Musique minimale

La musique minimale est une forme de musique d’art qui utilise des matériaux musicaux limités ou minimaux. Dans la tradition de la musique occidentale, les compositeurs américains La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich et Philip Glass ont été parmi les premiers à développer des techniques de composition qui exploitent une approche minimale. Il a pris naissance dans la scène New York Downtown des années 1960 et a été initialement considéré comme une forme de musique expérimentale appelée New York Hypnotic School. En tant qu’esthétique, elle est marquée par une conception non narrative, non téléologique et non représentative d’un travail en cours, et représente une nouvelle approche de l’activité d’écoute de la musique en se concentrant sur les processus internes de la musique, qui manquent d’objectifs ou de mouvement vers ces objectifs. Les traits saillants de la technique comprennent l’harmonie des consonnes, le pouls stable (sinon les drones immobiles), la stase ou la transformation graduelle, et souvent la réitération de phrases musicales ou d’unités plus petites telles que des figures, des motifs et des cellules. Il peut inclure des fonctions telles que le processus additif et le déphasage, qui mènent à ce qu’on a appelé la musique de phase. Les compositions minimales qui s’appuient fortement sur des techniques de processus qui suivent des règles strictes sont généralement décrites en utilisant le terme «musique de processus».

Le mouvement impliquait à l’origine des douzaines de compositeurs, bien que seulement cinq (Young, Riley, Reich, Glass, et plus tard John Adams) aient émergé pour devenir publiquement associés à la musique minimale américaine. En Europe, la musique de Louis Andriessen, de Karel Goeyvaerts, de Michael Nyman, de Howard Skempton, de Gavin Bryars, de Steve Martland, de Henryk Górecki, d’Arvo Pärt et de John Tavener présente des traits minimalistes.

On ne sait pas d’où vient le terme musique minimale. Steve Reich a suggéré que c’est attribuable à Michael Nyman, une affirmation que deux chercheurs, Jonathan Bernard et Dan Warburton, ont également faite par écrit. Philip Glass croit que Tom Johnson a inventé la phrase.

Caractérisation
La caractérisation exacte de ce style de musique est aussi difficile qu’une démarcation contre un post-minimalisme en raison de la grande variété stylistique. Il y a un certain nombre de caractéristiques stylistiques:

structures répétitives qui naissent, entre autres, de la juxtaposition et de la répétition constante des plus petites cellules motiviques (mélodiques, rythmiques ou harmoniques) ou des «motifs»
harmonie stable, langage musical tonal avec de nombreuses consonances
Processus additif et soustractif: En ajoutant ou en supprimant des notes individuelles des cellules motiviques, elles sont modifiées dans leur structure rythmique.
Les déphasages, les superpositions, le déplacement de l’emphase des cellules motiviques dans différentes voix créent un tapis sonore
Continuité et prévention de l’accumulation de stress.
La couleur et la densité du son sont peu modifiées.
Il donne l’impression d’entendre des fragments d’un continuum musical permanent.
Concept étendu de temps: nouvelles dimensions dans la durée des pièces – de quelques secondes ou minutes à heures, jours, semaines
fonction positive de l’oubli
Comparée à la musique d’art, Minimal Music a une complexité harmonique plutôt faible: Minimal Music se déplace généralement dans le contexte d’une tonalité modale et n’utilise que très peu les dissonances. L’élément rythmique (souvent polyrythmique) est fortement accentué dans Minimal Music, il est très répétitif: un motif de base simple (Pattern) est répété sur de plus longues périodes avec seulement de légères variations, souvent à peine perceptibles, la pièce résulte alors de la simple juxtaposition des variations. Si un motif est joué à des vitesses légèrement différentes en même temps, l’effet du déphasage (phasing) se produit.

Minimal Music a acquis une popularité considérable en tant que musique contemporaine en dehors de la musique pop (avec laquelle il existe quelques interactions), mais pas nécessairement dans l’auditoire de la musique classique traditionnelle.

