Hudson River School

L’Hudson River School était un mouvement artistique nord-américain actif entre 1825 et 1880, formé par un groupe de paysagistes new-yorkais, dont la vision esthétique représentait une synthèse entre les principes du romantisme et du réalisme. Le groupe n’était pas formalisé mais uni dans un esprit de fraternité; certains d’entre eux ont voyagé à l’intérieur des terres, appartenaient aux mêmes clubs, et travaillaient dans le même bâtiment dans la région maintenant connue sous le nom de Greenwich Village. Le point de départ de ses travaux était la région de la rivière Hudson et les montagnes environnantes, d’où le nom de l’école, mais au milieu du siècle, ses membres ont élargi leurs horizons pour représenter l’ouest des États-Unis et certains, même éloignés. régions telles que l’Arctique, l’Europe, l’Orient et l’Amérique du Sud.

Les premières références au nom de l’école apparaissent seulement dans les années 1870, bien qu’on ne sache pas exactement qui l’a inventé, et à ce moment, quand le prestige du groupe a commencé à décliner, avait un sens péjoratif. Ses peintres reflètent fondamentalement trois impulsions importantes des États-Unis du XIXe siècle: la découverte, l’exploration et la conquête, dans une perspective pastorale et bucolique, où les humains et la nature coexistent pacifiquement, avec un traitement détaillé et parfois idéalisé. Ses artistes croyaient généralement que la nature était la manifestation ineffable de Dieu, bien que les peintres aient varié au plus profond de leurs convictions religieuses. Inspirés par les philosophies de la Sûreté et du transcendantalisme, œuvres d’artistes européens comme Salvator Rosa, John Constable, William Turner et surtout Claude Lorrain, ils ont partagé la vénération de la beauté naturelle de l’Amérique avec des écrivains américains contemporains comme Henry David Thoreau et Ralph Waldo Emerson.

L’Hudson River School représentait un point fort dans le long processus de reconnaissance du territoire américain et de construction de son image, qui avait commencé à l’époque coloniale avec le travail d’explorateurs, de naturalistes et d’artistes, autochtones et étrangers. Il est également considéré comme l’expression romantique la plus importante de la peinture américaine, la première école de peinture authentiquement nationale et le mouvement le plus remarquable de tous les arts du XIXe siècle aux États-Unis.

Aperçu
Au tournant du dix-huitième siècle au dix-neuvième siècle était l’intérêt central des peintres romantiques européens représentant le transcendant dans la nature, accompagnant l’évolution de la pensée philosophique de l’époque. Rousseau parlait d’un retour à un monde primitif épargné par le progrès, Burke, Kant et Diderot élaboraient la théorie du Sublime, des poètes comme Blake, Byron et Shelley rejetaient le rationalisme et l’ordre de civilisation disant que la nature, plus le pouvoir guérisseur de l’imagination, pourrait conduire les gens à une transcendance de leur vie quotidienne, et que la créativité pourrait être utilisée pour transformer le monde et régénérer leur spiritualité. Dans le contexte américain, Audubon, Wordsworth et Thoreau tout en décantavam la majesté divine de la scène nationale, étaient conscients des transformations sociales et économiques de la période et redoutés par la dégradation de l’environnement naturel due à l’accélération de la colonisation du processus occidental. Thoreau a été inspiré par les idées de Goethe et d’autres poètes européens, et par la philosophie de Kant filtrée par l’Anglais Coleridge, réagissant contre les principes rationalistes et antireligieux de l’élite commerciale de la côte Est, l’incitation principale à l’expansion intérieure et contre l’ascétisme puritain , qui considérait le monde comme essentiellement mauvais. Il a placé la nature comme l’image des vérités spirituelles et idéales, et comme la principale source d’inspiration, et donc digne de préservation. Déjà Emerson ne voyait aucune incompatibilité entre la communion mystique avec la nature et son exploitation par l’homme, comprenant que c’était la base du confort humain. Votre compliment de progrès a contribué à la société de l’époque à surmonter les préoccupations concernant la destruction du paysage tout au long de ce processus de développement, bien qu’il ait considérablement stimulé l’intérêt pour sa représentation dans l’art. Cet ensemble d’idées connu sous le nom de transcendantalisme a influencé de nombreux écrivains, poètes, politiciens et artistes dans la première moitié du XIXe siècle, ce qui a conduit à considérer que «l’Amérique était une nation de la nature». environnement civilisé de l’Europe, était dans son état sauvage, une source de fierté nationaliste, et le travail de la colonisation était souvent comparé aux réalisations des héros classiques.

