Modernisme tardif

Dans les arts visuels, le modernisme tardif englobe la production globale de l’art le plus récent faite entre les lendemains de la Seconde Guerre mondiale et les premières années du 21ème siècle. La terminologie pointe souvent vers des similitudes entre le modernisme tardif et le postmodernisme, bien qu’il existe des différences. Le terme prédominant pour l’art produit depuis les années 1950 est l’art contemporain. Tout art étiqueté comme art contemporain est moderniste ou postmoderne, et le terme plus large englobe à la fois les artistes qui continuent à travailler dans les traditions modernistes modernes et tardives, ainsi que les artistes qui rejettent le modernisme pour le post-modernisme ou d’autres raisons. Arthur Danto affirme explicitement dans After the Fin of Art que la contemporanéité était le terme le plus large et que les objets postmodernes représentent un sous-ensemble du mouvement contemporain qui remplaçait la modernité et le modernisme, tandis que d’autres critiques notables: Hilton Kramer, Robert C. Morgan et Kirk Varnedoe. Jean-François Lyotard et d’autres ont soutenu que les objets postmodernes sont au mieux relatifs aux œuvres modernistes.

Le jargon qui englobe les deux termes modernisme tardif et art postmoderne est utilisé pour désigner ce qui peut être considéré comme la phase ultime de l’art moderne, comme l’art à la fin du modernisme ou comme certaines tendances de l’art contemporain.

Il y a ceux qui s’opposent à une division en périodes modernes et postmodernes. Tous les critiques ne sont pas d’accord pour dire que la scène appelée modernisme est terminée ou même proche de la fin. Il n’y a pas d’accord que tout art après le modernisme est postmoderne. L’art contemporain est le terme le plus largement utilisé pour désigner le travail depuis environ 1960, bien qu’il ait beaucoup d’autres utilisations aussi bien. L’art postmoderne n’est pas non plus universellement séparé du modernisme, de nombreux critiques le considérant comme une autre phase de l’art moderne ou comme une autre forme de modernisme tardif.

Comme pour toutes les utilisations du terme post-moderne, il y a des critiques de son application, cependant, à ce stade, ces critiques sont en minorité. Cela ne veut pas dire que la phase de l’art représentée par le post-modernisme est acceptée, mais simplement que le besoin d’un terme pour décrire les mouvements dans l’art après le sommet de l’expressionnisme abstrait est bien établi. Cependant, bien que le concept de changement soit parvenu à un consensus, et qu’il s’agisse d’un changement postmoderniste ou d’une période moderniste tardive, le consensus est qu’un changement profond dans la perception des œuvres d’art a eu lieu et une nouvelle ère a émergé sur la scène mondiale depuis au moins les années 1960.

Dans la littérature, le terme «modernisme tardif» fait référence aux œuvres littéraires produites après la Seconde Guerre mondiale. Cependant, plusieurs définitions différentes de la littérature moderniste tardive existent. Le plus commun se rapporte aux travaux publiés entre 1930 et 1939, ou 1945. Cependant, il y a des modernistes, tels que Basil Bunting (1900-85) et TS Eliot (1888-1965), écrit plus tard que 1945, et Samuel Beckett, qui est mort en 1989, a été décrit comme un “moderniste tardif”. Eliot a publié deux pièces dans les années 1950 et le long poème moderniste de Bunting “Briggflatts” a été publié en 1965. Les poètes Charles Olson (1910-1970) et JH Prynne (1936-) sont, entre autres écrits dans la seconde moitié du 20ème siècle, qui ont été décrits comme des modernistes tardifs. Une autre question est de savoir si la littérature moderniste tardive diffère de façon importante des œuvres modernistes produites avant 1930. Pour tromper les choses, plus récemment le terme modernisme tardif a été redéfini par au moins un critique et utilisé pour désigner des œuvres écrites après 1945, plutôt que 1930. Avec cet usage va l’idée que l’idéologie du modernisme a été considérablement remodelé par les événements de la Seconde Guerre mondiale, en particulier l’Holocauste et l’abandon de la bombe atomique.