Bref historique
Le mot “minimal” fut peut-être utilisé pour la première fois en 1968 par Michael Nyman, qui “déduisit une recette pour le succès de la” musique minimale “du spectacle présenté par Charlotte Moorman et Nam June Paik à l’ICA”, une performance de Springen de Henning Christiansen et un certain nombre de pièces de performance non identifiées. Nyman a plus tard élargi sa définition de la musique minimale dans son livre de 1974 Experimental Music: Cage and Beyond. Tom Johnson, l’un des rares compositeurs à s’identifier comme minimaliste, prétend également avoir été le premier à utiliser le mot comme nouveau critique musical pour The Village Voice. Il décrit le “minimalisme”:

L’idée du minimalisme est beaucoup plus grande que ce que beaucoup de gens réalisent. Il inclut, par définition, toute musique fonctionnant avec des matériaux limités ou minimaux: des pièces qui n’utilisent que quelques notes, des pièces qui n’utilisent que quelques mots de texte ou des pièces écrites pour des instruments très limités, comme les cymbales antiques, les roues de bicyclette, ou des verres de whisky. Il comprend des pièces qui supportent un grondement électronique de base pendant une longue période. Il comprend des pièces fabriquées exclusivement à partir d’enregistrements de rivières et de cours d’eau. Il comprend des pièces qui se déplacent dans des cercles sans fin. Il comprend des pièces qui mettent en place un mur de son saxophone immobile. Il comprend des morceaux qui prennent beaucoup de temps à se déplacer progressivement d’un type de musique à un autre. Il comprend des morceaux qui permettent tous les hauteurs possibles, à condition qu’ils se trouvent entre C et D. Il comprend des morceaux qui ralentissent le tempo à deux ou trois notes par minute.

Déjà en 1965, l’historienne de l’art Barbara Rose avait nommé Dream Music de La Monte Young, la dynamique caractéristique de Morton Feldman, et divers compositeurs sans nom “tous, plus ou moins, redevables à John Cage” comme exemples d ‘”art minimal”, mais n’a pas spécifiquement utilisé l’expression “musique minimale”.

Les compositeurs minimalistes les plus en vue sont John Adams, Louis Andriessen, Philip Glass, Steve Reich, Terry Riley et La Monte Young. Michael Nyman, Howard Skempton, John White, Dave Smith et Michael Parsons ont également été associés à cette approche de la composition. Parmi les compositeurs afro-américains, l’esthétique minimaliste a été adoptée par des personnalités telles que le musicien de jazz John Lewis et l’artiste multidisciplinaire Julius Eastman.

Les premières compositions de Glass et Reich sont un peu austères, avec peu d’embellissement sur le thème principal. Ce sont des œuvres pour petits ensembles instrumentaux, dont les compositeurs étaient souvent membres. Dans le cas de Glass, ces ensembles comprennent des orgues, des vents – en particulier des saxophones – et des chanteurs, tandis que les œuvres de Reich mettent davantage l’accent sur les instruments à percussion et à maillet. La plupart des œuvres d’Adams sont écrites pour l’instrumentation classique plus traditionnelle, y compris l’orchestre complet, le quatuor à cordes et le piano solo.

La musique de Reich et Glass a été parrainée par des galeries d’art et des musées, présentée par Robert Morris (dans le cas de Glass), Richard Serra, Bruce Nauman et le réalisateur Michael Snow (en tant qu’artistes, dans Reich’s Cas).

Développement précoce
La musique de Moondog des années 1940 et 1950, basée sur le contrepoint se développant de façon statique sur des impulsions stables dans des signatures souvent inhabituelles, a influencé à la fois Philip Glass et Steve Reich. Glass a écrit que lui et Reich ont pris le travail de Moondog “très au sérieux et l’ont compris et apprécié beaucoup plus que ce à quoi nous avons été exposés à Juilliard”.

