Portrait d’intérieur

Le portrait intérieur (portrait d’intérieur) ou, en allemand, Zimmerbild (photo de chambre), est un genre pictural apparu en Europe vers la fin du XVIIe siècle et qui connut une grande vogue dans la seconde moitié du XIXe siècle. Il s’agit d’une représentation minutieuse et détaillée d’un espace de vie, sans aucun peuple. Ces peintures ont été généralement rendues comme des aquarelles et ont exigé une grande maîtrise technique, si peu de créativité. Au milieu du XXe siècle, bien que de telles scènes soient toujours créées, la photographie a transformé ce style de peinture en une forme d’archaïsme intentionnel.

Le terme Portrait d’intérieur fait référence à un genre de peinture qui traite de la représentation d’intérieurs – pour la plupart privés – et était presque exclusivement à l’époque culturelle du Biedermeier.

Le portrait intérieur ne doit pas être confondu avec ce qu’on appelle un «morceau de conversation» en Angleterre; un terme qui désigne une scène avec un groupe de personnes engagées dans une activité et souvent placées à l’extérieur. La véritable pièce intérieure montre seulement la pièce et le décor, bien que l’activité précédente puisse être suggérée par le placement d’articles dans la pièce.

Il y avait des peintures comme des dessins, des aquarelles et des gouaches ainsi que différentes techniques de mélange. Ils étaient relativement petits, la taille moyenne de leur paysage était d’environ 32,5 × 22,5 cm, des écarts plus importants vers le haut ou vers le bas se produisaient, mais ils étaient rares. Les illustrations suivaient dans la plupart des cas le principe du coffret. L’accent était souvent légèrement décalé du centre vers la gauche. Ces œuvres ne sont pas l’œuvre d’amateurs, mais d’artistes professionnels, en partie par des «peintres en salle» spécialisés. Un exemple clair de l’appréciation que le genre a joui pendant un moment est une série de neuf aquarelles que le célèbre peintre architectural Eduard Gaertner a commissionné par la famille royale pour créer des intérieurs dans le palais de la ville de Berlin.

L’état d’un intérieur particulier a été décrit avec une grande précision à un certain moment – l’apparence et le placement des meubles, les couleurs et les motifs de papier peint, rideaux et tapis, la conception de pièces avec des objets d’art ou d’ornement. Cette reproduction détaillée des intérieurs révèle à quel point les contemporains ont traité avec soin les objets de leur environnement privé et, en même temps, montre clairement qu’ils voulaient également le documenter. Les gens étaient rarement montrés dans ces images, et si oui, alors seulement avec leurs caractéristiques individuelles, mais à petite échelle et dans une activité qui correspondait au but de chaque pièce. Surtout, l’individu était indirectement présent à travers la description exacte de son environnement privé.

Les photos de salles étaient généralement commandées à titre personnel en certaines occasions. La princesse prussienne Elisabeth a donné à ses parents une photo de sa pépinière de Berlin quand elle est allée à Darmstadt épouser des jeunes. Et une aquarelle de l’étude du grand-duc Louis II de Hesse-Darmstadt était une copie après sa mort et a été donnée à titre posthume. Les feuilles ont peut-être été transmises, du moins pas publiées et non vendues. Ils ont été rassemblés en albums – un emploi alors populaire auprès des femmes dans la société – et les ont regardés dans un environnement familial. En plus de leur signification émotionnelle, ces anthologies étaient aussi des images de la compréhension de l’art, du niveau d’éducation et du statut social de leurs propriétaires.

Premier portrait intérieur
L’intérieur a longtemps été présent dans les œuvres graphiques des Allemands et des premiers Pays-Bas au 16ème siècle, dans les peintures des Hollandais au 17ème siècle, utilisé comme arrière-plan dans les portraits avant et intimes. Au XVIIe siècle, en Hollande, l’image des intérieurs devint un des premiers genres de l’art national.

