Les grotesques sont un type particulier de décoration picturale pariétale qui trouve ses racines dans la peinture romaine de la période augustéenne et qui a été redécouverte et popularisée depuis la fin du XVe siècle. Le terme désigne maintenant le caractère de ce qui semble ridicule, bizarre, risible, mêlé d’une certaine frayeur. Malgré la difficulté d’identifier des formes de grotesque en raison de leur extraordinaire variété et diversité, tout grotesque pourrait être réduit à la mise en œuvre d’un ou plusieurs de ces raisons: répétition, hybridité, métamorphose.

Depuis au moins le 18ème siècle, le grotesque est devenu un adjectif général pour l’étrange, mystérieux, magnifique, fantastique, hideux, laid, incongru, désagréable, ou dégoûtant, et est donc souvent utilisé pour décrire des formes étranges et des formes déformées tels que les masques d’Halloween. Dans l’art, la performance et la littérature, cependant, le grotesque peut aussi se référer à quelque chose qui invoque simultanément dans un auditoire un sentiment de bizarrerie inconfortable ainsi que la pitié sympathique. Plus spécifiquement, les formes grotesques des édifices gothiques, lorsqu’elles ne sont pas utilisées comme gouttières, ne devraient pas être appelées des gargouilles, mais plutôt simplement appelées grotesques ou chimères.

Le décor grotesque se caractérise par la représentation d’êtres hybrides et monstrueux, chimères, souvent figurées comme des figurines minces et lunatiques, qui se fondent dans des décorations géométriques et naturalistes, symétriquement structurées, sur un fond généralement blanc ou en tout cas monochrome. Les figures sont très colorées et donnent lieu à des montures, des effets géométriques, entrelacés et ainsi de suite, mais toujours en conservant une certaine légèreté et légèreté, du fait que généralement les sujets sont laissés en arrière-plan, presque calligraphiques. L’illustration à prédominance imaginative et ludique ne poursuit pas toujours une fonction purement ornementale, mais joue parfois aussi un rôle didactique et encyclopédique, reproduisant des inventaires des arts et des sciences ou des représentations éponymes.

Rémi Astruc a soutenu que bien qu’il y ait une immense variété de motifs et de figures, les trois principaux tropes du grotesque sont la doubleness, l’hybridité et la métamorphose. Au-delà de la compréhension actuelle du grotesque en tant que catégorie esthétique, il a démontré comment le grotesque fonctionne comme une expérience existentielle fondamentale. De plus, Astruc identifie le grotesque comme un outil anthropologique crucial, et potentiellement universel, que les sociétés ont utilisé pour conceptualiser l’altérité et le changement.

Origine:
Le mot vient pour décrire les ornements de la Domus Aurea, la Maison de l’âge d’or (également appelée Golden House) construite par Néron et qui est couverte de motifs étranges. À la fin du XVe siècle, un jeune romain tomba dans un trou sur les pentes de l’Oppius et se retrouva dans une sorte de grotte couverte de peintures surprenantes, d’où le nom de «grotesque» qui fut donné à ces peintures. En fait, c’était Domus Aurea, qui a été enterré. À l’origine, le terme n’avait pas la même signification qu’actuellement. Les peintures grotesques sont des montages fantaisistes d’éléments divers (architectures, vases, guirlandes, feuillages, etc.), contenant souvent des figures humaines et animales qui peuvent être chimériques et caricaturales mais pas toujours.

Histoire grotesque:
Grotesque est un style extravagant (ses motifs ont été définis comme ridicule, vulgaire ou absurde) étendu l’utilisation du terme grotesque comme synonyme de tels adjectifs, même l’irrégulier, impoli et désagréable. Il aussi se dénomme comme ceci la chose relative aux grottes artificielles La décoration avec cailloux ou rocaille (en jardinage et intérieurs respectivement) est propre des styles posterior (le rococo du siècle XVIII). Beaucoup plus tôt est l’utilisation de monstres dans l’art médiéval (gargouilles, corbeaux); tandis que la phase finale de la Renaissance, le maniérisme, en a des exemples remarquables (Parc des monstres de Bomarzo). Le grotesque finit par définir une catégorie esthétique différenciée de l’idée classique de la beauté, par opposition à la catégorie du sublime.

