Le thème du pavillon argentin est « La rébellion de la forme » ， Créé par l’artiste Juan Carlos Distéfano. Le pavillon avait un assemblage de 29 sculptures à taille humaine qui étaient magnifiquement alignées pour constituer l’exposition La Rebeldía de la Forma (ce qui signifie Le soulèvement de la forme). Chaque sculpture représente un éventail d’expériences et de conditions humaines profondes; certains ont été suspendus dans l’air et certains suspendus au milieu d’une chute. Les sculptures semblaient avoir des expressions apathiques sur leurs visages. Le sens des œuvres d’art sont des représentations d’histoires de l’histoire de l’Argentine. D’autres sont un commentaire sur la condition humaine et des questions telles que la violence et l’injustice sociale.

Visage levé vers le ciel, La portadora de la palabra [The Word Bearer] tient Summa de Thomas Aquinas contre sa poitrine tout en levant sa paume dans un geste à la fois prudent et révélateur. Enraciné dans sa chair, dans la matière même, il porte les marques de l’histoire, l’intensité de la mémoire. Peut-être, car comme le souligne Hannah Arendt, « les chances que demain soit comme hier sont toujours écrasantes », ce symbole contemporain nous alerte solennellement sur les futurs possibles. L’art de Juan Carlos Distéfano est donc une réflexion sur la condition humaine. Le corps / corps y est un terrain d’expérience privilégié. Ses personnages s’envolent ou se blottissent dans les tensions et les chutes, modifiant leur relation avec l’espace et la matière. Dans son Kinderspelen, Distéfano semble avoir admis la densité des corps alors que les acteurs de cette enfance revivaient se verrouiller sur la terre et se briser, s’appropriant l’espace étendu, concevant des terrains de jeux sur les friches tandis que les véritables armes à feu sont incarnées dans la matière.

La première exposition de Distéfano a eu lieu dans les années soixante; ses œuvres, à cette époque, étaient appelées «expressions courantes qui dépassent les limites de sa discipline». Il a été immédiatement sélectionné pour participer à la IX Biennale de São Pablo, où certaines de ses œuvres ont été censurées pour des raisons « morales »; il n’a finalement été exposé que parce que d’autres artistes ont protesté par solidarité. Ses œuvres ont fait partie de la scène artistique latino-américaine à des moments historiques caractérisés par ce que le philosophe argentin Oscar Terán a appelé les quatre âmes de l’époque: « l’âme absurde de Beckett, l’âme Kennedy de l’Alliance pour le progrès, l’âme de fleur Lennon le pouvoir, l’âme Che Guevara du soulèvement révolutionnaire.  »

Des illusions transformatrices des années soixante et soixante-dix, suivies de l’une des périodes les plus sanglantes de l’histoire argentine à partir de 1976 et du retour ultérieur de la démocratie en 1984, l’art de Distéfano a constamment posé des questions d’histoire et de mémoire. L’histoire et la mémoire de l’Argentine, certainement, mais nous savons aussi que la question du traumatisme – l’holocauste étant la mesure universelle du traumatisme historique – est précisément le point où les peuples du monde se reconnaissent et / ou s’activent, sur la base de l’art, leurs propres expériences, contaminant cette référence originale qui vient servir de métaphore à d’autres traumatismes historiques et à leurs souvenirs. Peut-être, de retour à Arendt, ils le font pour activer les opérations qui permettent l’engagement avec l’avenir.

Biographie
Juan Carlos Distéfano (né le 29 août 1933 à Buenos Aires) est un sculpteur argentin, lauréat du prix Konex Platinum 1982 pour la sculpture figurative et époux de Griselda Gambaro. En 1992, il a reçu le Konex de Brillante comme personnalité la plus pertinente des arts visuels au cours de la dernière décennie en Argentine

Sa vie
Il est né à Villa Celina, Buenos Aires, le 29 août 1933. Il a étudié à l’Escuela Nacional de Artes Gráficas №9 et à l’Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano à Buenos Aires.

Entre 1960 et 1970, il est directeur graphique du Centre des arts visuels de l’Instituto Di Tella. A partir de 1968, il se consacre à la sculpture avec une articulation marquée entre ses œuvres sculpturales et ses peintures.

Il a remporté la bourse Francisco Romero décernée par le National Endowment for the Arts et l’ambassade d’Italie en Argentine en 1970. En 1976, il abandonne le graphisme pour se consacrer exclusivement à la sculpture.

En 1977 (après le coup d’État militaire en Argentine), il s’installe en Espagne.

Marié depuis 1955 à Griselda Gambaro, il doit s’exiler en raison de l’interdiction du roman de sa femme « Winning Death » par la dictature militaire argentine. Il a vécu en Espagne entre 1977 et 1980.

