Le design d’intérieur est l’art et la science d’améliorer l’intérieur d’un bâtiment pour réaliser un environnement plus sain et plus esthétique pour les personnes utilisant l’espace. Un architecte d’intérieur est quelqu’un qui planifie, recherche, coordonne et gère de tels projets. Le design d’intérieur est une profession aux multiples facettes qui comprend le développement conceptuel, la planification de l’espace, les inspections de sites, la programmation, la recherche, la communication avec les parties prenantes d’un projet, la gestion de la construction et l’exécution de la conception.

Histoire et termes actuels
Dans le passé, les intérieurs ont été mis en place instinctivement dans le cadre du processus de construction. La profession de design d’intérieur a été une conséquence du développement de la société et de l’architecture complexe qui a résulté du développement des processus industriels. La poursuite de l’utilisation efficace de l’espace, le bien-être des utilisateurs et la conception fonctionnelle ont contribué au développement de la profession de design d’intérieur contemporain. La profession de design d’intérieur est distincte et distincte du rôle de décorateur d’intérieur, un terme couramment utilisé aux États-Unis. Le terme est moins courant au Royaume-Uni où la profession de design d’intérieur n’est pas encore réglementée et donc, à proprement parler, pas encore officiellement une profession.

Dans l’Inde ancienne, les architectes travaillaient comme designers d’intérieur. Cela peut être vu à partir des références de Vishwakarma l’architecte – l’un des dieux de la mythologie indienne. En outre, les sculptures représentant des textes et des événements anciens sont visibles dans des palais construits dans l’Inde du 17ème siècle.

Dans l’Egypte ancienne, des «maisons de l’âme» ou des modèles de maisons ont été placés dans des tombes en tant que réceptacles pour les offrandes de nourriture. À partir de ceux-ci, il est possible de discerner des détails sur la conception intérieure de différentes résidences à travers les différentes dynasties égyptiennes, telles que les changements dans la ventilation, les portiques, les colonnes, les loggias, les fenêtres et les portes.

Tout au long du 17ème et 18ème siècle et au début du 19ème siècle, la décoration intérieure était le souci de la ménagère, ou un tapissier employé ou un artisan qui conseillerait sur le style artistique pour un espace intérieur. Les architectes emploient également des artisans ou des artisans pour compléter le design d’intérieur de leurs bâtiments.

Design d’intérieur commercial et gestion
Au milieu du XIXe siècle, les services de design d’intérieur se sont considérablement développés, alors que la classe moyenne dans les pays industrialisés augmentait en taille et en prospérité et commençait à désirer le piégeage domestique de la richesse pour cimenter son nouveau statut. Les grandes entreprises de meubles ont commencé à se diversifier dans la conception et la gestion générale de l’intérieur, offrant un mobilier complet dans une variété de styles. Ce modèle d’affaires a prospéré du milieu du siècle à 1914, lorsque ce rôle a été de plus en plus usurpé par des designers indépendants, souvent amateurs. Cela a ouvert la voie à l’émergence du design d’intérieur professionnel au milieu du XXe siècle.

Dans les années 1950 et 1960, les tapissiers ont commencé à élargir leurs mandats d’affaires. Ils ont encadré leur entreprise plus largement et en termes artistiques et ont commencé à faire connaître leurs meubles au public. Pour répondre à la demande croissante de travaux intérieurs contractuels sur des projets tels que bureaux, hôtels et bâtiments publics, ces entreprises sont devenues beaucoup plus grandes et plus complexes, employant des constructeurs, des menuisiers, des plâtriers, des designers textiles, des artistes et des concepteurs de meubles. et des techniciens pour accomplir le travail. Les entreprises ont commencé à publier et à diffuser des catalogues avec des impressions pour différents styles somptueux pour attirer l’attention des classes moyennes en expansion.

À mesure que les grands magasins augmentaient en nombre et en taille, les espaces de vente au détail dans les magasins étaient meublés dans des styles différents comme exemples pour les clients. Un outil publicitaire particulièrement efficace consistait à installer des salles modèles dans des expositions nationales et internationales dans des salles d’exposition pour le public. Waring & Gillow, James Shoolbred, Mintons et Holland & Sons figurent parmi les entreprises pionnières à cet égard. Ces entreprises de fabrication de meubles traditionnelles de haute qualité ont commencé à jouer un rôle important en tant que conseillers pour convaincre les clients de la classe moyenne du goût et du style et ont commencé à signer des contrats pour la conception et la décoration de nombreux bâtiments importants en Grande-Bretagne.

