Paris Fashion Week Menswear Spring-Summer 2023 marque l’événement inaugural de la Fashion Week parisienne de l’année, la 2023st du 21 au 26 juin 2022. Pour la saison printemps/été 2023, les créateurs parisiens sont sortis en force dans une fascinante démonstration de juxtaposition à travers les marques, des inspirations les plus subtiles aux styles avant-gardistes, où des motifs de jouets enfantins ont partagé la piste avec des vêtements de travail structurés et des modèles portant des vêtements en crochet colorés ont suivi ceux vêtus de styles utilitaires de la tête aux pieds.
Certains créateurs se sont lancés le défi de repousser les limites des présentations physiques – d’une performance acrobatique chez Homme Plissé d’Issey Miyake à une reconstitution de la maison et du jardin d’enfance du créateur éponyme chez Dior Men. Rick Owens est retourné à son repaire habituel au Palais de Tokyo avec une présentation de piste rythmée par trois globes géants qui ont été incendiés, soulevés par les airs puis tombés de façon spectaculaire dans la piscine de la fontaine du bâtiment alors que des mannequins se promenaient à sa périphérie. Lors du salon KidSuper, le designer Colm Dillane a organisé une vente aux enchères en direct de peintures qui ont inspiré sa collection.
L’idée d’avoir une semaine de la mode masculine séparée est depuis longtemps devenue obsolète parce que la fluidité des genres est de plus en plus acceptée. Certains modèles affichés n’étaient principalement masculins que de nom, il y avait des références aux normes conventionnelles de virilité, aussi, beaucoup d’hommes portaient des hauts courts et des vêtements traditionnellement féminins.
La Fashion Week de Paris est une série de présentations de créateurs organisées deux fois par an à Paris, en France, avec des événements printemps/été et automne/hiver organisés chaque année. La Fashion Week de Paris fait partie des semaines mondiales de la mode « Big 4 », les autres étant la Fashion Week de Londres, la Fashion Week de Milan et la Fashion Week de New York. Le programme commence par New York, suivi de Londres, puis de Milan et se termine à Paris.
La Fashion Week de Paris peut, comme pour la semaine du prêt-à-porter en mars, voir défiler jusqu’à une centaine de marques. En plus des défilés de prêt-à-porter, il y a des défilés masculins et de haute couture, qui ont lieu semestriellement pour les saisons printemps/été et automne/hiver. Les semaines françaises ne se ressemblent pas si elles concernent la haute couture ou le prêt-à-porter. En raison de leur renommée mondiale, plusieurs maisons internationales choisissent de défiler à Paris pour leur prêt-à-porter.
A Paris, les plus grandes marques de mode présentent jusqu’à six collections par an : haute couture et/ou prêt-à-porter et/ou homme, printemps-été et automne-hiver. Il y a donc plusieurs « Semaines » dans l’année, principalement deux réservées à la Haute Couture (janvier et juillet), deux à la mode Homme (janvier et juin) et deux autres au prêt-à-porter (mars et septembre).
le 21 juin
Lukhanyo Mdingi
La collection de Lukhanyo Mdingi, intitulée « Burkina » met en valeur l’expansion de l’ingéniosité humaine et de l’artisanat. La collection Lukhanyo Mdingi montre comment les arts, l’artisanat et les techniques des artisans africains peuvent jouer un rôle central dans l’élévation de la mode de créateurs contemporains de haut niveau d’aujourd’hui. The Burkina Collection, en l’honneur de la communauté textile CABES au Burkina Faso avec laquelle il a travaillé pendant la pandémie et a réalisé un documentaire sur la communauté des tisserands et teinturiers qui produisent une grande partie de la collection. Sous l’égide de l’Ethical Fashion Initiative et du CABES, a exploré comment les sensibilités de ces pratiques peuvent communiquer un hybride avec le design contemporain.
Les vêtements du Burkina sont raffinés, légers, doux et subtilement stylés, avec des variations superposées irrésistiblement attrayantes de tailleurs-pantalons, de tricots fins et tricotés à la main, de robes, de jupes plissées et de vêtements de sport, le tout chantant ensemble dans un chœur visuel parfaitement réglé. de lavande, turquoise, ocre, jaune, marron et vert gazon. Le partenariat avec la signature distincte sud-africaine et l’utilisation de la manipulation du tissu par le biais de la collecte, espèrent souligner l’importance de l’impact social à tisser dans les deux mondes de chaque étiquette. A travaillé avec la marque de bijoux sud-africaine PICHULIK. La collection soignée est une odyssée d’articles totémiques qui ont été créés, développant les finitions en corde et en laiton sculpturales de PICHULIK avec LM’
Marbre bleu
La collection Bluemarble s’inspire du désert californien et du rêve de rencontrer Hendrix. La collection découvre la culture pop américaine à travers le filtre français. C’est une nouvelle attitude parisienne, où l’aisance et l’excentricité coexistent, et où la fantaisie s’invite dans la vraie vie. Une exploration des inspirations, des techniques, des imprimés, des couleurs et surtout de l’individualité. L’idée est d’arriver à un langage visuel vivant à partir d’influences et de perspectives diverses, et à un espace de tête à la fois libre d’esprit et ancré. C’est pourquoi cette saison mise sur différentes garde-robes : workwear, sportswear et tailleur.
Les morceaux ont une touche psychédélique – le clin d’œil BLUEMARBLE au légendaire festival de musique de Monterey de 1967 et imaginant cette expérience de contre-culture pour les jeunes d’aujourd’hui. Mais ce qui ressort également, c’est le savoir-faire parisien, car la collection implique plus de détails artisanaux que jamais. Plusieurs pièces témoignent du développement continu des créations BLUEMARBLE : des pantalons cargo à pinces, des hauts à encolure bateau allongée, des chemises à cordon de serrage à la taille et des vestes universitaires réversibles qui reviennent d’une saison à l’autre. Les bootcuts embellis et les jeans baggy sont désormais devenus une signature de la marque.
Georges Wendel
La collection Georges Wendell s’inspire de l’univers de la nuit parisienne, mettant cette fois en scène une présentation dans les salons labyrinthiques du mythique restaurant Rive Gauche Lapérouse, connu pour ses alcôves intimistes et son histoire libertine. Dans le contexte opulent, la collection renverse quelque peu la position de conception excentrique de la marque, en se concentrant sur des looks sur mesure qui auraient pu être dans la garde-robe de grand-père pour les vêtements pour hommes, et en les associant à des tenues douces mais sexy pour les vêtements pour femmes. La couture reste un objectif de conception principal pour la mode masculine, mais les pièces sont accompagnées de détails de conception tordus. Les costumes décontractés ont pris vie dans des tons bleu ardoise et jaune pissenlit avec à la fois des rayures et des tissus unis. À ces pièces s’ajoute le mélange de coton supima et de tissus en laine. Les constructions modifiées entrent en jeu à travers des chemises boutonnées avec des ourlets en forme de rasoir et des chemises en soie à fermeture à cordon. Ailleurs dans la collection, on trouve du denim décontracté, un sweat à capuche à empiècements avec un pantalon gris assorti et des cravates coupées.