L’une des premières compositions minimalistes fut November de Dennis Johnson, écrite en 1959. Une œuvre pour piano solo qui dura environ six heures, elle présentait de nombreuses caractéristiques qui allaient être associées au minimalisme, telles que la tonalité diatonique, la répétition des phrases, le processus additif et durée. La Monte Young attribue cette pièce à l’inspiration de son propre opus, The Well-Tuned Piano.

En 1960, Terry Riley écrit un quatuor à cordes en ut majeur pur et sans influence. [Clarification nécessaire] En 1963, Riley réalise deux œuvres électroniques utilisant le delay, Mescalin Mix et The Gift, qui injectent l’idée de répétition dans le minimalisme. En 1964, In C de Riley a fait des textures engageantes et persuasives de la performance en couches de phrases mélodiques répétées. Le travail est marqué pour n’importe quel groupe d’instruments et / ou de voix. En 1965 et 1966, Steve Reich a produit trois œuvres – Gonna Rain et Come Out for tape, et Piano Phase pour interprètes en direct – qui ont introduit l’idée du déphasage, ou permis de répéter deux phrases ou échantillons sonores identiques à des vitesses légèrement différentes. lentement se déphasent les uns avec les autres. À partir de 1968 avec 1 + 1, Philip Glass a écrit une série de travaux incorporant le processus additif (forme basée sur des séquences telles que 1, 1 2, 1 2 3, 1 2 3 4) dans le répertoire des techniques minimalistes; ces travaux ont inclus deux pages, la musique dans les cinquièmes, la musique dans le mouvement contraire, et d’autres. Glass a été influencé par Ravi Shankar et la musique indienne à partir du moment où il a été assigné à une transcription de partition de musique de Ravi Shankar en notation occidentale. Il s’est rendu compte que dans l’Ouest le temps est divisé comme une tranche de pain; Les cultures indiennes et autres prennent de petites unités et les enchaînent.

Style
Selon Richard E. Rodda, «la musique« minimaliste »est basée sur la répétition d’accords communs qui changent lentement (accords diatoniques à plus d’une touche, ou triades, soit juste majeures, soit majeures et mineures – voir: ton commun ] dans des rythmes réguliers, souvent recouverts d’une mélodie lyrique dans de longues phrases arquées … utilise des motifs mélodiques répétitifs, des harmonies consonantes, des rythmes moteurs, et un effort délibéré pour la beauté sonore. ” Timothy Johnson soutient que, en tant que style, la musique minimale est principalement de forme continue, sans sections disjointes. Une conséquence directe de ceci est une texture ininterrompue composée de motifs rythmiques et d’impulsions imbriqués. Il est en outre marqué par l’utilisation de timbres brillants et d’une manière énergique. Ses sonorités harmoniques sont typiquement simples, généralement diatoniques, souvent composées de triades familières et de septièmes accords, et sont présentées dans un rythme harmonique lent. Cependant, Johnson n’est pas d’accord avec Rodda pour conclure que la caractéristique la plus distinctive de la musique minimale est l’absence complète de lignes mélodiques étendues. Au lieu de cela, il n’y a que de brefs segments mélodiques, qui mettent au premier plan l’organisation, la combinaison et les caractéristiques individuelles de motifs rythmiques courts et répétitifs.

Dans la musique populaire
La musique minimale a eu une certaine influence sur les développements de la musique populaire. Le groupe de rock expérimental The Velvet Underground avait un lien avec la scène du centre-ville new-yorkais d’où émergeait une musique minimaliste, ancrée dans la relation de travail étroite entre John Cale et La Monte Young, qui influença le travail de Cale avec le groupe. L’album de Terry Riley, A Rainbow in Curved Air (1969), est sorti à l’époque de la psychédélisme et de la puissance des fleurs, devenant le premier travail minimaliste à avoir un succès croisé, attirant le public rock et jazz. Le théoricien de la musique Daniel Harrison a inventé Smiley Smile (1967) de Beach Boys, un travail expérimental de “rock protominimal”, élaborant: “L’album peut presque être considéré comme une œuvre d’art dans la tradition classique occidentale, et ses innovations dans Le langage musical du rock peut être comparé à ceux qui ont introduit des techniques atonales et autres techniques non traditionnelles dans cette tradition classique. ” Le développement de genres rock expérimentaux spécifiques tels que le krautrock, le rock spatial (des années 1980), le noise rock et le post-rock a été influencé par la musique minimale.

