Light and Space désigne un mouvement artistique vaguement affilié lié à l’art op, au minimalisme et à l’abstraction géométrique, né dans le sud de la Californie dans les années 1960 et influencé par John McLaughlin. Elle se caractérisait par une attention particulière aux phénomènes de perception, tels que la lumière, le volume et l’échelle, ainsi qu’à l’utilisation de matériaux tels que le verre, les néons, les lampes fluorescentes, la résine et l’acrylique coulé, constituant souvent des installations conditionnées par l’environnement de l’œuvre. Que ce soit en dirigeant le flux de lumière naturelle, en intégrant de la lumière artificielle dans des objets ou dans une architecture, ou en jouant avec la lumière à l’aide de matériaux transparents, translucides ou réfléchissants, les artistes Light and Space ont fait vivre l’expérience du spectateur à la lumière et à d’autres phénomènes sensoriels le centre de leur travail. Ils intégraient dans leur travail les dernières technologies des industries de l’ingénierie et de l’aérospatiale basées dans le sud de la Californie afin de développer des objets sensuels remplis de lumière. Turrell, qui a propagé le mouvement dans le monde entier, a résumé sa philosophie en déclarant: « Nous mangeons de la lumière, nous la buvons à travers notre peau. »

Artistes
La nature des œuvres est reflétée dans le titre de l’exposition à UCLA qui a introduit le mouvement émergent en 1971: « Transparence, réflexion, lumière, espace: quatre artistes ». Le spectacle a présenté le travail de Peter Alexander, Larry Bell, Robert Irwin et Craig Kauffman. Les autres artistes associés au mouvement sont Ron Cooper, Mary Corse, Fred Eversley, John McCracken, Bruce Nauman, Maria Nordman, Eric Orr, Helen Pashgian, James Turrell, DeWain Valentine, Doug Wheeler et Elyn Zimmerman. Un groupe célèbre d’artistes de la théorie des couleurs abstraites ont été influencés par le Mouvement pour la lumière et l’espace, notamment: Frederick Spratt, Phil Sims, Anne Appleby et David Simpson. L’héritage du mouvement Light and Space est visible dans le travail d’importants artistes contemporains tels que Casper Brindle, Olafur Eliasson, Ann Veronica Janssens, Jennifer Steinkamp, ​​Kaloust Guedel, Phillip K. Smith III et Gisela Colon.

Des thèmes
Irwin et Turrell, par exemple, ont enquêté sur le phénomène de privation sensorielle (qui a influencé le développement d’œuvres lumineuses similaires) dans le cadre du programme d’art et de technologie lancé par le musée d’art de comté de Los Angeles en 1967. La RM 669 de Wheeler (1969) comprend des murs blancs incurvés, recouverts d’un sol et d’un plafond, qui semblent reculer à chaque pas que l’on fait vers le carré de lumière placé sur le mur du fond, empêchant les spectateurs de fixer leurs yeux sur une surface quelconque. Pour sa série d’œuvres sur le thème de l’alchimie, Eric Orr a utilisé la lumière naturelle ainsi que le sang et le feu dans ses environnements qui produisent des réponses rétiniennes extrêmes. Les grandes toiles en verre blanc sur blanc de Mary Corse sont ornées de micro-perles de verre incorporées à la peinture acrylique afin de créer une surface qui change considérablement avec la lumière. Helen Pashgian a créé des sphères en acrylique, des globes à la lueur irréelle, apparemment éclairés de l’intérieur. Plus récemment, Gisela Colon, reconnue comme un artiste de la lumière et de l’espace de nouvelle génération à l’ArtForum, a créé « des orbes acryliques muraux de forme irrégulière … des objets en forme de scarabée obtiennent leur irisation par le jeu de la lumière naturelle, mais les sculptures semble changer de couleur au fur et à mesure que l’on se déplace autour d’eux, comme s’il était éclairé par des ampoules multi-couleurs.  »

McCracken déclare ce qui suit. « J’ai toujours été principalement intéressé par la forme seule, mais pour créer une forme, vous devez la créer à partir de quelque chose. La couleur semblait donc un matériau naturel à utiliser, car la couleur est abstraite. Si vous créez une forme qui semble être composée de la couleur, alors vous avez quelque chose, un objet, c’est assez abstrait. Simplement la forme seule serait plus abstraite, bien sûr, parce que c’est juste une idée mentale, mais vous n’avez rien à y perdre avec vos perceptions à moins que vous ne fassiez Cependant, si vous le fabriquez en métal, en pierre, en bois, ou autre chose, vous avez quelque chose qui, à mon sens, peut surestimer l’aspect physique et donc être difficile à percevoir comme purement mental. La pensée derrière ceci est que toutes les choses sont essentiellement mentales – cette matière, bien qu’elle soit bien réelle d’une part, est d’autre part composée d’énergie, et à son tour de pensée pure.  »

Des expositions
Des œuvres de lumière et d’espace de Californie ont été présentées lors de la influente exposition d’art sur l’environnement de Germano Celant à la Biennale de Venise de 1976, intitulée « Ambiente / art futuriste à l’art corporel ». Le mouvement a rarement été montré ensemble, Wheeler ayant refusé d’être inclus dans les grandes expositions de musées, à cause de ses doutes sur le fait que les œuvres seraient montrées comme prévu, et Nordman refuse de participer à des expositions de groupe sur Light and Space. En 2010, la galerie David Zwirner de New York a présenté une exposition historique intitulée «Atmosphères primaires», terme inventé par le critique d’art Dave Hickey pour décrire les contributions d’artistes du sud de la Californie au mouvement Light & Space. Dans le cadre d’une série d’expositions financées par la Fondation J. Paul Getty lors de l’initiative Pacific Time Time de 2011, le Museum of Contemporary Art de San Diego a organisé la plus importante exposition de sondage consacrée à l’art perceptuel intitulée «Phenomenal: California Light, Space, Surface, « organisée par Robin Clark, alors conservateur au Musée.