Ce motif a été repris sur des joggeurs en jersey épais, tandis que les ourlets en zigzag ajoutaient une touche peu orthodoxe aux pièces en denim et aux chemises en coton à rayures, ces dernières étant portées avec une cravate à fond carré assortie avec un logo GW brodé. Un costume « pour un mec cool à porter à un mariage », en laine légère, avait une silhouette ample. Ses caractéristiques originales comprenaient des poches qui pendaient à l’extérieur du devant du pantalon, tandis que la veste avait un faux gilet en dessous. Ailleurs, l’accent mis sur les « vêtements du vendredi » a abouti aux premiers chinos de Kaczmarek pour la marque, avec une couture latérale ondulée distinctive. Une veste boléro et une minijupe plissée assortie en laine rose pâle ou un déshabillé dans un joli Liberty fleuri avec de subtils détails de logo, bordé de dentelle de Calais. Les chaussures épaisses, qui se sont avérées être une catégorie de best-seller pour le label,
Egonlab.
La collection d’Egonlab., intitulée « WONDERLAND – THE EGONLAB PLAYGROUND. », présentait un tableau campy et kitsch qui nous emmenait dans son propre terrain de jeu amusant. La collection saisonnière et asexuée montre les ponts entre les générations à travers la romance d’EGONlab., et s’inspire des éléments masculins et féminins du peintre expressionniste viennois du début du XXe siècle Egon Schiele. Une collection qui brouille le spectre des genres, servant un mélange d’éléments qui se réunissent pour une histoire sur la superposition, les textures, la mode ludique et l’expression de soi.
Ajoutez le trench ceinturé mais ouvert, les cuissardes en cuir verni et les blazers amples. Des gilets en tricot intarsia à fleurs scintillantes nichés dans un jean baggy taille haute en détresse ont montré comment EGONlab. peut servir les bords durs et doux de la mode ensemble, et cela a donné le ton pour une grande partie de la collection SS23 de la marque. Short, fini haut et serré sur la cuisse, EGONlab. a associé le short à un blazer en cuir à double boutonnage et à des débardeurs blancs, la fermeture à glissière en métal très présente sur le devant provoquant une juxtaposition entre la romance et la rébellion pour lesquelles la marque est connue.
TAAKK
La collection de TAAKK redéfinit les possibilités du design de vêtements pour hommes avec une approche multidisciplinaire. La collection est née du désir de Morikawa de créer quelque chose de beau et de fort. Reflets au bord de l’eau, une fleur devant la fenêtre de l’atelier. Nous présentons les beautés de nos mondes immédiats. Cette collection est centrée autour des textures des tissus composés et de l’élégance de notre environnement immédiat exprimée à travers le graphisme. Les denims de base de TAAKK utilisent des fils de conception jacquard et créent des conceptions personnalisées avec des moustaches et des fondus en denim qui sont rehaussés par des processus supplémentaires. TAAKK allie lourdeur et légèreté dans une veste ajustée qui passe du lin à un prêt de coton fin. De même pour notre trench-coat, Earth et Air fusionnent dans cette déclaration de mode ferme. En utilisant du polyéthylène comme fil de trame brut sous une forme non chauffée. TAAKK a développé une nouvelle série de Memory Fabric avec une nouvelle ligne de designs à accompagner.
Etudes
Études a transporté son public et ses mannequins sur une voie ferrée abandonnée au milieu d’un quartier populaire de Paris, a présenté une série de vêtements inspirés de l’industrialisation. Appelée Péripherie, la collection a pris des idées sur le passé et l’avenir de la ville comme tremplin pour revisiter les archétypes de vêtements de travail, désormais rehaussés d’une couture habile, et injecter des basiques urbains comme des sweat-shirts et des sweats à capuche avec « une certaine élégance »: une veste militaire sans manches associée à un classique pantalon tailleur, combi-pantalon en laine italienne avec poches cargo sur le côté ou tailleur-pantalon en toile de coton blanc plâtre, kaki ou séquoia. L’étiquette Études en forme de losange rétro était une touche intelligente. Études revisite les codes préférés à travers un objectif plus large, surteignant le denim à l’aspect usé avec du jaune pâle pour le rendre »
22 juin
Bianca Saunders
Bianca Saunders explore les mondes intérieurs et les apparences extérieures, avec une collection qui recadre les silhouettes traditionnelles avec des signatures techniques élevées. En tant que marque de vêtements pour hommes dirigée par des femmes, Saunders est connue pour explorer l’intersection entre la masculinité et la féminité. Saunders s’est inspiré de cette dualité de l’apparence extérieure et de la réalité intérieure pour concevoir la nouvelle collection, tout en retravaillant les éléments de design que nous avons vus auparavant pour continuer à construire l’ADN de la marque. La collection était centrée sur des vêtements d’extérieur sur mesure, souvent avec des motifs visuellement époustouflants, texturés et presque illusoires. À travers des looks monochromes, Saunders a cherché à communiquer une contrepartie décontractée à la forme carrée des vêtements. Dans un autre clin d’œil à la cuisine jamaïcaine, divers collages assemblés à la main de recettes d’aliments durs ont été imprimés sur des pièces.
La collection continue de se concentrer sur les vêtements d’extérieur sur mesure, avec des pièces familières telles que la veste Lexxus et le bomber à ourlet convexe. Les deux présentent les épaules drapées de la marque Saunder, qui sont revenues en velours côtelé trompe l’œil vert pièce. Des détails subtils ont été disséminés dans toute la collection, notamment le manteau allongé en gabardine contrecollée et les détails découpés dans le dos en jacquards soyeux. L’idéal casual-chic habille la collection avec ses twinsets réversibles à manches longues et ses pulls en maille à encolures rapportées. Les pièces de la collection ont vu une notion de toucher qui donne l’impression que les vêtements ont été moulés pour s’adapter au corps de la personne qui les porte. Le pantalon était un design remarquable pour la collection de cette saison, avec un devant en laine collée rigide, marcher sur une ligne fine entre être décoratif et fonctionnel. Les coupes surdimensionnées et décontractées continuent d’informer cette collection avec des cols roulés axés sur le confort et des pantalons larges coupés en satin pour élever les vêtements de tous les jours au statut de tapis rouge.
Isabel marant
La collection d’Isabel Marant empruntant au vestiaire masculin des collections féminines, caractérisées par le fait d’être à la fois ludiques et élégantes, amusantes et colorées, avec la techno, la culture grunge et le psychédélisme sont parmi les inspirations de cette collection composée d’une palette de couleurs de bleus, lilas, violet, vert , rose, orange, marron… tous contribuent à l’attitude décontractée et insouciante qui se marie si bien avec l’été. D’un imprimé inspiré des paillettes et d’un sweat-shirt façon carte postale à un blouson aviateur en éponge, cette garde-robe est construite sur des pièces assemblées comme des souvenirs d’été et de concerts. Marant a revisité des basiques comme les shorts cargo et les jeans avec un mélange délavé de motifs ikat et camouflage, et a proposé des tricots roses flous, des sweat-shirts brodés et des vestes matelassées. Les silhouettes de cette version sont grandes, volumineuses,
Homme solide
La collection de Solid Homme inspirée par le Bauhaus, la marque harmonise la couleur, le mouvement et l’illusion qui produit l’impression d’intangibilité. Fidèle à sa philosophie, la marque propose une collection élégante et ultramoderne qui sonne à la fois ancien et nouveau, retravaillant les classiques pour l’homme contemporain. La matière mélangée coton nylon, au toucher léger et aéré, fait son apparition dans les vestes courtes, les pantalons et les maxi-coupe-vent à capuches intégrées. Au profit d’un aspect délavé et délavé au soleil, le denim est traité par des procédés de teinture lavés ou pigmentés. Impression numérique, utilisée pour reproduire un motif de nuage relaxant.