Dans le domaine iconographique, selon Tim Barringer, depuis l’indépendance l’histoire des Etats-Unis a suivi un projet conscient de construction de l’image et de l’identité nationale. Le succès du retrait de l’Angleterre, l’heureuse institution du système démocratique et la force du développement économique à la suite de ces événements ont alimenté la culture d’une doctrine d’exception pour la caractérisation de la nation, une doctrine qui prétendait affirmer l’unité nationale, en ce qui concerne la question de l’esclavage. Dans ce contexte, le récit officiel de l’histoire des États-Unis a atteint le statut d’épopée consommée dans la notion de destin manifeste, et une partie fondamentale de ce récit était sa matérialisation à travers des symboles visibles, où la compétition des artistes était demandée. Comme Henry Tuckerman l’a dit en 1867,

Notre atmosphère de Liberté, d’activité matérielle, de jovialité et de prospérité devrait animer l’artiste viril. Ici, il a un terrain privilégié, comme le Vieux Monde, et à partir de là il doit travailler avec confiance … Les conventions académiques, le patronage la déférence suscitée par les grands exemples, ne fait rien pour subjuguer les aspirations de l’artiste, ou lui faire perdre la foi en lui-même, ou ternir son idéal d’excellence … Laisser l’artiste américain voler au-dessus des problèmes nationaux … qui utilisent généreusement toutes les ressources qui l’entourent, et qu’il soit fidèle à lui-même – et qu’il puisse faire des miracles.  »
Ainsi, en l’absence d’un Parthénon, d’une cathédrale Notre-Dame ou d’une basilique Saint-Pierre, manquant de dynasties royales et de traditions ancestrales anciennes qui définissent d’autres nations, et possédant seulement une galerie de héros trop récents pour s’élever au niveau de mythe, aux États-Unis, l’aspect le plus emblématique et le plus reconnaissable de la patrie était son propre paysage, qui était exalté vigoureusement. Ainsi, la peinture de paysage, qui jusque-là, malgré les efforts des artistes coloniaux, n’avait eu qu’un impact limité sur le grand public et ne pouvait se comparer aux résultats européens ni en termes de qualité technique, ni en fait de symbole de tradition puissante, acquérir une primauté non retrouvée dans l’art européen, où la peinture historique était le genre le plus prestigieux, dépassant la nature largement vierge du pays pour être considéré comme un miroir encore plus fidèle du monde immaculé de Rousseau que la scène européenne, et sa représentation comme un autoportrait de la société et un pouvoir civilisateur positif.

Parallèlement au contexte patriotique, le lien entre l’aménagement paysager et la philosophie transcendantale fut renforcé, Thoreau rêvant de vouloir remplacer la religion américaine par le culte direct du Dieu immanent dans la nature, et comme Emerson pensait en disant que «le peintre devrait savoir Le paysage a de la beauté pour les yeux parce qu’il exprime une pensée de gentillesse. »En plus de son souci évident des critiques transcendantes comme Anne Hollander de dire que la production de l’Hudson River School peut être considérée comme le véritable art sacré américain, et Barbara Novak Ce fanatique de la nature et du paysage a introduit une nouvelle note dans l’histoire de la peinture américaine, mais n’a pas annulé son vieux penchant pour la réalité. description des problèmes parce que le public a cru que le peintre ne devait pas être un imitateur servile de la nature, mais aussi ne devrait pas donner trop d’ailes à son fantasme personnel, cherchant à préserver la clarté et la palpabilité des faits représentés, et que « l’œuvre de Dieu ne soit pas obscurcie ». De ce dialogue entre des besoins et des principes opposés et complémentaires est née la synthèse romantique-réaliste originale de l’Hudson River School.

Le mécénat, la littérature et le circuit artistique
L’immense succès que les artistes de l’Hudson River School n’auraient pas pu avoir sans l’existence d’un système artistique mature. L’ouverture du canal Érié en 1825 apporta une grande prospérité à New York, où ils avaient leur base d’opérations, et il devint une nécessité à la mode pour les grands investisseurs et les commerçants d’afficher leur richesse en rivalisant de générosité. Non seulement ils gardaient de grandes collections privées, mais ils faisaient aussi des commandes spéciales pour les peintres et subventionnaient leur amélioration en Europe. Ce n’est que de cette manière que les principaux représentants de l’École peuvent étudier avec des maîtres de renommée internationale et acquérir une ingéniosité technique sans laquelle leurs idées ne peuvent se concrétiser.

Une partie de son succès provient également de la préparation antérieure du goût général pour l’appréciation des paysages de la rivière Hudson en peinture par la circulation de masse d’une littérature populaire qui se concentrait précisément sur ce scénario. Produit par un groupe d’écrivains connus sous le nom d’écrivains Knickerbocker, d’après un personnage du roman fictif de Washington Irving sur l’histoire de New York, écrit en 1809, ils ont fait le panorama du fleuve Hudson, avec son folklore, son histoire et ses caractéristiques. presque deux décennies avant le premier voyage artistique de Thomas Cole dans la région, un sujet littéraire d’un intérêt extraordinaire, il suffit de dire que les écrivains Knickerbocker ont acquis une renommée aussi grande en littérature que les paysagistes de l’Hudson River School en peinture.

