael Masó (Farinera Teixidor, 1910, maison Masó, 1911) .

Une étape importante a été l’Exposition internationale de Barcelone en 1929, qui a impliqué l’urbanisation des environs de la montagne de Montjuïc, avec un projet général de Josep Puig i Cadafalch. Pour l’exposition, des bâtiments sont construits comme le Palais National de Montjuïc (siège actuel du MNAC) et le Stade Olympique, ainsi que la Fontaine Magique de Carles Buïgas, le Théâtre Grec et le Poble Espanyol; Il a également mis en lumière le pavillon allemand, l’œuvre de Ludwig Mies van der Rohe, chef-d’œuvre du rationalisme.

Le tableau a une première référence dans la figure de l’artiste uruguayen Joaquim Torres-Garcia, auteur d’œuvres d’un classicisme sobre, comme les fresques de la salle de Sant Jordi du Palau de la Generalitat (1913 – 1917). Joaquim Sunyer, influencé par la peinture de Cézanne et son sens de la structure, ainsi que par le cubisme, a fourni une vision de la peinture qui allie parfaitement tradition et modernité. Josep Maria Sert s’est encadré dans un style personnel, baroque, grandiose, avec une influence Goya, réalisant de grandes peintures murales qui connaîtront un grand succès international. Xavier Noguéshe était le créateur d’un monde ironique, incarné dans un muralisme idéalisant qui reflétait le populisme catalan. Josep Aragay a réalisé des œuvres de caractère réaliste mais avec un certain goût baroque. Des affiches, gravures et gravures sur bois sont également développées, avec des figures telles que Francesc d ‘

La sculpture a la figure exceptionnelle de Josep Clarà, auteur d’œuvres figuratives, solides et compactes, d’air méditerranéen (La Déesse, 1908 – 1910; Jeunesse, 1928). L’Aristello Maillol du Roussillon fait de fortes figures féminines (Mediterrània, 1902 – 1905). Manolo Hugué a un style dans lequel il mêle classicisme et primitivisme (Bacant, 1934). D’autres sculpteurs remarquables sont: Frédéric Marès (Hommage à Barcelone, 1928), Enric Casanovas (Monument à Narcís Monturiol, 1918), Julio Antonio (Tarragone aux héros de 1811, 1910 – 1919) et Apel • les Fenosa (Guitariste, 1923) . Il convient également de noter le projet collectif mené sur la Plaça de Catalunya pour l’Exposition internationale de 1929, à laquelle ont participé les meilleurs sculpteurs de l’époque.

Le design, généralement lié au style Art Déco, est particulièrement important à cette époque, ce qui est évident dans les œuvres produites dans des domaines tels que les meubles, les bijoux, les tapisseries, la céramique, les vitraux, etc.

Avantguardisme
Après une période de prospérité entre la Première Guerre mondiale et la guerre civile, au cours de laquelle la Catalogne a pris conscience des mouvements artistiques européens, l’après-guerre est une période de déclin culturel. Malgré cela, l’art catalan se rapproche des différents mouvements dits d’avant-garde, qui impliquent des changements radicaux dans la conception de l’art, tant dans le domaine théorique que technique ou matériel. Les « ismes » d’avant-garde successifs (cubisme, futurisme, dadaïsme, surréalisme, expressionnisme, etc.) visent à transformer la société par l’art, en proposant un projet engagé dans le renouveau culturel des peuples. L’art abstrait signifiait la perte de la figuration, laissant place dans la seconde moitié du siècle aux tendances informelles ou immatérielles.

Une première tentative éphémère de renouveau du Noucentisme fut l’Agrupació Courbet, fondée à Barcelone en 1918 et dissoute en 1919. Ils revendiquent comme maître le peintre réaliste français Gustave Courbet, dont ils cherchent à atteindre l’attitude révolutionnaire. Poussé par Josep Llorens i Artigas et Josep Francesc Ràfols, des noms tels que Joan Miró, Josep de Togores, Josep Obiols et Olga Sacharoff sont apparus.