Définie par le haut surdimensionné et le cuissard court, la silhouette de Solid Homme se pare d’une coupe ajustable sous forme de boucles, de boutons-pression ou d’élastique à l’arrière de la taille. La longueur allongée est également tendance dans la collection – les vestes, les polos et les tricots atteignent la cheville, tandis que les accessoires en cuir traînent même le sol. Les ceintures sur les sweats à capuche retravaillent la silhouette à taille cintrée, avec des sangles supplémentaires comme brassards pour une mise en forme supplémentaire. Les couleurs clés de Solid Homme de Digital Lavender, Blue Iris, Malibu Blue et Neon Yellow égayent les chapeaux de seau jusqu’aux chaussures.
Lemaire
Le défilé Lemaire printemps-été 2023 est une expérience totalement immersive, des mannequins ont traversé l’espace, se mêlant aux invités, l’une absorbée dans son livre en marchant, une autre s’est arrêtée pour regarder par la fenêtre tandis qu’un autre mannequin s’est appuyé contre un mur pour rêvasser. Les invités ont pu jeter un coup d’œil dans le monde de Lemaire en se promenant dans une salle qui leur permet d’interagir et d’être de près et personnels avec les pièces. Présentée sous forme de tableau vivant dans la grande salle du Musée des Arts et Métiers, avec une performance en direct d’un musicien et chanteur expérimental et d’une ambiance américaine jouant de la musique de fond sur plusieurs instruments, la présentation rafraîchissante a permis aux invités de dériver de tableau en tableau, en contemplant des modèles engagé dans la vie de tous les jours.
Cette collection d’été est une garde-robe plus légère, qui propose des chemises et des robes aérées, laissant une grande liberté de mouvement. Les pièces laissent place à un mouvement fluide qui dégage une silhouette plus légère et sophistiquée rappelant l’élégance nonchalante. L’esthétique de Lemaire, signée Christophe Lemaire et Sarah-Linh Tran, a toujours été ancrée dans la réalité du quotidien, amplifiant confort et praticité sans jamais se soucier des fioritures inutiles. La collection se concentre sur des teintes crémeuses avec une nuance de terre cuite, combinées avec du rouge sang de bœuf et des touches de gingembre, de bleu bébé et de rose frais pour créer une palette de couleurs dynamiques pour la journée. Les accessoires ajoutent au look, devenant une extension de l’uniforme Lemaire. Les longs colliers avec pendentifs s’inspirent des rideaux de perles pour ajouter du mouvement à la silhouette sans effort.
Hed Mayner
La collection de Hed Mayner revisite les proportions agrandies, explore les proportions et, notamment, élimine les notions de genre et de statut, mais n’apparaît pas comme des déclarations exagérées de bizarreries saisonnières. Mayner transforme un vêtement en un moyen de le déstigmatiser de la classe, du sexe et de la formalité. Pour cette saison, de nouvelles textures et déplacements ont été ajoutés à la coupe oversize. La proportion d’une veste de costume pour homme par excellence a été magnifiée, revue et revue pour qu’elle se pose sur le corps comme un objet trouvé. C’est quelque chose de très direct et clair vu de face mais il y a une décadence derrière. L’ouverture d’une chemise se fait dans le dos. Un blazer à double boutonnage est traité comme un tablier. La décadence a été montrée dans une silhouette qui a un fort contact entre le devant et le dos,
Givenchy
La collection Givenchy a été inspirée par les personnes les plus proches de Williams, y compris les artistes, designers et musiciens qui l’inspirent, agissant à la fois comme le monde de la mode masculine moderne et l’héritage artisanal de Givenchy. Williams mélange l’ancien et le nouveau, en respectant les concepts de la mode masculine moderne et l’héritage artisanal de la maison de couture. Dotée d’une coupe décontractée, la collection comprenait des cargos simples, des blazers décontractés et des vêtements d’extérieur inspirés des motocyclistes. Alors que cette piste avait une palette de couleurs neutres et monochromatiques solides, il y avait occasionnellement des touches de couleur et des imprimés audacieux de vert menthe et de camouflage.
L’idée d’usure est défendue. Certains des articles de camouflage sont fabriqués à partir d’un camouflage blanc recouvert de nylon ripstop. Au fur et à mesure qu’ils sont portés, le camouflage blanc en dessous devient visible. Ailleurs, les vestes shell surteintes et les parkas militaires font référence à leurs couleurs fluorescentes d’origine à travers leurs doublures. Les accessoires étaient une star hors concours de cette collection. Les mannequins portaient des lunettes G-Cut, des colliers et des bracelets à maillons de chaîne et des masques de ski de Givenchy. La marque a également lancé sa dernière sneaker, la TK-MX runner. La basket a une maille et un cuir synthétique avec des semelles incurvées. La maison de couture française a également dévoilé des textiles uniques sur le podium. Givenchy a confectionné ses gilets tactiques et ses pantalons cargo à partir d’un tissu imperméable imprimé numériquement. Ajustement pour la piste de style fossé.
Walter Van Beirendonck
La collection de Walter Van Beirendonck montrait des conceptions progressives influencées par le passé et l’avenir, dont les bouffonneries se sont déroulées dans une reconstitution dramatique de deux actes. Act I a vu 12 looks protégés par des capes noires qui ont été magiquement soulevées dans l’abîme pour révéler le travail le plus fort du créateur cette saison. Un manteau mac blanc a été accentué avec des volants et des poches à boutons-pression, gonflant à l’ourlet pour une esthétique flottante qui a inspiré une grande partie de la collection. Suivi d’un mac en cuir verni noir, de volants plissés et d’un rembourrage d’épaule allongé carré et de lignes chanfreinées coupant la veste en trois dimensions, ajoutant du volume aux vêtements d’extérieur. Des cols à volants du XVIe siècle se sont opposés à des débardeurs à slogan et à des jupes à boucle de tringle à rideaux,
Mais au fur et à mesure que le spectacle se poursuivait dans l’acte II, les clins d’œil de Walter Van Beirendonck aux vêtements de sport et aux kinks se sont effondrés – en particulier avec Look 16, un ensemble une pièce long john unitard qui a vu le mannequin porter un autre col à volants shakespearien aux côtés d’un Silence of the Lamb’s Hannibal Lecter -masque facial jockstrap. Les vestes en cuir découpées montraient la peau tandis que les pantalons baggy complétaient les jambes dans son volume, et plus tard dans la collection, la touche de couleur ludique habituelle du créateur infiltrait des motifs géométriques orientés vers les vêtements de sport. Cependant, le théâtre de tout cela a été continuellement rehaussé grâce à un numéro de masque vert Power Rangers, au blazer scintillant vert scintillant et à des chemises arborant des capes. Walter Van Beirendonck a terminé sur un look d’une simplicité contrastée :
Y/Projet
La collection de Y/Project a conservé l’esthétique ludique de la signature tout au long de la présentation du défilé, qui comportait principalement du denim. Fidèles à la mode Y/Project, les silhouettes classiques ont été déformées pour créer des silhouettes inattendues tout en arborant des graphismes comprenant un logo Tour Eiffel. La collection a également présenté la deuxième partie du partenariat de Martens avec Jean Paul Gaultier, avec de nouveaux motifs en trompe-l’œil apparaissant sur scène. Ces motifs ont été appliqués sur des robes à bretelles ainsi que sur des pièces en maille et un t-shirt à manches longues avec un jean ceinturé imprimé sur le bas du vêtement pour créer un effet illusion. Les vêtements étaient stylés avec des cuissardes surdimensionnées tandis que la tendance des débardeurs blancs se poursuivait avec des bretelles invisibles. Parmi les autres vedettes, citons les jupes en jean taille basse et longues des années 2000 qui font leur retour,
23 juin
Pluie
La collection de Rain, intitulée « Connect », va au-delà de ses spécialités habituelles de pluie et de temps froid en tenant compte des saisons intermédiaires. Cette idée de combler le fossé saisonnier a été livrée dans son expression la plus simple : les couches. Les maillots de bain, une catégorie introduite cette saison, en faisaient partie, empilés sous des hauts légers à manches longues, des pantalons cargo à taille élastiquée, des sweats à capuche vaporeux ou associés à des pièces décontractées. Le matelassage géométrique a été utilisé pour les vestes à capuche avec ou sans manches de différentes longueurs et les shorts qui arrivent au genou, déjà la longueur tendance cette saison.