En même temps que le marché se développait, tout le système artistique en bénéficiait et ses produits pouvaient atteindre un public considérable, éduqué à travers un large accès à des expositions importantes. Les archives historiques montrent que dans les années 1840, la consommation d’art par la population était déjà impressionnante, atteignant 250.000 visiteurs par an dans les salles du New York Art Union, y compris les enfants et les ouvriers d’usine, à une époque où population de la ville n’a pas atteint les 500 000 habitants. Ajouté tous les facteurs cycliques préparatoires et les facilitateurs décrits jusqu’ici, n’admire pas tellement la fascination énorme que la production de l’Hudson River School a eu sur la population, l’enthousiasme avec lequel elle a été reçue par les critiques et l’importance qu’elle avait en encourageant la colonisation et la consolidation du nationalisme américain.

Précurseurs
Salvator Rosa, William Turner et John Constable font partie des artistes européens qui sont devenus des références à l’école de l’Hudson River, mais Claude Lorrain a été particulièrement important en établissant un modèle formel efficace et expressif pour l’aménagement paysager. Un précurseur local de l’école était William Guy Wall, un Irlandais bien éduqué quand il commença sa vogue pour Hudson et la campagne environnante, et l’autre était Washington Allston, qui avait mené des enquêtes formelles où la tache, la couleur et « l’atmosphère » Il a joué un rôle prépondérant, tout comme les romantiques français en même temps, et son style était un pas vers le travail de celui qui est généralement considéré comme le fondateur de l’école de l’Hudson River, Thomas Cole.

Thomas Doughty a été le premier artiste américain à décider de poursuivre une carrière exclusivement consacrée à l’aménagement paysager. Plus important encore, le premier à choisir le scénario local comme thème préféré, alors que jusque-là la copie des modèles européens conventionnels était la règle. Jusqu’à ce que l’apparition de Thomas Cole a été considérée comme la première parmi les paysagistes locaux, puis son travail a été éclipsé par le sien et considéré comme imparfait. Néanmoins, sa production a eu un impact significatif sur Cole. Quand il a vu ses toiles pour la première fois, elles lui sont apparues comme une révélation, traitant du thème qu’il cherchait à définir pour lui-même, un thème qui «pour chaque Américain devrait être du plus profond intérêt … sa propre terre, sa beauté, son la magnificence, sa sublimité – toute la sienne. Et combien serait indigne de son droit d’aînesse s’il détournait les yeux d’elle et fermait son cœur! « .

La consolidation de la rhétorique visuelle

Thomas Cole
Cole, un peintre anglais pratiquement autodidacte qui était arrivé en Amérique en 1818, monta à bord d’un bateau à vapeur et gravit l’Hudson à l’automne 1825, s’arrêtant à l’extrémité ouest des montagnes Catskill à l’ouest de New York. État, où il a osé peindre les premiers paysages de la région. Les premières nouvelles de leur travail parurent dans l’édition du 22 novembre 1825 du New York Evening Post, qui rapportait l’admiration qu’ils suscitaient chez un artiste bien établi, John Trumbull, qui se déclarait «ravi et en même temps mortifié. Ce jeune homme a pu faire sans éducation ce que je ne peux pas offrir après 50 ans de pratique.  »

Asher Durand
Asher Durand appartenait à la même génération que Cole, et était son ami proche et l’un de ses premiers découvreurs. Alors que Cole vivait, Durand était considéré comme le deuxième en terme de prestige dans l’aménagement paysager, mais après sa mort devint le leader de la nouvelle génération. Il a commencé sa carrière en tant qu’amateur et, dans une certaine mesure, sa position par rapport à l’art était une antithèse à celle de Cole. Alors qu’il fallait l’amener de force au réalisme, il lui fallait abandonner son pragmatisme et son objectivité pour assimiler un peu de poésie et d’atmosphère. Il tenta d’imiter le style de Cole, répondant à la demande d’une dose de sentiment idéal en peinture, et quand il présenta son écran Soul Matesin 1849, dédié à la mémoire de Cole, sa réputation de meilleur paysagiste de l’époque était ferme, mais dès lors il trouve son chemin en développant une pratique de la peinture extérieure encore plus complète que celle de son ami, encore attaché à certaines conventions, et ses études de la nature à partir de 1850 représentent une avant-garde de l’observation réaliste parallèle à Courbet en France. La poésie de son travail est produite, paradoxalement, à partir de cette observation rigoureuse et réaliste, en réponse directe aux effets subtils de la lumière et de l’atmosphère de la scène. Cole devait encore «corriger» le paysage naturel pour convenir à sa conception idéaliste, mais Durand, quand il a trouvé un scénario suggestif, ne voyait pas la nécessité de modifier la nature, permettant à la peinture d’être structurée à partir de la forme naturelle pure, préfigurant L’approche de Cézanne