Quant à l’architecture, en 1929, le groupe GATCPAC (Groupe d’artistes et techniciens catalans pour le progrès de l’architecture contemporaine) voit le jour à Barcelone, avec une volonté renouvelée et libératrice du classicisme noucentiste, ainsi que l’introduction de nouveaux courants en Espagne. dérivés internationaux du rationalisme. Malheureusement, son travail a été interrompu par le déclenchement de la guerre civile. Parmi les faits saillants, mentionnons Josep Lluís Sert, un disciple de Le Corbusier, qui a initié le rationalisme en Espagne; il fut l’auteur du pavillon de la République pour l’Exposition Universelle de Paris en 1937, actuellement reconstruit à Barcelone, qui exposait le Guernicaof Picasso, ainsi que le Dispensaire Central Antituberculeux (1934-1938, avec Josep Torres i Clavé) et le Fondation Miró (1972).

La sculpture est pleinement à l’avant-garde avec le travail de deux artistes de renommée internationale: Pau Gargallo, initié au Noucentisme, a réalisé des sculptures métalliques, un expressionnisme fort et un certain air schématique et primitiviste (Gran Ballarina, 1929, The Prophet, 1933); Juli González utilisait du fer soudé, approchant des formes presque abstraites (Femme se peignant les cheveux, 1932, L’home cactus, 1939).

Surréalisme
Émergé en France dans les années 1920 comme une prétention à la fantaisie et au subconscient dans la création artistique, il donne en Catalogne deux grands noms: Salvador Dalí, représentant du surréalisme figuratif, et Joan Miró, attribué à un surréalisme plus abstrait. Dalí a combiné une technique parfaite avec la recréation d’un monde personnel fantastique et délirant, avec une forte introspection psychologique (The Persistence of Memory, 1931; The Angelus of Gala, 1935; Soft Self-Portrait, 1941), évoluant plus tard vers un style plus réaliste. d’influence religieuse et scientifique (Madonna de Port-Lligat, 1948; Atomic Leda, 1949). Miró a créé un monde magique et onirique plein de petites figures, avec lequel il a cherché une nouvelle méthode pour décomposer et analyser la réalité, montrant une nouvelle relation entre les objets et l’espace (Terra llaurada, 1924; Carnestoltes d’Arlequí, 1925;

En sculpture, outre les œuvres de Dalí et Miró lui-même, se démarque l’activité du groupe ADLAN (Friends of New Art), fondé par le critique d’art Sebastià Gasch en 1932, qui vise à renouveler le langage sculptural basé sur le dadaïste et Principes surréalistes, influencés par le sculpteur américain Alexander Calder. Àngel Ferrant, Eudald Serra et Ramon Marinello se sont démarqués dans leurs rangs.

Donner pour définir
Après la guerre et la crise culturelle consécutive à l’exil de nombreux artistes et à la répression exercée par la dictature de Franco, à la fin des années 40, la scène artistique catalane a commencé à refaire surface avec des expositions dans des galeries privées et des mouvements culturels tels que le Cercle de Maillol. Une nouvelle génération de jeunes artistes a émergé, y compris le groupe qui a formé Dau al Set, créé en 1948 autour du magazine du même nom et publié jusqu’en 1956, bien que le groupe puisse être considéré comme dissous depuis 1951. Il a été formé par Antoni Tàpies, Modest Cuixart, Joan Brossa, Joan Josep Tharrats, Joan Ponç et Arnau Puig, qui sont les premiers à se connecter aux courants européens, faisant un art qui évolue d’un certain surréalisme magique à un informalisme plus ou moins abstrait, sauf dans le cas de Joan Ponç ,

Informalisme
Le mouvement d’après-guerre, signifiait le rejet de la forme pour une meilleure liberté conceptuelle et une nouvelle connexion avec le spectateur, selon le concept de «travail ouvert» formulé par Umberto Eco. Ce sont généralement des œuvres abstraites, dans lesquelles la couleur et le substrat matériel de l’œuvre ressortent. Antoni Tàpies se démarque, peintre de renommée internationale et premier grand rénovateur de l’art espagnol d’après-guerre, principal représentant de la «peinture matérielle», auteur d’une œuvre introspective avec une certaine spiritualité, avec de petites figurations symboliques (Zoom, 1946; Collage de croix, 1947; ovale blanc, 1957).

Modest Cuixart a combiné la peinture matérielle avec la peinture gestuelle, peinture dans laquelle il mélangeait l’huile avec de la limaille de métal pour donner de l’éclat à l’œuvre (Omorka, 1958). Josep Guinovart réalise des tableaux de grand format, avec un mélange de matériaux, parfois transformés par le feu (Ávila, 1963; Christ des Gloires, 1968). Albert Ràfols Casamada s’attribue au tachisme, avec des peintures de grandes surfaces lisses et austères, presque sans couleur (Hommage à Schönberg, 1963). Joan Hernandez Pijuanit a un style expressionniste post-cubiste, avec une forte charge sociale (Peinture, 1959).