Ce type d’entreprise a émergé en Amérique après la guerre civile. Les frères Herter, fondés par deux frères émigrés allemands, ont commencé comme un entrepôt de tapisserie et sont devenus l’une des premières entreprises de fabricants de meubles et de décorateurs d’intérieur. Avec leur propre bureau d’études et ateliers d’ébénisterie et d’ameublement, Herter Brothers était prêt à accomplir tous les aspects de l’ameublement, y compris les lambris décoratifs et les manteaux, la décoration des murs et des plafonds, les sols à motifs et les tapis.

L’architecte Owen Jones, l’un des théoriciens du design les plus influents du XIXe siècle, a joué un rôle central dans la vulgarisation des théories du design d’intérieur auprès de la classe moyenne. Le premier projet de Jones fut le plus important: en 1851, il fut responsable non seulement de la décoration du gigantesque Palais de Cristal de Joseph Paxton pour la Grande Exposition, mais aussi de la disposition des expositions à l’intérieur. Il a choisi une palette controversée de rouge, jaune et bleu pour la ferronnerie intérieure et, malgré la publicité négative initiale dans les journaux, a finalement été dévoilé par la reine Victoria à beaucoup acclamé par la critique. Sa publication la plus importante a été The Grammar of Ornament (1856), dans laquelle Jones a formulé 37 principes clés du design d’intérieur et de la décoration.

Jones était employé par certaines des plus grandes firmes de design d’intérieur de l’époque; Dans les années 1860, il travailla en collaboration avec la firme londonienne Jackson & Graham pour produire des meubles et autres accessoires pour des clients prestigieux, dont le collectionneur d’art Alfred Morrison et le Khédive d’Égypte, Ismail Pacha.

En 1882, le London Directory of the Post Office a répertorié 80 décorateurs d’intérieur. Crace, Waring & Gillow et Holland & Sons comptent parmi les sociétés les plus réputées de l’époque. Thomas Edward Collcutt, Edward William Godwin, Charles Barry, Gottfried Semper et George Edmund Street figurent parmi les décorateurs célèbres employés par ces entreprises.

Transition vers un design d’intérieur professionnel

Cet intérieur a été conçu par John Dibblee Crace, président de l’Institute of British Decorators, créé en 1899.
Au tournant du XXe siècle, les conseillers amateurs et les publications contestaient de plus en plus le monopole que les grandes entreprises de vente au détail avaient sur le design d’intérieur. L’auteur féministe anglaise Mary Haweis a écrit une série d’essais largement lus dans les années 1880 dans lesquels elle se moquait de l’empressement avec lequel les aspirants bourgeois venaient meubler leurs maisons selon les modèles rigides que leur offraient les détaillants. Elle a préconisé l’adoption individuelle d’un style particulier, adapté aux besoins individuels et aux préférences du client:

«Une de mes convictions les plus fortes, et l’un des premiers canons de bon goût, est que nos maisons, comme la coquille de poisson et le nid d’oiseau, doivent représenter notre goût et nos habitudes individuels.
Le mouvement vers la décoration en tant que profession artistique distincte sans rapport avec les fabricants et les détaillants, a reçu un élan avec la formation de 1899 de l’Institute of British Decorators; avec John Dibblee Crace comme président, il représentait près de 200 décorateurs à travers le pays. En 1915, l’annuaire londonien recensait 127 personnes qui se livraient au commerce de l’intérieur, dont 10 femmes. Rhoda et Agnes Garrett ont été les premières femmes à s’entraîner professionnellement en tant que décorateurs en 1874. L’importance de leur travail sur le design était considérée à l’époque comme égale à celle de William Morris. En 1876, leur travail – Suggestions pour la décoration de maison dans la peinture, la menuiserie et le mobilier – a propagé leurs idées sur le design d’intérieur artistique à un large public de classe moyenne.