Luminismo
Enfin, un autre élément qui forme le langage de l’Hudson River School, que John Baur appelle le luminisme dans son étude de la peinture américaine du XIXe siècle (American Luminism, 1954), terme dérivé de l’utilisation hautement expressive de ces peintres. effets. Analysant les paysages plus tranquilles, qui traduisaient une version atténuée, moins dramatique et plus intime de Sublime, il pense qu’en eux la lumière et la transparence de l’atmosphère servent non seulement à montrer leurs thèmes, mais aussi à les révéler au spectateur, une opinion qui est partagé par des chercheurs plus récents comme Hollander et Novak. Pour eux, ce résultat est obtenu par l’annulation de l’intermédiation interprétative de l’artiste par l’utilisation d’une technique impeccable et satinée qui élimine les traces des coups de pinceau et avec elle le geste personnaliste et la distraction de la matérialité pure. vision directe « du spectacle naturel, dans une sorte d ‘ » expressionnisme impersonnel « dont l’effet est une suce et conduit à une contemplation plus élevée, et qui répond parfaitement aux désirs du transcendantalisme.

Deuxième génération
La deuxième génération de l’Hudson River School a émergé après la mort prématurée de Cole en 1848, et a trouvé le chemin ouvert, avec un langage visuel établi et la faveur des critiques et des publics garantis pour le genre du paysage. Le progrès économique reliait les côtes est et ouest, facilitant la pénétration des régions plus éloignées, l’idéologie politique invoquait le patriotisme et célébrait la gloire de la nation, la base éthique de Cole et Durand restait solide et la scène était prête pour l’entrée d’une génération de vrais. explorateurs-artistes, en élargissant considérablement les limites régionales de l’école originale. Et solide était aussi la croyance dans l’unité entre Dieu et la nature, ne pas être ébranlé même avec la publication du livre Origin of the Species of Darwin en 1859, dont la théorie évolutionniste était interprétée comme une confirmation supplémentaire des desseins de Dieu pour le monde. En fait, toutes les nouvelles découvertes de la science étaient soumises à ce genre d’appropriation par l’idéalisme mystique qui nourrissait la peinture de l’époque et reflétait en même temps un intérêt encore plus accentué, presque scientifique, dans les détails de l’environnement naturel. Le public ne se contentait plus de simples délimitations suggestives et exigeait des descriptions des particularités du ciel, des arbres, des rochers, des rivières et de la végétation, qui n’étaient pas seulement une forme de plaisir esthétique mais aussi une acquisition positive de connaissances fiables. La deuxième génération d’artistes de l’Hudson River School réaliserait un mélange unique et extrêmement réussi des deux côtés opposés représentés par le réaliste Durand et l’idéaliste Cole, de ce goût pour la précision à l’effet grandiose et sublime,

Leur appréciation de la science a eu pour effet de pousser les peintres plus loin dans l’intérieur du pays, cherchant de nouveaux paysages, propulsant certains, comme Frederic Edwin Church, en Amérique du Sud et dans l’Arctique, dans le même esprit aventureux et curieux des vrais naturalistes.

En fait Church a été grandement influencée par des naturalistes comme Darwin et Humboldt. Il avait des copies de ses travaux scientifiques et les emmenait avec lui dans ses voyages d’exploration et d’art.

Albert Bierstadt était le concurrent le plus important de l’Église, et il élargissait ses horizons au-delà de l’Hudson jusqu’au Canada, en Alaska, aux Bahamas et aux Rocheuses, en particulier dans la vallée de la rivière Yosemite, alors que cette région était pratiquement inconnue. Allemand de naissance, diplômé à Düsseldorf, où travaillait un important groupe de romantiques, son travail fut reconnu par le critique européen comme une dérivation de cette école, malgré son thème nord-américain. Son succès fut énorme, amassant une fortune considérable et attirant l’envie d’autres peintres, qui critiquaient l’énormité de ses toiles qui éclipsaient tout autre travail exposé côte à côte. Mais il était aussi le fondateur d’une sous-école, parfois connue sous le nom de l’école des Montagnes Rocheuses, et Nancy Anderson le considère comme «l’inventeur» du paysage de l’Ouest nord-américain. En son temps, son style soulevait des objections qui suggéraient trop d’imagination, mais même James Jarves, son critique moderne le plus convaincant, reconnaît que personne ne l’égalait en représentant la clarté et la transparence de la lumière américaine et la fermeté de son dessin.