Les grotesques sont une sorte de peinture libre et drôle inventée dans l’antiquité pour décorer les murs où seules les formes suspendues dans l’air pourraient être placées. En eux, les artistes représentaient des déformations monstrueuses, des filles des caprices de la nature ou des fantaisies extravagantes des peintres: ils inventaient ces formes hors de toute règle, ils suspendaient un fil très fin, un poids qui n’aurait jamais supporté, transformé en feuilles le jambes d’un cheval et les jambes d’un homme sur les jambes de la grue, et a également peint beaucoup de méfait et d’extravagance. Celui avec l’imagination la plus débordante semblait le plus capable. Après les règles ont été introduites et la merveille se limitait aux frises et aux compartiments à décorer. -Giorgio Vasari

Les premiers exemples dans les ornements romains:
Dans l’art, les grotesques sont des arrangements ornementaux d’arabesques avec des guirlandes entrelacées et de petites et fantastiques figures humaines et animales, habituellement disposées de manière symétrique autour d’une forme de cadre architectural, bien que cela puisse être très fragile. De tels dessins étaient à la mode dans la Rome antique, comme des fresques murales, des mosaïques, etc., et furent décriés par Vitruve (vers 30 avant J.-C.) qui, en les rejetant comme insignifiants et illogiques, proposa la description suivante: des appendices cannelés avec des feuilles et des volutes bouclées prennent la place des frontons, des candélabres supportent des représentations de sanctuaires, et au sommet de leurs toits poussent des tiges et des volutes minces avec des figures humaines insensiblement assises sur elles.

Lorsque le palais de Néron à Rome, la Domus Aurea, a été redécouvert par inadvertance à la fin du XVe siècle, enfoui dans quinze cents ans de remblai, la première percée venait d’en haut, de sorte que ceux qui souhaitaient voir les pièces devaient y descendre. cordes, complétant leur ressemblance avec des grottes, ou des grottes en italien. Les décorations murales romaines en fresque et en stuc délicat ont été une révélation.

Grotesque à la Renaissance:
On suppose que les grotesques utilisés depuis la Renaissance sont des imitations de peintures découvertes dans les grottes souterraines des monuments antiques, principalement dans les thermes de Tito et Livia à Rome, dans la Domus Aurea de Nero, dans Villa Adriana à Tivoli et dans divers bâtiments d’Herculanum et Pompéi. Benvenuto Cellini, dans son autobiographie, reflète la façon dont le terme Grottesca ou Grottesche a commencé à être utilisé à partir de la découverte, en 1480, de salles voûtées de la Domus Aurea restées enfouies pendant dix siècles. Le dévoilement de ses décorations murales complexes a fait sensation à Rome et des artistes intéressés comme Botticelli, Filippino Lippi, Il Pinturicchio, Raphaël, Giovanni da Udine, Morto da Feltre, Bernardo Poccetti, Marco Palmezzano ou Gaudenzio Ferrari.

La première apparition du mot grottesche apparaît dans un contrat de 1502 pour la bibliothèque Piccolomini attachée au duomo de Sienne. Ils ont été présentés par Raphael Sanzio et son équipe de peintres décorateurs, qui ont développé grottesche dans un système complet d’ornement dans les Loggias qui font partie de la série de Raphael’s Rooms au Vatican Palace, Rome. « Les décorations ont étonné et charmé une génération d’artistes qui connaissait la grammaire des ordres classiques mais qui n’avaient pas deviné jusque-là que dans leurs maisons privées les Romains avaient souvent négligé ces règles et avaient adopté un style plus fantaisiste et informel. toute la légèreté, l’élégance et la grâce.  » Dans ces décorations grotesques, une tablette ou un candélabre pourrait servir de foyer; Les cadres ont été étendus dans des rouleaux qui faisaient partie des conceptions environnantes comme une sorte d’échafaudage, comme Peter Ward-Jackson l’a noté. Des grotesques à défilement léger pourraient être ordonnés en les confinant dans l’encadrement d’un pilastre pour leur donner plus de structure. Giovanni da Udine a repris le thème des grotesques en décorant la Villa Madama, la plus influente des nouvelles villas romaines.