En 1900, la situation a été décrite par The Illustrated Carpenter and Builder:

« Jusqu’à récemment, quand un homme voulait meubler, il rendait visite à tous les marchands et sélectionnait pièce par pièce …. Aujourd’hui, il envoie un revendeur dans l’ameublement d’art et d’accessoires qui surveille toutes les pièces de la maison et il apporte son artistique esprit à porter sur le sujet.  »
En Amérique, Candace Wheeler a été l’une des premières femmes designers d’intérieur et a contribué à encourager un nouveau style de design américain. Elle a joué un rôle déterminant dans le développement de cours d’art pour les femmes dans plusieurs grandes villes américaines et a été considérée comme une autorité nationale en matière d’homedesign. Une influence importante sur la nouvelle profession a été The Decoration of Houses, un manuel de design d’intérieur écrit par Edith Wharton avec l’architecte Ogden Codman en 1897 en Amérique. Dans le livre, les auteurs ont dénoncé la décoration intérieure et le design intérieur de style victorien, en particulier les pièces décorées de lourds rideaux de fenêtres, de bric-à-brac victorien et de meubles rembourrés. Ils ont fait valoir que de telles pièces mettaient l’accent sur la tapisserie d’ameublement au détriment d’une bonne planification de l’espace et de la conception architecturale et étaient, par conséquent, inconfortables et rarement utilisées. Le livre est considéré comme un travail séminal et son succès a conduit à l’émergence de décorateurs professionnels travaillant de la manière préconisée par ses auteurs, notamment Elsie de Wolfe.

Elsie De Wolfe a été l’un des premiers designers d’intérieur. Rejetant le style victorien avec lequel elle a grandi, elle a choisi un plan plus dynamique, avec des meubles plus confortables dans la maison. Ses dessins étaient légers, avec des couleurs fraîches et des meubles chinoiseries délicats, par opposition à la préférence victorienne de lourdes, rideaux rouges et de tapisserie d’ameublement, de bois sombre et de papiers peints intensément à motifs. Ses créations étaient aussi plus pratiques; elle a éliminé le fouillis qui occupait la maison victorienne, permettant aux gens de divertir plus d’invités confortablement. En 1905, de Wolfe a été commissionné pour l’aménagement intérieur du Colony Club sur Madison Avenue; ses intérieurs ont recueilli sa reconnaissance presque pendant la nuit. Elle a compilé ses idées dans son livre de 1913, The House in Good Taste.

En Angleterre, Syrie Maugham est devenue un architecte d’intérieur légendaire crédité de concevoir la première pièce entièrement blanche. Commençant sa carrière au début des années 1910, sa réputation internationale a rapidement grandi; Plus tard, elle a étendu ses affaires à New York et à Chicago. Née à l’époque victorienne, une époque caractérisée par des couleurs sombres et de petits espaces, elle a conçu des pièces remplies de lumière et meublées de multiples nuances d’écrans blancs et miroités. En plus des écrans miroir, ses pièces de marque inclus: livres couverts de vélin blanc, couverts avec des poignées en porcelaine blanche, des consoles avec des plâtres palmiers, des coquillages ou des dauphins, des lits traîneaux rembourrés et frangés, des tapis de fourrure, des chaises cuir blanc et lampes de boules de verre graduées et couronnes.

Expansion
La profession de design d’intérieur est devenue plus établie après la Seconde Guerre mondiale. À partir des années 1950, les dépenses pour la maison ont augmenté. Des cours de design d’intérieur ont été mis en place, nécessitant la publication de manuels et de sources de référence. Des comptes rendus historiques de designers d’intérieur et d’entreprises distinctes des spécialistes des arts décoratifs ont été rendus disponibles. Des organisations chargées de réglementer l’éducation, les qualifications, les normes et les pratiques, etc. ont été créées pour la profession.

Auparavant, le design d’intérieur jouait un rôle secondaire dans l’architecture. Il a également de nombreux liens avec d’autres disciplines, impliquant des architectes, des designers industriels, des ingénieurs, des constructeurs, des artisans, etc. Pour ces raisons, les normes et qualifications de gouvernement d’intérieur ont souvent été intégrées dans d’autres organisations professionnelles. Des organisations telles que la Chartered Society of Designers, établie au Royaume-Uni en 1986, et l’American Designers Institute, fondé en 1938, ont régi divers domaines du design.