Bierstadt aujourd’hui est pris avec un exemple typique des idéaux qui ont bougé les progrès américains en son temps: d’une part était un immigrant pauvre qui avait réussi à faire la renommée et la fortune dans un pays nouveau et stimulant, reflétant l’idée très chère à la les nord-américains du self-made man, et de l’autre les grands formats et le traitement épique à haute altitude de scènes magnifiques furent bientôt reconnus comme l’expression visuelle de la notion de Manifest Destiny.

Mais malgré son souci de fidélité à la nature, répétant l’exemple de Cole, ni l’Église ni Bierstadt, les deux noms les plus populaires de la seconde génération, hésitèrent à modifier le décor pour mieux composer la toile. Récolter des matériaux dans des croquis du naturel, et souvent utiliser des photographies comme aide-mémoire, dans l’atelier, a adapté des éléments de la réalité dans le but de fournir une vision des vérités générales et de l’esprit du panorama plutôt que de donner une image exacte. dans le trou. Bien que les détails de la composition soient substantiellement corrects, la scène dans son ensemble était généralement fausse. Comme le soulignait James Jarves, ils « idéalisaient dans la composition et se concrétisaient dans l’exécution ».

Autres membres
Les autres membres de la deuxième génération de l’école n’ont pas gagné la grande popularité de Church et Bierstadt, mais ils n’ont pas manqué de faire des contributions significatives et appréciées en leur temps. Et tous n’ont pas suivi les principes de l’esthétique Sublime rattrapés par l’enthousiasme de ces deux, travaillant leurs sujets dans des atmosphères plus paisibles et contemplatives. Les études de l’Ecole de la même manière ne sont pas cohérentes entre elles dans la liste des peintres qui composent le groupe, certaines étant incluses par un critique mais pas par un autre. Ainsi, avant de donner une liste complète, qui pourrait faire l’objet de questions, nous mentionnerons brièvement ceux qui sont plus ou moins consensuellement considérés comme des membres importants.

Sanford Robinson Gifford était un grand nom à l’école, et un autre grand voyageur, en visite en Egypte et au Moyen-Orient. Bien qu’il ait déclaré qu’artistiquement, le voyage avait été un échec, il a néanmoins affiné sa sensibilité aux valeurs de la lumière et de la couleur. Né dans une famille riche, il a reçu une éducation académique classique dans un environnement coloré grâce à la philosophie transcendantale. Encouragé par ses parents, il se consacre à la peinture préparée pour le portrait et la peinture historique, mais une excursion dans les montagnes Catskill et l’admiration pour le travail de Cole lui font changer d’objectif, en commençant par l’aménagement paysager et en favorisant une inspiration mystique. Même sa structuration de la scène obéissait à sa propre symbologie – les horizons lointains représentaient la vie future, le deuxième niveau les intérêts intellectuels, et le premier plan l’état actuel. Lors d’un second voyage en Angleterre, il rencontre Ruskin, un débat sur l’art et la philosophie, et se rend en France, il entre en contact avec Millet, qui suscite son enthousiasme pour l’école paysagère française, sans pour autant nuire à ses convictions esthétiques et philosophiques. que la nature est la révélation divine et que les impressions purement optiques, les sentiments passifs et les improvisations techniques n’ont pas de place dans leur représentation.

Thomas Moran était un Anglais de naissance. Dans son travail, il préférait les grandes dimensions et une approche plus libre du sujet, qui donnerait plutôt une impression générale; pour lui, le réalisme enchaînait l’imagination, mais ne manquait pas de donner un traitement approprié aux détails, en effet parfois demandé l’avis des géologues et des botanistes pour mieux représenter le paysage. Il a travaillé dans les montagnes Rocheuses, et son tableau Le Grand Canyon du Yellowstone a été utilisé, avec d’autres photographies, comme preuve dans le processus légal de délimitation de la région comme le premier parc national des États-Unis.

Jasper Francis Cropsey était un admirateur de Turner et surtout de Lorrain. Il lui prêta le modèle de composition auquel il resta fidèle tout au long de sa vie, ce qui donnait un sens de l’ordre à la nature désorganisée. Mais il employa cette formule, qui se prêtait à son tempérament, avec sagesse et liberté, lui attribuant un nouveau sens historique et conceptuel. Sa technique intègre la spontanéité de l’aquarelle, qu’il apprécie, en ajustant le traitement à chaque type d’objet représenté. Il était un amoureux de son pays et dans ses paysages l’a dépeint avec un sentiment de nostalgie et de révérence pour ses beautés.