Sherburne (2006) a suggéré que des similitudes notées entre les formes minimales de musique de danse électronique et la musique minimale américaine pourraient facilement être accidentelles. Une grande partie de la technologie musicale utilisée dans la musique de danse a traditionnellement été conçue pour convenir à des méthodes de composition en boucle, ce qui peut expliquer pourquoi certaines caractéristiques stylistiques de styles tels que la techno minimal ressemblent à de la musique minimale. Un groupe qui a clairement pris conscience de la tradition minimale américaine est l’acte britannique The Orb. Leur production “Little Fluffy Clouds” de 1990 présente un échantillon de l’œuvre de Steve Reich Electric Counterpoint (1987). Une autre reconnaissance de l’influence possible de Steve Reich sur la musique électronique de danse est venue avec la sortie en 1999 de l’album hommage de Reich Remixed qui comportait des réinterprétations d’artistes tels que DJ Spooky, Mantronik, Ken Ishii et Coldcut, entre autres.

Sérialisme
Étonnamment, Anton Webern, élève d’Arnold Schoenberg et membre de la Seconde Ecole de Vienne, influence également le mouvement minimaliste. En particulier sur La Monte Young, qui cite les sections statiques des Six Bagatelles pour quatuor à cordes (1913) et la Symphonie, op. (1928) comme des œuvres ayant fortement contribué à faire la transition entre le sérialisme et le minimalisme. Le fait que Webern soit aussi une influence majeure dans le post-sérialisme qui se développe à la fois en Europe, mais avec des conceptions musicales radicalement différentes, est parfois identifié comme «paradoxal» par les musicologues.

L’avant-garde américaine
John Cage a une grande influence dans les années de naissance du minimalisme. Le compositeur le plus important de la musique d’avant-garde et expérimentale aux États-Unis, ses idées ont des répercussions, directement ou indirectement, sur le travail des minimalistes. Certaines pièces de Cage peuvent sembler liées au minimalisme, y compris ses premières compositions, ou le fameux 4’33 “datant de 1952, la composition la plus minimale, car composée uniquement de silences, Cage est cependant très critique du minimalisme, et son préféré technique est l’indétermination (ou non-intentionnalité), c’est-à-l’utilisation de l’aléatoire. Dans les travaux ou dans le processus de composition elle-même, sera fortement rejetée par le minimaliste.

Musique non-occidentale
Dans les années 1950 et 1960, l’Europe occidentale et les États-Unis ont découvert la musique non occidentale. Ces musiques généralement basées sur des modes auront une influence sur tous les compositeurs minimalistes.

Vivant sur la côte ouest, La Monte Young a découvert la musique indienne en 1957 sur le campus de l’UCLA. Il cite Ali Akbar Khan (sarod) et Chatur Lal (tabla) comme particulièrement remarquables. La musique indienne aura une influence décisive sur Young, en particulier la découverte du tampoura, qu’il apprend avec Pandit Prân Nath. Le rôle du bourdon Tampoura fascine Young, et pousse son intérêt vers des sons durables. Young reconnaît également l’influence de la musique japonaise et en particulier le gagaku. Cette influence s’exerce dans la pièce considérée comme l’acte de naissance du minimalisme, Trio for Strings (1958).

Terry Riley découvre la musique non-occidentale lors de son séjour en Europe, notamment la musique marocaine et la musique indienne, via La Monte Young. Il collabore également avec Prân Nath pour l’album Music from Mills (1986).

le jazz
Le jazz est d’une grande importance pour le minimaliste. Tous reconnaissent l’influence, et en particulier le jazz modal de John Coltrane, le free jazz et Ornette Coleman.