En 1982, il mérite le Konex Platinum Prize for Figurative Sculpture et en 1992 le Konex of Brilliant for the Visual Arts.

Ses œuvres
Distéfano, avec Rubén Fontana, a défini l’image graphique de l’Instituto Di Tella dans les années 1960 lorsqu’il était situé au centre de la culture argentine.

Le critique Fabián Lebenglik a évoqué Distéfano:

Le centre de ses réflexions est le croisement du corps et de la violence. Dans ses œuvres, le corps humain module les torsions, épuise, s’étire, se contracte, se dilate et se confond avec les objets, forcé par différentes classes et degrés de violence. Ce sont des corps traversés (et enrôlés) par la douleur de la violence sociale et politique qui caractérise l’histoire fasque et sanglante de l’Argentine.

Il est l’auteur de peu de production en raison du type de procédure technique qu’il utilise, divisé en différentes étapes lentes et lourdes. Au début, il était peintre et il se tenait dans la néofiguration répondant aux motifs baconiens. Selon Hugo Monzón:

Chez notre artiste, les formes habitaient, comme le peintre anglais, des espaces de nature presque abyssale, bordant le vide, et étaient majoritairement courbes, avec une tendance à enfermer la figure dans des limites nettes et plastiques, seulement dans son cas ces contours correspondaient à une modélisation intérieure sculpturale à laquelle la couleur était subordonnée

C’était un autre résultat de la nouvelle figuration de l’époque, amoureux des relations insolites, des coupures brusques, des mélanges explosifs

Il a des influences de l’art latino-américain, en particulier des sculptures coloniales de style européen de la Renaissance et de l’art égyptien, étrusque, aztèque et des artistes tels que Lorenzetti, Brueghel, Signorelli et Van Gogh.

Il reconnaît les influences du groupe CoBrA, de l’Anglais Alan Davie et de ce mouvement néo-figuratif d’Ernesto Deira, Rómulo Macció, Luis Felipe Noé et Jorge de la Vega, mais il a toujours travaillé seul sans épouser aucun groupe ou tendance. Son néo-figurativisme n’est pas surréaliste.
Les thèmes des sculptures Distéfano sont la douleur physique infligée aux autres, la violence, l’animalité de l’homme prédateur, la torture – en allusion claire à la dictature argentine entre 1976 et 1983 -, les histoires bibliques sur les mauvais esprits torturés, la crucifixion, les formes ignominieuses de torture, la descente de l’âme torturée en enfer, des destins tragiques, le drame des damnés sans cause.

Toutes ses œuvres véhiculent une sensation suffocante, un état oppressif, un effet de compression.

Destruction et horreur, mépris et dégradation, férocité et terreur y règnent. Mais ce n’est pas le chaos qui règne, bien au contraire: un ordre géométrique rigoureux avec des altérations de distance, de position et d’échelle.

La figure humaine nue, soumise à des structures qui l’écrasent et la compriment, porte des tensions brutales à la déchirure. Cette figure déprimée, souffrante, agenouillée, humiliée, jamais debout est le protagoniste de ces œuvres d’une beauté? convulsif et révulsif.

Personnages déformés aux expressions douloureuses, positions lacérées, fœtales, inconfortables et traumatisantes, figures rétrécies, pathétiques, terrifiantes et terrifiées, tombant, mentant, suspendu, assis et attaché avec une absence totale de liberté. Corps écorchés, démembrés, explosés et désintégrés.
Des êtres humains qui ont perdu leur identité, des yeux qui ne regardent pas, des êtres qui souffrent de la douleur qui viennent de l’étranger et sont en état d’alerte permanente.

Tressaillements, mensonges, torsades, non protégés, personnes vulnérables et exposées aux intempéries et aux hommes: eau impénétrable et marécageuse et fumée rigide qui se noient, viscosités de liquides inquiétants, marches d’escalier s’ouvrant sur l’abîme.

Parmi ses thèmes figurent des combats acharnés, des émeutes raciales, des masques de mort, des massacres, des meurtres, des catastrophes, des iniquités, des viols et des génocides.