John Frederick Kensett n’était pas un grand voyageur, il était limité à la côte est, mais il traitait parfois la nature sauvage avec une veine piquante, dans une lumière dure qui faisait un contraste presque surréaliste, onirique et nostalgique avec les surfaces du sol et renforçant le sentiment d’immensité et de solitude des époques, mais dans d’autres, il présentait la scène d’une manière lyrique et calme, montrant sa grande sensibilité à la couleur et à l’atmosphère. Il connaissait le succès dans la vie et était un partisan dévoué de ses collègues.

Samuel Colman était un étudiant de Durand et un paysagiste prolifique, avec plus d’un millier d’œuvres identifiées, virtuose à l’aquarelle, très admiré par le public et ardemment recherché par les collectionneurs, accumulant une petite fortune. Personnalité agrégée, il était membre de plusieurs associations d’artistes. Voyageur assidu, il a peint sur ses toiles une grande diversité de thèmes, avec un toucher coloré et exquis sensible aux effets atmosphériques. Dans ses voyages à l’Est, il a produit des scènes dans lesquelles il a capturé l’exotisme local. En se concentrant sur la scène américaine, il a laissé un travail important, une technique impeccable, où il n’y a aucune trace d’improvisation.

Thomas Hill, né en Angleterre, a commencé comme peintre à décorer des voitures. Plus tard, il a rejoint le groupe principal de l’Hudson River School, voyageant avec eux lors de leurs excursions. Il a fait des voyages à Yosemite, où il a construit un studio et a produit plus de cinq mille œuvres sur la région. Son succès a été tardif, mais considérable et rentable, la vente d’emplois à des prix élevés. Perdant du prestige avec le déclin de l’école, aujourd’hui sa production est revenue à être très estimée.

James McDougal Hart est né en Écosse et a étudié avec les romantiques de Düsseldorf. Il a développé un goût pour les grandes toiles et a réussi à se débarrasser de l’influence sentimentale de ses maîtres allemands, acquérant une objectivité dans le traitement du paysage et une technique plus libre, où l’expérience du contact avec la nature s’exprimait avec un bucolicisme sincère et sincère .

William Stanley Haseltine a également étudié à Düsseldorf, rejoignant la colonie de peintres américains qui y ont appris l’aménagement paysager. De retour aux Etats-Unis, il installe son atelier dans le même bâtiment que plusieurs autres peintres de l’école, commencent à adopter ses principes et acquiert une solide réputation de paysagiste de scènes de la côte Est, apprécié par la grande habileté technique et des détails précis. Il a voyagé pendant de nombreuses années en Europe, peignant ses scènes, qui ont également été reçues avec enthousiasme par les collectionneurs américains.

Thomas Worthington Whittredge, après avoir abandonné sa carrière de marchand, se consacre d’abord au portrait, car il lui semble un domaine plus prometteur. Insatisfait, se sentant un appel de la nature sauvage, et soutenu par des amis, partit pour l’Europe de se perfectionner à Düsseldorf. Il a appris la technique, mais n’a pas imité le style, développant un traitement simple et naturel. Il est resté en Europe pendant une dizaine d’années, voyageant et contactant des artistes célèbres. De retour aux États-Unis en 1859, il se lie d’amitié avec les principaux membres de l’Hudson River School, voyageant avec eux de l’intérieur. Il a abordé un thème varié, allant des recoins des bois à la campagne, les montagnes et les plages. Il a également fait des peintures sur les peuples autochtones et quelques scènes de genre. Peintre très prestigieux, il fut président de la National Academy of Design.

Déclin et réhabilitation
Vers 1870, le concept élevé dont jouissait l’école commença à s’estomper. L’esprit de clocher des peintres new-yorkais, qui dominait jusque-là, commençait à s’attaquer à l’esprit de clocher du public, et le goût du public s’orientait vers des thèmes moins patriotiques et plus cosmopolites et l’art européen était de nouveau au centre des préoccupations. Le style de l’école de Barbizon et des impressionnistes français devint prédominant chez les collectionneurs, qui préféraient des scènes plus suggestives que détaillées et réalistes, et semblaient plus modernes et laïques que l’idéalisme romantique et transcendantal de l’Hudson River School, qui leur semblait démodé. La critique dénigrait aussi ce qui commençait à être considéré comme un stéréotype de l’aménagement paysager, qui semblait toujours montrer essentiellement la même scène, année après année, dans une formule qui avait usé et perdu son attrait et sa vigueur dans la forme et le contenu. La croissance des centres urbains à travers le pays avait rendu ces paysages sur des toiles trop familières et proches, certains étaient déjà à distance de marche des banlieues, le sens de la nature vierge et lointaine avait été perdu, et des nouvelles étaient nécessaires pour alimenter le marché. Dans les années 1880, les derniers représentants de l’École, après avoir connu la gloire et la richesse connue, virent à la fin de leur vie leur travail non seulement farouchement critiqué, mais couvert de ridicule, tandis que d’autres passaient à d’autres courants esthétiques. Quand Church et Bierstadt moururent en 1900 et 1902, peu d’attention fut accordée aux journaux; l’Hudson River School a été oubliée.