Une approche technique de la trans-saisonnalité a également été adoptée dans les choix de tissus, qui vont des tissus enduits de PU que la marque utilise depuis sa création aux textiles performants. Les pluies restent scandinaves dans leur essence, coupant près et haut sur le corps sur les hauts, laissant les bas couler. Les accessoires ont également joué au-delà de leur mandat fonctionnel. Le protège-nuque d’une casquette a été transformé en un train qui a heurté le sol. La quincaillerie des sacs a également été explosée, donnant à l’ancien côté fonctionnel une lecture décorative. Il a créé des formes plus carrées, jouant sur l’impression futuriste télégraphiée par les motifs rectangulaires des vêtements.
Issey Miyaké
La collection d’Issey Miyake se penche sur le contraste entre la fleur et le vase, la vitrine est un débat sur quelque chose de vraiment délicat et quelque chose de robuste, et comment comparer et contraster. Un défilé dédié à la démonstration de la remarquable liberté de mouvement qu’offre le port de ces tissus fluides. Mannequins, performeurs et acrobates tournoyaient, sautaient et volaient dans les airs à la poste centrale de Paris. Après qu’une dizaine de looks aient été modélisés de manière relativement prosaïque dans la mesure où les porteurs venaient de marcher, une douzaine de ces danseurs ont émergé de derrière un échafaudage et se sont mis à se tenir debout les uns sur les autres et à se balancer comme des massues de jonglage.
Les formes originales des vêtements étaient astucieusement conçues, souvent avec des éléments rappelant la nature et malléables. La série d’ouverture « vase » comprenait des plateaux à bords incurvés. Les vestes présentent des silhouettes arrondies, inspirées des plantes qui flottent dans l’air. Certains looks ont des éléments ludiques, comme des poches amovibles en un clin d’œil. Le « manteau d’acclimatation » est transformable avec un cordon de serrage, un ourlet rétractable et une capuche qui peut être dézippée. Le blocage des couleurs est venu dans des teintes saturées et alléchantes, telles que le jaune, l’orange, la framboise et le violet anglais, tandis qu’un imprimé réalisé avec de la peinture dégoulinante s’inspire des cotonniers. Les vêtements restaient complètement sereins, accordéonnant dans toutes les directions exigées par la contorsion de leur porteur. Les variations comprenaient des pièces avec des ourlets incurvés qui s’incurvaient vers la poitrine,
Rick Owens
La collection de Rick Owens intitulée « EDFU », inspirée par le mouvement de l’esthétique culturelle égyptienne qui est restée pendant des millénaires, Owens a réfléchi davantage sur sa place dans la mode. Rick Owens s’est appuyé sur ses codes esthétiques extrêmes établis, mettant en scène trois orbes métalliques enflammées qui se sont écrasées périodiquement dans la fontaine tout au long du spectacle. Plongeant dans le monde des vêtements techniques, Rick Owens a développé des vestes, des chemises et des pantalons inversés avec du nylon ripstop et du Dyneema, reconnu comme l’un des textiles les plus résistants au monde. Pour compléter la collection « EDFU », Rick Owens a développé des looks en tulle intégral, inspirés des moustiquaires de ses récentes vacances, et des motifs d’épaules tournés vers le haut, tirés de la tenue cérémonielle de l’Égypte ancienne.
Sean Suen
La collection de Sean Suen intitulée ‘Apologies, still hungover, back tomorrow…’ rassemble des silohuettes inspirées par les états intermédiaires d’inconfort et de gueule de bois : pas besoin de rester affûté tout le temps, pas besoin de donner un sens à tout. Les éléments minimalistes et poétiques se complètent pour former une série de looks sophistiqués. Le drapé, les nœuds simples et la superposition sophistiquée font que cette saison se démarque. Fait avec une certaine aisance et s’orientant vers des gestes simples plutôt qu’une ouverture élaborée. L’intention est d’éliminer la sensation de retenue du vêtement sur le corps, en utilisant du tricot et de la dentelle faits à la main de qualité supérieure, de la soie légère et des satins, du coton et du lin, et de s’attendre à ce que le vêtement s’enroule autour du corps du porteur de la manière la plus douce.
Louis Vuitton
La collection Louis Vuitton, intitulée « Strange Math », rend hommage à l’héritage de Virgil Abloh. Le jeu libre est l’endroit où il croyait que la créativité se produisait. Le concept de jeu – qui remonte à ce qu’Abloh a décrit comme « la vision intacte d’un enfant, pas encore gâté par la programmation sociétale ». Le studio PlayLab Inc, basé à Los Angeles, a créé une aire de jeux agrandie avec une piste de course de jouets sinueuse et jaune au Musée du Louvre, avec des allées sinueuses qui faisaient une boucle à 360 degrés devant les murs du musée. Une piste de course géante de jouets pour enfants devient une route de briques jaunes pour l’imagination : un chemin évolutif pour l’esprit où les fantasmes enfantins prennent vie. C’est une transition du naïf au raffiné qui se reflète dans une collection qui élève les symboles de l’enfance à travers le savoir-faire de la Maison.
Au milieu d’un décor gigantesque construit pour imiter le train d’un enfant agrandi et entouré d’énormes ballons gonflables, ils ont tendrement utilisé les codes de l’enfance avec lesquels Abloh a joué. Des avions en papier ont atterri sur un costume noir comme une sorte de broderie en 3D. Des chapeaux en « papier » pliés ont été reproduits dans un luxueux cuir blanc. Un manteau était décoré avec le contenu d’une boîte à outils, des ciseaux et tout. Les ourlets roses en zig-zaggy des chemises et des vestes faisaient un clin d’œil aux kits d’artisanat pour enfants. Le symbole de la fleur LV a été crocheté à la main dans de la laine multicolore sur toutes les manches d’une veste en jean. Des costumes lilas grisâtres doux ont ouvert la collection, suivis d’un smoking noir avec des avions en papier attachés partout. Des bombers en cuir blanc et un manteau aux grands motifs moulés français du XVIIIe siècle, une riche gamme de broderies de fleurs et de chardons et de jacquards,
Amiri
La collection d’Amiri a montré quelques grands vêtements de sport américains avec une sensibilité européenne. Les artisans d’Amiri se sont également pavanés, superposant plusieurs fois de la mousseline froissée pour créer un effet 3D sur les ailes de Pegasus, qui flottaient très légèrement lorsque les modèles se déplaçaient sur la vaste piste. Les costumes étaient légers comme une plume et les vestes si douces et déconstruites qu’elles pouvaient être glissées directement dans la ceinture des pantalons. Les costumes à fines rayures en laine légère avaient un effet subtil, strié et blanchi au soleil, sur lequel le designer a déclaré que l’équipe avait travaillé pendant des mois pour obtenir les marques parfaites. Les artisans ont également extrait sept vestes universitaires différentes des archives d’Amiri pour assembler un nouveau design et ont perforé le cuir au point qu’il ressemblait à de la maille de nylon sur une chemise.