Au 16ème siècle, une telle licence artistique et l’irrationalité était controversée. Francisco de Holanda met une défense dans la bouche de Michel-Ange dans son troisième dialogue de Da Pintura Antiga, 1548:

« ce désir insatiable de l’homme préfère parfois un bâtiment ordinaire, avec ses piliers et ses portes, faussement construits dans un style grotesque, avec des piliers formés d’enfants poussant sur des tiges de fleurs, avec des architraves et des corniches de branches de myrte et des portes de roseaux et d’autres choses, toutes apparaissant impossibles et contraires à la raison, mais ce peut être vraiment un travail formidable s’il est exécuté par un artiste habile.  »

Le grotesque de Juan Nani est un motif décoratif basé sur des êtres fantastiques, des légumes et des animaux, complexes et liés formant un tout. C’est un thème associé à la Renaissance et est généralement formé, dans sa partie supérieure, par une tête ou un torse humain ou animal qui finit dans un ensemble de plantes ou d’éléments végétaux d’en bas.

Grotesque dans le maniérisme:
La joie des artistes maniéristes et de leurs patrons dans les programmes iconographiques arcanes accessibles uniquement aux érudits pourrait s’incarner dans des schémas de grottesche, l’Emblemata d’Andrea Alciato (1522) offrant un raccourci iconographique prêt à l’emploi pour les vignettes. Des matériaux plus familiers pour les grotesques pourraient être tirés des Métamorphoses d’Ovide.

Les loggias du Vatican, un espace de loggia dans le palais apostolique ouvert aux éléments d’un côté, ont été décorées vers 1519 par la grande équipe d’artistes de Raphaël, avec Giovanni da Udine la main principale impliquée. En raison de l’insignifiance relative de l’espace et du désir de copier le style de la Domus Aurea, aucune grande peinture n’a été utilisée et les surfaces étaient couvertes de dessins grotesques sur fond blanc, avec des peintures imitant des sculptures dans des niches et de petits sujets figuratifs. dans une renaissance du style romain antique. Ce large éventail offrait un répertoire d’éléments qui étaient la base pour les artistes plus tard à travers l’Europe.

Dans la chapelle des Médicis de Michel-Ange, Giovanni da Udine a composé durant les années 1532-1533 « les plus beaux jets de feuillage, rosaces et autres ornements en stuc et or » dans les coffres et « sprays de feuillages, oiseaux, masques et figures ». S’il vous plaît, le pape Clément VII Médicis, ni Giorgio Vasari, qui a blanchi le décor grottesche en 1556. Les écrivains contre la Réforme sur les arts, notamment le cardinal Gabriele Paleotti, évêque de Bologne, se sont tournés vers la grottesche avec une vengeance juste.

Vasari, en écho à Vitruve, décrit le style comme suit: «Les grotesques sont un type de peinture extrêmement licencieuse et absurde faite par les anciens … sans aucune logique, de sorte qu’un poids est attaché à un fil mince qui ne pourrait pas le supporter, un on donne à un cheval des jambes faites de feuilles, un homme a des jambes de grue, d’innombrables autres absurdités impossibles, et plus bizarre est l’imagination du peintre, plus il est élevé.

Vasari a enregistré que Francesco Ubertini, appelé « Bacchiacca », enchanté en inventant grotteschi, et (vers 1545) peint pour le duc Cosimo de ‘Medici un studiolo dans une mezzanine au Palazzo Vecchio « plein d’animaux et de plantes rares ». Daniele Barbaro, Pirro Ligorio et Gian Paolo Lomazzo figurent parmi les autres écrivains du XVIe siècle sur grottesche.