L’improvisation est au cœur de Terry Riley, tout comme La Monte Young. Ce dernier est saxophoniste et a une expérience du jazz en tant qu’instrumentiste, pratiqué principalement pendant ses années de lycée et d’université. À Los Angeles, il joue dans de grands groupes et en petits groupes, notamment avec Eric Dolphy, Don Cherry, Billy Higgins, et prévoit de se consacrer au jazz. L’influence du jazz est clairement visible dans ses œuvres, en particulier son jeu de saxophone sopranino ou son intérêt pour les formes d’improvisation. Riley est pianiste et a étudié le ragtime avec Wally Rose, et joue pour gagner sa vie en étudiant à l’université et pendant son séjour en France. Riley est également impressionné par John Coltrane, qui a inspiré entre autres apprendre le saxophone soprano.

Pour Steve Reich, le jazz est aussi une influence majeure. Reich est batteur et a joué dans des groupes de jazz au lycée et à l’université de Cornell. Il était extrêmement influencé par John Coltrane, verrait très souvent en concert, et cite Albums My Favorite Things et Africa / Brass comme particulièrement significatif. Pour Reich, il est impensable que sa musique ait été possible sans le jazz, en particulier le rythme, la souplesse et le sens mélodique du jazz, qui semble être des influences fondamentales.

À la différence de ses collègues, Philip Glass, plus exclusivement formé à la musique classique, ne voit pas le jazz comme une de ses influences, bien qu’il reconnaisse avoir été fasciné par le free jazz d’Ornette Coleman et de John Coltrane.

Influences et position dans la nouvelle musique
Minimal Music intègre des influences asiatiques (notamment indiennes et indonésiennes, notamment Gamelan) et africaines (notamment polyrythmiques), l’école Notre Dame du 12ème / 13ème siècle. Siècle, jazz (libre) et certaines formes de rock (rock psychédélique). Il ignore en grande partie les conventions de la composition, telles qu’elles étaient dans la culture occidentale (c’est-à-dire essentiellement européenne), en particulier les conventions de l’avant-garde des années 1950 et du début des années 1960, notamment celles de la musique sérielle alors dominante. Par conséquent, il est souvent compris comme une antithèse du sérialisme. Il est souvent rejeté avec véhémence par les représentants de cette direction, bien que, par exemple, La Monte Young se réfère théoriquement à Arnold Schönberg et Anton Webern. Souvent, il est également caractérisé comme la musique postmoderne. À partir de Minimal Music, le post-minimalisme s’est développé dans les années 1970.

Influences sur la musique popculturelle
Beaucoup de producteurs actuels de techno minimal sont aussi dans la tradition de la musique minimale.

Le guitariste Dylan Carlson a transféré avec Earth des idées de musique minimale dans le contexte d’un groupe de rock et a ainsi fondé le Drone Doom.

Le mouvement minimaliste
Le mouvement minimaliste est apparu dans les années 1960 avec les travaux de La Monte Young et Terry Riley, considérés comme des précurseurs. Steve Reich et Philip Glass élargiront leurs idées et proposeront des processus de composition qui s’avéreront très fructueux.

Cependant, le minimalisme ne concerne qu’une partie des œuvres de ces compositeurs, et nous considérons que le minimalisme, tel qu’il est généralement défini, se termine au milieu des années soixante-dix. A partir de cette date, les compositeurs intègrent en effet des éléments musicaux plus riches, plus de mélodie et d’harmonie, voire de contrepoint. L’ajout de ces éléments, sans décider de leurs travaux antérieurs, apporte une évolution claire. Parfois, nous parlons de post-minimalisme, en particulier pour John Adams. Philip Glass a déclaré explicitement que pour lui, le minimalisme se termine en 1974 en raison de sa pleine participation au «théâtre musical» de l’époque.

Les personnalités, parfois appelées «mystiques minimalistes», telles qu’Arvo Pärt, apparu à la fin des années 1970, ne sont pas les héritiers directs des répétitions américaines, mais sont également incluses sous la bannière du post-minimalisme, ou plus généralement du postmodernisme.

