La coloration à la main fait référence à toute méthode consistant à ajouter manuellement de la couleur à une photographie en noir et blanc, généralement soit pour rehausser le réalisme de la photographie ou à des fins artistiques. La coloration à la main est également connue sous le nom de peinture à la main ou peinture de surface.
Typiquement, des aquarelles, des huiles, des crayons ou des pastels, et d’autres peintures ou colorants sont appliqués à la surface de l’image en utilisant des brosses, des doigts, des cotons-tiges ou des aérographes. Les photographies coloriées à la main étaient les plus populaires entre le milieu et la fin du XIXe siècle avant l’invention de la photographie en couleur et certaines entreprises se sont spécialisées dans la production de photographies coloriées à la main.
Histoire
Avant 1900
La photographie monochrome (en noir et blanc) a été illustrée pour la première fois par le daguerréotype en 1839 et plus tard améliorée par d’autres méthodes incluant: calotype, ambrotype, teinte, épreuve à l’albumine et épreuve à la gélatine argentique. La majorité de la photographie est restée monochrome jusqu’au milieu du 20ème siècle, bien que des expériences produisaient des photographies en couleurs dès 1855 et que certains procédés photographiques produisaient des images avec une couleur globale inhérente comme le bleu des cyanotypes.
Afin de créer des images plus réalistes, les photographes et les artistes colorieraient à la main des photographies monochromes. Les premiers daguerréotypes colorés à la main sont attribués au peintre et graveur suisse Johann Baptist Isenring, qui utilisa un mélange de gomme arabique et de pigments pour colorer les daguerréotypes peu après leur invention en 1839. La poudre colorée était fixée sur la surface délicate du daguerréotype par l’application de chaleur. Des variantes de cette technique ont été brevetées Angleterre par Richard Beard en 1842 et en France par Étienne Lecchi en 1842 et Léotard de Leuze en 1845. Plus tard, le coloriage à la main fut utilisé avec des innovations photographiques successives, de l’albumine et de la gélatine argentique aux diapositives et à la transparence.
Des efforts parallèles pour produire des images photographiques colorées ont affecté la popularité de la coloration à la main. En 1842, Daniel Davis Jr. a breveté une méthode pour colorer les daguerréotypes par galvanoplastie, et son travail a été affiné par Warren Thompson l’année suivante. Les résultats des travaux de Davis et Thompson ne réussirent que partiellement à créer des photographies en couleurs et la méthode de galvanoplastie fut bientôt abandonnée. En 1850, Levi L. Hill a annoncé son invention d’un procédé de daguerréotypage en couleurs naturelles dans son Traité sur le daguerréotype. Les ventes de daguerréotypes conventionnels non colorés et colorés à la main sont tombées en prévision de cette nouvelle technologie. Hill a toutefois retardé la publication des détails de son processus pendant plusieurs années, et ses revendications ont vite été considérées comme frauduleuses. Quand il a finalement publié son traité en 1856, le processus – que ce soit de bonne foi ou non – était certainement impraticable et dangereux.
La coloration à la main est restée la méthode la plus simple et la plus efficace pour produire des images photographiques en couleurs jusqu’au milieu du XXe siècle, lorsque American Kodak a introduit le film couleur Kodachrome.
Photographies japonaises coloriées à la main (vers 1860-1899)
Bien que le coloriage à la main des photographies ait été introduit en Europe, la technique a acquis une popularité considérable Japon , où la pratique est devenue une forme d’art respectée et raffinée à partir des années 1860. Il est possible que le photographe Charles Parker et son partenaire artiste William Parke Andrew aient été les premiers à produire de telles œuvres dans Japon , mais le premier à utiliser constamment la coloration à la main dans le pays était le photographe Felice Beato et son partenaire, l’artiste Illustrated London News et le coloriste Charles Wirgman. Dans le studio de Beato, les compétences raffinées des aquarellistes japonais et des graveurs sur bois ont été appliquées avec succès à la photographie européenne, comme en témoigne le volume de portraits colorés à la main de Beato, Native Types.
Un autre photographe précoce notable Japon pour utiliser la coloration à la main était Yokoyama Matsusaburō. Yokoyama a suivi une formation de peintre et de lithographe ainsi qu’un photographe, et il a profité de son vaste répertoire de compétences et de techniques pour créer ce qu’il a appelé shashin abura-e ( 写真 油 絵 ) ou «peintures à l’huile photographiques», dans lequel le papier le support d’une photographie a été découpé et des peintures à l’huile ont ensuite été appliquées à l’émulsion restante.