Gravures, boiseries, illustration de livres, décorations:
Entre-temps, à travers les gravures, le mode grotesque de l’ornement de surface passa dans le répertoire artistique européen du XVIe siècle, de l’Espagne à la Pologne. Une suite classique était celle attribuée à Enea Vico, publiée en 1540-41 sous un titre explicatif évocateur, Leviores et extemporaneae picturae quas grotteschas vulgo vocant, «Images lumineuses et extemporanées vulgairement appelées grotesques». Les versions maniéristes ultérieures, en particulier dans la gravure, ont eu tendance à perdre cette légèreté initiale et à être beaucoup plus denses que le style aéré bien espacé utilisé par les Romains et Raphaël.

Bientôt apparut la grottesche en marqueterie (menuiserie fine), en majolique produite surtout à Urbino dès la fin des années 1520, puis en illustration de livre et dans d’autres usages décoratifs. À Fontainebleau, Rosso Fiorentino et son équipe ont enrichi le vocabulaire des grotesques en les associant à la forme décorative du strass, à la représentation de lanières de cuir dans des moulures en plâtre ou en bois, qui forment un élément dans les grotesques.

Grotesque à l’époque baroque et victorienne:
Aux XVIIe et XVIIIe siècles, le grotesque englobe un vaste champ de tératologie (science des monstres) et d’expérimentation artistique. Le monstrueux, par exemple, apparaît souvent comme la notion de jeu. La sportivité de la catégorie grotesque peut être vue dans la notion de la catégorie surnaturelle du lusus naturae, dans les écrits d’histoire naturelle et dans les cabinets de curiosités. Les derniers vestiges de la romance, comme le merveilleux offrent également des occasions pour la présentation du grotesque dans, par exemple, le spectacle d’opéra. La forme mixte du roman a été communément décrite comme grotesque – voir par exemple « comique poème épique en prose » de Fielding. (Joseph Andrews et Tom Jones)

L’ornement grotesque a été stimulé par de nouvelles découvertes de fresques et de stucchi romains originaux à Pompéi et par d’autres sites enfouis autour du Vésuve à partir du milieu du siècle. Il a continué à être utilisé, devenant de plus en plus lourd, dans le style Empire et ensuite dans la période victorienne, lorsque les dessins sont devenus aussi dense que dans les gravures du 16ème siècle, et l’élégance et la fantaisie du style ont été perdues.

Extensions du Grotesque:
Les artistes ont commencé à donner aux visages minuscules des figures dans des décorations grotesques d’étranges expressions caricaturales, dans une continuation directe des traditions médiévales des drolleries dans les décorations de frontière ou des initiales dans les manuscrits enluminés. De là le terme a commencé à être appliqué à de plus grandes caricatures, telles que celles de Leonardo da Vinci, et le sens moderne a commencé à se développer. Il est d’abord enregistré en anglais en 1646 de Sir Thomas Browne: « Dans la nature il n’y a pas de grotesques ». Par extension dans le temps, le terme est également utilisé pour les originaux médiévaux, et dans la terminologie moderne, les drôleries médiévales, vignettes demi-humaines dessinées dans les marges, et les figures sculptées sur les bâtiments (qui ne sont pas aussi des trombes, et donc des gargouilles) aussi appelé « grotesques ».

Un boom dans la production d’œuvres d’art dans le genre grotesque caractérisé la période 1920-1933 de l’art allemand. Dans l’art de l’illustration contemporaine, les figures «grotesques», au sens ordinaire de la conversation, apparaissent communément dans le genre grotesque, aussi connu sous le nom d’art fantastique.

Littérature du Grotesque:
L’une des premières utilisations du terme grotesque pour désigner un genre littéraire se trouve dans les Essais de Montaigne. Le grotesque est souvent lié à la satire et à la tragicomédie. C’est un moyen artistique efficace pour transmettre le chagrin et la douleur au public, et Thomas Mann l’a qualifié de «véritable style antibourgeois».