Ses œuvres exposées en permanence dans:

Parc de la mémoire de Buenos Aires
MALBA
Musée national des beaux-arts
Ambassade d’Italie
Dotation nationale pour les arts aux États-Unis
Musée d’art moderne du Chili
Collections privées en Suisse

Technique artistique
Mouler d’abord dans l’argile, obtenir le moule en plâtre puis le passer au polyester en le peignant avec de l’émail époxy. Selon Jorge Glusberg, directeur du Musée national des beaux-arts de Buenos Aires en 1998, la matérialisation d’une œuvre de Distéfano se compose de trois étapes:

« Tout d’abord, les peintures en relief, en polyester renforcé de laine de verre, sur une toile, un support en bois pressé ou en acier inoxydable; le type de peinture utilisé était une détrempe grasse ou de l’acrylique. Ensuite, les premières sculptures, en polyester de couleur uniforme, renforcées de laine de verre, en partie peinte avec de la peinture à base de résine époxy, ce qui signifiait l’ajout de la peinture. Enfin, les sculptures finales, un produit d’une solution plus importante – selon l’artiste – que la méthode d’ajout de peinture. Maintenant, la couleur, qui est la résine polyester, c’est la première chose qui est appliquée dans le moule, la peinture à l’envers, comme si on peignait un verre; c’est-à-dire qu’on peint au début ce qui va apparaître devant, puis ce qui suit derrière et ainsi de suite, donnant autant de couches que de nuances à la sculpture, jusqu’à une ou deux nuances de base; puis le stratifié est exécuté. Ainsi, la forme inclut la couleur. Le système expressif de Distéfano se résout ainsi en un amalgame de peinture et de sculpture; si vous le souhaitez, le artiste w des peintures sculptées aux sculptures peintes, du volume naissant au volume déclaré, de l’espace pictural à l’espace général.  »

Selon les mots de Distéfano lui-même:
«Je pense que l’art a à voir avec le désir, plus encore, je dirais avec l’érotisme. Faire une œuvre d’art, c’est répondre à une pulsion érotique. En moi, le travail n’est jamais un processus spéculatif; il n’y a pas de programme pour effectuer le travail. Je travaille sur l’impulsion, pour l’engouement « .

Plus:
« La virtuosité ne m’intéresse pas du tout, rien. Ce n’est qu’une démonstration d’habileté, et l’habileté, par rapport à l’art, se réduit à la catégorie du cirque ».

Il est l’un des rares sculpteurs qui permet au public de toucher ses sculptures pour se connecter avec elles en caressant les contours.

L’exposition:

Oeuvres exposées:

Telaraña II, 1974 (toile d’araignée II)
Icare I (1978)
Vers un certain point II
The Enlightened II
Action ininterrompue III (1998)
La Colombe au sol à Buenos Aires. Hommage à Gómez Cornet II (2008)

Biennale de Venise 2015
La Biennale d’art 2015 clôt une sorte de trilogie qui a commencé avec l’exposition organisée par Bice Curiger en 2011, Illuminations, et s’est poursuivie avec le Palais encyclopédique de Massimiliano Gioni (2013). Avec All The World’s Futures, La Biennale poursuit ses recherches sur des références utiles pour porter des jugements esthétiques sur l’art contemporain, question «critique» après la fin de l’art avant-gardiste et «non-art».

À travers l’exposition organisée par Okwui Enwezor, La Biennale revient pour observer la relation entre l’art et le développement de la réalité humaine, sociale et politique, dans le pressage des forces et des phénomènes extérieurs: les voies par lesquelles, c’est-à-dire les tensions de l’extérieur le monde sollicite les sensibilités, les énergies vitales et expressives des artistes, leurs désirs, les mouvements de l’âme (leur chant intérieur).

La Biennale di Venezia a été fondée en 1895. Paolo Baratta en est le président depuis 2008, et avant cela de 1998 à 2001. La Biennale, qui est à la pointe de la recherche et de la promotion des nouvelles tendances de l’art contemporain, organise des expositions, des festivals et des recherches dans tous ses secteurs spécifiques: Arts (1895), Architecture (1980), Cinéma (1932), Danse (1999), Musique (1930) et Théâtre (1934). Ses activités sont documentées aux Archives historiques des arts contemporains (ASAC) récemment rénovées.

La relation avec la communauté locale a été renforcée par des activités éducatives et des visites guidées, avec la participation d’un nombre croissant d’écoles de la région de la Vénétie et au-delà. Cela propage la créativité sur la nouvelle génération (3 000 enseignants et 30 000 élèves impliqués en 2014). Ces activités ont été soutenues par la Chambre de commerce de Venise. Une coopération avec des universités et des instituts de recherche organisant des visites et des séjours spéciaux dans les expositions a également été établie. Au cours des trois années 2012-2014, 227 universités (79 italiennes et 148 internationales) ont rejoint le projet Biennale Sessions.

Dans tous les secteurs, il y a eu plus d’opportunités de recherche et de production adressées à la jeune génération d’artistes, directement en contact avec des professeurs renommés; cela est devenu plus systématique et continu grâce au projet international Biennale College, qui se déroule désormais dans les sections danse, théâtre, musique et cinéma.