À l’époque du Moyen Age européen, l’attention était portée non seulement sur les intérieurs des églises romanes et gothiques et des cathédrales, mais aussi sur les habitations privées. Les intérieurs monastiques et laïques (roman et gothique) différaient par l’ascétisme et le mobilier minimal. Mais même alors, il y a une redistribution des locaux sur rendez-vous – cuisines, halls, salles à manger, chambres à coucher pour les propriétaires, chambres d’hôtes et leurs chambres, logements pour serviteurs, arsenaux, gardiens. Un nombre limité d’intérieurs médiévaux ou de leurs coins se reflète dans les miniatures contemporaines, dans les dessins de la fin des Gentils, dans les œuvres de la peinture hollandaise ancienne, ces dernières ont longtemps reposé sur l’expérience du Moyen Age national. L’image des intérieurs a lentement évolué à partir de l’image schématique

Le chef-d’œuvre de la première peinture hollandaise était le portrait des jeunes mariés d’Arnolfini, Jan van Eyck (1434, National Gallery (Londres)). L’artiste a présenté un serment de mariage à l’intérieur de la maison bourgeoise, où il a épousé un marchand italien, installé depuis longtemps aux Pays-Bas. Jan van Eyk a osé élargir les limites du portrait habituel, sans dissimuler la différence d’âge et le caractère des nouveaux mariés, reproduit exactement les vêtements inhabituels maintenant. Les nouveaux mariés sont dans la pièce, illuminés par une lumière douce et scintillante de la fenêtre. Suivant une tradition médiévale, Jan van Eyk a placé dans la pièce un certain nombre de choses à la fois pratiques et symboliques: une bougie allumée – un soupçon de mariage, une orange sur la fenêtre – un soupçon de plaisir, une chambre pour chien – un allégorie de la loyauté, une hache ou un harnais – un signe de piété et ainsi de suite. Mais la spécificité de l’image des choses domestiques renvoie le spectateur à la réalité et au rapport des choses dans la vie quotidienne, aux aspirations des dirigeants à la pureté, la commodité, le bien-être et le confort, si inhérents et agréables dans les maisons de les Pays-Bas, et ce n’est pas habituel pour les Italiens bruyants et nomades qui peuvent alors convertir même des palais sur la place nomade. Le désagrément et l’incohérence des intérieurs italiens se sont alors plaints aux voyageurs néerlandais et allemands.

De nombreuses images d’intérieurs ont été créées par des maîtres du graphisme allemand. Parmi eux, comme des scènes religieuses (« Annonciation », « Stretching »), ainsi que l’image des pères fondateurs (« Saint Jérôme dans la cellule »). L’image de saint Jérôme dans la cellule fut pratiquement canonisée et logiquement transformée des maîtres médiévaux aux maîtres de l’âge de la régénération et du maniérisme, où chacun d’eux soumit sa propre interprétation de la cellule du théologien.

Parmi les récits profanes, l’attention est attirée sur les rares images de personnes pendant les loisirs (Izrael van Mekenem Jr. (1440-1503), gravure sur «La danse au rond-point») ou un cycle de gravures avec des images d’artisans dans leurs propres ateliers (graveur Yost Amman, « Brasseur », « Tkach Kilimar », « Imprimerie », « Pharmacie », « Salon de coiffure », « Vitrail Studio ») Les intérieurs ne sont pas séparés des personnes ou des situations domestiques – et ils ne seront pas Mais les maîtres reproduisaient librement les particularités du mobilier contemporain, des articles ménagers, des machines-outils, des instruments et des vêtements de l’époque.C’est précisément dans le cycle des gravures avec des artisans que ces métiers se caractérisent caractéristiques, caractéristiques spécifiques et même caractéristiques de la technologie.