Certains des premiers textes écrits décrivent des événements grotesques et des créatures monstrueuses. La littérature du mythe a été une source riche de monstres; du Cyclope borgne (pour ne citer qu’un exemple) de la Théogonie d’Hésiode au Polyphème d’Homère dans l’Odyssée. Les Métamorphoses d’Ovide sont une autre source riche de transformations grotesques et de créatures hybrides de mythe. L’art de la poésie d’Horace fournit également une introduction formelle aux valeurs classiques et aux dangers de la forme grotesque ou mixte. En effet, le départ des modèles classiques de l’ordre, de la raison, de l’harmonie, de l’équilibre et de la forme ouvre le risque d’entrer dans des mondes grotesques. En conséquence, la littérature britannique regorge de grotesques indigènes, des mondes étranges de l’allégorie de Spenser dans La Reine des fées, aux modes tragi-comiques du drame du 16ème siècle. (Des éléments comiques grotesques peuvent être trouvés dans des œuvres majeures telles que King Lear.)

Les œuvres littéraires de genre mixte sont parfois qualifiées de grotesques, de même que les genres «bas» ou non littéraires tels que la pantomime et la farce. Les écrits gothiques ont souvent des composants grotesques en termes de caractère, de style et d’emplacement. Dans d’autres cas, l’environnement décrit peut être grotesque – qu’il soit urbain (Charles Dickens), ou la littérature du sud américain qui a parfois été appelée «Gothique du Sud». Parfois, le grotesque en littérature a été exploré en termes de formations sociales et culturelles comme le carnaval (-esque) chez François Rabelais et Mikhail Bakhtin. Terry Castle a écrit sur la relation entre la métamorphose, les écrits littéraires et la mascarade.

Le corps grotesque est un concept du critique littéraire Mikhail Bakhtin qui s’applique à l’œuvre de Rabelais.

Justus Möser (Harlekin, ou Verteidigung des Grotesk-Komischen – « Harlequin ou la défense du grotesque-comique » -, 1761) identifie dans « l’exagération des figures » de la comédie d’art une identité avec la caricature des arts plastiques, permettant au théâtre une manière particulière de décrire « les coutumes des hommes ».

Une autre source majeure du grotesque est dans les écrits satiriques du 18ème siècle. Gulliver’s Travels de Jonathan Swift fournit une variété d’approches à la représentation grotesque. En poésie, les œuvres d’Alexander Pope fournissent de nombreux exemples du grotesque.

Dans la fiction, les personnages sont généralement considérés comme grotesques s’ils induisent à la fois l’empathie et le dégoût. (Un personnage qui n’inspire que du dégoût est simplement un méchant ou un monstre.) Les exemples évidents incluent les personnes physiquement déformées et les personnes mentalement déficientes, mais aussi les personnes ayant des traits sociaux qui en valent la peine. Le lecteur devient piqué par le côté positif du grotesque, et continue à lire pour voir si le personnage peut conquérir leur côté sombre. Dans The Tempest de Shakespeare, la figure de Caliban a inspiré des réactions plus nuancées que le simple mépris et le dégoût. En outre, dans Le Seigneur des Anneaux de J. R. R. Tolkien, le personnage de Gollum peut être considéré comme ayant à la fois des qualités dégoûtantes et empathiques, ce qui lui permet de s’inspirer du modèle grotesque.

Le bossu de Notre-Dame de Victor Hugo est l’un des grotesques les plus célèbres de la littérature. Le monstre du Dr. Frankenstein peut également être considéré comme un grotesque, ainsi que le personnage titre, Erik dans Le Fantôme de l’Opéra et la Bête dans la Belle et la Bête. D’autres exemples du grotesque romantique se trouvent également dans Edgar Allan Poe, E.T.A. Hoffmann, dans la littérature Sturm und Drang ou dans Tristram Shandy de Sterne. Le grotesque romantique est beaucoup plus terrible et sombre que le grotesque médiéval qui célébrait le rire et la fertilité. C’est à ce moment qu’une créature grotesque comme le monstre de Frankenstein (dans le roman de Mary Shelley publié en 1818) commence à être présentée avec plus de sympathie que l’étranger qui est la victime de la société. Mais le roman rend également la question de la sympathie problématique dans une société peu aimable. Cela signifie que la société devient le générateur du grotesque, par un processus d’aliénation. En fait, le monstre grotesque de Frankenstein tend à être décrit comme «la créature».