Dries Van Noten
La collection de Dries Van Noten avec la prémisse d’une élégance inhabituelle, cette saison se concentre sur un sartorialisme classique imprégné d’un sentiment de loucheness et de sensualité. La collection touche à la sous-culture Zazou de Paris pendant la Seconde Guerre mondiale; les jeunes dans leurs plus beaux atours dansant leurs soucis pour swinguer le jazz au Pam Pam Cafe. Les tendances masculines du cow-boy se retrouvent dans les chemises, les bottes et les chaussures de style occidental. Les formes des costumes sont rigoureuses. Une nouvelle silhouette de blazer évolue ; court, zippé et serré sur le corps. Une veste exigeante aux épaules carrées exigeantes portée avec un pantalon fluide en surépaisseur.
24 juin
Junya Watanabe
La collection de Junya Watanabe présentant un amalgame d’influences de la culture pop. Dans la masculinité terre-à-terre et anti-mode du label de Watanabe, il y a une communauté de mecs à mecs qui collectionne des objets avec une sorte de provenance authentique. Un patchwork de Pop Americana, une longue liste de « citations » graphiques sous licence familières des domaines. Avec le morceau subversif Born Under Punches de Talking Heads jouant en arrière-plan, la confection axée sur les détails de Watanabe avec des références nouvelles et anciennes qui ont traversé le temps – des logos Netflix, Coca-Cola et Honda aux œuvres indubitables de Basquiat et Andy Warhol .
Les vêtements Junya Watanabe, y compris les survêtements, les blousons, les cardigans en mohair, les vestes anorak, le denim patchwork, les pantalons à la cheville et les flanelles, peuvent pour la plupart être considérés comme des agrafes surélevées, servant de pièces de déclaration faciles à porter. Watanabe met en scène un look incorporant une casquette à logo Honda, un blazer en nylon ajusté affichant un imprimé délavé de The Girl With Hair Ribbon de Roy Lichtenstein et un jean à entrejambe bas avec des écussons et des broderies du logo Keith Haring. Les casquettes à logo lourd ont la vertu de quelque chose de réel, quelque chose qui a une histoire, qui a une forme traditionnelle. Les accessoires incluent un sac fourre-tout orange brillant et un sac à bandoulière discret à logo oculaire.
Paul Smith
La collection de Paul Smith offrait encore plus de couture, ainsi que de nombreuses couleurs pastel douces et des formes faciles à superposer. La collection concerne les couleurs vives, les motifs et la confection. Pour les couleurs et les motifs, il puise dans ses propres souvenirs d’errance dans les galeries d’art dans les années 1980, l’ensemble est frais, léger, facile à porter. Un costume mauve est venu avec sa veste sur mesure nouée à la taille, tandis qu’un à carreaux était associé à un short plutôt qu’à un pantalon. Un autre costume avec une longue veste était confectionné à partir de chemises pour hommes à rayures pastel et était plein des joies du printemps. L’œuvre d’art a éclaté avec des taches de peinture en aérosol en rose et vert fluo sur les tricots; des trenchs inondés d’imprimés de fleurs sombres et des costumes avec de longues rayures floues sur le devant rappelant les peintures de Gerhard Richter de l’époque.
Smith a remplacé le gilet par un hybride tabard-gilet à col en V, essentiellement la même forme qu’un gréement de poitrine mais sans le gréement. Cela a subtilement transformé l’aspect des pièces fondamentales des années 80 qu’il a placées autour d’elles, et a été diversement montré porté seul sous une veste, sous une veste et au-dessus d’une chemise à col, ou comme un vêtement d’extérieur léger en soi. D’autres touches raffinées étaient des parkas de pluie à poche kangourou en coton traité pour chemises, des mocassins roulés en bœuf découpés, un imprimé futuriste tropical superposé à la fois en jacquard et en imprimé sur des tricots, et des effets de peinture en aérosol radieux sur les costumes, les vêtements d’extérieur et le lever du soleil polarisé. et des pulls coucher de soleil qui ont ouvert et clôturé ce spectacle.
Maison Mihara Yasuhiro
La collection de Mihara Yasuhiro, intitulée « Superficial You », met en valeur l’intention subversive à l’intérieur d’un mensonge supplémentaire dans le vêtement a été livrée par plusieurs pièces présentant des effets de trompe-l’œil. Compte tenu de l’époque étouffante dans laquelle nous vivions, l’idée du trompe-l’œil m’avait semblé être un bon moyen de renverser tous ces froncements de sourcils. Malgré leur apparente complexité, les vêtements péchaient par excès de facilité. Tout était plein d’esprit et impeccablement exécuté.
Le spectacle a commencé par envoyer des pièces qui étaient des mashups de tenues entières, comme une veste avec des queues de chemise et un t-shirt furtivement sous l’ourlet; ou un pull noué à la taille, ou plutôt les manches nouées à la taille en guise de ceinture. D’autres étaient les restes, comme les boléros qui n’étaient que les manches d’un blouson relié derrière les omoplates. Plus tard, les basiques utilitaires ont été habillés d’imprimés, comme un cardigan grand-père avec un appareil photo attaché sur le devant ou un bandana et une chemise de scout sur une fermeture éclair. Même l’usure des vestes en cuir a été mise en place, imitant les vêtements vintage, un intérêt personnel du créateur.
Dior Homme
La collection Dior Homme s’inspire de la maison d’enfance de Christian Dior à Granville, une exploration des vêtements d’extérieur techniques avec des sacs à dos, des sacs ceinture et d’autres vêtements sur mesure habillés de tons pastel. Le design a combiné les racines anglaises du créateur avec la maison d’enfance de Christian Dior à Granville, en Normandie, pour mettre en scène le spectacle. Le lieu était rempli de couleurs avec des fleurs épanouies d’un côté et un plafond bleu vif et un cottage pittoresque servant de toile de fond. Au milieu d’une myriade de fleurs colorées, un fond bleu vif de ciel et de mer est un champ d’herbe que les mannequins semblent presque traverser au galop. Ils sortent d’un cottage pittoresque et entrent dans un espace où la créativité et l’imagination peuvent vraiment s’exprimer librement.