Différences avec le postmodernisme
Le modernisme tardif décrit des mouvements qui découlent tous deux des tendances du modernisme et qui les rejettent et rejettent certains aspects du modernisme, tout en développant pleinement la potentialité conceptuelle de l’entreprise moderniste. Dans certaines descriptions, le postmodernisme comme période de l’art est achevé, alors que dans d’autres, il s’agit d’un mouvement continu dans l’art contemporain. En art, les traits spécifiques du modernisme cités sont généralement la pureté formelle, la spécificité moyenne, l’art pour l’art, la possibilité d’authenticité dans l’art, l’importance ou même la possibilité de la vérité universelle dans l’art, et l’importance d’une avant-garde. et originalité. Ce dernier point est particulièrement controversé dans l’art, où de nombreuses institutions affirment qu’être visionnaire, tourné vers l’avenir, à la pointe et progressiste est crucial pour la mission de l’art dans le présent, et que postmoderne représente donc une contradiction de la valeur de ” l’art de notre temps “.

Une définition compacte proposée est que si le post-modernisme agit en rejetant les grands récits de direction artistique du modernisme, et pour éradiquer les frontières entre les formes d’art hautes et basses, de perturber le genre et ses conventions avec collision, collage et fragmentation. L’art post-moderne est considéré comme croyant que toutes les positions sont instables et non sincères, et donc l’ironie, la parodie et l’humour sont les seules positions qui ne peuvent pas être renversées par la critique ou les événements postérieurs.

Beaucoup de ces traits sont présents dans les mouvements modernes de l’art, en particulier le rejet de la séparation entre les formes d’art hautes et basses. Cependant, ces traits sont considérés comme fondamentaux pour l’art post-moderne, par opposition à simplement présenter dans un degré ou un autre. Cependant, l’un des points de différenciation les plus importants entre le postmodernisme et le modernisme, en tant que mouvements artistiques, est la position finalement progressiste du modernisme selon laquelle les nouvelles œuvres sont plus «avancées» et avancées, tandis que les mouvements postmodernes rejettent généralement la notion. qu’il peut y avoir progrès ou progrès dans l’art en soi, et donc l’un des projets de l’art doit être le renversement du «mythe de l’avant-garde». Cela renvoie à la négation de ce que les philosophes post-structuralistes appellent “métanarratives”.

Rosalind Krauss était l’un des annonciateurs importants de l’idée selon laquelle l’avant-gardisme était terminé et que la nouvelle ère artistique existait dans une normalité post-libérale et après le progrès. Un exemple de ce point de vue est expliqué par Robert Hughes dans The Shock of the New dans son chapitre «The Future That Was»:

Où cette nouvelle académie a-t-elle commencé? A ses origines, le mythe d’avant-garde avait fait de l’artiste un précurseur; le travail important est celui qui prépare l’avenir. Le culte du précurseur finit par encombrer le paysage d’affirmations prophétiques absurdes. L’idée d’une avant-garde culturelle était inimaginable avant 1800. Elle a été favorisée par la montée du libéralisme. Lorsque le goût des cours religieuses ou laïques a déterminé le favoritisme, l’innovation «subversive» n’était pas considérée comme un signe de qualité artistique. L’autonomie de l’artiste ne viendrait pas non plus avec les romantiques.

– Robert Hughes, le choc du nouveau
Comme pour toutes les utilisations du terme postmoderne, il y a des critiques de son application. Kirk Varnedoe, par exemple, a déclaré que le postmodernisme n’existe pas et que les possibilités du modernisme n’ont pas encore été épuisées. Ces critiques sont actuellement en minorité.

Hilton Kramer décrit le postmodernisme comme «une création du modernisme au bout de son élan». Jean-François Lyotard, dans l’analyse de Frédéric Jameson, ne soutient pas qu’il existe une étape postmoderne radicalement différente de la période du haut modernisme; au contraire, le mécontentement postmoderne de tel ou tel style moderniste fait partie de l’expérimentation du haut modernisme, donnant naissance à de nouveaux modernismes.

Mouvements radicaux dans l’art moderne
Les mouvements radicaux dans le modernisme, l’art moderne et les tendances radicales considérées comme influentes et potentiellement comme des précurseurs du modernisme tardif et du postmodernisme ont émergé autour de la Première Guerre mondiale et en particulier dans ses suites. Avec l’introduction de l’utilisation d’artefacts industriels dans l’art, des mouvements tels que le cubisme, le dada et le surréalisme ainsi que des techniques telles que le collage et les formes artistiques telles que le cinéma et l’émergence de la reproduction. Pablo Picasso le moderniste et Marcel Duchamp le rebelle ont créé des œuvres importantes et influentes à partir d’objets trouvés.