La sculpture tente de retrouver l’esprit avant-gardiste avant la guerre, à la recherche de formes d’expression innovantes et à l’expérimentation de nouveaux matériaux. Un agglutinateur des artistes de cette génération et centre de diffusion du nouveau style sera le Saló d’Octubre, où émergeront des noms tels que Domènec Fita, Manuel Cusachs, Salvador Aulèstia, Moisès Villèlia, etc. Des artistes comme Antoni Tàpies, Leandre Cristòfol et Josep Guinovart se sont également consacrés à la sculpture.

Art contemporain
Ce n’est qu’à partir des années 1980 qu’une certaine normalisation a commencé, avec l’apparition d’artistes qui se sont attribués à l’art conceptuel de la mode à cette époque, comme Francesc Abad ou Jordi Benito, qui ont réalisé des actions et des installations avec une forte charge de réflexion.

À partir des années 1980, des tendances postmodernes ont émergé, une réinterprétation des styles précédents qui a donné à l’artiste la liberté d’utiliser n’importe quelle technique ou style et de le transformer de manière personnelle; l’un de ses plus grands représentants est Miquel Barceló, un artiste majorquin enraciné à Barcelone (Grand dîner espagnol, 1985, L’estació de les raines, 1990). Joan-Pere Viladecans réalise une peinture personnelle, soulignée par le support en pâte à papier et les couleurs agressives (la contagion du papillon, 1984). Ferran García Sevillahe réalise une peinture figurative pleine de signes, proche de l’art primitif, aux gammes chromatiques vives (Cent 18, 1987).

En sculpture, le nom principal de ces dernières années est Josep Maria Subirachs: formé au Noucentisme, il a évolué vers un style expressif et schématique pour aboutir à l’abstraction; il est l’auteur de la façade de la Passion de la Sagrada Família, du Monument à Ramon Llull à Montserrat (1976) et du Monument à Francesc Macià sur la Plaça de Catalunya à Barcelone (1991). Le valencien Andreu Alfaro part de l’informalisme pour évoluer vers un constructivisme géométrique inspiré d’Antoine Pevsner (Paths of Freedom, 1963). Xavier Corberó, formé à Londres, est l’auteur d’œuvres de formes géométriques et organiques proches du minimalisme (Piano, 1965). Susana Solano évolue d’une sculpture minimaliste à une œuvre de grandes dimensions et d’une forte solidité, reflétant un sentiment de fermeture qui témoigne de la fragilité de l’existence (Sea of ​​Galilee, 1986).

Quant à l’architecture, dans les années 1950, après la crise d’après-guerre, une nouvelle tentative a été faite pour revitaliser le Groupe R, qui synthétise la tradition méditerranéenne catalane avec les courants internationaux d’avant-garde. Ses membres comprenaient: Josep Antoni Coderch, avec une œuvre de caractère méditerranéen influencée par l’architecture populaire et l’œuvre de l’architecte finlandais Alvar Aalto (Bâtiments commerciaux, 1966 – 1969); Antoni de Moragas, auteur du Park Hotel (1950 – 1954); et Oriol Bohigas, auteur du bâtiment résidentiel de la rue Pallars (1955-1960, avec Josep Martorell).

Entre les années 1960 et 1970, la soi-disant école de Barcelone est née – selon le nom proposé par Bohigas -, héritière du groupe R, qui est attribué au néoréalisme italien qui prévalait alors à l’échelle internationale, combinant un langage constructif rationaliste avec l’utilisation de matériaux traditionnels, avec un accent particulier sur la fonctionnalité et le design. Il s’agit notamment de Frédéric de Correa et Alfons Milà – qui ont formé une équipe -, auteurs du bâtiment Monitor (1969 – 1970); et Enric Tous et Josep Maria Fargas, auteurs de la Banca Catalana (1965 – 1968).

Dans les années 1980, l’architecture s’est attribuée aux nouvelles tendances postmodernes, qui se distinguent par le libre usage des langages historiques, avec une tendance à l’éclectisme. Ils sont les représentants de ce courant Ricard Bofill, auteur du Théâtre National de Catalogne (1991 – en 1996); et Òscar Tusquets (Banque d’Espagne à Gérone, 1981 – 1983; Caves Chandon à Sant Cugat Sesgarrigues, 1987 – 1990).