Le design réinventé et revivifié, combinant leurs autobiographies avec celle de la ligne légendaire de Dior. Une sensibilité pop et des archétypes masculins américains insufflent des motifs House classiques plus vrais que nature. Ainsi cannage transformé en satin et cuir matelassé en baskets de skate ou se dénouant sur des pantalons incrustés de cristal. Une sensibilité quotidienne décontractée et décontractée contredit la précision de la confection et la maîtrise du tissu dans l’atelier, en particulier avec les looks sur mesure en polyester récupéré dans l’océan. Alors que la lumière douce et chaude se reflète dans l’espace d’exposition, les modèles apparaissent dans des vêtements dominés par des couleurs pastel, se fondant parfaitement dans leur environnement naturel. Il y a un clin d’œil à la fonctionnalité des vêtements d’extérieur, des gilets réfléchissants techniques aux sacs à dos pratiques en passant par les sacs ceinture,
Comme des Garçons Homme Plus
La collection Comme des Garçons Homme Plus, s’intitule « Another kind of punk », inspirée de la tradition des bouffons de cour médiévaux, une manière d’aller à contre-courant des forces du mainstream. La collection provocation de sensations difficiles et de questions sans réponse, débat un commentaire déconcertant sur le rôle de la mode elle-même, poursuivant la performance de faire défiler ses marchandises alors même que le monde brûle. Une piste noire étroite mettant en valeur les hanches avec une coupe merveilleuse, chatouillant les yeux avec des motifs audacieux et colorés, et donnant à chacun un peu de heebie-jeebies avec des cheveux effrayants, des masques vintage effrayants et des extraits de la bande originale de « Psycho ». Une collection de personnages qui ont foulé les planches en pantalon rayé et imprimé arlequin et une panoplie de redingotes signature Comme des Garçons. T-shirts et shorts cerclés, et les volumes agités dans les jupes des manteaux construits sur l’impression croissante qu’il y avait quelque chose de mal à l’aise à la parade ; une allusion à un message sinistre sous la gaieté absurde des motifs et des formes.
Des cerceaux appliqués si largement à ses vêtements pour hommes : insérés dans les ourlets de beaux pardessus en forme de cloche ; distendant des chemises à carreaux et des t-shirts blancs au niveau des hanches, et faisant ressembler ses shorts surdimensionnés à des buses de rappel de navette spatiale. Le créateur a également ajouté du volume au bas de vestes et de manteaux sur mesure avec des couches de péplums froissés qui évoquaient la meringue ou une couette. Les fermetures à glissière le long de la colonne vertébrale de certains manteaux et vestes pouvaient contenir ou libérer ce tissu supplémentaire, et cette touche industrielle émoussait la douceur des formes évasées. Elle a couronné son étalage exaltant avec des versions de soirée fantaisistes des looks dans des tissus brillants et étincelants, sculptant ces cerceaux en satin épais. Vous auriez du mal à trouver une alternative plus cool.
Kidsuper
La collection de Kidsuper à travers une œuvre d’art performance qui fusionne la mode, l’art et la participation du public. Vingt-trois de ses peintures à l’huile côtoieront vingt-trois regards ; chaque look directement inspiré de son homologue. La conjonction entre les peintures et la mode se traduit par une collection éblouissante, colorée et surpassant, même selon les normes de KidSuper. La majeure partie de la collection est constituée de vêtements pour hommes avec quelques robes occasionnelles pour femmes. « Parfois, l’imprimé intégral appelle une robe – et il n’y a qu’un nombre limité de costumes pour hommes que je peux faire. » L’accessoire de la saison est un sac aux allures de toile d’artiste peinte par numéros.
25 juin
Craig Green
La collection de Craig Green réfléchissait métaphoriquement sur la question de l’amélioration de soi, l’écart entre qui vous êtes et qui vous serez quand vous serez grand. Craig Green impose un récit linéaire ou un « voyage » à travers un lieu où le paysage de la masculinité est interrogé, déconstruit, re-cartographié. Ils portent les signes extérieurs fragmentaires des métiers manuels, témoignent du traumatisme que représentent les treillis militaires, observent et la perversité dans les codes de la tenue d’affaires, attrapent des souvenirs lointains et anciens de l’héraldique dans leur longue ascension vers cette montagne lointaine. De plus, les tropes classiques de la mode masculine sont réinterprétés pour la saison. La combinaison des costumes avec des motifs inspirés de l’écusson de l’école plus tard dans la collection montre comment »
L’idée de Craig Green selon laquelle nous sommes protégés par les choses que l’on gagne en vieillissant, cela s’est traduit par une série de looks conceptuels englobant des accessoires et des ornements de la vie quotidienne, tels que des étriers, des bouteilles d’eau, des outils gainés, des housses anti-poussière de la Seconde Guerre mondiale, des échelles, des parachutes ou des valises qui ne s’ouvraient pas ou des canettes dans lesquelles on ne pouvait pas boire. Harnais et longes, très présents dans toutes les collections du créateur, s’y joignent, évoquant la protection de manière conceptuelle. La collection était plus preppy que d’habitude, avec de magnifiques vestes en coton ciré, des blazers matelassés, des cravates en cuir, des tailleurs-pantalons, des manteaux en bâche en papier ainsi que des ensembles aux motifs inspirés des écussons de l’école. Au fur et à mesure que la collection progressait, les couleurs devenaient de plus en plus vives et les silhouettes devenaient de plus en plus grandes. Le spectacle s’est terminé par une finale très colorée et optimiste,
Sankuanz
La collection de la marque chinoise Sankuanz inspirée du pic sacré de Kangrinboqê (Mont Kailash), la destination spirituelle éternelle, la boucle de la vie et de la mort dans un monde fantastique. La marque continue d’explorer la vie et la mort. Les couleurs vives représentent les arts tibétains et colorent les vêtements modernes avec une palette montagnarde, insufflant aux looks un fort pouvoir spirituel. Sankuanz a misé sur les élégantes silhouettes longues, amples et drapées de la tenue pour confectionner des vêtements qui restent résolument modernes, ancrés dans la culture de la rue et la haute couture d’aujourd’hui.
La collection comprend une gamme de vêtements de prêt-à-porter comme des pantalons décontractés, des chemises boutonnées surdimensionnées avec des cols croisés orientaux, des vestes structurées avec des détails graphiques dans différentes fabrications et plus encore. Le joyau de la collection réside dans son incorporation de détails de conception de robe tibétaine. Les hauts cache-cœur, les blazers à col mao, les tailleurs et les robes sont complétés par des détails viscéraux enveloppés, pliés et empilés pour créer des niveaux de volume contemporains. Bien que raffinées, les constructions accrocheuses transmettent le pouvoir aux côtés de la révérence culturelle. L’un des points forts de ces pièces comprend un blazer surdimensionné orange mandarine associé à une jupe longue assortie en couches. Un autre point fort prend forme dans un ensemble gris métallisé avec une jupe superposée sur un pantalon froissé et un haut moulant sans couture.
Loewe
La collection de Loewe, intitulée « Une fusion de l’organique et du fabriqué », montre sans doute que notre conscience humaine est déjà fusionnée avec nos appareils numériques. Des plantes poussant à partir de vêtements détrempés ont été combinées avec des écrans décorés sur le corps des modèles. Loewe a cultivé du moût de chat et du chia sur le corps de sweats à capuche, de pantalons de survêtement, de jeans, de chaussures et de vêtements d’extérieur dans une serre polytunnel spécialement conçue à cet effet. L’austérité de l’espace d’exposition était destinée à jouer sur les concepts de la collection du naturel et du fabriqué, créant un espace presque clinique et de style laboratoire. Le spectacle a eu lieu dans une salle caverneuse peinte en blanc décrite comme un « environnement d’expansion mentale ». Loewe a construit un volume géant en pente qui est devenu une piste angulaire. Gradins peints en blanc orientés Loewe’
La collection voit des interprétations vibrantes d’agrafes classiques, y compris le bomber, le sweat à capuche, le sweat-shirt, le polo, le pantalon de survêtement, la veste cirée et la parka se réunissent pour offrir une capsule prête pour l’été. Cette saison, Anderson relie les nuances de la nature à la technologie moderne, en assemblant de l’herbe sur des pardessus et des chaussures, comme si elles poussaient directement à partir de la pièce. En fusionnant la technologie avec la nature, les oiseaux volant, les poissons nageant et les humains s’embrassant ont été vus sur des écrans portés directement sur les vêtements. Les pièces agissent comme un commentaire sur la sensation réelle et reproduite numériquement qui est maintenant perçue grâce aux expériences VR et AR. La collection juxtaposée comprend des reliques technologiques comme des écouteurs, un pilote de stylet et un étui de téléphone sean sur le manteau en cuir.