Portrait intérieur du 17ème siècle
Ce type de scène apparaît d’abord vers la fin du 17ème siècle. À ce moment-là, l’intention était entièrement descriptive. Ils étaient généralement réalisés spécifiquement pour montrer le contenu d’une galerie d’art, d’une bibliothèque personnelle ou d’un cabinet de curiosités. L’un des premiers exemples connus représente la bibliothèque de Samuel Pepys à Londres, datant de 1693. Ils sont toujours appréciés aujourd’hui par les chercheurs et les décorateurs. Dans le cas de Pepys, on peut voir, de première main, comment un érudit de l’époque range ses livres dans une bibliothèque (innovation à cette époque), utilise un lutrin, place des coussins pour son confort, accroché des cartes, etc.

L’art des Pays-Bas a logiquement grandi dans l’art de toutes les régions qui faisaient partie du territoire des Pays-Bas Historiques aux 15ème et 16ème siècles quand ils étaient, avec la Flandre, membres d’une seule formation politique étatique. A partir du 17ème siècle, il y eut une division étatique et artistique qui aboutit à la formation de deux écoles artistiques nationales, d’origine unique, mais de caractère différent. Les différences confessionnelles ont également contribué à la distinction artistique. Le sud des Pays-Bas et la Flandre sont restés au sein du catholicisme, où l’art religieux a connu une nouvelle floraison au XVIIe siècle. dans le style baroque. La Hollande est devenue principalement un Etat protestant avec des guides réalistes dans la culture et l’utilisation limitée de la stylistique baroque.

Au début du 17ème siècle, la Hollande a connu un certain nombre d’années d’affirmation de soi et de vivacité. Parce que la lutte pour l’indépendance du puissant empire d’Espagne s’est terminée avec succès. Il y a eu un long travail sur la reconnaissance du jeune Etat, qui vient d’apparaître sur la carte politique de l’Europe occidentale. L’affirmation de soi et la gaieté étaient inhérentes à la fois au comportement des habitants et à l’art national, qui était activement privé des restrictions religieuses qui venaient de l’Italie catholique. La domination du protestantisme, qui ne reconnaissait pas la peinture religieuse du modèle catholique et dépassait le stade de l’iconoclasme, conduisit à une réduction significative des commandes de peintures religieuses. Et, au contraire, cela conduira à une diffusion explosive de thèmes profanes dans les genres. C’est dans l’art hollandais que le pouvoir et le développement extraordinaires acquièrent un portrait, un paysage, un genre quotidien, une nature morte, un genre intérieur que les célèbres centres d’art contemporain d’Italie ou de France ne connaissaient même pas.

Les artistes hollandais sont ravis de peindre les intérieurs de leurs propres et étrangers. Presque toutes les compositions du célèbre Jan Wermer sont présentées dans des intérieurs confortables et bourgeois. Les maîtres inhabituels des intérieurs avec des figures étaient Jan Stan, Peter de Hooh, Gerard Terborh. Déserts après des années d’iconoclasme, les intérieurs ascétiques des églises peints par Peter Sanremad, Antony de Lorme ,. Les sentiments les plus chaleureux sont des intérieurs sacrés dans les peintures d’Emmanuel de Witte, éclairées par le soleil et non encombrées de détails. Des maisons de paysans à demi tissés, des artistes, des barbiers, des notaires, des petits artisans, des forgerons ont été enregistrés par Peter Codde, Cornelis Beag, Michiel van Mücher, Adrian van Gasbeck et Cornelis Belt. La part des compositions était avec le coin obligatoire de l’intérieur – c’est « Scientifique dans son propre bureau ». Rembrandt, Solomon Konink, Bartolomée Maton, Constantin Nettsher, Dominique van Tol ont créé leurs propres variantes avec un caractère adulte ou gris, soit comme un théologien, ou comme un astrologue (avec des livres, un globe). Intérieurs dans les peintures de maîtres hollandais accompagnent une personne de la naissance à la mort ou à une « leçon d’anatomie » (visité par tous ceux qui aiment), un genre particulier de l’art hollandais du 17ème siècle.