Une autre transformation profonde de Barcelone est devenue l’occasion des Jeux Olympiques de 1992, ce qui signifiait la rénovation de Montjuïc, où il a construit l’anneau olympique, avec des bâtiments tels que le Palau Sant Jordi d’Arata Isozaki, les piscines Bernat Picornell, la tour de Communications de Santiago Calatrava et réhabilitation du stade olympique Lluís Companys. A noter également la construction du village olympique de Poblenou, avec la construction de deux grands gratte-ciel, l’hôtel des Arts et la tour Mapfre. Enfin, l’impulsion donnée à la Diagonal Mar par le Forum Universel des Cultures de 2004.

L’art publique
L’ensemble de monuments et de sculptures en plein air de Barcelone constitue un échantillon exceptionnel d’art public qui accorde à la capitale catalane, en conjonction avec d’autres éléments comme son architecture, son réseau de musées ou son ensemble de parcs et jardins, un incomparable artistique Stamp, car la ville de Barcelone a toujours été attachée à l’art et à la culture comme l’une de ses principales caractéristiques identitaires.

Le patrimoine artistique public de la ville est vaste, bien que la plupart des monuments et statues situés dans les lieux publics datent du XIXe siècle. Le premier monument situé sur la voie publique expressément et par arrêté municipal qui est conservé est le Monument à Santa Eulàlia, sur la Plaça del Pedró, de 1673; d’autres œuvres antérieures considérées comme de l’art public sont soit des fontaines, soit des statues situées à l’intérieur de niches, sur les façades de bâtiments publics, bien que dans de nombreux cas, il s’agissait de commandes privées devenues par la suite propriété publique. Il convient de noter que jusqu’au 19ème siècle la ville était bordée par ses murs médiévaux, la ville étant considérée comme un poste militaire, sa croissance était donc limitée et le peu d’espace disponible était principalement utilisé pour les activités quotidiennes de la population,

La situation a changé avec la démolition des murs et la donation à la ville de la forteresse de la Citadelle, qui a favorisé l’expansion urbaine du plan adjacent, et qui s’est reflétée dans le projet Eixample préparé par Ildefons Cerdà, qui signifiait le plus grand territoire l’expansion que la ville a eue. Une autre augmentation significative de la superficie de la capitale catalane a été l’annexion de plusieurs communes limitrophes entre la fin du XIXe siècle et le début du XXe. Tout cela signifiait l’adaptation des nouveaux espaces urbains et une augmentation des commandes artistiques municipales sur la voie publique, qui ont également été favorisées par divers événements organisés dans la ville, tels que l’Exposition Universelle de 1888 et l’Internationale de 1929 ou, plus récemment, pour les Jeux Olympiques de 1992 et le Forum Universel des Cultures de 2004.

Installations
En tant que ville méditerranéenne qu’elle est, Barcelone dispose d’une offre de loisirs très étendue, qui couvre toutes les disciplines liées au monde de la culture. Il possède des théâtres centenaires dédiés à l’opéra et à la musique, tels que le Gran Teatre del Liceu ou le moderniste Palau de la Música Catalana, et d’excellents auditoriums modernes, de grandes institutions dédiées aux arts plastiques, des centres pour l’art le plus avant-gardiste, des espaces pour l’innovation scénique et le théâtre ou les galeries d’art les plus classiques et les espaces dédiés à l’art patrimonial.

Musée d’art contemporain de Barcelone
Le Musée d’Art Contemporain de Barcelone, également connu sous son acronyme MACBA, est dédié à l’exposition d’art contemporain et de pratiques culturelles. Il est situé dans le quartier Raval de la ville de Barcelone, tout près du Centre de Culture Contemporaine de Barcelone. Il a été déclaré musée d’intérêt national par la Generalitat de Catalunya. Depuis 2015, il est dirigé par Ferran Barenblit.

La Collection MACBA est l’épine dorsale du musée et explore la trajectoire des lignes fondamentales de la création artistique contemporaine depuis la seconde moitié du XXe siècle. La collection de la collection MACBA comprend plus de 5 000 œuvres, créées de la fin des années 50 à nos jours.

La collection en tant que telle a été officiellement créée le 19 juin 1997 lorsqu’il a signé le Consortium MACBA entre la Generalitat de Catalogne, la Mairie de Barcelone et le Musée de la Fondation d’Art Contemporain, réunissant tous les fonds précédemment déposés, ainsi que d’autres ensembles d’œuvres donnés. ou déposés par d’autres institutions ou par des collectionneurs privés, tels que la Collection Onnasch, par Sandra Álvarez de Toledo ou la Fondation Telefónica.