Post-minimalisme et postmodernisme
Le postmodernisme musical est une attitude de rejet contre l’isolement et le post-sérialisme hermétique, les compositeurs postmodernes revendiquant le métissage et le mélange forme une technique de collage, d’emprunt et de citation. Là où le post-sérialisme devait faire une «table rase du passé» selon les mots de Pierre Boulez, le postmodernisme le prend comme référence. Ainsi, John Adams considère que sa musique ne se nourrit pas de «… non seulement du minimalisme, mais d’Alban Berg, de Stravinsky, de Rock’n Roll, de musique arabe, juive, etc. Par son retour aux formes mélodiques et tonales, l’utilisation d’un langage répétitif, le recours au collage et à la citation, dans tous ces minimalisme caractéristiques est le courant le plus radical du postmodernisme dans sa rupture avec le post-sérialisme.

Le post-minimalisme concerne aussi les compositeurs minimalistes de la première heure. Après Drumming (1971), Reich ajoute de l’instrumentation à ses pièces et développe ses méthodes rythmiques et harmoniques pour plus de complexité. De même, Philip Glass commence à composer pour le «théâtre musical» et l’opéra à partir de 1974, avec des préoccupations qui s’éloignent du minimalisme, notamment l’utilisation de l’harmonie comme pour l’opéra Einstein on the Beach (1976) qui marque cette évolution. Le minimalisme post-minimalisme se démarque en étant moins radical et expérimental.

Le “minimaliste mystique”
Ces compositeurs sont parfois groupés et associés au mouvement minimaliste en raison de leur utilisation de certains principes de composition de ce style (répétition, sons retenus, silences, une certaine simplicité) et d’une influence religieuse chrétienne ou spirituelle ouvertement revendiquée dans leur vie et dans leur vie. leurs compositions. Alan Hovhaness est parfois considéré comme un précurseur de cette tendance, mais ce sont surtout l’estonien Arvo Pärt, le polonais Henryk Górecki et le britannique John Tavener qui sont généralement associés aux «minimalistes mystiques». Plus largement, Giya Kancheli et Sofia Goubaïdoulina sont parfois aussi retenues dans cette branche du minimalisme.

Les œuvres de Pärt et Górecki se caractérisent par l’utilisation de la tonalité, un matériau musical simple souvent utilisé de façon répétitive, et une composition influencée par des compositeurs médiévaux et des plain-chant grégoriens. Tous deux, fortement influencés par la répression politique et spirituelle dans leur pays sous le régime communiste, ont commencé à composer dans les années 1960 dans un style néoclassique avant de se tourner vers le sérialisme provoquant leur censure des autorités. Pärt se tourne alors vers une musique de silence et de contemplation en composant Für Alina (1976), Fratres (1977), et Spiegel im Spiegel (1978), les œuvres fondatrices de ce mouvement interne du minimalisme, qui jettera les bases d’un style spécifique qu’il appelle tintinnabulum. Ce style se caractérise par l’utilisation simultanée de deux voix, un arpège sur une triade tonique connue sous le nom de “tintinnabulante” et l’autre sur une basse diatonique évolutive. Son travail s’oriente vers l’écriture quasi exclusive de musique sacrée, le plus souvent chorale, développant un «éclat de chansons». Górecki pour sa part fait sa transition entre la musique sérielle et le minimalisme sacré en 1976 surtout avec l’écriture de sa Troisième Symphonie, qui aura une très grande notoriété quelques années plus tard en Europe occidentale et aux États-Unis et sa réputation internationale assise.

Description musicale
L’ensemble des œuvres classées comme musiques minimalistes est loin d’avoir une unité de style ou d’avoir des caractéristiques musicales tout à fait identiques. Bien qu’une classification soit toujours réductrice, il est généralement admis que l’esthétique de la musique minimaliste repose sur trois caractéristiques:

un retour à une harmonie “consonne” (même tonale, ou modale dans certaines œuvres);
la répétition de phrases, de figures ou de cellules musicales avec ou sans petites variations graduelles;
un rythme cardiaque régulier.
Ceci, cependant, comprend des œuvres avec des profils très différents, et l’utilisation de différentes techniques musicales. De même, les œuvres des compositeurs dits minimalistes ne peuvent pas toutes être considérées comme minimalistes, en particulier les dernières œuvres de Steve Reich et Philip Glass, ou les premières pièces (souvent non musicales) de La Monte Young.