Ce n’est que plus tard que la représentation spécifique pour la profession de design d’intérieur a été développée. La Société nationale des designers d’intérieur des États-Unis a été créée en 1957. Au Royaume-Uni, l’Association des décorateurs et designers d’intérieur a été créée en 1966. En Europe, d’autres organisations telles que l’Association finlandaise des architectes d’intérieur (1949) International Interior Design Association a été fondée.

Ellen Mazur Thomson, auteur d’Origins of Graphic Design en Amérique (1997), a déterminé que le statut professionnel est atteint par l’éducation, les normes auto-imposées et les organisations professionnelles de gardiennage. Après avoir réalisé cela, le design d’intérieur est devenu une profession acceptée.

Décorateurs d’intérieur et décorateurs d’intérieur

Design d’intérieur dans un restaurant
Le design d’intérieur est l’art et la science de la compréhension du comportement des gens pour créer des espaces fonctionnels dans un bâtiment. La décoration est l’ameublement ou l’ornement d’un espace avec des choses à la mode ou belles. En bref, les décorateurs d’intérieur peuvent décorer, mais les décorateurs ne conçoivent pas.

Décorateur d’intérieur
Le concepteur d’intérieur laisse entendre que l’accent est mis davantage sur la planification, la conception fonctionnelle et l’utilisation efficace de l’espace que sur la décoration intérieure. Un architecte d’intérieur dans la conception de ligne peut entreprendre des projets qui incluent l’arrangement de base des espaces dans un bâtiment aussi bien que des projets qui exigent une compréhension des questions techniques telles que le positionnement de fenêtre et de porte, l’acoustique, et l’éclairage. Bien qu’un architecte d’intérieur puisse créer la disposition d’un espace, il ne peut pas modifier les murs porteurs sans faire approuver leur conception pour approbation par un ingénieur en structure. Les designers d’intérieur travaillent souvent directement avec les architectes, les ingénieurs et les entrepreneurs.

Les concepteurs d’intérieur doivent être hautement qualifiés afin de créer des environnements intérieurs fonctionnels, sécuritaires et conformes aux codes du bâtiment, aux règlements et aux exigences de l’ADA. Ils vont au-delà de la sélection de palettes de couleurs et de mobilier et appliquent leurs connaissances à l’élaboration de documents de construction, charges d’occupation, règlements de santé et principes de conception durable, ainsi qu’à la gestion et la coordination de services professionnels incluant mécanique, électrique, plomberie et vie. sécurité – tout pour que les gens puissent vivre, apprendre ou travailler dans un environnement inoffensif et esthétique.

Quelqu’un peut souhaiter se spécialiser et développer des connaissances techniques spécifiques à un domaine ou un type de design d’intérieur, tels que design résidentiel, design commercial, design d’hospitalité, design de soins, design universel, design d’exposition, design de mobilier et branding spatial. Le design d’intérieur est une profession créative relativement nouvelle, en constante évolution et souvent déroutante pour le public. Il ne s’agit pas d’une recherche artistique et repose sur la recherche dans de nombreux domaines pour fournir une compréhension bien formée de la façon dont les gens sont influencés par leur environnement.

Couleur dans le design d’intérieur
Color est un outil de design puissant dans la décoration, ainsi que dans le design d’intérieur qui est l’art de composer, et de coordonner les couleurs ensemble pour créer un schéma élégant sur l’architecture intérieure de l’espace.

Il est essentiel pour les designers d’intérieur d’acquérir une expérience approfondie des couleurs, de comprendre leurs effets psychologiques et de comprendre la signification de chaque couleur dans différents lieux et situations afin de créer des combinaisons adaptées à chaque lieu.

La combinaison des couleurs pourrait aboutir à créer un état d’esprit tel que vu par l’observateur, et pourrait éventuellement avoir des effets positifs ou négatifs sur eux. Les couleurs rendent la pièce plus calme, joyeuse, confortable, stressante ou dramatique. La combinaison des couleurs fait paraître une pièce minuscule plus grande ou plus petite. Il est donc de la profession de designer d’intérieur de choisir des couleurs appropriées pour un lieu d’une manière que les gens veulent regarder et sentir dans l’espace.

