L’art gothique était un style d’art médiéval qui s’est développé dans le nord de la France à partir de l’art roman au XIIe siècle après JC, dirigé par le développement simultané de l’architecture gothique. Il s’est répandu dans toute l’Europe occidentale et une grande partie de l’Europe méridionale et centrale, sans jamais effacer les styles plus classiques d’Italie. À la fin du 14e siècle, le style sophistiqué de la cour du gothique international s’est développé et a continué d’évoluer jusqu’à la fin du 15e siècle. Dans de nombreux domaines, en particulier en Allemagne, l’art du gothique tardif s’est poursuivi jusqu’au XVIe siècle, avant d’être intégré à l’art de la Renaissance. Les principaux médias de la période gothique comprenaient la sculpture, la peinture sur panneau, les vitraux, les fresques et les manuscrits enluminés. Les changements d’architecture facilement reconnaissables du roman au gothique et du gothique à la Renaissance,

L’art gothique le plus ancien était la sculpture monumentale, sur les murs des cathédrales et des abbayes. L’art chrétien était souvent de nature typologique (voir allégorie médiévale), montrant côte à côte les histoires du Nouveau Testament et de l’Ancien Testament. La vie des saints était souvent représentée. Les images de la Vierge Marie sont passées de la forme emblématique byzantine à une mère plus humaine et plus affectueuse, caressant son bébé, se balançant de sa hanche et montrant les manières raffinées d’une femme courtoise aristocratique bien née.

L’art laïque a pris son essor au cours de cette période avec l’essor des villes, la fondation d’universités, l’augmentation du commerce, la création d’une économie monétaire et la création d’une classe bourgeoise qui pouvait se permettre de fréquenter les arts et de commander des œuvres, ce qui a donné lieu à une prolifération de peintures et de manuscrits enluminés. Une alphabétisation accrue et un corpus croissant de littérature laïque vernaculaire ont encouragé la représentation de thèmes profanes dans l’art. Avec la croissance des villes, des guildes commerciales se sont formées et les artistes ont souvent dû être membres d’une guilde de peintres. En conséquence, en raison d’une meilleure tenue des registres, plus d’artistes nous sont connus par leur nom pendant cette période que par le passé; certains artistes ont même eu l’audace de signer leur nom.

Les origines
L’art gothique a vu le jour en Île-de-France, en France, au début du XIIe siècle à l’église abbatiale Saint-Denis construite par l’abbé Suger. Le style s’est rapidement étendu au-delà de ses origines dans l’architecture à la sculpture, à la fois monumentale et personnelle, l’art textile et la peinture, qui ont pris une variété de formes, notamment la fresque, le vitrail, le manuscrit enluminé et la peinture sur panneau. Les ordres monastiques, en particulier les cisterciens et les chartreux, ont été d’importants bâtisseurs qui ont diffusé le style et en ont développé des variantes distinctives à travers l’Europe. Les variations régionales de l’architecture sont restées importantes, même lorsque, à la fin du 14e siècle, un style universel cohérent connu sous le nom de gothique international avait évolué, qui s’est poursuivi jusqu’à la fin du 15e siècle, et au-delà dans de nombreux domaines.

Bien qu’il y ait eu beaucoup plus d’art gothique laïque qu’on ne le pense souvent aujourd’hui, comme généralement le taux de survie de l’art religieux a été meilleur que pour les équivalents laïques, une grande partie de l’art produit à l’époque était religieuse, qu’elle soit commandée par l’église ou par les laïcs. L’art gothique était souvent de nature typologique, reflétant la croyance que les événements de l’Ancien Testament préfiguraient ceux du Nouveau, et que c’était en effet leur signification principale.

Des scènes de l’Ancien et du Nouveau Testament ont été montrées côte à côte dans des œuvres comme le Speculum Humanae Salvationis et la décoration des églises. La période gothique a coïncidé avec une grande résurgence de la dévotion mariale, dans laquelle les arts visuels ont joué un rôle majeur. Les images de la Vierge Marie se sont développées à partir des types hiératiques byzantins, à travers le couronnement de la Vierge, vers des types plus humains et intimes, et les cycles de la vie de la Vierge étaient très populaires. Des artistes comme Giotto, Fra Angelico et Pietro Lorenzetti en Italie et la peinture hollandaise primitive ont apporté du réalisme et une humanité plus naturelle à l’art. Les artistes occidentaux et leurs mécènes sont devenus beaucoup plus confiants dans l’iconographie innovante, et beaucoup plus d’originalité est observée, bien que des formules copiées soient encore utilisées par la plupart des artistes.