Plus tard, les pratiquants de la coloration à la main Japon Il y avait notamment la société Stillfried & Andersen, qui a acquis l’atelier de Beato en 1877 et a colorié à la main plusieurs de ses négatifs en plus des siens. Le baron autrichien Raimund von Stillfried und Ratenitz, le photographe et coloriste japonais formé Kusakabe Kimbei, ont créé ensemble des images colorées à la main de la vie quotidienne japonaise, très appréciées comme souvenirs. Des photographies coloriées à la main ont également été réalisées par Kusakabe Kimbei, Tamamura Kozaburō, Adolfo Farsari, Uchida Kuichi, Ogawa Kazumasa et d’autres. De nombreuses photographies couleur de haute qualité ont été réalisées à la main Japon bien dans le 20ème siècle.
Après 1900
Le soi-disant âge d’or de la photographie coloriée à la main dans l’hémisphère occidental s’est produit entre 1900 et 1940. La demande accrue pour la photographie de paysage coloriée à la main au début du 20ème siècle est attribuée au travail de Wallace Nutting. Nutting, un Nouvelle-Angleterre ministre, a poursuivi la photographie de paysage coloriée à la main comme un passe-temps jusqu’en 1904, quand il a ouvert un studio professionnel. Il a passé les 35 prochaines années à créer des photographies coloriées à la main, et est devenu le photographe le plus vendu à la main de tous les temps.
Entre 1915 et 1925, les photographies de couleur à la main étaient populaires parmi les classes moyennes dans le États Unis , Canada , Les Bermudes et le Bahamas comme cadeaux de mariage abordables et élégants, cadeaux de douche, cadeaux de vacances, cadeaux d’amitié, et souvenirs de vacances. Avec le début de la Grande Dépression en 1929 et la diminution subséquente du nombre de la classe moyenne, les ventes de photographies coloriées à la main diminuent fortement.
Malgré leur baisse de popularité, les photographes qualifiés ont continué à créer de magnifiques photographies couleur main. Les photographies colorées à la main de Hans Bellmer de ses propres sculptures de poupées des années 1930 fournissent un exemple de la main-coloration continue des photographies dans L’Europe pendant ce temps. En Pologne, le Monidło est un exemple de photographies de mariage populaires colorées à la main.
Un autre photographe à la main, Luis Márquez (1899-1978), fut le photographe officiel et le conseiller artistique du pavillon mexicain à l’Exposition universelle de 1939-40. En 1937, il présente au gouverneur du Texas James V. Allred une collection de photographies coloriées à la main. L’Université Nationale Autonome du Mexique à Mexico a une vaste archive photographique Luis Márquez, tout comme le Université de Houston dans Texas .
Dans les années 1950, la disponibilité du film couleur a presque cessé la production de photographies coloriées à la main. La popularité croissante des antiquités et des objets de collection dans les années 1960 a cependant accru l’intérêt pour les photographies coloriées à la main. Depuis environ 1970, il y a eu une sorte de renouveau du coloriage à la main, comme on peut le voir dans le travail d’artistes-photographes tels qu’Elizabeth Lennard, Jan Saudek, Kathy Vargas et Rita Dibert. L’utilisation par Robert Rauschenberg et d’autres médias combinés de la photographie et de la peinture dans leur art représente un précurseur de ce renouveau.
En dépit de la disponibilité de procédés de couleur de haute qualité, les photographies coloriées à la main (souvent combinées à du sépia) sont toujours populaires pour des raisons esthétiques et parce que les pigments utilisés ont une grande permanence. Dans de nombreux pays où la pellicule couleur était rare ou coûteuse, ou où le traitement des couleurs n’était pas disponible, la coloration à la main a continué à être utilisée et parfois préférée dans les années 80. Plus récemment, le traitement d’image numérique a été utilisé – en particulier dans la publicité – pour recréer l’apparence et les effets de la coloration à la main. La colorisation est maintenant disponible pour le photographe amateur en utilisant un logiciel de manipulation d’image tel que Adobe Photoshop.
Matériaux et techniques
Les colorants
Les colorants de base sont utilisés dans la coloration à la main des photographies. Les colorants sont des substances colorantes solubles, naturelles ou synthétiques, dans une solution aqueuse, par opposition aux pigments qui sont généralement des substances colorantes insolubles dans une suspension aqueuse. Les colorants à base d’aniline, les premiers colorants synthétiques utilisés à l’origine pour la teinture des textiles, ont d’abord été utilisés pour colorer des tirages à l’albumine et des photographies de transparence en verre. Allemagne dans les années 1860 Lors de la coloration à la main avec des colorants, une solution faible de colorant dans l’eau est préférée, et les couleurs sont souvent construites avec des lavages répétés plutôt que d’être appliquées en une fois. L’approche consiste à colorer ou à teindre l’impression plutôt que de la peindre, car trop de peinture obscurcira les détails photographiques. Le papier buvard est utilisé pour contrôler la quantité de colorant sur la surface en absorbant tout excès.
