Les films et installations de Lina Selander peuvent être lus comme des compositions ou des modèles de pensée, où les idées et les conditions sont pesées et testées. Représentant la Suède à la 56e Biennale de Venise 2015, elle a rassemblé un ensemble d’ouvrages et de documents décrivant une migration entre utopie et effondrement, où le développement technologique ou idéologique en tant que générateurs d’énergie et de destruction est inévitablement lié.

Lina Selander examine les relations entre mémoire et perception, photographie et film, langage et image. Ses œuvres se concentrent sur des moments de l’histoire où un système ou un lieu physique s’effondre et quelque chose de nouveau émerge. Le montage est utilisé dans les films pour créer des pauses ou mettre des images les uns contre les autres, mais comporte également le risque de provoquer des écarts de perception.

Lina Selander est l’une des artistes suédoises de l’image en mouvement les plus innovantes. Ses films et installations se concentrent souvent sur des moments de l’histoire où un système ou un lieu physique s’effondre et quelque chose de nouveau commence à émerger; le récit du cinéma mécanique faisant place à celui de la vidéo numérique, ou un système politique ou économique plongeant dans un nouveau. Ses œuvres tournent autour des images comme souvenirs, empreintes et représentations. Le processus de Selander est similaire à celui du scientifique ou du poète. Chaque œuvre constitue une archive dense de faits et d’observations, parfois en dialogue avec d’autres films, œuvres d’art ou littérature. Le montage précis et rythmé et l’utilisation du son dans ses films génèrent une temporalité unique et une forte pression interne, et font des sauts intuitifs entre associations et significations.

Les installations cinématographiques de Selander s’appuient souvent sur des événements historiques, et elle utilise des approches à la fois essayistes et archéologiques pour découvrir la manière dont les images privées et publiques définissent la mémoire ou l’histoire. La pratique artistique de Selander est de trouver des traces, autant que de laisser des traces, son film où les traces de la nature et de l’histoire s’alignent sur les instruments de surveillance, de contrôle, de régulation et de production des connaissances de l’ère moderne.

Biographie
Lina Selander (née en 1973) vit et travaille à Stockholm, en Suède. Le travail de Selander a été présenté à Iniva (Institute of International Visual Arts) à Londres, Index – The Swedish Contemporary Art Foundation, Moderna Museet à Stockholm, Kunsthall Trondheim et dans des expositions de groupe internationales telles que Seoul Media City Biennale 2014, Manifesta 9 à Genk, Belgique, la Biennale de Bucarest 2010 et Haus der Kulturen der Welt, Berlin.

Lina Selander a fait ses études à l’École d’art de Stockholm 1994–1995, à Nyckelviksskolan 1995–1996, à l’École de cinéma et de photographie de Göteborg 1998–1999, à l’École royale d’art de Stockholm 1999–2000 et à l’Art College Valand de Göteborg 2002–2003. .

En novembre 2016, elle a été réécrite par le magazine d’art américain Artnet comme l’un des 50 artistes européens les plus intéressants.

Lina Selander est fondamentalement photographe et s’est intéressée dans de nombreuses œuvres aux conditions de base de l’image photographique, telles que la lumière, l’obscurité, le temps, les reflets et la vision. Mais plus qu’en tant que photographe, elle est devenue connue pour ses œuvres cinématographiques, souvent présentées sous forme d’installation, où la pièce est au moins aussi importante. Sa pratique artistique est similaire à l’archéologie, car les œuvres ont souvent un ton historiquement exploratoire et elle s’appuie souvent sur des films et des photos qu’elle a trouvés en fouillant dans les archives.

Dans son travail, des visuels de grottes, de mines ou de fouilles reviennent, et le titre de son exposition à la Biennale de Venise était précisément L’excavation de l’image. La radioactivité est un autre thème qui revient dans plusieurs œuvres, par exemple avec des événements historiques tels que la bombe d’Hiroshima ou l’accident de Tchernobyl, et entre autres, dans l’œuvre La lampe de Lénine brille dans la hutte des paysans faite de soi-disant radiographies, où elle illumine la photo papier avec rayonnement radioactif de divers minéraux. D’autres thèmes qui peuvent être mentionnés sont les fossiles et l’argent. Selander travaille avec le montage de films, où elle permet au matériel documentaire de rencontrer de la fiction, différentes histoires et images se rencontrent, mais elle laisse également ses différentes œuvres se rencontrer et s’influencer dans la salle d’exposition, c’est pourquoi on dit qu’elle travaille également avec métamontage.

Lina Selander a représenté la Suède à la Biennale de Venise 2015 lors de l’exposition internationale de la biennale. Elle a également participé à la Biennale de Kiev 2015, à la Séoul Media City Biennale 2014, à la Manifesta 2012 et à la Biennale Bucarest 2010.

Les œuvres de Selander ont été exposées, entre autres, à l’Institut des arts visuels internationaux de Londres, au Bonnier’s Art Hall, au Gothenburg Art Hall et au Moderna Museet de Stockholm.