Le grotesque a reçu une nouvelle forme avec les aventures d’Alice au pays des merveilles par Lewis Carroll, quand une fille rencontre des figures fantastiques grotesques dans son monde imaginaire. Carroll réussit à rendre les personnages moins effrayants et adaptés à la littérature pour enfants, mais tout à fait étrange. Edward Lear est un autre écrivain grotesque qui a joué sur la relation entre le sens et le non-sens. Un non-sens humoristique ou festif de ce genre trouve ses racines dans les traditions fustiennes, emphatiques et satiriques du dix-septième siècle.

Edgar Allan Poe, dans le contexte littéraire du romantisme, a écrit un ensemble d’histoires qui ont été publiées en 1840 avec le titre Tales of the Grotesque et Arabesque (« contes du grotesque et arabesque »), qui semble se référer à l’utilisation de ces concepts dans un essai de Walter Scott (Sur le surnaturel dans la composition fictive – « Du surnaturel dans la composition fictive » -).

Au cours de la catégorie du corps grotesque du dix-neuvième siècle a été de plus en plus déplacé par la notion de déformation congénitale ou d’anomalie médicale. S’appuyant sur ce contexte, le grotesque commence à être compris plus en termes de difformité et de handicap, surtout après la Première Guerre mondiale, 1914-18. En ces termes, l’historienne de l’art Leah Dickerman a fait valoir que «la vue de corps horriblement brisés d’anciens combattants retournés sur le front intérieur est devenue monnaie courante. La croissance concomitante de l’industrie de la prothèse a créé chez les contemporains une race d’hommes semi-mécaniques et est devenue un thème important dans le travail dadaïste. La poésie de Wilfred Owen montre un sens poétique et réaliste de l’horreur grotesque de la guerre et du coût humain d’un conflit brutal. Des poèmes tels que «Spring Offensive» et «Greater Love» combinent des images de beauté avec une brutalité et une violence choquantes afin de donner un sens au choc grotesque des contraires. De la même manière, Ernst Friedrich (1894-1967), fondateur du Berlin Peace Museum, anarchiste et pacifiste, est l’auteur de War Against War (1924) qui utilise des photographies grotesques de victimes mutilées de la Première Guerre mondiale pour faire campagne pour la paix.

Le gothique méridional est un genre fréquemment identifié aux grotesques et William Faulkner est souvent cité comme le maître de cérémonie. Flannery O’Connor a écrit: «Chaque fois que l’on me demande pourquoi les écrivains du Sud ont un penchant particulier pour écrire sur les monstres, je dis que c’est parce que nous sommes encore capables d’en reconnaître un» («Quelques aspects du Grotesque dans la Fiction du Sud», 1960 ). Dans le court métrage souvent anthologisé d’O’Connor «Un homme bon est difficile à trouver», le Misfit, un tueur en série, est clairement une âme mutilée, totalement insensible à la vie humaine, mais poussée à rechercher la vérité. Le grotesque moins évident est la grand-mère polie et adorée qui ignore son égoïsme étonnant. Un autre exemple du grotesque de O’Connor, souvent cité, est sa courte histoire intitulée «Un temple du Saint-Esprit». Le romancier américain, Raymond Kennedy est un autre auteur associé à la tradition littéraire du grotesque.

Les auteurs contemporains de fiction grotesque littéraire incluent Ian McEwan, Katherine Dunn, Alasdair Grey, Angela Carter, Jeanette Winterson, Umberto Eco, Patrick McGrath, Natsuo Kirino, Paul Tremblay, Matt Bell, Chuck Palahniuk, Brian Evenson, Caleb J. Ross (qui écrit fiction grotesque domestique), Richard Thomas et de nombreux auteurs qui écrivent dans le genre bizarro de la fiction. En 1929, G.L Van Roosbroeck a écrit un livre intitulé « GROTESQUES » (illustrations de J. Matulka) publié par The Williamsport Printing and Binding Co., Williamsport, PA. C’est une collection de 6 histoires et 3 fables pour les enfants de demain.

Culture pop du Grotesque:
D’autres auteurs contemporains qui ont exploré le grotesque dans la culture pop sont John Docker, dans le contexte du postmodernisme; Cintra Wilson, qui analyse la célébrité; et Francis Sanzaro, qui discute de sa relation avec l’accouchement et l’obscénité.

