Le goût grec est le terme appliqué à la première expression du style néoclassique en France, il se réfère spécifiquement aux arts décoratifs et à l’architecture du milieu des années 1750 à la fin des années 1760. Le style était plus fantaisiste qu’historique, bien que les premiers levés archéologiques de la Grèce aient commencé à apparaître à cette époque. Il était caractérisé par de sévères formes rectilignes et trabécées avec des détails grecs quelque peu rudimentaires incorporant des pilastres audacieux, des parchemins ioniques, des touches grecques et des frettes et des guillochis. L’origine du style peut être trouvée dans la suite de mobilier conçue par Louis-Joseph Le Lorrain pour le financier parisien Ange-Laurent de La Live de Jully (maintenant au Musée Condé, Chantilly). En comparaison avec le style rococo qui prévaut, l’austérité de ces pièces est austère, et l’autorité contemporaine de l’antiquité grecque, le comte de Caylus, trouva des éloges. Les gravures de l’architecte Jean-François de Neufforge, l’architecture de Charles De Wailly et les créations de Philippe de La Guêpière ont également joué un rôle important. Le goût grec était un style de cercles d’avant-garde dans Paris haut de gamme, mais a été ignoré à la cour de Versailles, où un style plus conservateur, raidi Louis XV et modifié « Transition » obtenu.

Le premier exemple de « goût grec » est considéré comme le cabinet de Laliva de Julli à Paris, créé en 1756 par de Shedeuville avec d’autres auteurs. Il n’en subsiste que des meubles qui ont déjà tous les signes du classicisme à venir: guirlandes antiques, motifs de méandres, etc.

Le goût grec a été éphémère et remplacé rapidement par les délicats, linéaires (ou insipides, selon les préférences) goût étrusque et goût arabesque, néo-étrusque et arabesques avec des parallèles plus proches dans le style britannique contemporain d’Adam des années 70 et 80s.

Contexte
L’éveil de l’intérêt pour l’art ancien est associé à plusieurs raisons. D’abord, c’est la fatigue de ce qui entoure les gens. Intérieurs dans le soi-disant. le style rococo était beau, élégant, luxueux, mais il y en avait déjà trop, et ils semblaient monotones (pour le comprendre, il suffit de faire défiler deux volumes du grand ouvrage de G. Frédé Blondel « De la distribution des maisons de plaisance et de la décoration des édifices en général « en 1737). Je voulais de la nouveauté. En outre, dans la partie éclairée de la société française apparurent des apologistes de la raison qui ne pouvaient accepter les innovations à la mode des architectes contemporains pour leur prétention et leur illogisme. L’architecte J. Boffrand, qualifiant le style dominant de son époque de «mauvaise mode», en 1745, l’assaille presque de malédictions: «La mode est un tyran du goût … La mode a modifié les formes et les contours de toutes les parties des bâtiments et on a utilisé un mélange flou de courbes et de lignes droites sans discrimination, … on les utilise pour les affaires ou pas! »On peut cependant reprocher à Boffran d’avoir lui-même suivi cette voie. Plus cohérent dans ses actions était J. Fr. Blondel, qui a commencé tôt à promouvoir l’architecture rationnelle, c’est-à-dire, après Vitruve, l’architecture est logique et raisonnable, dans laquelle tous les composants faisaient partie intégrante de l’ensemble et avaient des proportions, déterminées par leur fonction.

Enfin, la troisième raison – l’émergence de nouvelles informations sur les villes anciennes, précédemment inconnues ou non disponibles pour les Européens. Dans les années 1750-1760. en Europe, les descriptions de Palmyre, de Baalbek et d’Athènes avec de magnifiques illustrations gravées et des mesures détaillées ont été publiées.

Mais tout d’abord nous devrions parler de Pompéi et Herculanum, dont les fouilles dans les années 1740-50. intensifié. Ils pourraient donner non seulement une idée des habitations des riches Romains (avant que cette connaissance fût hypothétique, et la reconstruction des maisons antiques, faite par A. Palladio, était surtout le fruit de son imagination), mais en eux de grandes quantités de articles de décoration intérieure, non connus auparavant. Ainsi, dans la description des antiquités d’Herculanum en 1754, les lecteurs pouvaient trouver non seulement des informations, mais aussi voir des images du théâtre, «un certain bâtiment public, considéré comme un forum de la ville, et deux temples», tombes, lampes antiques, vases, trépieds, une table sur une jambe et une statue inconnue de Nonnius Balbus (Nonnius Balbus). Toutes ces nouvelles ont fait exploser l’enthousiasme. Les architectes se sont précipités pour concevoir des maisons au goût des Grecs, et les artistes modernes, fabricants de meubles, bronzers et autres ont présenté au marché de nombreux travaux dans le goût le plus récent, qui ont été considérés comme vrai grec seulement parce qu’ils différaient par des formes géométriques strictes. motifs décoratifs pris dans l’arsenal des maîtres anciens.

En même temps, une «théorie grecque» sur la supériorité de la Grèce sur Rome commença à se former en Europe. Un des théoriciens du néoclassicisme, MA Logje, rapporte à cette occasion en 1755: « Les ordres toscan et composite ne sont rien de plus que l’emprunt et ils diffèrent du précédent (dorique, ionique et corinthien – auth.) Seulement par le style du hasard. L’ordre toscan n’est qu’un grossier dorique, et le composite est un mélange assez agréable d’ionique et de corinthien: l’architecture est un peu obligée pour les Romains, et elle est seulement obligée aux Grecs par tout ce qu’elle a de précieux et d’approfondi. . PJ Mariette, plus catégorique dans son attitude envers les Romains, les considérait généralement comme des colonialistes des Grecs et des Étrusques qui avaient maîtrisé les règles de leurs prédécesseurs et amené l’art au luxe extrême. Il est arrivé au point qu’en renversant les anciennes autorités, les nouveaux Européens ont osé critiquer même Palladio! R. Sayer déplorait dans la préface de ses « Ruines d’Athènes » (1759) que même les meilleurs commentateurs de Vitruve, la seule autorité, « sont absolument inexacts et contradictoires et s’écartent de son dessein d’architecture » et « maintenant vous voyez rarement un chanson digne de ce nom « . À la lumière de nouvelles découvertes, il semblait suffisant de se défaire du luxe et de la grandeur romaine, d’arrêter d’utiliser des mandats composites et de tusk, de poser des colonnes sur des socles et de poser des frontons triangulaires sur l’architecture grecque.