La collection commence par l’abstraction matérielle des années 50, incorporant des œuvres du pop art européen et de l’avant-garde des années 60 et 70. Elle possède également des œuvres qui témoignent du retour de la figuration photographique et de la sculpture minimaliste. des années 80 et se termine par les œuvres les plus récentes. Il intègre des œuvres d’artistes du monde entier, en accordant une attention particulière aux artistes d’Amérique du Sud, du monde arabe et des pays de l’Est.

En 2007, le Centre d’études et de documentation MACBA a été créé, qui développe une facette de la collection complémentaire à la collection traditionnelle.

Plus tard, en 2011, la Fondation «La Caixa» et le musée ont rejoint leurs collections d’art contemporain, créant ainsi une collection de 5 500 œuvres. À la suite de cette union, à l’automne 2011, l’exposition Volume., Avec des œuvres d’artistes de premier plan tels que Bruce Nauman, Cristina Iglesias, Antoni Muntadas et Xavier Miserachs, entre autres. Début 2012, l’exposition Le miroir inversé a été présentée au Musée Guggenheim de Bilbao, composée de 93 œuvres de 52 artistes des deux entités.

Musée national d’art de Catalogne
Le Musée national d’art de Catalogne, également connu sous son acronyme MNAC, est un musée d’art de la ville de Barcelone qui rassemble tous les arts avec pour mission de conserver et d’exposer la plus importante collection d’art catalan au monde. monde, montrant tout, du roman au présent. En 2019, il a reçu 837700 visiteurs.

Il s’agit d’un consortium doté de sa propre personnalité juridique mis en place par la Generalitat de Catalunya, la mairie de Barcelone et l’administration générale de l’État. Outre les administrations publiques, les particuliers et les entités privées qui collaborent sont représentés au conseil d’administration du musée. Son directeur actuel est Josep Serra.

Le siège principal du musée est situé au Palau Nacional de Montjuïc, inauguré en 1929 à l’occasion de l’Exposition internationale. Font également partie de l’ensemble du musée trois institutions les plus: la Bibliothèque Musée Víctor Balaguer de Vilanova, le Musée de la Garrotxa d’Olot et le Museu Cau Ferrat à Sitges, dont la gestion est indépendante et sa propriété incombe aux mairies respectives.

La collection d’art moderne du MNAC est née de l’Exposition universelle de 1888, lorsque la mairie de Barcelone a installé la petite collection d’art moderne, alors contemporaine, dans le Palais des Beaux-Arts. La collection s’est considérablement élargie avec les acquisitions faites par la mairie elle-même dans des expositions d’art. La collection d’art moderne actuelle rassemble un meilleur de l’art catalan du début du siècle XIX jusqu’au 40 siècle xx. La tournée commence avec des artistes qui ont suivi les postulats du néoclassicisme, du romantisme et du réalisme. Les néoclassiques incluent le peintre Josep Bernat Flaugier et le sculpteur Damià Campeny. En ce qui concerne le romantisme, il faut mentionner les peintres nazaréens, comme Claudi Lorenzale, qui cultive surtout le portrait, et Lluís Rigalt, qui inaugure la tradition du paysage catalan;

Un chapitre séparé mérite Marià Fortuny, la meilleure peintre catalane du siècle XIX, qui a réussi à l’international avec la peinture de genre et qui a souligné des approches avancées dans ses dernières productions. Sont également présents des peintres ayant opté pour un réalisme anecdotique, comme Romà Ribera et Francesc Masriera, ainsi que les «luministes» de l’école de Sitges, héritiers de la tradition fortunienne; tandis que dans la sculpture, les frères Vallmitjana se distinguent comme les meilleurs représentants de la tradition réaliste. La collection du XIXe siècle comprend également une exposition de photographies historiques avec des œuvres d’AADisdéri, Jean Laurent, Le Jeune et Charles Clifford., Entre autres, avec des images de divers lieux de la géographie espagnole.