Le dramaturge italien Luigi Pirandello a utilisé le terme « grotesque » comme un nom pour son propre style théâtral naturaliste qui reflète une réalité comique et tragique.

Dans le théâtre de l’Argentine et de l’Uruguay, un sous-genre de genre dramatique est appelé « grotesque », dérivé du sainete et du vaudeville, qui depuis le début du 20ème siècle montre la vie des immigrés entassés dans des tènements Cour). La perspective était caricaturale, répondant au stéréotype et à la moquerie avec lesquels les créoles avaient l’habitude de voir arriver les Italiens, les Espagnols, les Russes ou les Arabes dans les récentes vagues migratoires. Certains des auteurs des sainetes étaient cependant des enfants de ces immigrants.

Une pièce importante de la sainete est El conventillo de la Paloma, d’Alberto Vacarezza, dont l’étage principal est précisément le patio de l’immeuble. Armando Discépolo a introduit un tournant dramatique et sombre dans le foyer de ces environnements et a créé ce qu’il a appelé « grotesque criollo ». Les œuvres Mustafá, Giácomo, Babilonia, Stéfano, Crémone et Relojero, créées entre 1921 et 1934, sont des tragicomédias représentatives d’une dramaturgie qui a influencé les auteurs ultérieurs, tels que Roberto Cossa, Osvaldo Dragún, Carlos Gorostiza et Griselda Gambaro.

Les styles théâtraux similaires sont le grotesque (forme dramatique créée par l’Espagnol Ramón del Valle Inclán – Les Bouches de bohème, Los cuernos de don Friolera – qui le définissait comme une tentative de montrer la réalité dans un miroir déformant), le théâtre de l’absurde ( Alfred Jarry, Samuel Beckett, Miguel Mihura, Eugène Ionesco) et plus tard des formes d’humour surréaliste (dans des contextes théâtraux et non théâtraux).

Théâtre du Grotesque:
Le terme Théâtre du Grotesque fait référence à une école anti-naturaliste de dramaturges italiens, écrite dans les années 1910 et 1920, qui sont souvent considérés comme des précurseurs du Théâtre de l’Absurde. Caractérisé par des thèmes ironiques et macabres de la vie quotidienne dans l’ère de la première guerre mondiale. Le théâtre du grotesque a été nommé d’après la pièce «Le Masque et le Visage» de Luigi Chiarelli, décrite comme «un grotesque en trois actes».

Friedrich Dürrenmatt est un auteur majeur de pièces de comédie grotesques contemporaines.

Architecture du Grotesque:
En architecture, le terme «grotesque» signifie une figure de pierre sculptée.

Les grotesques sont souvent confondus avec les gargouilles, mais la distinction est que les gargouilles sont des figures qui contiennent un jet d’eau par la bouche, tandis que les grotesques ne le font pas. Sans un bec d’eau, ce type de sculpture est également connu comme une chimère quand il représente des créatures fantastiques. Au Moyen Age, le terme babewyn était utilisé pour désigner à la fois les gargouilles et les grotesques. Ce mot est dérivé du mot italien babbuino, qui signifie « babouin ».

Typographie du Grotesque:
Le mot « Grotesque », ou « Grotesk » en allemand, est aussi fréquemment utilisé comme synonyme de sans-serif en typographie. À d’autres moments, il est utilisé (avec «Neo-Grotesque», «Humaniste», «Lineal» et «Geometric») pour décrire un style particulier ou un sous-ensemble de polices de caractères sans empattement. L’origine de cette association remonte au typewriter anglais William Thorowgood, qui introduisit le terme grotesque en 1835 et produisit en 1835 le pica grotesque à 7 lignes, la première police sans empattement contenant des minuscules réelles. Une étymologie alternative est probablement basée sur la réaction originale d’autres typographes à une telle typographie frappante sans relief.

Les caractères grotesques les plus populaires sont Franklin Gothic, News Gothic, Haettenschweiler et Lucida Sans (bien que ce dernier ne contienne pas le «G»), tandis que les polices de caractères néo-grotesques populaires incluent Arial, Helvetica et Verdana.