Entre théorie et intuition
Les pionniers du minimalisme Monte Young et Terry Riley expérimentent une variété de techniques de composition. Le Monte Young produit notamment une grande variété d’œuvres: des pièces inspirées du sérialisme et de Webern, des pièces conceptuelles proches de John Cage, des groupes d’improvisation inspirés de la musique indienne et du jazz, des pièces issues de ses recherches formelles sur les gammes naturelles. Terry Riley est beaucoup plus empirique, il expérimente avec des cassettes et utilise beaucoup l’improvisation.

Caractéristiques musicales

Rythme
Une préoccupation majeure parmi les minimalistes est le rythme. La plupart des compositions ont des pulsations régulières et sont construites par l’enchevêtrement d’unités rythmiques de base. Ces considérations rythmiques sont particulièrement marquées chez Steve Reich et sont réalisées grâce à la technique du déphasage. Drumming (1971) marque l’aboutissement de la fascination de Reich pour le rythme, exprimée par le phasing. Chez Philip Glass, le travail sur le rythme est présent dès ses premières pièces minimalistes utilisant son procédé additif de composition, notamment dans le 1 + 1 (1968).

Le rythme est le premier élément systématiquement analysé par le minimaliste, avant la future ré-intégration de l’harmonie et de la mélodie.

Harmonie
Les premières œuvres minimalistes sont atonales, Young’s Trio for Strings (1958), Riley’s String Quartet (1960), bien que l’évolution extrêmement lente et la faible densité des notes donnent une illusion de timbre, supprimant presque tous les mouvements. Même en C, qui est généralement considéré comme l’œuvre du retour à la tonalité, n’est pas strictement tonal, mais une composition atonale sans indication d’armure, même si la composition est largement diatonique.

L’abandon progressif des bandes magnétiques au profit des instruments acoustiques favorise le développement de l’harmonie. Dans Steve Reich, de Piano Phase, un profil tonal ou modal est établi au début du travail, mais reste ambigu. Le processus résultant diatonicism phasing n’est pas choisi a priori, mais est plutôt requis par l’expérience.

Registre et dynamique
Dans Young and Riley, la basse joue un rôle de drone, inspiré par la musique indienne. Chez Steve Reich, il n’y a pas de basse, et les hauteurs en général appartiennent au registre du milieu (la phase de piano n’a pas de note en dessous de Mi 4, les patterns de phase en dessous de C 4). Le manque d’ambiguïté des produits bas Reich cherche à maintenir, tout en ne sachant pas précisément définir. De même, les minimalistes n’utilisent pas du tout un gameplay étendu, ce qui est très présent dans d’autres styles musicaux contemporains.

Les nuances varient généralement très peu, voire pas du tout. Le niveau sonore est souvent très élevé, par exemple dans certains morceaux de La Monte Young, et Glass, où l’on perçoit l’influence du rock.

Exécution
Ecoute abordable, la musique répétitive semble faussement facile à réaliser. Les processus de déphasage de Reich exigent une grande concentration de la part des instrumentistes. De même, Glass rapporte que plusieurs répétitions non préparées sont arrivées trop tard à la difficulté de ses partitions 51. En l’absence des partitions du compositeur ne sont pas toujours faciles à déchiffrer pour les interprètes, exigeant inventivité au manque d’information ou leur peu de clarté.

