Ivan Le Lorraine Albright (20 février 1897 – 18 novembre 1983) était un peintre et artiste américain réaliste de la magie, reconnu pour ses autoportraits, ses études de personnages et ses natures mortes.

Jeunesse
Ivan Albright et son frère jumeau identique, Malvin, sont nés près de Chicago à North Harvey, dans l’Illinois, de Adam Emory Albright et de Clara Wilson Albright. Leur père était un paysagiste et venait d’une famille de maîtres armuriers dont le nom original était « Albrecht ». Les frères étaient inséparables durant leur enfance et pendant la majeure partie de leur jeune âge adulte. Tous deux s’inscrivirent à l’Art Institute of Chicago, une pièce de monnaie décidant qu’Ivan étudierait la peinture et la sculpture malvin. Ivan admirait particulièrement le travail d’El Greco et de Rembrandt, mais il a vite développé un style qui lui est propre.

Adam Albright a déménagé sa femme et ses fils à Warrenville, dans l’Illinois en 1924.

Albright a fréquenté la Northwestern University, mais a abandonné ses études et a entrepris des études d’architecture à l’Université de l’Illinois à Urbana-Champaign. Pendant la Première Guerre mondiale, il a réalisé des dessins médicaux pour un hôpital de Nantes, en France, travaux morbides qui ont probablement influencé son style ultérieur. Après avoir brièvement travaillé dans l’architecture et la publicité, il a été repoussé par le commercialisme et s’est mis sérieusement à la peinture. Après avoir vécu à Philadelphie pendant la majeure partie de 1925 et 1926, il retourna dans l’Illinois, où il commença à connaître un succès substantiel et à présenter son premier spectacle en 1930.

Style et technique
Ce n’est que dans les années 1930 qu’Albright développa une technique cohérente pour ses œuvres. La technique consistait à créer de nombreux dessins détaillés, à créer sa propre palette de couleurs et à peindre avec des centaines de petits pinceaux. La technique fastidieuse d’Albright lui permettait non seulement de décrire en détail la détérioration physique des objets et des personnes, mais aussi d’incorporer une multitude de légers changements de point de vue et de mettre en évidence les relations entre les objets. La combinaison d’un réalisme extrême et d’une palette de couleurs violente et sournoise chez Albright a amené les critiques d’art à catégoriser son travail avec celui de l’American Magic Realists.

Réalisme magique américain
Le terme, Magic Realism, vient du livre « Après l’expressionnisme: le réalisme magique: les problèmes de la nouvelle peinture européenne » de Franz Roh. Le style décrit par Roh fut repris par des peintres italiens et allemands et parvint bientôt aux États-Unis. American Le réalisme magique est illustré par les œuvres réalistes étranges et contre nature de certains artistes américains dans les années 1940 et 1950. Le sujet réaliste magique n’est pas trop surnaturel ou extraordinaire, mais il tente plutôt de présenter le mondain à travers un point de vue excessivement exagéré et anormal.

Carrière
Les détails de ses peintures signifiaient qu’il fallait souvent des années pour les compléter. La quantité d’effort qu’il consacra à ses peintures le rendit tout à fait possessif. Même pendant la Grande Dépression, il factura de 30 à 60 fois ce que facturaient des artistes comparables, ce qui rendit les ventes peu fréquentes. Pour survivre, il s’appuie sur le soutien de son père et prend d’étranges travaux de menuisier. Son premier tableau, The Lineman, a remporté un prix et a fait la couverture du magazine professionnel Electric Light and Power. Cependant, sa représentation penchée et perdue a suscité la controverse parmi le lectorat, qui n’a pas considéré un tel représentant d’image. Les rédacteurs ont par la suite pris leurs distances par rapport au travail d’Albright.

Albright a abordé quelques thèmes à travers la plupart de ses œuvres, en particulier la mort, la vie, la matière, l’esprit et les effets du temps. Il a peint des œuvres très complexes et leurs titres correspondaient à leur complexité. Avant de choisir une peinture, il ne nommerait pas une peinture tant qu’elle n’aurait pas été achevée. À ce moment-là, il proposerait plusieurs possibilités, plus poétiques que descriptives. Un tel exemple est Poor Room – Il n’ya pas de temps, pas de fin, pas de jour, pas d’hier, pas de demain, seulement pour toujours, et toujours et toujours sans fin (la fenêtre), les deux derniers mots décrivant réellement le tableau (c’était en tant que tel, le tableau est généralement désigné). Une autre peinture, Et l’homme a créé Dieu à son image, s’appelait Dieu a créé l’homme à son image lors de sa tournée dans le Sud. L’un de ses tableaux les plus célèbres, qui lui a pris environ dix ans, s’intitulait Ce que j’aurais dû faire et que je n’ai pas fait (la porte), qui a remporté le premier prix lors de trois grandes expositions à New York, Chicago et Philadelphie. en 1941. Le prix décerné au Metropolitan Museum of Art de New York lui valut un prix d’achat de 3 500 dollars et une place dans la collection permanente. Mais, ne voulant pas se séparer de l’œuvre pour moins de 125 000 dollars, Albright prit à la place la première médaille, permettant lui de garder la peinture. Albright a été élu à la National Academy of Design en 1942.