Fauvisme, cubisme, dada, surréalisme comme précédent
Au début du XXe siècle, après l’influence de Henri Matisse et André Derain comme peintres fauves et les innovations monumentales de Pablo Picasso et Georges Braque et le succès mondial du cubisme et l’enhardissement de l’avant-garde, Marcel Duchamp expose un urinoir en sculpture. Son point de vue était que les gens regardent l’urinoir comme s’il s’agissait d’une œuvre d’art, parce qu’il a dit que c’était une œuvre d’art. Il a fait référence à son travail en tant que “Readymades”. La fontaine, était un urinoir signé avec le pseudonyme R. Mutt, qui a choqué le monde de l’art en 1917. Les autres œuvres de ce Duchamp et sont généralement étiquetés comme Dada.

Le dadaïsme peut être considéré comme faisant partie de la propension moderniste à défier les styles et les formes établis, avec le surréalisme, le futurisme et l’expressionnisme abstrait. D’un point de vue chronologique, Dada est solidement ancrée dans le modernisme, mais certains critiques estiment qu’elle anticipe le postmodernisme, tandis que d’autres, comme Ihab Hassan et Steven Connor, le considèrent comme un possible basculement entre le modernisme et le postmodernisme.

Le fauvisme et Henri Matisse, en particulier, devinrent une influence importante à la fois sur l’expressionnisme abstrait et sur la peinture de terrain en couleurs, jalons importants du modernisme tardif. La danse est communément reconnue comme “un point clé de la carrière de Matisse et dans le développement de la peinture moderne”. Avec sa grande étendue de bleu, sa simplicité de conception et son accent sur le sentiment pur, la peinture a énormément influencé les artistes américains qui l’ont vue au MoMA à New York.

Art et culture
Le point de départ de la définition du modernisme en tant que mouvement était le rejet austère de la culture populaire comme kitsch par d’importants artistes et goûteurs d’après-guerre, notamment Clement Greenberg avec son essai Avant-Garde et Kitsch, publié pour la première fois dans Partisan Review. 1939. Au cours des années 1940 et 1950, Greenberg s’est avéré être un critique d’art articulé et puissant. En particulier, ses écrits sur l’expressionnisme abstrait américain et le modernisme européen du XXe siècle ont persuadé de manière convaincante le Haut-Art et la Culture. En 1961, Art and Culture, Beacon Press, une collection très influente d’essais de Clement Greenberg a été publié pour la première fois. Greenberg est principalement considéré comme un critique d’art formaliste et plusieurs de ses essais les plus importants sont cruciaux pour la compréhension de l’histoire de l’art moderne, et l’histoire du modernisme et du modernisme tardif.

Jackson Pollock: l’expressionnisme abstrait
À la fin des années 1940, l’approche radicale de Pollock à la peinture a révolutionné le potentiel de tout l’art contemporain qui l’a suivi. Dans une certaine mesure, Pollock s’est rendu compte que le voyage vers une œuvre d’art était aussi important que l’œuvre d’art elle-même. Comme les réinventions innovatrices de Pablo Picasso de la peinture et de la sculpture au tournant du siècle à travers le cubisme et la sculpture construite, Pollock a redéfini la façon dont l’art se fait au milieu du siècle. Le mouvement de Pollock – loin de la peinture de chevalet et de la conventionalité – était un signal libérateur à ses artistes contemporains et à tout ce qui est venu après. Les artistes ont réalisé que le processus de Jackson Pollock – travailler sur le sol, toile brute non étirée, des quatre côtés, utilisant des matériaux d’artiste, matériaux industriels, images, non-imagerie, jetant des écheveaux de peinture, dégoulinant, dessinant, ternissant, brossant faire de l’art au-delà de toute limite antérieure. En général, l’expressionnisme abstrait a élargi et développé les définitions et les possibilités que les artistes avaient pour la création de nouvelles œuvres d’art. Dans un sens, les innovations de Jackson Pollock, de Willem Kooning, de Franz Roth, de Philip Hofmann, de Hans Hofmann, de Clyfford Still, de Barnett Newman, d’Ad Reinhardt et d’autres ont ouvert la voie à la diversité et à la portée de tous les arts. .