Un des piliers des collections d’art moderne est le modernisme, un mouvement d’une grande importance artistique et culturelle en Catalogne. En peinture, le courant le plus identifié est celui d’un personnage rénovateur dirigé par Ramon Casas et Santiago Rusiñol, qui ont incorporé certains aspects de l’impressionnisme français dans leurs œuvres parisiennes. Un autre courant est le symboliste, représenté par les peintures d’Alexandre de Riquer et de Joan Brull et que l’on retrouve également dans certaines photographies du pictorialiste Pere Casas Abarca. Tout aussi importante est la présence d’artistes de la deuxième génération du modernisme, tels que Isidre Nonell, Marià Pidelaserra, Ricard Canals, Hermen Anglada Camarasa, Nicolau Raurich et Joaquim Mir, qui, déjà au XXe siècle, ont apporté le tableau catalan en un de ses moments les plus brillants.

Il y a aussi des peintres espagnols tels que Julio Romero de Torres, Joaquim Sorolla, Ignacio Zuloaga, Darío de Regoyos et José Gutiérrez Solana, le photographe Ortiz Echagüe et les artistes français Boudin, Sisley et Rodin. Quant à la sculpture moderniste, les créations de Miquel Blay et Josep Llimona méritent d’être mises en valeur, avec une nette influence de Rodin. La collection d’arts décoratifs modernistes montre quelques ensembles exceptionnels de design d’intérieur de Josep Puig i Cadafalch, Gaspar Homar et Antoni Gaudí, provenant respectivement des maisons Amatller, Lleó Morera et Batlló, sur le Passeig de Gràcia à Barcelone; ainsi que des exemples notables de l’art de l’objet dans la forge, la céramique, la verrerie et la bijouterie, sans oublier les ensembles de meubles de Joan Busquets et de l’architecte Josep Maria Jujol.

L’autre mouvement largement représenté au MNAC est le Noucentisme, qui incarne la recherche de ses propres essences et de la Méditerranée. Les compositions classiques de Joaquim Torres-García et Joaquim Sunyer, aux influences vagues de Cézanne, et les nus sculpturaux de Josep Clarà et Enric Casanovas en sont représentatifs. Les sculptures de Manolo Hugué et les peintures de Xavier Nogués complètent ce mouvement, avec un accent populaire marqué. Vers 1920 apparaît une nouvelle génération d’artistes qui doit faire face au dilemme de poursuivre la tradition figurative ou de faire le saut vers l’avant-garde. Certains d’entre eux, comme les peintres Josep de Togores et Francesc Domingo i Segura, ont fait une production avec leur propre voix dans le contexte du réalisme international de l’entre-deux-guerres. D’autres, comme Torres-García lui-même, Rafael Barradas et Salvador Dalí,

Musée du design de Barcelone
Le Barcelona Design Museum est un musée inauguré en décembre 2014 dans le cadre de l’Institut de culture de Barcelone qui provient de l’intégration des collections du musée des Arts décoratifs, du musée de la céramique, du musée du textile et de l’habillement et du cabinet des arts graphiques. Le musée est situé dans le bâtiment Disseny Hub Barcelona, ​​sur la Plaça de les Glòries Catalanes, partageant son siège avec le Foment de les Arts i del Disseny (FAD) et le Barcelona Center de Disseny (BCD), deux institutions pionnières dans le domaine. promotion et développement du design en Catalogne.

À la fin du 20e siècle, le conseil municipal a envisagé de créer un centre unique, un espace intégral qui permettrait au public de comprendre le design dans sa plus large considération. Il a été décidé de construire un espace pour abriter toutes les collections de Barcelone et les fonds du patrimoine liés au monde du design, et Oriol Bohigas a été chargé de construire un bâtiment sur la Plaça de les Glòries. Au début, il fallait l’appeler le musée du design de Barcelone.

Pendant quelques années, le projet de musée et le bâtiment portaient le même nom, Disseny Hub Barcelona (DHUB). L’intention du projet était alors de créer un centre dédié à la promotion de la compréhension et du bon usage du monde du design, agissant à la fois comme musée, centre et laboratoire. Le projet a centré son activité sur 4 disciplines dans le monde du design: Space Design, Product Design, Information Design et Fashion Design. Il voulait devenir un point de rencontre ou un noyau d’un réseau formé de personnes et d’institutions liées au monde du design qui partageront des informations pertinentes liées au secteur. L’objectif était de stimuler à la fois la recherche et l’activité économique liée au monde du design, en utilisant à la fois ses propres fonds et une analyse continue du présent du monde du design. Au cours de cette période,

Avec la nouvelle direction prise par Pilar Vélez en 2012, le projet a changé de direction et le concept du bâtiment (Disseny Hub Barcelona) a été séparé du musée (Museu del Disseny de Barcelona). La nouvelle ligne discursive se concentre sur la génération de discours Des arts décoratifs au design et aux arts appliqués contemporains. Le nouveau musée ouvrira ses portes le 13 décembre 2014 et restera ouvert jusqu’au 31 janvier 2015. Le nouveau musée compte plus de 70 000 objets décoratifs, design et artistiques issus de l’intégration des quatre collections.