Aquarelles
La peinture à l’aquarelle a la vertu d’être plus permanente que les colorants, mais elle est moins transparente et donc plus susceptible d’obscurcir les détails. La coloration à la main à l’aquarelle nécessite l’utilisation d’un médium pour empêcher les couleurs de sécher avec une finition terne et sans vie. Avant que la peinture puisse être appliquée, la surface de l’impression doit être amorcée de sorte que les couleurs ne soient pas repoussées. Cela comprend souvent la préparation de l’impression avec une mince couche de gomme-laque, puis l’ajout de grain avant la coloration. La peinture aquarelle utilisée dans la coloration manuelle à la main se compose de quatre ingrédients: des pigments (naturels ou synthétiques), un liant (gomme arabique traditionnelle), des additifs pour améliorer la plasticité (glycérine) et un diluant pour diluer la peinture (eau). s’évapore lorsque la peinture sèche. La peinture est généralement appliquée aux impressions à l’aide d’une brosse douce. Les aquarelles « laissent souvent un bord de couleur plus sombre aux limites de la zone peinte ». Puisque les différents pigments ont des degrés variables de transparence, le choix des couleurs doit être considéré avec soin. Des pigments plus transparents sont préférés, car ils assurent une meilleure visibilité de l’image photographique.
Huiles
La peinture à l’huile contient des particules de pigment appliquées en utilisant une huile siccative, telle que l’huile de lin. Les conventions et les techniques d’utilisation des huiles exigent une connaissance du dessin et de la peinture, de sorte qu’il est souvent utilisé dans la pratique professionnelle. Lors de la coloration à la main avec des huiles, l’approche consiste le plus souvent à utiliser l’image photographique simplement comme base pour une image peinte. La possibilité de créer des portraits précis à l’aide d’une base photographique se prêtait au crime d’art, certains artistes prétendant peindre des portraits à l’huile traditionnels (pour un prix plus élevé) lorsqu’ils traçaient réellement une base photographique dans des huiles. Par conséquent, le choix des couleurs à l’huile est régi par la transparence relative des pigments pour permettre l’authentification de la base photographique. Il est nécessaire de dimensionner l’impression en premier pour éviter l’absorption des couleurs dans le papier. Dans le passé, les lames de lanterne photographiques étaient souvent colorées par le fabricant, mais parfois par l’utilisateur, avec des résultats variables. Habituellement, des couleurs à l’huile étaient utilisées pour ces diapositives, mais à l’époque du collodion – de 1848 à la fin du 19ème siècle – parfois des aquarelles étaient également utilisées.
Crayons et pastels
L’utilisation de crayons ou pastels de pigments broyés à différents niveaux de saturation est également considérée comme un domaine de coloriste hautement qualifié, car elle nécessite une connaissance des techniques de dessin. Comme les huiles, les crayons et les pastels obscurcissent généralement la photographie originale, qui produit des portraits plus proches des peintures traditionnelles. Le fusain et les crayons de couleur sont également utilisés pour colorier à la main des photographies et les termes crayon, pastel, fusain et crayon sont souvent utilisés de façon interchangeable par les coloristes.
Les photographies coloriées à la main comprennent parfois l’utilisation combinée de colorants, d’aquarelles, d’huiles et d’autres pigments pour créer divers effets sur l’image imprimée. Quel que soit le support utilisé, les principaux outils pour appliquer la couleur sont la brosse et le bout du doigt. Souvent, le doigt tamponnant est couvert pour s’assurer qu’aucune empreinte digitale n’est laissée sur l’image.
Conservation et stockage
En général, la conservation de photographies coloriées à la main est similaire à celle de la photographie en couleurs et en monochrome. Les conditions optimales de stockage incluent un climat contrôlé avec une humidité relative faible (environ 30-40% RH), des températures inférieures à 20 degrés Celsius et une faible concentration de pollution particulaire, comme l’acide sulfurique, l’acide nitrique et l’ozone . La zone de stockage doit également être propre et exempte de parasites et de moisissures. Parce que les photographies coloriées à la main, comme les photographies en couleurs, sont plus sensibles à la lumière et aux rayons UV, le stockage devrait se faire dans un endroit sombre. La zone de stockage doit être sécurisée et surveillée pour détecter les menaces internes, telles que les changements de température ou d’humidité dus à un dysfonctionnement du système CVC, ainsi que les menaces externes, telles que le vol ou les catastrophes naturelles. Un plan de catastrophe doit être créé et maintenu pour tous les matériaux.
