La grisaille, en peinture, est une technique picturale synonyme de clair-obscur, ou de clair-obscur, comme le précise Vasari. Il utilise seulement des nuances de la même couleur pour imiter le marbre, la pierre, le bronze (XVe siècle). Il est semblable, par ce principe, au monochrome, dans sa variante avec plusieurs tons de la même couleur. Il a souvent été utilisé pour préparer, dessiner, préfigurer une peinture finale (comme la sinopie). Il est également utilisé dans la technique du vitrail, en gris, en ajoutant des oxydes métalliques avant de cuire le verre.
Une grisaille est une peinture exécutée entièrement dans des tons de gris ou d’une autre couleur grisâtre neutre. Il est particulièrement utilisé dans de grands projets décoratifs à l’imitation de la sculpture. Beaucoup de grisailles comprennent une gamme de couleurs légèrement plus large, comme la fresque Andrea del Sarto illustrée. Les peintures exécutées en brun sont appelées brunaille, et les peintures exécutées en vert s’appellent verdaille.
Une grisaille peut être exécutée pour elle-même, comme peinture sous-jacente pour une peinture à l’huile (en préparation de couches de vitrage de couleur) ou comme modèle pour un graveur. « Rubens et son école utilisent parfois des techniques monochromes pour dessiner des compositions pour des graveurs. » La coloration complète d’un sujet fait beaucoup plus de demandes d’un artiste, et le travail en grisaille était souvent choisi comme étant plus rapide et moins cher, bien que l’effet ait été parfois délibérément choisi pour des raisons esthétiques. Les peintures de Grisaille ressemblent aux dessins, normalement en monochrome, que les artistes de la Renaissance ont été formés à produire; Comme les dessins, ils peuvent aussi trahir la main d’un assistant moins talentueux plus facilement qu’une peinture entièrement colorée.
Giotto utilise la grisaille dans les registres inférieurs de ses fresques de la chapelle Scrovegni, et Robert Campin, Jan van Eyck et leurs successeurs peignent des figures en grisaille à l’extérieur des ailes des triptyques, dont le retable de Gand. A l’origine, ce sont les côtés exposés la plupart du temps, les portes étant normalement fermées sauf les jours de fête ou à la demande (payante) des touristes. Cependant aujourd’hui ces images sont souvent invisibles dans les musées quand le tryptyque est exposé ouvert et plat contre un mur. Dans ces cas, l’imitation de la sculpture était destinée; la sculpture était encore plus chère qu’une peinture même par un maître.
Les manuscrits enluminés étaient souvent produits à la plume et lavés avec une gamme de couleurs très limitée, et de nombreux artistes tels que Jean Pucelle et Matthew Paris se sont spécialisés dans ce genre de travail, particulièrement répandu en Angleterre depuis l’époque anglo-saxonne. Les artistes de la Renaissance tels que Mantegna et Polidoro da Caravaggio ont souvent utilisé la grisaille comme un effet de classicisation, soit en imitant l’effet d’un relief sculpté classique, soit de la peinture romaine.
Aux Pays-Bas, on peut retracer une tradition continue de peintures en grisaille depuis la peinture hollandaise ancienne jusqu’à Martin Heemskerck, Pieter Brueghel l’Ancien (le Christ et la femme pris en adultère) et Hendrik Goltzius, et à travers la copieuse production d’Adriaen van de Venne. le cercle de Rembrandt et Jan van Goyen.
Les fresques de plafond de la chapelle Sixtine ont des parties de la conception en grisaille, tout comme la partie inférieure de la grande décoration d’escalier d’Antonio Verrio à Hampton Court.
La grisaille est une technique qui a surtout été utilisée dans la peinture sur panneau médiévale. Un exemple de ceci est l’autel Heller, peint par Matthias Grünewald et Albrecht Dürer. Von Grünewald produit les ailes encore ailées sur lesquelles les saints, peints en Grisaille, ressemblent à des sculptures dans des niches murales.