La peinture de l’Hudson River School est restée méprisée pour la plus grande partie du 20ème siècle. Ses œuvres ont été retirées des expositions dans les musées et les collectionneurs ne voulaient plus les garder dans leurs collections privées. En 1956 le bâtiment où beaucoup ont gardé leurs ateliers a été démoli. Dans les années 1960, les conservateurs et les critiques commencent à s’intéresser de nouveau à cette production, à une époque où les problèmes écologiques commencent à devenir sérieux. En 1976, accompagnant les célébrations du bicentenaire de l’indépendance, l’histoire et le patrimoine artistique du pays revinrent à la scène avec force, et plusieurs expositions avec leurs peintures furent organisées. Aujourd’hui, ses membres les plus en vue sont placés parmi les plus grands artistes des États-Unis, et certains des anciens studios, comme ceux de Cole et Church dans les montagnes Catskill, sont aujourd’hui patrimoine national. En 2009, une œuvre de Thomas Moran a été choisie pour orner le bureau ovale de la Maison Blanche.

Héritage
Le style de l’Hudson River School peut être décrit comme une sorte de «romantisme réaliste». Alors que le romantisme cherche typiquement l’expressivité, le drame et la chaleur de l’émotion personnelle, le fantastique et le surnaturel, le réalisme cherche l’équilibre de l’objectivité et de la clarté rationnelle qui peut facilement devenir froid et impersonnel. Le travail principal de l’Hudson River School consistait à trouver un compromis entre ces deux extrêmes, en exploitant la force de chacun et en évitant leurs faiblesses. Le résultat a été la formulation d’un langage qui a montré une réalité exaltée, soulignée à la fois universelle et accessible à l’individu, décrite et imaginée, extrayant l’intemporel des limites de la circonstance. Ils ont donné au paysage un sens supérieur à ce que la pure visualité pouvait offrir à lui seul, affirmant le pouvoir de l’esprit et encourageant l’homme à adopter une attitude positive envers la vie.

L’Hudson River School était le mouvement artistique le plus influent des États-Unis au XIXe siècle, et l’originalité de sa vision panoramique de l’aménagement paysager était inégalée en Europe.Le grand nombre d’œuvres qui sont devenues emblématiques de la personnalité américaine et d’une relation positive et harmonieuse avec la nature, et après une baisse de prestige au cours du modernisme, a récemment récupéré cette position importante d’autrefois. L’imagerie créée par l’école a été désignée comme l’une des esthétiques des précurseurs du théâtre du XXe siècle chrétien, est devenu un modèle de représentation du paysage par un certain nombre d’autres peintres et photographes modernes, est reproduit ‘innombrables fois dans les livres, cartes postales, et d’autres publications, et fait maintenant partie intégrante du soi-disant « rêve américain ». Clark, Halloran et Woodford disent que

«Le style de paysage de l’Hudson River School nous entoure – dans les publicités allant de l’activisme environnemental aux cafés express, en passant par les albums photos et les diaporamas que nous avons bâti pour nous souvenir de nos vacances, développement de la culture nationale, une rhétorique esthétique. Articuler l’intérieur sauvage indéterminé à ceux qui entrent dans un habiter en termes compatibles avec leurs aspirations.  »