Neo-Dada, collage et assemblage
Lié à l’expressionnisme abstrait était l’émergence de produits manufacturés combinés – avec des matériaux d’artiste, s’éloignant des conventions précédentes de la peinture et de la sculpture. Cette tendance artistique est illustrée par le travail de Robert Rauschenberg, dont les «moissonneuses-batteuses» dans les années 1950 étaient des précurseurs du Pop Art et de l’Installation, et utilisait l’assemblage de grands objets physiques, animaux en peluche, oiseaux et photographie commerciale.

Leo Steinberg utilise le terme postmodernisme en 1969 pour décrire le plan d’image «à plat» de Rauschenberg, contenant une gamme d’images culturelles et d’artefacts qui n’étaient pas compatibles avec le domaine pictural de la peinture prémoderniste et moderniste. Craig Owens va plus loin, en identifiant la signification de l’œuvre de Rauschenberg non pas comme une représentation de, selon Steinberg, «le passage de la nature à la culture», mais comme une démonstration de l’impossibilité d’accepter leur opposition.

Steven Best et Douglas Kellner identifient Rauschenberg et Jasper Johns dans le cadre de la phase de transition, influencée par Marcel Duchamp, entre modernisme et postmodernisme. Tous deux utilisaient des images d’objets ordinaires, ou des objets eux-mêmes, dans leur travail, tout en conservant l’abstraction et les gestes picturaux du haut modernisme.

Peinture abstraite et sculpture dans les années 1960 et 1970
Dans la peinture abstraite et la sculpture au cours des années 1950 et 1960, l’abstraction géométrique a émergé comme une direction importante dans les œuvres de nombreux sculpteurs et peintres. Dans la peinture sur toile, le minimalisme, la peinture hard-edge et l’abstraction lyrique constituent de nouvelles directions radicales.

Helen Frankenthaler, Morris Louis, Richard Ellsworth Kelly, Richard Diebenkorn David Smith, Sir Anthony Caro, Mark Di Suvero, Gene Davis, Kenneth Noland, Jules Olitski, Isaac Witkin, Anne Truitt, Kenneth Snelson, Al Held, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Brice Marden, Robert Mangold, Walter Darby Bannard, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Charles Hinman, Sam Gilliam, Peter Reginato, sont quelques-uns des artistes dont les œuvres ont caractérisé la peinture abstraite et la sculpture dans les années 1960. L ‘abstraction lyrique partage des similitudes avec la peinture sur le terrain en couleur et l’ expressionnisme abstrait, en particulier dans l ‘utilisation libre de la peinture – texture et surface. Le dessin direct, l’utilisation calligraphique de la ligne, les effets de la peinture brossée, éclaboussée, tachée, raclée, coulée et éclaboussée ressemblent superficiellement aux effets observés dans l’expressionnisme abstrait et la peinture de champ de couleur. Cependant, les styles sont nettement différents. Se démarquant de l’expressionnisme abstrait et de la peinture d’action des années 1940 et 1950 est l’approche de la composition et du théâtre. Comme on le voit dans la peinture d’action, l’accent est mis sur les coups de pinceau, le drame de haute composition, la tension de composition dynamique. Tandis que dans l’abstraction lyrique, il y a un sens de l’aléatoire compositionnel, de la composition par-dessus tout, du drame compositionnel décontracté et discret et une emphase sur le processus, la répétition et une sensibilité totale. Au cours des années 1960 et 1970, des artistes aussi puissants et influents que Robert Motherwell, Adolph Gottlieb, Phillip Guston, Lee Krasner, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Richard Diebenkorn, Josef Albers, Elmer Bischoff, Agnes Martin, Al Held, Sam Francis, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Helen Frankenthaler, Gene Davis, Frank Stella, Kenneth Noland, Joan Mitchell, Friedel Dzubas, et des artistes plus jeunes comme Brice Marden, Robert Mangold, Sam Gilliam, John Hoyland, Sean Scully, Elizabeth Murray, Larry Poons, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis, Dan Christensen, Joan Snyder, Ross Bleckner, Archie Rand, Richard Saba, Susan Crile, Mino Argento et des dizaines d’autres ont continué à produire des peintures vitales et influentes.