Liens avec les arts visuels

Danse
La danse, qui par nature a toujours été étroitement liée aux créations musicales de son temps, n’échappe pas à l’influence de la musique minimaliste, notamment autour de la notion et de l’usage de la répétition. D’une certaine manière, l’origine de l’impact de la musique minimaliste sur la danse remonte à la collaboration de John Cage avec le chorégraphe américain Merce Cunningham au début des années 1950, lorsque la danse moderne a commencé. A travers lui, Cunningham rencontra également Morton Feldman qui composa pour lui la musique pour sa chorégraphie innovante sous le nom de Melodie sans titre pour Merce Cunningham en 1968. Un groupe comprenant les danseurs Simone Forti, Yvonne Rainer, Trisha Brown et les compositeurs Terry Riley et La Monte Young autour d’Anna Halprin entre 1960 et 1962 pour interpréter des spectacles dont la Judson Church à New York. Cependant, c’est Trisha Brown qui explore davantage le principe de la répétition et de l’accumulation successive de mouvements chorégraphiques au cours de cette période de danse moderne. Meredith Monk, qui est aussi danseuse, rejoint plus tard ce groupe où elle peut combiner à la fois ses recherches musicales et ses créations chorégraphiques dans des performances orientées vers un mouvement plus raffiné et une certaine transe spirituelle.

Arts plastiques
Les compositeurs minimalistes entretiennent des relations étroites avec les artistes, en particulier ceux de l’art minimaliste et conceptuel actuel. Steve Reich et Philip Glass avaient de très bonnes amitiés avec Richard Serra, Sol Le Witt, Bruce Nauman, Michael Snow ou Nancy Graves. Reich écrit son essai Music as a Gradual Process (1968) qui sera inclus dans le catalogue d’une grande exposition sur le minimalisme aux côtés de ses amis plasticiens au Whitney Museumin 1969 et durant lequel il donne, avec Glass, des concerts. En outre, une œuvre comme Reich’s Pendulum Music, dans laquelle Serra, Nauman et Snow participent en tant qu’exécuteurs, est plus une question de performance que de musique. Steve Reich reconnaît une «position commune» entre les artistes et leurs créations, caractérisée par l’apparence «géométrique et métaphorique» de leur travail mais pas d’influences réciproques directes. Il dit: «Nous nagions simplement dans la même soupe. En 1977, certains artistes ont participé à une vente de leurs œuvres pour renflouer des dettes résultant de l’installation d’Einstein sur la plage de verre. Enfin, Glass était l’assistant personnel à temps plein de Richard Serra en 1969. Glass ne fait pas de lien direct entre son travail de musicien et les œuvres de ses amis artistes.

Reconnaissance et popularité
Le minimalisme est né comme un courant expérimental et développé en dehors du monde traditionnel de la musique classique. Les premiers concerts sont donnés principalement dans des galeries d’art ou des musées, et doivent être organisés par les compositeurs eux-mêmes. Ce sont surtout les enregistrements qui permettront une large diffusion de musiques minimalistes, notamment en Europe, où la réception est plutôt bonne. De plus, c’est l’Europe qui apportera ses premiers grands signes de reconnaissance, avec une commande de l’Etat français à Philip Glass, et un succès discographique avec une audition sans restriction pour les amateurs de musique contemporaine, avec Steve Reich, pour le label allemand Edition de la musique contemporaine.

Critique et analyse
Des critiques extrêmement forts se sont exprimés vers le minimalisme, principalement de compositeurs ou de musicologues proches de l’avant-garde, ou de philosophes. Le compositeur américain Elliott Carter a exprimé à plusieurs reprises son rejet catégorique du minimalisme et plus généralement de la répétition dans la musique, considérée comme la mort du compositeur. C’est en particulier une analogie avec la publicité, non sollicitée, intrusive et répétée ad nauseum. Le qualificatif fasciste a même été utilisé explicitement, ainsi que la comparaison de l’utilisation de la répétition comme une méthode de lavage de cerveau telle que pratiquée dans la publicité ou les discours de Hitler.

La critique du minimalisme est parfois confondue avec celle du postmodernisme. Le compositeur d’avant-garde Brian Ferneyhough rejette le postmodernisme, critique et surtout John Adams, dans lequel il dénonce une absence d’éthique liée à la non-inclusion de la culture musicale.