L’art hollandais du 17ème siècle est devenu un phénomène particulier dans la situation artistique de l’Europe au 17ème siècle. Par des artistes fondés par les Pays-Bas, des artistes d’autres écoles artistiques européennes d’Europe iront.

Ce n’est qu’au dernier quart du XVIIIe siècle qu’un nouveau type de portrait d’intérieur avec une intention différente a fait son apparition. Ce type a vu le jour dans les cabinets d’architectes et a été fait pour le bénéfice de leurs clients. De grands architectes comme le James Adam et son frère Robert Adam d’Écosse et François-Joseph Bélanger exécuteront des aquarelles de leurs projets précédents pour attirer des clients potentiels. Cela a créé une mode parmi les riches et la noblesse de commander des peintures de leurs propres chambres, de montrer et de préserver pour la postérité. Ces peintures ont souvent été compilées dans des albums. Cet engouement était particulièrement répandu en Angleterre. De là, il s’est largement répandu dans toute l’Europe.

Une caractéristique du Biedermeier était le développement de la simplicité et de la modestie – non pas comme une attitude éthique, mais comme une question de style. Au lieu de débordements de formes et de l’application abondante de l’or, des objets simples, formellement réduits et des matériaux simples mais magistralement conçus ont été considérés comme preuve de qualité esthétique. Ce genre particulier de modestie modeste était coûteux. La noblesse et, de plus en plus, la bourgeoisie aisée pouvaient se le permettre – et les succès étaient enregistrés sur des tableaux.

Périodisation au 18ème siècle
Pendant quelque temps, l’art du 18ème siècle. en France, ont été divisés en deux périodes principales – le rococo et le classicisme (ou le néoclassicisme de la fin du 18ème siècle) ou les rois qui étaient improductifs. Cette approche simpliste, qui a prévalu dans l’art de la France, est plutôt schématique et ne repose pas sur des modèles historiques et leur empreinte dans la réalité. L’approche simpliste a ignoré les changements réels, en mettant l’accent sur d’autres événements, a poussé la chaleur de la lutte antiféodale et l’importance d’une telle période comme le classicisme révolutionnaire, un phénomène unique de l’art de l’Europe occidentale.

La vraie image de la lutte des idées et des changements de styles était beaucoup plus compliquée, méchant, multi-étape.

Les premières décennies du 18ème siècle. – c’est le classicisme académique, très particulier et plus proche du classicisme «baroque».
Les directions stylistiques ont été précédées par une période de pré-coco, dont les germes faibles ont traversé le travail de plusieurs maîtres différents, pas nécessairement français (Néerlandais Nicholas Berchem, Italien Rosalba Carrière de Venise)
Rococo (qui a régné entre le classicisme académique du 17ème siècle et le néoclassicisme de la fin du siècle).
L’illumination s’est développée en parallèle et de manière synchrone avec le rococo et a pratiquement préparé la révolution antiféodale de l’exercice biennal 1789-1793.
Le classicisme de la fin du XVIIIe siècle. en coexistence avec le sentimentalisme, le classicisme révolutionnaire à court terme et imposé à l’art de la France (Napoléon et ses partisans maréchaux) Empire.
Le classicisme (et l’empire) a duré jusqu’aux années 1830 et 1850 et a coexisté avec le romantisme.
Presque dans toutes les périodes, la peinture historique, déclarée un genre présidentiel, a perdu ses positions principales, cédant au genre de portrait. Pour presque tous les artistes connus du siècle, les partisans rococo de la France et de l’Italie, étaient portraitistes, et le portrait était au centre de la lutte des idées, pratiquement à la recherche artistique. .