Minimalisme et post-minimalisme
Au début des années 1960, le minimalisme est apparu comme un mouvement abstrait dans l’art (avec des racines dans l’abstraction géométrique via Malevich, le Bauhaus et Mondrian). Parmi les artistes importants qui ont émergé en tant que pionniers du minimalisme, on compte Frank Stella, Larry Bell, Ad Reinhardt, Agnes Martin, Donald Judd, Tony Smith, Carl Andre, Robert Smithson, Sol LeWitt, Dan Flavin, Robert Mangold, Robert Morris et Ronald Morris. Bladen parmi d’autres. Ces artistes ont également souvent utilisé des toiles en forme, comme dans l’exemple de Richard Tuttle montré à droite. L’art minimal rejette l’idée de la peinture relationnelle et subjective, la complexité des surfaces expressionnistes abstraites et le zeitgeist émotionnel et la polémique présents dans l’arène de la peinture d’action. Le minimalisme a fait valoir que la simplicité extrême pourrait capturer toute la représentation sublime nécessaire dans l’art. Associé à des peintres comme Frank Stella, le minimalisme dans la peinture et la sculpture, par opposition à d’autres domaines, est un mouvement moderniste tardif et, selon le contexte, peut être interprété comme un précurseur du mouvement postmoderne.

Hal Foster, dans son essai The Crux of Minimalism, examine dans quelle mesure Donald Judd et Robert Morris reconnaissent et dépassent le modernisme greenbergien dans leurs définitions publiées du minimalisme. Il soutient que le minimalisme n’est pas une «impasse» du modernisme, mais un «changement de paradigme vers des pratiques postmodernes qui continuent d’être élaborées aujourd’hui».

À la fin des années 1960, le terme post-minimalisme a été inventé par Robert Pincus-Witten pour décrire l’art dérivé minimaliste qui avait un contenu et des connotations contextuelles que le minimalisme a rejeté, et a été appliqué au travail d’Eva Hesse, Keith Sonnier et Richard Serra. anciens minimalisme Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt et Barry Le Va, et d’autres.

Rosalind Krauss soutient qu’en 1968, des artistes tels que Morris, LeWitt, Smithson et Serra «sont entrés dans une situation dont les conditions logiques ne peuvent plus être qualifiées de modernistes». L’expansion de la catégorie de la sculpture pour inclure l’art terrestre et l’architecture, «a provoqué le passage au postmodernisme».

Minimalistes comme Donald Judd, Dan Flavin, Carl André, Agnes Martin, John McCracken et d’autres ont continué à produire leurs peintures et sculptures de la fin du modernisme pour le reste de leur carrière.

Process art
Vers la fin des années 1960 cependant, l’art du processus est apparu comme un concept révolutionnaire et un mouvement qui englobait la peinture et la sculpture, via l’abstraction lyrique et le mouvement postminimaliste, et au début de l’art conceptuel. Eva Hesse, Robert Smithson, Keith Sonnier, Richard Serra, Nancy Graves, Jannis Kounellis, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Melchner, Hannah Wilke, Lynda Benglis, Robert Morris, Sol LeWitt, Barry Le Va et Michael Heizer. Lawrence Weiner, Joseph Kosuth et Alan Saret, sont quelques-uns des artistes qui ont émergé dans les années 1960. Process art inspiré par les artistes Pollock permis d’expérimenter et d’utiliser une encyclopédie diversifiée de style, contenu, matériel, placement, sens du temps, échelle, taille, et plastique et espace réel.

Pop Art
Le terme «pop art» a été utilisé par Lawrence Alloway pour décrire des peintures qui célébraient le consumérisme de l’après-guerre. Ce mouvement a rejeté l’expressionnisme abstrait et son accent sur l’intérieur herméneutique et psychologique, en faveur de l’art qui dépeint, et souvent célébré la culture de consommation matérielle, la publicité et l’iconographie de l’âge de la production de masse. Les premiers travaux de David Hockney et les travaux de Richard Hamilton, John McHale et Eduardo Paolozzi ont été considérés comme des exemples emblématiques du mouvement. Tandis que les exemples américains ultérieurs incluent la majeure partie des carrières d’Andy Warhol et de Roy Lichtenstein et son utilisation des points de Benday, une technique utilisée dans la reproduction commerciale. Il y a un lien clair entre les œuvres radicales de Duchamp, le rebelle dadaïste – avec un sens de l’humour; et des artistes pop comme Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein et les autres.