Elle a reçu la bourse Maria Bonnier Dahlin en 2005 et la bourse de la Fondation Edstrand en 2008.

L’exposition
L’exposition « Excavating of the Image: Imprint, Shadow Specter, Thought », montre un groupe d’œuvres distinctes de 2011 à 2015. L’idée de Lina Selander est de les présenter dans une sorte de méta-montage global, qui va bien avec la forme de les œuvres individuelles, notamment parce qu’il y a des références, des thèmes, voire des images, qu’ils ont en commun.

Toutes les œuvres tournent d’une manière ou d’une autre autour du statut de l’image, comme représentation, mémoire, objet, empreinte ou surface, et nos relations avec elle. Ils examinent les représentations officielles des événements historiques ainsi que les langages visuels et les appareils qui les produisent, soulignant que l’histoire à bien des égards est l’histoire des appareils et des technologies d’enregistrement. De plus, les œuvres partagent une relation avec les désirs et les échecs de la modernité, par exemple à travers les catastrophes de Tchernobyl et d’Hiroshima, qui sont juxtaposées à des images de la nature, recoupant les effets visuels des processus photographiques, géologiques et nucléaires pour créer de nouvelles sédimentations de sens.

Lina Selander a compilé un ensemble d’ouvrages et de documents décrivant une migration entre l’utopie et l’effondrement, où le développement technologique ou idéologique en tant que générateurs d’énergie et de destruction sont inévitablement liés. Ses films et installations peuvent être lus comme des compositions ou des modèles de pensée, où les idées et les conditions sont pesées et testées.

Elle examine les relations entre mémoire et perception, photographie et film, langage et image. Le montage précis et rythmé et l’utilisation du son dans ses films créent leur propre temporalité et une forte pression intérieure. Les œuvres de Selander se concentrent sur des moments de l’histoire où un système ou un lieu physique s’effondre et quelque chose de nouveau émerge; les récits du cinéma mécanique sont juxtaposés à la vidéo numérique, les systèmes politiques ou économiques plongent dans quelque chose de nouveau.

Chaque œuvre constitue une archive de faits et d’observations, parfois en dialogue avec d’autres films, art ou littérature, et s’appuie souvent sur des matériaux riches en histoire. L’image rencontre le texte dans un flux, où les significations surgissent de l’inexactement sans rapport, comme des versets ou des échos à travers et entre les œuvres. Le montage est utilisé pour créer des pauses ou mettre des images les unes contre les autres, mais comporte également le risque de provoquer des écarts de perception. Le méta-montage forme une superstructure dans l’installation cinématographique de Selander – dans le contraste entre les différentes significations et la matérialité des films et des objets, entre la projection, la lumière et l’ombre.

Points forts

La lampe de Lénine brille dans la cabane du paysan
Cette installation – comprenant un film, des radiographies et une plaque de texte – est réalisée en dialogue avec le film de Dziga Vertov The Eleventh Year de 1928, sur la construction d’une centrale hydroélectrique sur le Dniepr, en la juxtaposant avec des images contemporaines de la ville voisine de Pripyat, une ville fantôme depuis la catastrophe de Tchernobyl. Des images sont également incluses du Musée suédois d’histoire naturelle et du Musée de Tchernobyl à Kiev – comme des fossiles, les premières empreintes documentant la préhistoire.

Les radiographies affichées dans une vitrine corroborent la symbiose entre la photographie ancienne et la découverte de la radioactivité, qui, à son tour, semble présager le code invisible de la photographie numérique.

La plaque d’acier reflétant l’image en mouvement et liant l’installation constitue une carte mentale de l’œuvre. Un récit horizontal en partie documentaire, entrecoupé de gouffres verticaux – plongeant dans la matière et trouvant des liens entre des parties disparates et incompatibles; comme pour retracer le processus d’un archéologue reconstituant les fragments.

Modèle de continuation
« Le modèle de continuation est basé sur le noyau invisible de l’inscription visible, l’image en tant qu’objet intérieur et sa relation avec la vision et diverses technologies de reproduction. Dans mon travail, j’ai essayé de suivre une idée du début de l’illusion dans le simple fait de des images, comme la radioactivité ou les fuites entre les couches: végétation et travail sporadique à l’extérieur de la fenêtre, la pièce, l’environnement du studio, les plantes solitaires, ainsi que la projection avec ses différentes couches de temps.  » LS

« Le matériau est imprégné d’une expérience qui interfère avec et module ce que la caméra ne contient pas: les images. Certains sons et images ont été empruntés à Children of Hiroshima (Kaneto Shindo, 1952), Hiroshima mon amour (Alain Resnais, 1959 ) et Hiroshima-Nagasaki, août 1945 (Erik Barnouw, 1970).  » LS

Archives de travail
Vitrine avec radiographies, fossiles, pierre contenant de l’uranium, pièce ancienne avec usine de silphium, antichambre du réel (vidéo) sur iPad, publications et documents.