Intérieur de la peinture rococo
Le début du 18ème siècle à Paris a été marqué par la naissance du style rococo. Pour la formation d’un nouveau style en peinture ont été impliqués les artistes français Antoine Watteau et italien de Venise Rosalba Career, activement soutenu par le riche et patron Pedro Croz. Germain Bofran est devenu le premier personnage important parmi les designers d’intérieur qui ont initié le Rococo dans la décoration de palais de nombreux hôtels (domaines urbains privés d’aristocrates français). Le hall ovale de l’hôtel Subiz est devenu un modèle d’un nouveau style – avec son rejet de la tectonique classique et des pilastres à colonnes, avec des fenêtres cintrées, une décoration végétale, qui collait sur les inserts et passait au plafond. Les bâtiments ordinaires sont remplacés par des panneaux de bois, des peintures et des miroirs sont tissés dans d’étranges ornements sinueux, légers et capricieux. Une caractéristique importante des intérieurs sont des meubles légers et confortables, qui ont supplanté les meubles baroques luxuriants et lourds.

L’art, en tant que tel, reste aristocratique et sert les besoins des états privilégiés de la société. L’art du rococo (avec sa frivolité, le culte du plaisir, le flirt) existe comme s’il voulait faire plaisir à l’aristocratie et le divertir facilement en loisir. Il serait resté l’une des pages de mode, sinon pour aborder la stylistique du rococo par un certain nombre d’artistes extrêmement doués, y compris Germain Boffran. Pour la première fois depuis l’époque gothique, les intérieurs ont refusé la commande, la remplaçant par un décor végétal ou ondulé. Les changements dans la mode, les réparations et le réaménagement de locaux dans d’autres styles n’ont pas contribué à la préservation des intérieurs du rococo. La notion de leur valeur artistique significative viendra plus tard. C’est alors, au 19ème siècle, qu’ils seraient enregistrés dans une série d’aquarelles (peintes par Hau Edward Petrovich, intérieurs du Grand Palais Gatchina), en images et photos du 20ème siècle. La valeur artistique considérable des raretés rococo dans les roches du Royaume-Uni fait que les historiens se déplacent vers le décor unique du Palais Norfolk Nouus au Victoria and Albert Museum (Norfolk Nawas Music Hall), où il deviendra une exposition importante du passé.

Apogée au 19ème siècle
Le premier exemple historiquement important du portrait intérieur représente une petite galerie d’art mise en place par l’impératrice Joséphine à Malmaison en 1812. Dans cette aquarelle d’Auguste-Siméon Garneray, on peut voir sa harpe, sa collection d’art et son châle, laissés sur un fauteuil . Ainsi apparaît un nouvel élément: les éléments psychologiques du décor et une présence humaine palpable. On peut sentir les émotions et les pensées du propriétaire. En ce sens, les peintures sont véritablement devenues des «portraits».

Le XIXe siècle connaîtra une vogue de ces représentations picturales, qui s’explique par de nombreux facteurs. Dans les classes sociales élevées, le phénomène coïncide avec l’importance croissante accordée à la maison en tant que lieu de confort, d’intimité, de famille. Les fonctions pièces deviennent de plus en plus spécialisées: par exemple, le concept de salle à manger est désormais standard6. D’autre part, le développement de nouvelles classes moyennes, soucieuses de copier le goût aristocratique, augmente le mouvement: à mesure que le siècle avance, le mobilier devient plus abordable, grâce aux technologies industrielles qui le fabriquent en série, dans une grande variété de choix. Enfin, les modes décoratifs se renouvellent rapidement, les styles antérieurs sont revisités: néo-gothique, néo-classique, néo-Louis XV, etc. Il est donc fréquent que les propriétaires commandent des vues de leur intérieur pour se souvenir, offrir, ou léguer .

L’immense popularité de ces peintures au XIXe siècle peut s’expliquer par de nombreux facteurs. Parmi les nouveaux-riches et la bourgeoisie, une grande importance a été accordée à la maison en tant que lieu de confort, d’intimité et de famille. Cette période a également vu une spécialisation (par exemple des salles à manger séparées) qui étaient autrefois connues seulement des très riches. Ces nouvelles «classes moyennes» étaient également désireuses de copier les goûts aristocratiques et l’industrialisation a rendu une plus grande variété de meubles facilement accessibles. Enfin, les styles décoratifs étaient constamment changés et ressuscités, les portraits intérieurs étaient donc une manière de préserver ses souvenirs et de les léguer à la génération suivante.