En général, le pop art et le minimalisme ont commencé comme mouvements modernistes, un changement de paradigme et une division philosophique entre le formalisme et l’anti-formalisme au début des années 1970 ont fait de ces mouvements des précurseurs ou des transitions vers l’art postmoderne. D’autres mouvements modernes cités comme influents dans l’art postmoderne sont l’art conceptuel, le dada et le surréalisme et l’utilisation de techniques telles que l’assemblage, le montage, le collage, le bricolage et les formes artistiques.

Les opinions divergent quant à savoir si le pop art est un mouvement moderniste tardif ou postmoderne. Thomas McEvilly, d’accord avec Dave Hickey, dit que le postmodernisme dans les arts visuels a commencé avec les premières expositions du pop art en 1962, “bien qu’il ait fallu environ vingt ans avant que le postmodernisme devienne une attitude dominante dans les arts visuels”. Frédéric Jameson, lui aussi, considère le pop art comme postmoderne.

L’une des manières dont le Pop Art est postmoderne est de rompre ce que Andreas Huyssen appelle le «grand fossé» entre le grand art et la culture populaire. Le postmodernisme émerge d’un «refus générationnel des certitudes catégoriques du haut modernisme». Bien que présupposer que le modernisme ne représente que le «grand art», et qu’il soit en tout cas certain de ce qui constitue l’art «haut», c’est méconnaître profondément et fondamentalement le modernisme.

Performance art et happenings
À la fin des années 1950 et 1960, des artistes ayant un large éventail d’intérêts ont commencé à repousser les limites de l’art contemporain. Yves Klein en France et Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman et Yoko Ono à New York ont ​​été les pionniers des œuvres d’art basées sur la performance. Des groupes comme The Living Theatre avec Julian Beck et Judith Malina ont collaboré avec des sculpteurs et des peintres créant des environnements; radicalement changer la relation entre le public et l’interprète en particulier dans leur pièce Paradise Now. Le Judson Dance Theatre situé à la Judson Memorial Church, à New York, et les danseurs Judson, notamment Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs, Steve Paxton et d’autres ont collaboré avec les artistes Robert. Morris, Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg et des ingénieurs comme Billy Klüver. Ces performances ont souvent été conçues pour créer une nouvelle forme d’art, combinant la sculpture, la danse et la musique ou le son, souvent avec la participation du public. Les œuvres étaient caractérisées par les philosophies réductrices du minimalisme, l’improvisation spontanée et l’expressivité de l’expressionnisme abstrait.

Au cours de la même période – de la fin des années 1950 au milieu des années 1960, divers artistes d’avant-garde ont créé Happenings. Les happenings étaient des rassemblements mystérieux et souvent spontanés et improvisés d’artistes et de leurs amis et parents dans divers endroits spécifiés. Souvent incorporant des exercices dans l’absurdité, l’exercice physique, les costumes, la nudité spontanée, et divers actes aléatoires et apparemment déconnectés. Allan Kaprow, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms et Robert Whitman, entre autres, ont été des créateurs remarquables de Happenings.

Fluxus
Fluxus a été nommé et librement organisé en 1962 par George Maciunas (1931-78), un artiste américain né en Lituanie. Fluxus retrace ses débuts aux cours de composition expérimentale de John Cage de 1957 à 1959 à la New School for Social Research de New York. Beaucoup de ses étudiants étaient des artistes travaillant dans d’autres médias avec peu ou pas d’expérience en musique. Les étudiants de Cage comprenaient les membres fondateurs de Fluxus, Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht et Dick Higgins.

Fluxus a encouragé une esthétique à faire soi-même, et a valorisé la simplicité plutôt que la complexité. Comme Dada avant elle, Fluxus incluait un fort courant d’anti-commercialisme et une sensibilité anti-artistique, dénigrant le monde de l’art conventionnel axé sur le marché en faveur d’une pratique créative centrée sur l’artiste. Les artistes de Fluxus ont préféré travailler avec tous les matériaux disponibles et ont créé leur propre travail ou collaboré au processus de création avec leurs collègues.

Andreas Huyssen critique les tentatives de réclamer Fluxus pour le postmodernisme comme «soit le maître-code du postmodernisme, soit le mouvement artistique finalement irreprésentable – pour ainsi dire, le sublime du postmodernisme». Au lieu de cela, il voit Fluxus comme un phénomène néo-dadaïste majeur dans la tradition d’avant-garde. Il n’a pas représenté une avancée majeure dans le développement des stratégies artistiques, bien qu’il ait exprimé une rébellion contre, “la culture administrée des années 1950, dans laquelle un modernisme modéré et domestiqué a servi de soutien idéologique à la guerre froide”.