Dans la technique du vitrage, une première couche de technique de grisaille est utilisée pour décrire et capturer les formes et la lumière dans une peinture indépendamment du schéma de couleurs ultérieur. Après séchage de cette première couche, la couche de grisaille est teinte en couches transparentes, de sorte que la lumière sur les formes et les couleurs sont produites séparément les unes des autres. Afin de reproduire des nuances plus réalistes de la peau humaine, la peinture de la Renaissance dans les représentations figuratives a également utilisé une première couche de peinture vert clair monochrome, qui a donné à cette variante le nom Verdaccio. Ainsi, cette technique de peinture correspond au teint typique de la peau.
Un exemple bien connu de peinture en grisaille est la prédication de Jean-Baptiste par Rembrandt dans le Staatliche Museen zu Berlin – Preussischer Kulturbesitz, écrite vers 1634/35. Au XXe siècle, le Guernica de Pablo Picasso et le 18 octobre 1977 de Gerhard Richter montrent une utilisation moderne de cette forme de peinture.
A l’époque baroque, la peinture en grisaille était typique de l’embellissement ornemental des églises réformées, car, contrairement à la peinture polychrome ou au stuc, elle correspond à l’exigence zwinglienne de la simplicité. L’église Gränichen ou l’église Bätterkinden en sont des exemples bien connus. De plus, des arabesques en grisaille et d’autres motifs ornementaux ou figuratifs étaient également courants dans les églises catholiques et les monastères.
La technique de la grisaille à l’aquarelle et à la gouache a également été utilisée à la fin du XIXe et au début du XXe siècle; en particulier dans la peinture de paysage comme un modèle pour l’impression typographique en noir et blanc, car il n’y avait pas d’impression de couleur pour ce pas ou seulement comme des lithographies. Par exemple, pour les photos dans les annuelles et magazines Alpenvereins tels que Illustrierte Welt. Les artistes étaient des artistes connus tels que Zeno Diemer et E. T. Comton.
La grisaille, bien que moins répandue au 20ème siècle, continue comme technique artistique. La peinture Guernica de Pablo Picasso en est un exemple contemporain.
Hugo Bastidas est un peintre américain contemporain connu pour les peintures en noir et blanc qui imitent l’effet de la grisaille et ressemblent souvent à des photographies en noir et blanc. Les peintures de Bastidas font fréquemment référence à l’architecture, à l’eau, à la végétation et à l’histoire de l’art, et reflètent ses préoccupations concernant la condition humaine, la mondialisation et leurs effets sur le bien-être de la Terre. Après son retour à New York d’une bourse Fulbright dans son pays natal, l’Équateur, au début des années 1990, Bastidas a commencé à utiliser une palette de couleurs restreintes de noir et blanc. Ses toiles à moyenne et grande échelle évoquent la photographie en noir et blanc et présentent des zones contrastées de détail haut et bas. En réalisant des milliers de marques avec une brosse en poils de porc n ° 1 sur du lin apprêté avec de la colle de lapin, Bastidas atteint un haut niveau de définition de l’image. Il travaille également dans la photographie numérique, qui informe son sujet sans rendre un effet photo-réaliste.
Avec l’accent mis sur la peinture directe (alla prima) au XXe siècle, la technique de la grisaille a perdu la faveur des artistes de l’époque. Cette méthode historique est encore incorporée dans le programme de certains ateliers privés.
Le terme est également appliqué à la peinture monochrome dans d’autres médias tels que les émaux, où un effet semblable à un soulagement en argent peut être prévu. Il est commun dans le vitrail, où le besoin de sections de différentes couleurs était ainsi grandement réduit. Des parties d’une fenêtre peuvent être réalisées en grisaille – en utilisant, par exemple, de la teinture à l’argent ou de la peinture vitreuse – tandis que d’autres sections sont réalisées en verre coloré.