Spécialités

Une bobine de fil électrique réutilisée comme une table de centre dans une foire de décoration de Rio de Janeiro.
Résidentiel
Le design résidentiel est la conception de l’intérieur des résidences privées. Comme cette conception de type est très spécifique pour des situations individuelles, les besoins et les désirs de l’individu sont primordiaux dans ce domaine du design d’intérieur. L’architecte d’intérieur peut travailler sur le projet dès la phase de planification initiale ou peut travailler sur le remodelage d’une structure existante. C’est souvent un processus très complexe qui prend des mois pour affiner et créer un espace avec la vision du client.

Commercial
La conception commerciale englobe un large éventail de sous-spécialités.

Commerce de détail: comprend les centres commerciaux et les centres commerciaux, les grands magasins, les magasins spécialisés, le merchandising visuel et les salles d’exposition.
L’image de marque visuelle et spatiale: L’utilisation de l’espace comme un moyen d’exprimer une marque d’entreprise.
Corporate: conception de bureau pour tout type d’entreprise, comme les banques.
Soins de santé: conception d’hôpitaux, d’établissements de soins assistés, de cabinets médicaux, de cabinets de dentistes, d’établissements psychiatriques, de laboratoires et d’installations médicales spécialisées.
Hospitalité et loisirs: comprend hôtels, motels, centres de villégiature, bateaux de croisière, cafés, bars, casinos, boîtes de nuit, théâtres, salles de concert et de musique, opéras, salles de sport, restaurants, gymnases, centres de santé et spas, etc.
Institutionnel: bureaux gouvernementaux, institutions financières (banques et coopératives de crédit), écoles et universités, établissements religieux, etc.
Installations industrielles: installations de fabrication et de formation ainsi que des installations d’importation et d’exportation.
Exposition: comprend les musées, la galerie, le hall d’exposition, spécialement le design pour la salle d’exposition et la galerie d’exposition.
Construction de la circulation: comprend la gare routière, la station de métro, les aéroports, la jetée, etc.
Sports: comprend des gymnases, des stades, des piscines, des salles de basket-ball, etc.
Enseigner dans un institut privé qui offre des cours de design d’intérieur
Travail indépendant
L’emploi dans les entreprises du secteur privé
Autre
Autres domaines de spécialisation: conception de parcs d’attractions et d’attractions, conception de musées et d’expositions, conception d’expositions, conception d’événements (cérémonies, mariages, fêtes de fin d’année, fêtes, conventions et concerts), décoration intérieure et artisanale, style culinaire , style de produit, conception de tablescape, conception de théâtre et de représentation, conception de scène et scénographie, conception scénique, et conception de production pour le film et la télévision. Au-delà, les designers d’intérieur, en particulier ceux qui ont une formation supérieure, peuvent se spécialiser dans la conception de soins de santé, la conception gérontologique, la conception d’installations éducatives et d’autres domaines nécessitant des connaissances spécialisées. Certains programmes universitaires offrent des études supérieures dans les thèses et d’autres domaines. Par exemple, l’Université Cornell et l’Université de Floride offrent des programmes d’études supérieures en design d’intérieur en études de l’environnement et du comportement.

Métier

Acompte de L. Gargantini pour la foire de Bolzano, 1957. Photo de Paolo Monti (Fondo Paolo Monti, BEIC).
Éducation
Article principal: Education au design d’intérieur
Il existe différents chemins que l’on peut prendre pour devenir un architecte d’intérieur professionnel. Tous ces chemins impliquent une certaine forme de formation. Travailler avec un concepteur professionnel à succès est une méthode de formation informelle et a déjà été la méthode d’éducation la plus courante. Dans de nombreux États, cependant, cette voie ne peut à elle seule conduire à l’octroi de licences en tant que designer d’intérieur professionnel. La formation par l’intermédiaire d’une institution comme un collège, une école d’art ou de design ou une université est une voie plus formelle vers la pratique professionnelle.

Au Royaume-Uni et aux États-Unis, plusieurs cours universitaires sont maintenant disponibles, y compris ceux sur l’architecture intérieure, qui durent trois ou quatre ans.