La reine Victoria aimait beaucoup ces portraits, car ils lui permettaient de donner au public un aperçu de sa vie de famille aimante et du confort de la maison avec goût. L’engouement s’est ainsi répandu dans les familles royales d’Europe. En raison du nombre de palais richement décorés qu’ils possédaient (Palais d’Hiver, Tsarskoïe Selo, Palais Gatchina, Palais Peterhof, Palais Pavlovsk …), les Tsars étaient parmi les commissaires les plus enthousiastes des portraits d’intérieur. Pratiquement toutes leurs chambres (sauf les plus privées) ont été rendues au moins une fois; quelques fois. Ces aquarelles sont considérées comme parmi les meilleures de leur genre.

Dans les sections historiques immédiatement suivantes, les images ont conservé leur valeur de mémoire privée pendant un certain temps, mais ont perdu leur signification à travers le changement des points de vue esthétiques et des habitudes individuelles. Le désir de documenter leurs propres quatre murs de cette manière spéciale n’était plus aussi répandu qu’avant. Toute personne qui souhaitait utiliser le médium « moderne » de la photographie. Cependant, à une plus grande distance de leur création, les peintures de salles Biedermeier sont redevenues des sources importantes d’informations spéciales sur l’histoire culturelle.

La résurgence au XXe siècle
Au XXe siècle et aujourd’hui, certains artistes perpétuent cette tradition. Les artistes perpétuent aujourd’hui l’art du portrait intérieur, travaillant sur commande, à l’aquarelle ou à l’huile. Les propriétaires commandent des vues de leurs maisons pour se souvenir d’eux, pour les offrir ou pour les léguer à leurs enfants, en témoignage du bonheur de vivre ou d’avoir vécu dans un endroit aimé. Les décorateurs utilisent également cet art pour les projets qu’ils veulent donner une atmosphère particulière.

Artistes spécialisés
À une époque où toutes les jeunes femmes cultivées apprenaient à peindre des aquarelles, beaucoup peignaient leurs propres chambres ou celles où elles recevaient leurs leçons. La plupart des exemples survivants sont anonymes et rarement de haute qualité, mais ils ont souvent un charme qui compense ce qui leur manque en expertise technique.

Cependant, certains membres de l’aristocratie avaient un réel talent, proche du professionnel. Le comte polonais Artur Potocki, par exemple, a beaucoup voyagé, peignant des aquarelles des chambres d’hôtel et d’autres lieux où il a séjourné, de Rome à Londres.

Néanmoins, pratiquement tous les travaux de haute qualité ont été réalisés par des professionnels avec une virtuosité exceptionnelle à l’aquarelle et une maîtrise de la perspective … perspective particulièrement conique, avec deux ou trois points de fuite, qui produit un effet photographique étrange pour les yeux modernes.

A quelques exceptions près, comme Jean-Baptiste Isabey et Eugène Lami de France, l’architecte John Nash et le fabricant de meubles Thomas Sheraton (tous deux anglo-saxons), rares sont les artistes qui traitent exclusivement de ces portraits. Parmi certains artistes remarquables qui les ont produits, non mentionnés précédemment:

En Angleterre: William Henry Hunt, Mary Ellen Best, William Henry Pyne.
En France: Charles Percier, Adrien Dauzats.
En Allemagne: Ferdinand Rothbart, Rudolf von Alt, Eduard Gaertner.
En Russie: Eduard Hau, Vasily Sadovnikov, Konstantin Ukhtomsky, Grigory Chernetsov, Nikanor Chernetsov (son frère), Alexander Brullov, Karl Brullov (son frère), Piotr Sokolov, Orest Kiprensky, Alexey Venetsianov.
En Pologne, Aleksander Gryglewski.