Lorsque vous manipulez des photographies enveloppées comme des daguerréotypes, des tirages à l’albumine et des ferrotypes, en particulier ceux qui ont été colorés à la main, il faut faire preuve de prudence. Ils sont fragiles et même des efforts minimes pour les nettoyer peuvent endommager irrémédiablement l’image. Les photographies enveloppées à la main doivent être stockées horizontalement, en une seule couche, de préférence face vers le bas. Les caisses peuvent être enveloppées de papier de soie alcalin ou tamponné. Si la photographie a été séparée de son boîtier, un panneau de support et de support peut être découpé dans un tableau de musée tamponné alcalin. Le tapis est placé entre l’image et une plaque de verre fraîchement coupée tandis que le panneau d’appui supporte l’image par derrière. Ce « sandwich » est ensuite scellé avec du ruban Filmoplast. Les nettoyants pour vitres commerciaux ne doivent pas être utilisés sur de nouvelles plaques de verre. Les tintypes colorés à la main peuvent être placés entre les planches de tapis. En cas de pliage, aucune tentative ne doit être faite pour les redresser car cela pourrait provoquer une fissuration et / ou un soulèvement de l’émulsion.
Idéalement, tous les tirages photographiques doivent être stockés horizontalement, bien que les tirages de moins de 11 « x14 » et sur les supports stables puissent être stockés en toute sécurité à la verticale. Les impressions doivent également être stockées à l’abri de la lumière et des sources d’eau dans des boîtes sans lignine et sans acide fabriquées conformément aux normes 14523 et 10214 de l’Organisation internationale de normalisation (ISO). (PAT), ou des normes similaires, pour assurer la qualité archivistique. Si une photographie présente une émulsion d’écaillage ou d’écaillage, elle ne doit pas être stockée dans une enceinte en plastique car l’électricité statique pourrait endommager davantage l’image. Des gants de coton propres doivent être portés lors de la manipulation de photographies pour éviter que les huiles et les sels de la peau n’endommagent les surfaces.
Dans certains cas, il peut être nécessaire de contacter un restaurateur professionnel. dans le États Unis , l’Institut américain pour la conservation des œuvres historiques et artistiques (AIC) fournit un outil de recherche de restaurateurs qui aide à identifier les services de conservation locaux. dans le Royaume-Uni et Irlande , le registre de conservation fournit un outil similaire qui recherche par spécialisation, entreprise et nom de famille. Pour localiser d’autres services de conservation à l’échelle internationale, les ressources de Conservation en ligne (COOL) pour les professionnels de la conservation fournissent un outil de recherche par pays.
Matériaux de coloriage
Les colorants et les aquarelles nécessitent des mesures de conservation similaires lorsqu’ils sont appliqués à des photographies coloriées à la main. Comme les photographies elles-mêmes, les aquarelles et les colorants appliqués à la main sur les photographies sont susceptibles de subir des dommages légers et doivent être conservés dans un endroit sombre ou exposés sous une lumière tamisée et indirecte. Les polluants particulaires courants peuvent faire pâlir les pigments aquarellables, mais la surface de la peinture peut être nettoyée en époussetant légèrement avec une brosse douce pour enlever la saleté.
La peinture à l’huile était souvent appliquée aux ferrotypes, aux daguerréotypes et aux ambrotypes. Comme pour toutes les photographies, les matériaux réagissent négativement aux sources de lumière directe, ce qui peut faire pâlir et assombrir les pigments, ainsi que les changements fréquents d’humidité relative et de température, qui peuvent provoquer la fissuration de la peinture à l’huile. Pour les photographies avec des dommages importants, l’expertise d’un conservateur de peintures à l’huile peut être nécessaire pour le traitement.
Les photographies coloriées à la main au pastel et au pastel ont une surface poudreuse qui doit être protégée à des fins de conservation. Historiquement, les photographies au crayon et au pastel étaient vendues dans un cadre sous une couche de verre protectrice, ce qui permettait souvent de réduire la manipulation et le maculage de la surface de la photographie. Tout travail de conservation sur des photographies en couleurs au pastel ou au crayon doit conserver ces cadres originaux et le verre original pour maintenir l’authenticité et la valeur de l’objet. Si la photographie est séparée de son boîtier d’origine, elle peut être stockée dans un classeur de qualité archivistique jusqu’à ce qu’elle soit encadrée ou enveloppée.