Un programme d’éducation formelle, en particulier un programme accrédité par ou développé avec une organisation professionnelle de designers d’intérieur, peut fournir une formation qui répond à un niveau d’excellence minimum et qui donne donc à un étudiant une éducation de haut niveau. Il y a aussi un diplômé universitaire et Ph.d. programmes disponibles pour ceux qui cherchent une formation supplémentaire dans une spécialisation de conception spécifique (c.-à-gérontologique ou conception de soins de santé) ou ceux qui souhaitent enseigner le design d’intérieur au niveau universitaire.

Les conditions de travail
Il existe un large éventail de conditions de travail et d’opportunités d’emploi dans le design d’intérieur. Les grandes et petites entreprises embauchent souvent des designers d’intérieur en tant qu’employés pendant les heures normales de travail. Les concepteurs pour les petites entreprises et les plateformes de rénovation en ligne travaillent généralement par contrat ou par contrat. Les designers indépendants, qui représentent 26% des designers d’intérieur, travaillent généralement le plus d’heures. Les designers d’intérieur travaillent souvent sous pression pour respecter les délais, respecter le budget et répondre aux besoins des clients.

Dans certains cas, des professionnels agréés examinent le travail et le signent avant de soumettre la conception à l’approbation des clients ou à l’autorisation de construction. La nécessité d’un examen et d’une signature autorisés varie selon la localité, la législation pertinente et la portée du travail. Leur travail peut impliquer des déplacements importants pour visiter différents endroits. Cependant, avec le développement de la technologie, le processus de contact avec les clients et de communication des alternatives de conception est devenu plus facile et nécessite moins de déplacements. Ils rénovent également un espace pour satisfaire le goût spécifique d’un client.

modes
Art Déco
Le style Art Déco a commencé en Europe au début du XXe siècle, avec le déclin de l’Art Nouveau. Le terme «Art déco» a été emprunté à l’Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, une foire mondiale tenue à Paris en 1925. L’Art Déco a rejeté de nombreuses influences classiques classiques en faveur de formes géométriques plus simples et de couleurs métalliques. Le style Art déco a influencé tous les domaines du design, en particulier le design d’intérieur, car c’était le premier style de décoration intérieure à mettre en lumière de nouvelles technologies et de nouveaux matériaux.

Le style Art déco est principalement basé sur des formes géométriques, des lignes épurées et des lignes épurées. Le style offrait un air vif et cool de la vie mécanisée complètement en désaccord avec tout ce qui venait avant.

L’Art Déco a rejeté les matériaux traditionnels de décoration et d’aménagement intérieur, préférant utiliser des matériaux plus inhabituels tels que le chrome, le verre, l’acier inoxydable, les tissus brillants, les miroirs, l’aluminium, la laque, le bois incrusté et la peau de zèbre. L’utilisation de matériaux métalliques plus durs a été choisie pour célébrer l’âge de la machine. Ces matériaux reflétaient l’âge moderne naissant qui a été inauguré après la fin de la Première Guerre mondiale. Les combinaisons innovantes de ces matériaux ont créé des contrastes qui étaient très populaires à l’époque – par exemple le mélange de bois poli et de laque noire avec du satin et des fourrures. Le salon de coiffure dans le magasin Austin Reed à Londres a été conçu par PJ Westwood. Il a rapidement été considéré comme le salon de coiffure le plus branché en Grande-Bretagne en raison de son utilisation de matériaux métalliques.

Les thèmes de couleurs de l’Art déco se composaient de couleurs métalliques, de couleurs neutres, de couleurs vives et de noir et blanc. Dans le design d’intérieur, les couleurs métalliques fraîches y compris l’argent, l’or, le bleu métallique, le gris anthracite et le platine ont eu tendance à prédominer. Serge Chermayeff, un designer britannique d’origine russe, a largement utilisé des couleurs métalliques et des surfaces luxueuses dans ses compositions. En 1930, son projet de salle d’exposition pour une entreprise britannique de confection avait un fond gris argenté et des panneaux muraux en verre miroité noir.

Le noir et blanc était également un schéma de couleur très populaire pendant les années 1920 et 1930. Les carreaux, sols et papiers peints en damier noir et blanc étaient très tendance à l’époque. Au fur et à mesure que le style se développait, les couleurs éclatantes devenaient populaires.