Haut et bas
Comme une sorte de réponse à Avant-Garde et Kitsch de Clement Greenberg en 1990, Kirk Varnedoe et Adam Gopnik ont ​​organisé High and Low: Art moderne et culture populaire, au Museum of Modern Art de New York. L’exposition a tenté d’élucider la mesure dans laquelle les artistes et la haute culture s’inspiraient de la culture populaire. Bien que ce soit le seul événement qui puisse réunir Douglas Crimp et Hilton Kramer dans un concert de mépris. L’exposition se souvient aujourd’hui comme une référence du conflit entre le modernisme tardif et le postmodernisme.

Mouvements associés à l’art postmoderne

Art conceptuel
L’art conceptuel est devenu un développement important dans l’art contemporain à la fin des années 1960, il a livré une critique influente sur le statu quo. Le modernisme tardif s’est étendu et s’est contracté à la fin des années 1960 et, pour certains, l’art conceptuel a complètement rompu avec le modernisme. Parfois, il est étiqueté comme postmoderne parce qu’il est expressément impliqué dans la déconstruction de ce qui fait une œuvre d’art, «l’art». L’art conceptuel, parce qu’il est souvent conçu pour confronter, offenser ou attaquer des notions détenues par beaucoup de ceux qui le voient, est considéré avec une controverse particulière. Duchamp peut être considéré comme un précurseur de l’art conceptuel. Ainsi, parce que Fountain était exposée, c’était une sculpture. Marcel Duchamp a renoncé à «l’art» en faveur des échecs. Le compositeur d’avant-garde David Tudor a créé une pièce, Reunion (1968), écrite conjointement avec Lowell Cross, qui présente un jeu d’échecs, où chaque mouvement déclenche un effet d’éclairage ou une projection. Lors de la première, le jeu a été joué entre John Cage et Marcel Duchamp. D’autres exemples célèbres sont 4 ’33 “de John Cage, soit quatre minutes et trente-trois secondes de silence, et Erased De Kooning Drawing de Rauschenberg.Certaines œuvres conceptuelles considèrent que l’art est créé par le spectateur regardant un objet ou agissant comme art, non des qualités intrinsèques du travail lui-même.

Installation d’art
Une série importante de mouvements dans l’art qui ont toujours été décrits comme postmodernes impliquait l’art de l’installation et la création d’artefacts de nature conceptuelle. Un exemple étant les signes de Jenny Holtzer qui utilisent les dispositifs de l’art pour transmettre des messages spécifiques, tels que “Protégez-moi de ce que je veux”. Installation L’art a joué un rôle important dans la détermination des espaces choisis pour les musées d’art contemporain afin de pouvoir accueillir les grands travaux composés de vastes collages d’objets manufacturés et trouvés. Ces installations et collages sont souvent électrifiés, avec des pièces mobiles et des lumières.

Ils sont souvent conçus pour créer des effets environnementaux, comme le rideau de fer de Christo et Jeanne-Claude qui était une rangée de barils destinés à créer un embouteillage.

Intermedia et multimédia
Une autre tendance dans l’art qui a été associée au terme postmoderne est l’utilisation d’un certain nombre de médias différents ensemble. Intermedia, un terme inventé par Dick Higgins et destiné à transmettre de nouvelles formes d’art sur le thème de Fluxus, de la poésie concrète, des objets trouvés, de l’art de la performance et de l’art informatique. Higgins était l’éditeur du Something Else Press, un poète concret, marié à l’artiste Alison Knowles et un admirateur de Marcel Duchamp. Ihab Hassan inclut, “Intermedia, la fusion des formes, la confusion des royaumes”, dans sa liste des caractéristiques de l’art postmoderne. L’une des formes les plus courantes de «l’art multimédia» est l’utilisation de magnétoscopes et de moniteurs CRT, appelés art vidéo. Alors que la théorie de combiner plusieurs arts en un art est assez ancienne et a été relancée périodiquement, la manifestation postmoderne est souvent associée à l’art de la performance, où le sous-texte dramatique est supprimé, et ce qui reste est les déclarations spécifiques de l’artiste. question ou l’énoncé conceptuel de leur action.