En 1943, il fut chargé de créer la peinture du titre de l’adaptation cinématographique du film d’Oscar Wilde, The Picture of Dorian Gray. Ses représentations réalistes, mais exagérées, de la pourriture et de la corruption le rendaient tout à fait apte à entreprendre un tel projet. Son frère a été choisi pour réaliser la peinture originale non corrompue de Gray, mais la peinture utilisée dans le film provenait de Henrique Medina. Ivan a fait les changements dans la peinture pendant le film. Cette peinture originale réside actuellement à l’Art Institute of Chicago.

Plus tard dans la vie, Albright a vécu à Woodstock, dans le Vermont. Sa dernière visite dans son ancienne ville natale de Warrenville, dans l’Illinois, avait lieu en 1978. La ville déclara Ivan Albright Day et honora Albright d’une journée de festivités. Le biographe d’Albright, Michael Croydon, était sur place pour présenter le livre richement illustré récemment publié intitulé Ivan Albright. La bibliothèque présentait une grande collection de photographies des années d’Albright passées à Warrenville. Il a été élu membre de l’Académie américaine des arts et des sciences en 1979.

Malgré le temps passé à parcourir le monde, il n’a jamais cessé de travailler. Albright a réalisé plus de vingt autoportraits au cours de ses trois dernières années, même sur son lit de mort, dessinant les derniers après un accident vasculaire cérébral. Il est mort en 1983.

À l’occasion du centenaire de la naissance d’Ivan Albright, le 20 février 1997, l’Institut d’art de Chicago a ouvert une grande exposition de son travail. Apparaît l’homme, une photographie d’Ivan Albright et son œuvre la plus célèbre, The Picture of Dorian Gray, peuvent être trouvés à l’Art Institute of Chicago.

La collection de documents d’archives Ivan Albright, conservée par les bibliothèques Ryerson & Burnham de l’Art Institute of Chicago, comprend des photographies, des albums de coupures, des croquis, des cahiers, un film et d’autres documents documentant sa vie et sa carrière.

Reconnaissance de son travail
Dans la plupart de ses œuvres, Albright s’est concentré sur certains thèmes, notamment la mort, la vie, l’esprit et la matière, ainsi que les ravages du temps. Il a peint des œuvres très complexes, et les titres sont adaptés à leur complexité. Il n’a pas écrit de tableau avant la fin, puis il a choisi plusieurs possibilités, plus poétiques que descriptives, avant de se décider. Un exemple significatif est Poor Room- « il n’y a pas de temps, pas de fin, pas de jour, pas d’hier, pas de lendemain, seulement le toujours, pour toujours et toujours, sans fin (la fenêtre) », les deux derniers mots décrivant réellement le tableau (c’est comme cela qu’il est habituellement référencé). Un autre tableau intitulé « Et l’homme créa Dieu à son image » s’appelait « Et Dieu créa l’homme à sa propre image » lorsqu’il fut exposé dans le sud des États-Unis. Une de ses peintures les plus célèbres, qui lui a pris environ dix ans de travail, s’intitulait « Ce que j’aurais dû faire, je ne l’ai pas fait (la porte) » (ce que j’aurais dû faire et que je n’ai pas fait (la porte)) et remporte le premier prix de trois expositions majeures à New York, Chicago, en 1941. Le prix du Metropolitan Museum of Art à New York est une récompense de 3 500 dollars pour l’achat du tableau et une place dans la collection permanente. Mais, ne voulant pas laisser son travail aller pour moins de 125 000 $, Albright a pris la médaille du premier prix, ce qui lui a permis de conserver le tableau.

La photo de Dorian Gray
En 1943, il reçut la commande de réaliser le Portrait de Dorian Gray pour l’adaptation au cinéma du roman d’Oscar Wilde par Albert Lewin. Sa description réaliste mais exagérée de signes de maladie et de corruption en fait l’artiste idéal pour entreprendre un tel projet. L’œuvre représente avec une profusion de détails abjects peints avec une grande minutie la dernière étape de la métamorphose. Son frère a été choisi pour représenter Dorian Gray, mais il a été remplacé par Henrique Medina. Il doit beaucoup de sa célébrité à ce film, dont la carte est l’élément principal.

Habitudes de travail
Tout au long de sa vie, Albright a été un artiste prolifique, travaillant à la fois comme imprimeur, graveur et peintre. Il réalise ses propres peintures et charbons et monte lui-même ses toiles sur un cadre. Il était extrêmement méticuleux pour les détails, créant de belles installations pour ses peintures avant de commencer le travail. Il était tellement obsédé par la lumière qu’il a peint son atelier en noir, vêtu d’un chemisier noir pour éviter la lumière parasite.

Famille
Albright était le beau-père de la future secrétaire d’État des États-Unis, Madeleine Albright, par le mariage de son fils, Joseph Medill Patterson Albright; cependant, le couple a divorcé un an avant sa mort. Albright est resté avec sa famille à Chicago pendant soixante-six ans avant de s’installer à Woodstock, dans le Vermont, à la recherche d’un style de vie tranquille. Dans les années 1970, il a été conférencier au Dartmouth College et est resté un artiste actif jusqu’à sa mort en 1983.