Les meubles et les appareils d’éclairage Art déco avaient un aspect brillant et luxueux avec l’utilisation du bois incrusté et des finitions réfléchissantes. Les meubles ont souvent des bords courbes, des formes géométriques et des lignes épurées. Les appareils d’éclairage Art déco avaient tendance à utiliser des motifs géométriques empilés.

Art moderne
« Le design moderne est né des arts décoratifs, principalement de l’Art Déco, au début du 20ème siècle. » L’un des premiers à introduire ce style était Frank Lloyd Wright, qui ne s’était pas énormément popularisé avant d’avoir achevé la maison Fallingwater dans les années 1930. «L’art moderne a atteint son apogée dans les années 1950 et 1960, ce qui explique pourquoi les designers et les décorateurs considèrent aujourd’hui le design moderne comme étant« du milieu du siècle ». L’art moderne ne se réfère pas à l’ère du design. comme le design contemporain, qui est un terme que les designers d’intérieur appliquent à un groupe changeant de styles et de tendances récents.  »

Matériaux arabes
« Majlis peinture », aussi appelé peinture nagash, est la décoration du majlis ou salon des maisons arabes traditionnelles dans la province d’Asir en Arabie saoudite et des parties adjacentes du Yémen Ces peintures murales, une forme d’arabesque de fresque ou murale, montrent diverses géométriques dessins en couleurs vives: « Called ‘nagash’ en arabe, les peintures murales étaient une marque de fierté pour une femme dans sa maison. »

Les motifs géométriques et les lignes épaisses semblent être adaptés à partir des motifs de textile et de tissage de la région. « Contrairement à la sobriété de l’architecture et de la décoration dans le reste de l’Arabie, la couleur exubérante et l’ornementation caractérisent celles d’Asir. La peinture s’étend dans la maison au-dessus des murs et des portes, dans les escaliers et sur le mobilier lui-même. Quand une maison est peinte, les femmes de la communauté s’entraident pour finir le travail. Le bâtiment affiche ensuite son goût et ses connaissances partagés. Les mères les transmettent à leurs filles. Cette oeuvre est basée sur une géométrie de lignes droites et suggère les motifs communs au tissage textile, avec des bandes pleines de différentes couleurs. Certains motifs réapparaissent, comme le mihrab triangulaire ou «niche» et la palmette. Dans le passé, la peinture était produite à partir de pigments minéraux et végétaux. Les clous de girofle et la luzerne ont donné du vert. Le bleu provenait de l’usine d’indigo. Le rouge provenait des grenades et d’une certaine boue. Les pinceaux ont été créés à partir des cheveux durs trouvés dans la queue d’une chèvre. Aujourd’hui, cependant, les femmes utilisent de la peinture moderne pour créer de nouveaux looks, qui sont devenus un indicateur de changement social et économique.  »

Les femmes de la province d’Asir complètent souvent la décoration et la peinture de l’intérieur de la maison. Um Abdullah dit: «S’ils n’avaient pas beaucoup d’argent, la femme ne pouvait que peindre le motholath», les lignes droites et simples de base, selon des schémas de trois à six répétitions. rouge, vert, jaune et brun. »Lorsque les femmes ne voulaient pas peindre elles-mêmes les murs, elles pouvaient échanger avec d’autres femmes qui feraient le travail. Plusieurs femmes saoudiennes sont devenues célèbres en tant que peintres majlis, tels que Fatima Abou Gahas.

Les murs intérieurs de la maison sont peints de couleurs vives par les femmes, qui travaillent selon des motifs définis avec des lignes, des triangles, des carrés, des diagonales et des motifs arborescents. « Certains des grands triangles représentent des montagnes. Les lignes en zigzag représentent l’eau et la foudre. Les petits triangles, en particulier lorsque la zone la plus large est au sommet, se trouvent dans les représentations pré-islamiques des figures féminines. Que les petits triangles trouvés dans les peintures murales d’Asir s’appellent banat peuvent être un vestige culturel d’un passé oublié depuis longtemps.