Mais l’iconographie de l’Hudson River School n’est pas à l’abri des critiques. Son énorme popularité actuelle a également été considérée comme un facteur dans l’exclusion d’autres formulations et la normalisation esthétique. Encore plus grave est l’accusation portée contre le programme idéologique, de la présence humaine rare dans le paysage et de l’aspect de l’environnement, interprété comme si les peintres voulaient ignorer le fait qu’à son époque le processus d ‘occupation of the territory costait already cher into the destruction of the environment and natural massacre of peoples autochtones. Le simple fait de représenter un paysage symbolise son appropriation par l’être humain, et il est bien connu que le succès de l’aménagement paysager de l’Hudson River School entre le public et la critique a agi comme un stimulant pour la pénétration dans l’intérieur. Mais pratiquer une esthétique idéale qui ne dénonçait pas les effets délétères de l’homme sur l’environnement séparait l’homme de la nature et du soutenant une éthique ambiguë de conquête et d’exploitation qui soumettait la nature au contrôle et à la possession de l Homme Blanc. La «nature» était autochtone, dans une position qui subsiste encore dans certains cercles et qui exerce une influence négative sur l’intégration parfaite de la société multiraciale nord-américaine et encourage les actes politiques liés à la idéaliste qui ne dénonçait pas les effets délétères de l’homme sur l’environnementhomme de la nature et du soutenant une éthique ambiguë de conquête et d’exploitation qui soumettait la nature au contrôle et à la possession de l’homme blanc. La «nature» était autochtone, dans une position qui subsiste encore dans certains cercles et qui exerce une influence négative sur l’intégration parfaite de la société multiraciale nord-américaine et encourage les actes politiques liés à la idéaliste qui ne dénonçait pas les effets délétères de l’homme sur l’environnement séparait l’homme de la nature et le soutenait une conscience ambiguë de conquête et d’exploitation qui soumettait la nature à la commande et à la possession de l’homme blanc. La «nature» était autochtone,dans une posture qui subsiste encore dans certains cercles et qui exerce une influence négative sur l’intégration parfaite de la société multiraciale nord-américaine et encourage les actes politiques liés à la problématique écologique.dans une posture qui subsiste encore dans certains cercles et qui exercer une influence négative sur l’intégration parfaite de la société multiraciale nord-américaine et encourager les actes politiques discutables liés à la problématique écologique.dans une posture qui subsiste encore dans certains cercles et qui exerce une influence négative sur l’intégration parfaite de la société multiraciale nord-américaine et encourager les actes politiques discutables liés à la problématique écologique.intégration parfaite de la société multiraciale nord-américaine et encourager les actes politiques liés à la problématique écologique.dans une posture qui subsiste encore dans certains cercles et qui exercent une influence négative sur l’intégration parfaite de la société multiraciale nord-américaine et encouragent des actes politiques discutables liés à la problématique de l’environnement.dans une posture qui subsiste encore dans certains cercles et qui exercent une influence négative sur l’intégration parfaite de la société multiraciale nord-américaine et encouragent les actes politiques discutables liés à la problématique écologique.intégration parfaite de la société multiraciale nord-américaine et encourager les actes politiques liés à la problématique écologique.dans une posture qui subsiste encore dans certains cercles et qui exercent une influence négative sur l’intégration parfaite de la société multiraciale nord-américaine et encouragent des actes politiques discutables liés à la problématique de l’environnement.dans une posture qui subsiste encore dans certains cercles et qui exercent une influence négative sur l’intégration parfaite de la société multiraciale nord-américaine et encouragent les actes politiques discutables liés à la problématique écologique.Intégration de la société multiraciale nord-américaine et encourager les actes politiques discutables liés à la problématique écologique.dans une posture qui subsiste encore dans certains cercles et qui exerce une influence négative sur l’intégration parfaite de la société multiraciale nord-américaine et encourager des actes politiques discutables liés à la problématique écologique.Intégration de la société multiraciale nord-américaine et encourager les actes politiques discutables liés à la problématique écologique.dans une posture qui subsiste encore dans certains cercles et qui exerce une influence négative sur l’intégration parfaite de la société multiraciale nord-américaine et encourager des actes politiques discutables liés à la problématique écologique.

Modernement l’aménagement paysager de l’Hudson River School est généralement lu positivement. Des sondages récents indiquant que les Américains préfèrent que l’art corresponde à la description de style de cette école, et le conservateur du musée métropolitain d’art d’Ala américain, John Howat, qui soient des exemples importants de l’école, considère que doit être conservé. En fait, ils ont historiquement l’une des forces pour l’émergence du mouvement écologique là-bas. Cela a déjà été confirmé au XIXe siècle. Les peintures de la vallée de Yosemite produites par l’église, Bierstadt et d’autres ont motivé le gouvernement des États-Unis en 1864 à décréter 100 acres de l’état de Californie comme réserve naturelle, pour être préservé pour leur beauté scénique, et dans le même esprit,avec l’aide visuelle des travaux de Moran, les membres du Congrès ont été convaincu de créer en 1872 le parc national de Yellowstone. Enfin, le dernier écran de buffles de Bierstadt, enregistré pour une halle de 1888, bien que publié pour des raisons techniques et esthétiques, déclencha un débat public sur le destin de la faune américaine qui conduisit le gouvernement à initier un recensement de la population de ces animaux en vue de la gestion et de la conservation de l’espèce.Décrire un débat public sur le destin de la faune américaine qui conduisit le gouvernement à entamer un recensement de la population de ces animaux en vue de la gestion et de la conservation de l’espèce.Décrire un débat public sur le destin de la faune américaine qui conduisit le gouvernement à entamer un recensement de la population de ces animaux en vue de la gestion et de la conservation de l’espèce.