Centre de culture contemporaine de Barcelone
Le Centre de Culture Contemporaine de Barcelone (CCCB) est un centre culturel situé dans le Raval de Barcelone. C’est un espace de création, de recherche, de diffusion et de débat sur la culture contemporaine, où les arts visuels, la littérature, la philosophie, le cinéma, la musique et les arts du spectacle sont interconnectés dans un programme. interdisciplinaire.

L’un de ses objectifs est de relier le monde académique à la création et à la citoyenneté. Pour ce faire, elle organise et produit des expositions, des débats, des festivals, des concerts, des cycles cinématographiques, des cours, des conférences, et encourage la création basée sur les nouvelles technologies et langages, essayant de susciter débat, réflexion et réflexion sur la culture contemporaine., La ville et le public l’espace ainsi que sur les questions d’actualité. Au niveau organique, il dépend d’un consortium public créé conjointement en 1988 entre la Diputació de Barcelona et l’Ajuntament, qui financent le projet avec un pourcentage de 75% et 25%, respectivement. Il a été inauguré en 1994 sous la direction de Josep Ramoneda, qui était en charge du Centre jusqu’en 2011. Depuis, le CCCB a produit des dizaines d’expositions et des centaines de conférences, conférences et présentations de toutes sortes.

Le CCCB concentre son activité sur la recherche créative et la production de connaissances à travers une série de projets centraux de sa propre production, tels que des expositions thématiques et d’autres formats face-à-face et numériques: débats internationaux, le CCCB Lab, la plateforme littéraire de Kosmopolis , la ligne d’activité Beta: des projets qui traitent de manière intégrée de la culture du 21e siècle et des grandes transformations de l’ère numérique; le projet de film expérimental Xcèntric, le prix européen de l’espace public urbain, le prix international de l’innovation culturelle, la plate-forme d’archives CCCB et d’autres propositions et festivals associés.

Il travaille en réseau avec des agents et institutions internationaux, liés à la fois avec des artistes, des groupes de créateurs, des conservateurs et des agents culturels indépendants de l’environnement barcelonais, et soutient leurs propositions pour participer à leur capital créatif et leur donner de la visibilité. recherche également de nouvelles propositions pédagogiques, travaille sur des formats de connaissances et de production en revue critique constante, recherche des méthodologies basées sur des travaux collaboratifs et expérimentaux qui se matérialisent dans des appels ouverts et dans des processus de dynamisation et de médiation.

Le CCCB travaille sur des questions telles que les défis de la société du 21e siècle, l’expansion de l’univers littéraire. L’intersection de l’art, des sciences, des sciences humaines et de la technologie; l’hégémonie de la galaxie audiovisuelle; l’engagement en faveur de la recherche et de l’innovation culturelles; le défi posé par de nouveaux publics et l’émergence de nouvelles communautés physiques et virtuelles. Le renouvellement des langues et des lexiques, la renaissance des communs; les défis de la participation et de la co-création; les tensions entre vie privée et transparence; l’avènement de nouveaux modèles sociaux et politiques; les risques et opportunités de la révolution scientifique et technologique.

Depuis 1994, le CCCB a programmé plus d’une centaine d’expositions temporaires. Il a traité des sujets tels que la littérature et l’urbanisme. Certains ont été programmés et organisés par le personnel du centre et d’autres mandatés par des experts. Il accueille également des expositions ou des activités telles que le World Press Photo, le Loop Festival, Primavera Pro et les cours de l’Institut d’Humanitats de Barcelona.

CaixaForum Barcelone
CaixaForum Barcelona est un centre culturel géré par la Fondation « la Caixa ». Il est situé sur la montagne de Montjuïc (Barcelone), occupe le bâtiment de l’ancienne usine de style moderniste Casaramona, conçu par Josep Puig i Cadafalch au début du XXe siècle et réhabilité plus tard pour sa nouvelle utilisation en tant que centre culturel.