Matériaux auxiliaires
dans le États Unis De nombreuses photographies vendues à la main et coloriées à la main ont été emballées et encadrées pour la vente au détail. Les photographies coloriées à la main du début du XXe siècle étaient souvent montées sur des panneaux de carton, placés derrière un cadre de verre, et soutenus par des lattes de panneaux de bois, de carton ou de carton épais. Une feuille de support était souvent collée à l’arrière du carton. Malheureusement, les produits en papier produits et utilisés à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle sont très acides et causeront le jaunissement, la fragilisation et la dégradation des photographies coloriées à la main. Les inclusions métalliques dans le papier peuvent également s’oxyder, ce qui peut être la cause de rousseurs dans les matériaux en papier. Les lamelles des panneaux de bois dégageront également des gaz, ce qui entraînera une dégradation supplémentaire des photographies.
La simple conservation de ces matériaux fragiles peut être réalisée par l’amateur aventureux. Une photo coloriée à la main doit être retirée du cadre, en conservant les vis ou les clous d’origine qui maintiennent le cadre ensemble. Les panneaux de bois, les lattes en carton acides et le papier support acide peuvent être retirés du cadre et du carton et jetés, en conservant toute information d’identification telle que des tampons ou des inscriptions sur le papier support. Le carton sur lequel la photographie est montée, même s’il est de nature acide, ne peut pas être enlevé et remplacé en raison de la valeur intrinsèque de ce support d’origine. Souvent, la signature de l’artiste et le titre de la photographie sont inscrits sur le carton. La meilleure méthode de conservation pour favoriser une dégradation limitée consiste à stocker la photographie dans un environnement sec à basse température, faible humidité relative et faible luminosité. La photographie coloriée à la main doit être replacée dans son cadre d’origine, maintenue en place avec du papier de carton sans acide de qualité archivistique, et fermée avec les clous ou les vis d’origine.
Techniques apparentées
Le colorant à la main doit être distingué de la teinture, de la tonification, de la retouche et du crystoleum.
Les photographies teintées sont faites avec des papiers d’impression teints produits par des fabricants commerciaux. Une seule couleur globale sous-tend l’image et est la plus apparente dans les tons clairs et les tons moyens. À partir des années 1870, les papiers d’impression à l’albumine étaient disponibles en rose pâle ou en bleu, et à partir des années 1890, des papiers d’impression à la gélatine et à l’argent en pâle mauve ou rose étaient disponibles. Il y avait aussi d’autres sortes de papiers teintés. Au fil du temps, une telle coloration devient souvent très décolorée.
Toner se réfère à une variété de méthodes pour modifier la couleur globale de l’image photographique elle-même. Les composés d’or, de platine ou d’autres métaux sont utilisés en combinaison avec des variations de temps de développement, de température et d’autres facteurs pour produire une gamme de tons, y compris les bruns chauds, violets, sépias, bleus, olives, rouges-bruns et bleu-noirs. Un type bien connu de tonification est le ton sépia. En plus d’ajouter de la couleur à une impression monochromatique, la tonification améliore souvent la stabilité de l’image et augmente le contraste.
La retouche utilise plusieurs des mêmes outils et techniques que la coloration à la main, mais avec l’intention de couvrir les dommages, de masquer les caractéristiques indésirables, d’accentuer les détails ou d’ajouter des éléments manquants dans une épreuve photographique. Dans un portrait, des retouches peuvent être utilisées pour améliorer l’apparence d’un modèle, par exemple en supprimant les imperfections du visage, et dans un paysage avec un ciel surexposé, des nuages peuvent être peints dans l’image. Les aquarelles, les encres, les colorants et les réducteurs chimiques sont utilisés avec des outils tels que les scalpels, les brosses pointues, les aérographes et les crayons de retouche.
Le cristaloleum, issu du procédé «crystal» + «oleum» (huile), était une autre méthode d’application de la couleur aux impressions à l’albumine. L’impression a été collée face cachée à l’intérieur d’un morceau de verre concave. Une fois que l’adhésif (habituellement de la pâte d’amidon ou de la gélatine) était sec, le support de papier de l’impression a été enlevé, laissant seulement l’émulsion transparente sur le verre. L’image a ensuite été coloriée à la main. Un autre morceau de verre a été ajouté à l’arrière et cela pourrait également être coloré à la main. Les deux morceaux de verre ont été reliés ensemble créant une image détaillée, quoique fragile.