Antichambre du réel
« Le film prend son point de départ dans la ville déserte de Pripyat, située dans la zone de la catastrophe nucléaire de Tchernobyl. Une paire de mains feuilletent lentement une pile de photographies: images d’un modèle du réacteur 4, bâtiments à Pripyat, livres dans bureaux déserts, chambres vides, intérieurs saccagés, images d’un moniteur de télévision montrant un documentaire sur Tchernobyl, etc. Alors que les chronologies des images fixes et animées se croisent, le film soulève des questions sur ce qu’est et peut être une salle de montage, et sur la narrativité , le temps et les images.  » LS

Silphium
Le film Silphium est centré sur une ancienne pièce de monnaie de la colonie grecque Cyrénaïque, imprimée de l’herbe médicinale éponyme, inestimable et maintenant disparue. Le sentiment de quelque chose de perdu et d’obscurci est comme un filtre à travers l’historiographie fragmentaire du film; La peinture énigmatique de Hans Holbein Les Ambassadeurs, film de 1962 de Chris Marker, La Jetée, avec sa déformation temporelle. Selander révèle différentes couches et expériences du temps – géologiques, cinématographiques, personnelles. Des images des archives de la Stasi et du Musée d’histoire naturelle et d’archéologie de Trondheim apparaissent régulièrement.

Le matériel documentaire rencontre les citations dans un flux d’images parfois énigmatique, où certains motifs, sons et mots se répètent comme des obsessions ou des codes. Les tentatives de contrôle – sur la nature, les connaissances, la technologie et les personnes – résonnent partout. Selander revient sur les phénomènes et les technologies qui ont rendu les images possibles, permettant ainsi la médiation de l’histoire; dans une quête du statut primordial de l’image.

La progéniture ressemble au parent
La mémoire est inextricablement liée à l’économie – sous forme de capital que nous gérons ou transmettons. Le titre est basé sur la politique d’Aristote, dans laquelle il fait valoir qu’il n’est pas naturel que l’argent augmente au taux d’intérêt, car, contrairement au bétail ou aux cultures, il ne peut pas se reproduire. Le mot mémoire provient de la déesse grecque Mnemosyne, protectrice de la langue et du rappel, également la racine de l’argent et du muntze.

Le point de départ du film est l’argent d’urgence du genre émis en temps de crise et d’inflation, ou pour des enclaves sans structure fixe, comme des ghettos, des camps de concentration ou des colonies. Visuellement dramatiques, les notes des années 1920 dans ce film contiennent des messages de propagande en mots et en images. Les motifs coloniaux évoquent une époque qui, à certains égards, désastreuse, a contribué à jeter les bases d’une société de bien-être occidentale. Une réflexion sur les économies fictives, le pouvoir dormant, la subordination aveugle et l’hyperinflation des valeurs – humaines et monétaires.

Biennale de Venise 2015
La Biennale d’art 2015 clôt une sorte de trilogie qui a commencé avec l’exposition organisée par Bice Curiger en 2011, Illuminations, et s’est poursuivie avec le Palais encyclopédique de Massimiliano Gioni (2013). Avec All The World’s Futures, La Biennale poursuit ses recherches sur des références utiles pour porter des jugements esthétiques sur l’art contemporain, question «critique» après la fin de l’art avant-gardiste et «non-art».

À travers l’exposition organisée par Okwui Enwezor, La Biennale revient pour observer la relation entre l’art et le développement de la réalité humaine, sociale et politique, dans le pressage des forces et des phénomènes extérieurs: les façons dont, c’est-à-dire les tensions de l’extérieur le monde sollicite les sensibilités, les énergies vitales et expressives des artistes, leurs désirs, les mouvements de l’âme (leur chant intérieur).

La Biennale di Venezia a été fondée en 1895. Paolo Baratta en est le président depuis 2008, et avant cela de 1998 à 2001. La Biennale, qui est à la pointe de la recherche et de la promotion des nouvelles tendances de l’art contemporain, organise des expositions, des festivals et des recherches dans tous ses secteurs spécifiques: Arts (1895), Architecture (1980), Cinéma (1932), Danse (1999), Musique (1930) et Théâtre (1934). Ses activités sont documentées aux Archives historiques des arts contemporains (ASAC) récemment rénovées.

La relation avec la communauté locale a été renforcée par des activités éducatives et des visites guidées, avec la participation d’un nombre croissant d’écoles de la région de la Vénétie et au-delà. Cela propage la créativité sur la nouvelle génération (3 000 enseignants et 30 000 élèves impliqués en 2014). Ces activités ont été soutenues par la Chambre de commerce de Venise. Une coopération avec des universités et des instituts de recherche organisant des visites et des séjours spéciaux dans les expositions a également été établie. Au cours des trois années 2012-2014, 227 universités (79 italiennes et 148 internationales) ont rejoint le projet Biennale Sessions.

Dans tous les secteurs, il y a eu plus d’opportunités de recherche et de production adressées à la jeune génération d’artistes, directement en contact avec des professeurs renommés; cela est devenu plus systématique et continu grâce au projet international Biennale College, qui se déroule désormais dans les sections danse, théâtre, musique et cinéma.