«Les cours et les portiques à piliers supérieurs sont les principales caractéristiques de la meilleure architecture Nadjdi, en plus du beau bois de plâtre incisé (jiss) et des volets peints qui décorent les salles de réception. On peut souvent voir de bons exemples de plâtres dans les ruines les bâtiments démolis – l’effet est léger, délicat et aéré.Il est généralement autour du majlis, autour du foyer de café et le long des murs au-dessus où les invités se sont assis sur des tapis, contre des coussins.Doughty se demandait si ce « parquetting de jis », ce «Le réseau de gypse … tout orné et non décortiqué» est originaire de l’Inde, mais le réseau Najd semble très différent de celui de la Province de l’Est et d’Oman, qui sont liés aux traditions indiennes et ressemble plutôt aux motifs et aux motifs des anciens. Mésopotamie: la rosette, l’étoile, le triangle et le sommet des dadoes sont tous des modèles antiques, et peuvent être trouvés partout dans le Moyen-Orient de l’antiquité.La province d’Al-Qassim semble être la maison de cet art, et là il est normalement travaillé dans le plâtre blanc dur (bien que ce que vous voyez est habituellement brouillé par la fumée du foyer de café). A Riyad, des exemples peuvent être vus dans l’argile non décorée.

La popularisation des médias
Le design d’intérieur est devenu l’objet d’émissions de télévision. Au Royaume-Uni (UK), les programmes populaires de design d’intérieur et de décoration comprennent 60 minutes de relooking (ITV), vestiaires (BBC) et maisons de vente (canal 4). Linda Barker et Laurence Llewelyn-Bowen sont des designers d’intérieur célèbres dont le travail est présenté dans ces programmes. Aux États-Unis, le réseau TLC a diffusé un programme populaire intitulé Trading Spaces, un spectacle basé sur le programme britannique Changing Rooms. En outre, HGTV et le DIY Network diffusent également de nombreux programmes sur le design d’intérieur et la décoration, mettant en vedette les travaux d’une variété de designers d’intérieur, de décorateurs et d’experts en amélioration de l’habitat dans une myriade de projets.

Décorateurs d’intérieur fictifs comprennent les soeurs Sugarbaker sur la conception des femmes et Grace Adler sur Will & Grace. Il y a aussi un autre spectacle appelé Home MADE. Il y a deux équipes et deux maisons et celui qui a conçu et fait la pire place, selon les juges, est éliminé. Une autre exposition sur le réseau de style, hébergé par Niecy Nash, est Clean House, où ils refont des maisons désordonnées dans des chambres à thème que les clients aimeraient. D’autres spectacles incluent la conception sur un dixième de dollar, conçu pour vendre, et les aventures de décoration d’Ambrose Price. Le spectacle appelé Design Star est devenu plus populaire à travers les 5 saisons qui ont déjà été diffusées. Les gagnants de ce spectacle finissent par avoir leurs propres émissions de télévision, dont Color Splash, animé par David Bromstad, Myles of Style, animé par Kim Myles, Paint-Over! animée par Jennifer Bertrand, The Antonio Treatment animée par Antonio Ballatore, et enfin Secrets d’un styliste animée par Emily Henderson. Bravo a également une variété de spectacles qui explorent la vie des designers d’intérieur. Ceux-ci comprennent Flipping Out, qui explore la vie de Jeff Lewis et son équipe de designers; Million Dollar Decorators explore la vie des designers d’intérieur Nathan Turner, Jeffrey Alan Marks, Mary McDonald, Kathryn Ireland et Martyn Lawrence Bullard.

Le design d’intérieur est également devenu l’objet d’émissions de radio. Aux États-Unis, Martha Stewart Living et Living Large mettent en vedette Karen Mills. Les designers d’intérieur célèbres dont le travail est présenté sur ces programmes comprennent Bunny Williams, Barbara Barry et Kathy Ireland, entre autres.

De nombreux magazines de design d’intérieur existent pour offrir des conseils sur la palette de couleurs, le mobilier, l’art et d’autres éléments qui relèvent de la conception d’intérieur. Ces magazines se concentrent souvent sur des sujets connexes pour attirer un public plus spécifique. Par exemple, l’architecture est un aspect fondamental de Dwell, tandis que Veranda est bien connu comme un magazine de vie de luxe. Le magazine Lonny et le magazine Domino, récemment relancé, s’adressent à un public jeune, branché et métropolitain, et mettent l’accent sur l’accessibilité et l’approche «bricolage» du design d’intérieur.