CaixaForum propose un large éventail d’expositions et d’activités culturelles et éducatives destinées à tous les publics. Il fait partie d’un réseau de centres CaixaForum qui se développe dans diverses régions d’Espagne: CaixaForum Madrid, CaixaForum Lleida, CaixaForum Palma, CaixaForum Tarragona, CaixaForum Girona, CaixaForum Zaragoza et CaixaForum Sevilla.

CaixaForum propose au public un programme d’expositions temporaires avec des thèmes allant de la peinture, dessin, sculpture ou photographie, à l’histoire des cultures, du cinéma, de l’architecture et de l’art contemporain. Grâce à sa collaboration avec de grands musées internationaux tels que le British Museum et le Musée du Louvre, il vous permet de profiter de pièces uniques et du travail d’artistes d’un énorme prestige au cœur de Barcelone. La proposition d’exposition du centre est adaptée à tous les types de public, car elle dispose d’espaces pédagogiques conçus pour les plus petits et d’activités complémentaires telles que des conférences de conservateurs ou des cycles de conférences thématiques.

CaixaForum est fortement engagé dans les visites médiatisées des expositions et de l’usine moderniste, avec des visites guidées pour les écoles, les familles, les adultes, les groupes organisés ou les visites avec café et rassemblements sociaux, ainsi que des guides audio. Le week-end, CaixaForum propose des micro-visites gratuites d’expositions d’art contemporain et la possibilité d’échanger des impressions et d’approfondir les œuvres avec un médiateur spécialisé.

En outre, CaixaForum propose un vaste programme d’activités culturelles destiné à tous les publics, qui comprend des cycles de conférences informatives sur l’art, la pensée, la littérature ou la musique, des cycles cinématographiques, des concerts, des spectacles et des ateliers. Sous le label FOUND, le centre propose un programme spécialement conçu pour le jeune public le plus agité culturellement, avec des activités telles que des rencontres avec des créateurs, des spectacles de musique électronique ou des cycles de films documentaires. En juillet et août, les «nuits d’été» de CaixaForum sont l’un des événements culturels incontournables de la ville.

Chez CaixaForum, vous pouvez également trouver une librairie LAIE avec une bibliographie spécialisée et des objets design, et un café-restaurant qui propose des menus du jour et des menus à thème inspirés des expositions.

Musée Picasso de Barcelone
Le Museu Picasso de Barcelone est le musée de référence pour la connaissance des années de formation de Pablo Picasso. Avec plus de 4 249 œuvres du peintre; possède la collection la plus complète au monde d’œuvres de jeunesse de l’artiste. Il est situé sur Carrer de Montcada, dans le quartier Ribera de Barcelone. a ouvert ses portes au public pour la première fois le 9 mars 1963, devenant ainsi le premier musée Picasso au monde et le seul créé du vivant de l’artiste. Il a été déclaré musée d’intérêt national par la Generalitat de Catalunya.

Les périodes les plus représentées sont celles correspondant au stade infantile et scolaire (Málaga, La Corogne et Barcelone, 1890-97), la période formatrice (Barcelone, Horta de Sant Joan et Madrid, 1897-1901), la période bleue. (1901-04), Barcelone travaille à partir de 1917 et l’ensemble de la série Las Meninas (1957).

La plupart des peintures exposées dans le musée se rapportent à la période entre 1890 et 1917. Il s’agit d’une collection très importante concernant certains moments de la vie de Picasso, tels que son enfance et ses jours d’école – Malaga, La Corogne et Barcelone, entre 1890 et 1897 – lorsqu’il a réalisé des œuvres telles que Science et charité, à partir de 1897 et une formation à Barcelone et Horta de Sant Joan et Madrid, entre 1897 et 1901. Il y a aussi des œuvres de sa période bleue et des œuvres de sa période barcelonaise en 1917, comme Arlequin . Le musée possède très peu de tableaux après 1917, à l’exception de la série Las Meninas, peinte en 1957.

La collection de gravures et de lithographies couvre essentiellement la période entre 1962 et 1982. Picasso lui-même a donné au musée une copie de chacune de ses œuvres réalisées après la mort de Sabartés en 1968. En outre, certaines des illustrations qu’il a réalisées pour différentes éditions de livres sont inclus. L’exposition du musée est complétée par des céramiques, offertes par Jacqueline, la veuve de l’artiste.

Entre 2009 et 2010, une visite en ligne de la collection du musée a été activée via son site Web. Actuellement (octobre 2010), plus de 65% de la collection du musée peut être consultée en ligne.