Art de l’appropriation et art néo-conceptuel
Dans son essai de 1980, The Allegorical Impulse: Vers une théorie du postmodernisme, Craig Owens identifie la réapparition d’une impulsion allégorique comme caractéristique de l’art postmoderne. Cette impulsion peut être vu dans l’art de l’appropriation des artistes tels que Sherrie Levine et Robert Longo parce que, “l’imagerie allégorique est l’imagerie appropriée.” L’art de l’appropriation démolit les notions modernistes de génie artistique et d’originalité et est plus ambivalent et contradictoire que l’art moderne, en même temps qu’il installe et subvertit les idéologies, «étant à la fois critique et complice».

Néo-expressionnisme
Le retour aux formes artistiques traditionnelles de la sculpture et de la peinture à la fin des années 1970 et au début des années 1980 a été décrit comme une tendance postmoderne, et l’un des premiers mouvements cohérents à avoir été réalisé par des artistes néo-expressionnistes tels que Georg Baselitz et Julian Schnabel. émerger dans l’ère postmoderne. Ses liens forts avec le marché de l’art commercial ont toutefois soulevé des questions, à la fois sur son statut de mouvement postmoderne et sur la définition du postmodernisme lui-même. Hal Foster déclare que le néo-expressionnisme était complice de la politique culturelle conservatrice de l’ère Reagan-Bush aux États-Unis. Félix Guattari ne tient pas compte des «grandes opérations promotionnelles baptisées« néo-expressionnisme »en Allemagne (exemple d’une« mode qui maintient lui-même au moyen de la publicité ») comme un moyen trop facile pour lui« de démontrer que le postmodernisme n’est rien d’autre que le dernier souffle du modernisme ». Ces critiques du néo-expressionnisme révèlent que l’argent et les relations publiques ont vraiment soutenu la crédibilité mondiale de l’art contemporain en Amérique à la même époque où les pratiques artistiques conceptuelles et féministes réévaluaient systématiquement l’art moderne.

Critique institutionnelle
Les critiques sur les institutions d’art (principalement les musées et les galeries) sont faites par Marcel Broodthaers, Daniel Buren et Hans Haacke.

La peinture et la sculpture modernistes tardives au 21ème siècle
Au début du 21ème siècle, la peinture contemporaine, la sculpture contemporaine et l’art contemporain en général se poursuivent dans plusieurs modes contigus, caractérisés par l’idée de pluralisme. La «crise» de la peinture, de la sculpture, de l’art actuel et de la critique actuelle de l’art est provoquée par le pluralisme. Il n’y a pas de consensus, pas besoin non plus, quant à un style représentatif de l’époque. Il y a une attitude de n’importe quoi qui prévaut; un syndrome de «tout ce qui se passe» et, par conséquent, de «ne rien faire»; cela crée un embouteillage esthétique sans direction ferme et claire et avec chaque voie sur l’autoroute artistique rempli à pleine capacité. En conséquence, des œuvres d’art magnifiques et importantes continuent d’être réalisées dans une grande variété de styles et de tempéraments esthétiques, le marché étant laissé pour juger du mérite.La scienza della pigrizia (La science de la paresse) de Frank Stella, de 1984, est un exemple de la transition de Stella de la bidimensionnalité à la tridimensionnalité et un excellent exemple du modernisme tardif.

Peinture hard-edge, abstraction géométrique, appropriation, hyperréalisme, photoréalisme, expressionnisme, minimalisme, abstraction lyrique, pop art, op art, expressionnisme abstrait, peinture en couleurs, peinture monochrome, néo-expressionnisme, collage, peinture intermedia, peinture d’assemblage, numérique peinture, peinture postmoderne, peinture néo-dada, peinture sur toile en forme, peinture murale environnementale, peinture figurative traditionnelle, peinture de paysage, peinture de portrait, sont quelques directions continues et actuelles dans la peinture au début du 21ème siècle. La nouvelle peinture européenne des années 1990 et le début du 21ème siècle, avec des peintres comme Gerhard Richter, Bracha Ettinger et Luc Tuymans,a ouvert un dialogue complexe et intéressant avec l’héritage du champ de couleur américain et de l’abstraction lyrique d’une part et de la figuralité d’autre part.