Hermès
La collection Hermès est synonyme de vacances et de légèreté et d’amusement, de couleurs pop et de nature. Hermès a compensé sa collection axée sur les loisirs avec des baskets aux couleurs vives dans des coloris rose, orange et bleu, mélangeant une esthétique rétro avec une touche de luxe. Hermès en vêtements d’extérieur colorés avec ses coupe-vent, ses pulls et ses bobs assortis, chacun confectionné avec un matériau qui aurait pu être confondu avec du PVC résistant et décoré dans un arc-en-ciel de teintes vibrantes. Des vêtements d’extérieur ainsi que des chemises et des pièces légères en cachemire, sont venus accompagnés d’une variété de vestes légères, de légèreté et de plaisir, de couleurs pop et du monde naturel. Les chaussures ont également attiré l’attention alors qu’Hermès semblait proposer des versions mises à jour de sa sandale Izmir avec des sangles supplémentaires et des tons plus saugrenus,
Les mannequins portaient des ensembles jumeaux jaune soleil et des hauts à thème marin, dont un pull en cachemire à manches courtes avec une écrevisse sur le devant et une chemise blanche spacieuse avec un gros hippocampe bleu. Les vestes courtes en coton arboraient des motifs d’algues et les sacs en toile de coton aux couleurs vives avaient un imprimé palmier et des poignées en corde. Les coupe-vent, les parkas légères brillantes et les bobs se déclinaient dans un arc-en-ciel de couleurs, dont le lilas, le pamplemousse et l’aqua. Hermès a également entrepris de reproduire les ondulations d’une piscine, avec des rayures froissées sur des vestes sur mesure et le design de vagues bancales sur un col roulé blanc spacieux avec un grand soleil beige sur le devant.
Kolor
La collection de Kolor discute du tissu des hypothèses sur ce à quoi les vêtements « devraient » ressembler, d’une manière fascinante. Une collection à la fois sur les cols et les couleurs, la collection visait un nombre d’or approximatif d’environ 75% de vêtements « simples » à 25 « compliqués ». Des détails subtils qui ont brisé l’harmonie conventionnelle des vêtements, des baskets à langue inversée à la série de pièces qui semblaient avoir faussé leurs porteurs comme un smoothie à moitié mélangé, avec un revers, un col, un ourlet et une poche qui se chevauchent autour du pivot central de l’humain à l’intérieur, presque chaque vêtement semblait avoir un tour dans sa manche. L’ourlet en filet suspendu sur la jambe gauche d’un short de sport ou le panneau découpé d’une jupe qui renversait l’implication de la longueur.
Casablanca
La collection Casablanca débat de l’espoir éternel de l’esprit en harmonie avec la création. La collection avec beaucoup de prêt-à-porter maille et crochet, sacs et bonnets. Les polos arborent des détails de style occidental dans des coloris des années 70, tandis que les survêtements conservent leur présence en tissu bouclé, velours et cachemire. Tandis que les survêtements maintiennent une présence en bouclette, velours et éponge de cachemire. La nouvelle technique de broderie durable apparaît sur les vêtements d’extérieur et le denim qui est fondée en Suède qui utilise un seul fil pour créer des motifs multicolores. Coloreel signifie pas d’eaux usées et une utilisation réduite de produits chimiques ainsi qu’un minimum de déchets de fil, avec 100 % de polyester recyclé. Toutes les broderies et les perles sont faites à la main. Chaque perle et frange est teinte pour correspondre aux couleurs et dégradés de cette saison.
26 juin
Kenzo
Kenzo présente sa collection homme printemps-été 2023, aux côtés de la mode femme à la Fashion Week de Paris, fusionnant inspirations marines et japonaises. La collection forme une vision japonaise unique de Paris, de sa découverte et de ses souvenirs d’adolescent explorant le paysage de la mode, le DC Brand Boom des années 1980 au Japon. L’esthétique rétro et légèrement preppy nous a renvoyés directement sur le banc de l’école. Le vestiaire suggère qu’il est adapté à la vie de tous les jours, fondé sur une approche durable de la mode. Directeur artistique, Nigo affine les codes et prolonge la philosophie du prêt-à-porter Kenzo, sous-tendue par des silhouettes et des motifs d’archives. L’esthétique maritime est profondément ancrée dans la robe japonaise contemporaine, le design a été ingénieusement intégré dans la couture relancée de la maison, comme les revers de veste.
Les looks étaient résolument jeunes et contemporains, fabriqués à partir de tissus traditionnels. Sur le podium, de belles propositions à l’influence workwear inspirées des uniformes des cheminots américains et des réparateurs de l’armée des années 30 et 40 ; des pièces étudiantes revisitant les codes de l’Ivy League. Des détails nautiques tels que des cols marins, des casquettes et des rayures marinières, faisant allusion à la vision japonaise de la mode française, d’immenses fanions triangulaires arborant le logo des années 70 de la marque accueillaient les invités dans le vaste gymnase du beau lycée parisien Carnot. Des propositions sportives ainsi que le célèbre éléphant, traduction de Ken Zō en japonais, l’animal fétiche de Kenzo Takada, brodé sur des blousons d’aviateur ou utilisé comme motif d’accessoires. Il y avait aussi des motifs floraux, comme les célèbres imprimés floraux Boke et Aloha faisant allusion aux premières chemises hawaïennes construites à partir de kimonos découpés. Presque tous les looks étaient accessoirisés avec des couvre-chefs aux formes et motifs multiples : des chapeaux melon classiques aux bérets, en passant par les casquettes de baseball et les chapeaux de marin.
Wooyoungmi
La collection de Wooyoungmi s’inspire de leurs pièces d’archives des années 2000. La collection est une réévaluation et une réévaluation du passé à travers les yeux du présent. Les silhouettes expriment les premiers travaux de la marque, un contraste boyish entre les volumes, qui évoque inévitablement les codes vestimentaires de la communauté skateuse de la fin des années 1990 interprétés aussi bien en workwear qu’en tailleur. La collection avec la couleur brutale et le minimalisme du mouvement Y2K, son mélange de vêtements Britpop et hip-hop et son appétit naissant pour le bling des années 2000. la silhouette garçonne et volumineuse est remplacée par des hauts moulants en semi-maille, associés à des pantalons amples et ajustés. La collection se décline dans une palette de couleurs qui reste fidèle à la garde-robe masculine traditionnelle de noir, bleu marine, marron et beige.