Décor au goût grec
En 1763 déjà, FM Grimm déclarait que «maintenant tout le monde fait du grec» Décor de façades et d’intérieurs, de meubles, de tissus, d’ornements – tout est désormais grec à Paris: de l’architecture, la mode s’installe aux bancs de mode Grec, nos gentilshommes se croiront disgraciés s’ils n’ont pas de tabatière au goût grec.

En architecture
On peut trouver de nombreux exemples d’architecture en grec dans le travail multivolume de J. Fr. Nephorzha, dont la publication a commencé en 1757, et des échantillons de la situation – dans les premiers ravages de J. Sh. Delafoss.

Un exemple du nouveau goût était la façade de l’église de la Madeleine à Paris, compilée par l’architecte Contan d’Ivri en 1761 sous l’influence de la reconstitution du palladium du Temple du Soleil. L’auteur lui-même écrivait fièrement à propos de sa création que le portique du temple de l’architecture grecque « peut devenir très nouveau en France ». En raison de difficultés économiques, la construction a été retardée et la Révolution l’a suspendue. Le temple a été achevé seulement au XIXème siècle. un architecte complètement différent. Mais même le projet non réalisé a influencé la nouvelle architecture européenne.

Sous son influence, en particulier, a créé un portique de la cathédrale de la Trinité de l’Alexander Nevsky Lavra et même un portique plus tard de l’église néerlandaise sur Nevsky Prospekt.

Œuvres d’art
Le goût du public a changé sous nos yeux. Ce qui était à la mode aujourd’hui, après-demain semblait obsolète.

Catherine II, ayant commandé à la fin des années 1760. à Paris, un luxueux ensemble d’argent (plus tard, elle a donné à Gregory Orlov, maintenant il est connu comme le « Orlov », les articles restants sont dans l’État Hermitage) et bientôt reçu des croquis, a été forcé d’exiger des changements. Nous apprenons ceci à partir de la réponse du maître Roatier pour le 7 avril 1770: « … puisque EI V. veut abandonner toutes sortes de figures et de cartels, nous ferons de notre mieux pour les remplacer par des ornements antiques et en suivant le le meilleur goût, selon les souhaits, il réduit également le prix, et cela peut être réalisé de deux façons, puisque tous les chiffres contribuent seulement à une augmentation des coûts, mais n’ajoutent rien au mérite de la chose …  » (cité d’un document de la RGIA, original en français).

Eléments décoratifs
Les éléments les plus caractéristiques de la nouvelle tendance de l’art sont le méandre, les guirlandes antiques et les guirlandes, les «serviettes» et les têtes de chèvre, décorées avec des meubles et un objet très à la mode – l’encensoir. Et de nombreux bâtiments nouvellement construits étaient littéralement couverts de médaillons avec des profils antiques. Nous les trouvons même sur des bâtiments qui ne sont pas liés à un nouveau goût. Par exemple, sur les façades du palais Stroganov sur la perspective Nevski à Saint-Pétersbourg.

Intérieur et mobilier
En général, de nouveaux travaux ont été créés contrairement aux anciens. Ainsi, les meubles dans le style rococo ont différé la plasticité, il était difficile de comprendre où l’accoudoir commence, la jambe. Les meubles dans le nouveau goût avaient déjà des formes géométriques strictes et semblaient assemblés du concepteur. En finissant les intérieurs anciens, exécutés avec une grâce extrême, les motifs de la boucle (rokail et cartels) ont prévalu. Les nouveaux intérieurs différaient de leur ancien avec leurs formes lapidaires, et les éléments architecturaux incluaient des détails architecturaux: consoles lourdes, sandricks. Les murs eux-mêmes dans de nombreux cas sont restés absolument lisse.

La nouvelle mode a apporté une grande variété à l’art et, par conséquent, à l’environnement matériel de l’homme, puisque c’était un temps d’expériences sur un thème antique. Des informations précises sur la façon dont les monuments de l’antiquité ont regardé, ne suffisaient toujours pas, sans compter que l’imagination des artistes ne voulait pas se limiter uniquement aux échantillons proposés. C’est pourquoi, pour remplacer les fours monotones sous la forme d’une coquille, des colonnes de poêle, des fours, des obélisques, des pyramides et même des fourneaux-tombes sont venus. La même horloge cantilever monotone dans des caisses en bois avec des coussinets en bronze plaqué or a été remplacée par des horloges sculpturales en forme de figures antiques. Des rotateurs d’horloge apparurent sous la forme d’une urne antique entourée d’un serpent qui servait à la fois de pendule. Les heures ont été faites sous la forme d’une colonne, d’un pavillon de parc, etc.

Dans un premier temps, les objets «pittoresques» et les goûts les plus récents ou «grecs» ont coexisté sur un pied d’égalité à la fois dans les intérieurs et dans les ravins. C’est ainsi qu’ils sont présentés dans «Le troisième volume de l’œuvre de J. Ch. Delafosse» en 1760. Peu à peu, le nouveau est devenu habituel, alors le seul possible, et une fois la mode disparue.