Cela se traduit par des coupes spacieuses, des proportions surdimensionnées et des touches de couleurs vives. Les pantalons, en particulier les pantalons cargo ou plissés, avaient des jambes larges et de longs ourlets, associés à des vestes amples à double boutonnage ou à des vestes à revers simples plus longues; Les jeans et les shorts en denim – ou plutôt en tissu de coton mélangé – avaient la même construction, prêts à faire du skateboard sur la route. Et, à l’opposé, toutes ces pièces amples étaient parfois associées à des chemises ou des t-shirts moulants et transparents, ou à des pulls et cardigans rétrécis. Un mélange de cuir et de denim orne les pièces de vêtements de travail tandis que les vêtements de sport sont traités avec une couture traditionnelle. Ensemble, les pièces créent un dialogue intemporel qui emmène le public dans un style du début des années 2000. Les bijoux continuent d’être un point fort de la collection. Les tenues sont stylées avec de grosses bagues et des boucles d’oreilles,
Pourpoint
La collection Doublet mélange le milieu de l’été et la neige qui tombe. Des vêtements impossibles et une mode improbable. Mais ils existent réellement là-bas. Notre monde de nos jours est très inhabituel. Doublet croit que ce miracle se produira. Avec ses matérialisations dans cette collection, Ino a voulu brouiller la frontière entre la réalité virtuelle et la réalité elle-même. Le spectacle s’est ouvert avec une robe moulante en tricot hérissé rappelant une forme de robe, puis est venue une robe en crochet rose charnue avec une variété d’échantillons de couleur chair, un costume rose avec des gants inclus et une boucle de ceinture et une chaîne de taille avec des doigts comme liens. Plus tard, Ino a ajouté un t-shirt avec une boîte de conserve de viande en trompe-l’œil sur le torse, une veste de moto de couleur papier d’aluminium avec des bords brûlés et un jean déchiré avec une doublure rose brillante. Les matières phares de cette saison sont un mélange de nylon et de poly recyclé avec un imprimé tissu en trompe l’œil. Dans la veste tailleur et le trench, le corps est construit comme un cocon pour pouvoir être porté tel quel jusqu’à la tête ; il a également des épaulettes amovibles pour changer la silhouette en « quelque chose de différent que simplement surdimensionné ».
Namacheko
Les collections de Namacheko, intitulées « Tabula Rasa », ancrées dans le respect à la fois historique et culturel, considèrent les femmes comme les gardiennes de l’histoire et de l’image à alimenter. La collection qui regarde les êtres chers, les souvenirs lointains, fait renaître l’approche interconnectée de la marque belge en matière de confection de vêtements. Imprégnée de lignes allongées, de coupes diagonales, de drapés torsadés et de fabrications reconstituées, la collection présente une vision élargie de la sentimentalité. Les pièces en maille prennent vie à travers des polos imprimés, des gilets pulls avec des applications frangées multicolores et des motifs moulants en forme de toile, trempés dans l’orange coucher de soleil, le bleu cobalt, le vert mousse de mer et plus encore. Tandis que les hauts allongés avec des fermetures ouvertes, des manches déconnectées et des pardessus volumineux ajoutent une autre couche d’attrait aux multiples facettes. Ailleurs dans la collection sont des pantalons, shorts et jupes qui apparaissent dans des constructions décontractées. L’équilibre dans la collection « Tabula Rasa » de la marque est son inclusion de vêtements moulants et décontractés dans le même look.
Kiko Kostadinov
La collection de Kiko Kostadinov s’inspire des uniformes des janissaires de la domination ottomane de sa Bulgarie natale. La coéction explore le défi psychologique et la percée ultérieure du designer et de l’artiste face au traumatisme. Notre expérience collective du vestiaire masculin est profondément ancrée dans les principes de la guerre, du pouvoir et de l’industrie, échos incontournables du terrain et du champ de bataille. De travail, de victoire et de douleur. Lorsque les vêtements historiques et politisés sont séparés de l’application pratique de leur conception, les archétypes résonnent encore d’histoires non dites. Déconstruisant les relations entre vêtements et circonstances passées, une volonté de décaler le récit émerge. Les préjugés sont déplacés lorsque des sujets volatils sont confrontés, appropriés et romancés.
La collection partageait un affichage de silhouettes concises, un style réversible ludique et une expertise globale en matière d’approvisionnement et d’assemblage de sa marque éponyme. En conservant une perspective nouvelle, la collection arborait une approche sans effort de la couture classique tout en développant une étude textile qui a conduit à une palette de couleurs douces. La sensibilité uniforme a été brisée par des affichages de choix de badges réfléchissants et un placement de matériel réfléchi. il a trouvé l’inspiration dans la tenue militaire des janissaires ottomans et dans le travail du peintre bulgare traditionnel Zlatyu Boyadzhiev. Le drapé et les textures des janissaires ont façonné les manteaux à simple boutonnage avec leurs ourlets repliés et rentrés dans les ceintures. Les shearlings bulgares et les pantalons superposés ont été réinventés en alpaga et en chenille. L’artiste vietnamien Dahn Vo’
Thom Browne
La collection de Thom Browne modernise le costume traditionnel avec son style expansif, plus libre et plus sauvage que jamais. Avec des mannequins arborant des cheveux hérissés d’inspiration punk, cette saison fétichise le look classique haut de gamme, apportant une touche supplémentaire à la confection classique. Les hommes portaient des mini-shorts et des jupes courtes qui reposaient comme une taille basse sur leur taille. Les fourches tombantes et les silhouettes sans manches étaient un élément essentiel. C’était un hommage à Chanel mais aussi à la créativité de Browne : les tissus ont été développés en France spécifiquement pour la marque, et beaucoup étaient bordés de paillettes ou festonnés de minuscules touffes blanches, comme des morceaux des régions inférieures de Peter Cottontail. Thom Browne combine ces tissus raffinés avec des références de couture et de sport traditionnelles, puis accroche tout à partir de jockstraps.
Des mannequins masculins, certains avec des coiffures punk hérissées, ont défilé sur le podium dans une gamme d’ensembles en tweed scintillant : costumes avec des boutons dorés brillants et des jupes basses ; hauts courts et minis ; des vestes oversize et des manteaux longs et fins, le tout dans un arc-en-ciel de pastels d’œufs de Pâques. Certaines des pièces présentaient des perles et des ornements complexes, comme dans un long manteau à carreaux rouges et bleus avec une corde dorée sinueuse et une broderie d’ancre et un costume de smoking noir avec des coutures bordées de minuscules étincelles. Thom Browne a l’habitude de mettre les hommes en jupe. Les jupes étaient si basses que les bretelles extensibles et les bonnets étaient entièrement visibles, tout comme les abdominaux inférieurs et les fissures des fesses. Au lieu de la finale habituelle, deux hommes habillés en mariés, portant des capes courtes coordonnées, ont défilé dans l’allée de Browne.
Céline
La collection de Céline rend hommage et marque les 20 ans du Palais De Tokyo. La collection montre une fascination pour l’architecture monumentale art déco du musée. La collection, qui apporte une ambiance rock star, présente des œuvres de David Weiss, Alyss Estay et Renata Petersen. Les salles de béton clairsemées du lieu du spectacle contrastaient avec les décors dramatiques que Slimane avait choisis comme toile de fond pour ses présentations en direct pendant la pandémie, avec des drones en piqué et des châteaux de la Renaissance. Des chemises ornées de sequins aux pantalons décolletés moulants en passant par un blazer en crocodile scintillant, le défilé d’été de Céline regorgeait de vêtements imprégnés d’un esprit rock androgyne, à la David Bowie. Un long manteau beige sur une veste en cuir associé à une cravate ultra-slim et une chemise blanche ajoutaient de la profondeur aux chaussures à enfiler et aux jeans à bords bruts. Des motifs de léopard et de paysages de cocotiers apparaissent sur des chemises à manches courtes tandis que de gros plastrons de collier font office de vêtements.