L’iconographie a été affectée par des changements dans la théologie, avec des représentations de l’Assomption de Marie gagnant du terrain sur la mort plus ancienne de la Vierge, et dans des pratiques de dévotion telles que la Devotio Moderna, qui ont produit de nouveaux traitements du Christ dans des sujets tels que l’Homme de douleur, Le Christ pensif et Pietà, qui ont souligné sa souffrance humaine et sa vulnérabilité, dans un mouvement parallèle à celui des représentations de la Vierge. Même dans les Jugements dernier, Christ était maintenant généralement montré exposant sa poitrine pour montrer les blessures de sa passion. Les saints ont été montrés plus fréquemment et les retables ont montré des saints pertinents pour l’église ou le donateur en particulier qui assistaient à une crucifixion ou à la Vierge à l’enfant intronisée, ou occupaient l’espace central eux-mêmes (généralement pour les œuvres conçues pour les chapelles latérales).

Caractérisation
Devant les églises et monastères romans, cela dit en général, le gothique se dresse, comme son œuvre architecturale emblématique, de prodigieuses cathédrales pleines de lumière et de grande hauteur, ce sont ses principales contributions techniques, qui se justifient par la des écrits de Pseudo Dionisio Aeropagita, bien qu’une architecture civile importante ait également été développée. Une autre de ses caractéristiques est que d’autres arts plastiques, comme la peinture et la sculpture, ont commencé à devenir indépendants de leur subordination au support architectural.

Cependant, il existe également de nombreux éléments de continuité: il s’agit toujours d’un art à prédominance religieuse; Le monastère en tant qu’institution ne varie guère, sauf dans les détails formels et l’adaptation aux nouvelles exigences, mais sa disposition n’a pas présenté de variations, et le plan des églises, principalement des cathédrales, est resté principalement une croix latine avec une tête d’abside face à l’est, bien qu’il était compliquée ou variée (plantes basilicales, placement du transept au centre, complication des nefs, chapelles et ambulances). Sans aucun doute, l’élément principal de la continuité est la conception intemporelle du travail: dans la plupart des constructions, les styles se succèdent et fusionnent au rythme des siècles, les contemporains sachant qu’ils font une œuvre qu’ils ne verraient pas terminée, ni peut-être leur enfants ou petits-enfants, mais que la construction de ces bâtiments implique le je travaille plusieurs générations. Dans beaucoup d’entre eux, même l’audace de lancer un défi technique ou économique est appréciée, parfois en raison de rivalités politiques qui, lorsque le projet est lancé, n’ont pas été entièrement planifiées, on ne sait donc pas comment le mener à bien, c’est le cas de les cathédrales de Sienne et Florence.

La lumière
Les nouveaux édifices religieux se caractérisent par la définition d’un espace qui veut apporter aux fidèles, de manière expérientielle et presque palpable, les valeurs religieuses et symboliques de l’époque. l’humanisme a libéré l’homme de l’obscurité sombre et l’a invité dans la lumière. Ce fait est lié à la diffusion des courants philosophiques néoplatoniques, qui établissent un lien entre le concept de Dieu et le champ de lumière. Comme les nouvelles techniques de construction rendaient les murs pratiquement inutiles au profit des ouvertures, l’intérieur des églises était rempli de lumière et la lumière façonnerait le nouvel espace gothique. Ce sera une lumière physique, non contenue dans les peintures et les mosaïques; lumière générale et diffuse, non concentrée en points et dirigée comme s’il s’agissait d’un foyer; en même temps qu’elle est une lumière transfigurée et colorée à travers le jeu des vitraux et des rosaces, qui transforme l’espace en un irréel et symbolique. La couleur deviendra d’une importance cruciale.

La lumière est comprise comme la sublimation de la divinité. La symbologie domine les artistes de l’époque, l’école de Chartres considère la lumière comme l’élément le plus noble des phénomènes naturels, l’élément le moins matériel, l’approximation la plus proche de la forme pure.

L’architecte gothique organise une structure qui lui permet, grâce à l’utilisation de la technique, d’utiliser la lumière, la lumière transfigurée, qui dématérialise les éléments du bâtiment, procurant des sensations claires d’élévation et d’apesanteur.

Architecture
La nouveauté la plus originale de l’architecture gothique est la disparition des murs épais typiques de l’architecture romane. Le poids de la structure n’est plus absorbé par les murs, mais réparti sur des piliers et une série de structures secondaires placées à l’extérieur des bâtiments. Ainsi sont nés les murs de lumière, recouverts de magnifiques fenêtres, auxquels correspondait à l’extérieur un réseau complexe d’éléments de libération des forces. Les contreforts volants, les pinacles, les arcs de déchargement sont tous des éléments structurels, qui contiennent et dirigent les poussées latérales du toit vers le sol, tandis que les murs de remplissage perdent de leur importance, remplacés par les fenêtres. L’extraordinaire capacité des architectes gothiques ne se termine pas dans la nouvelle structure statique: les bâtiments, libérés de la limite des murs de maçonnerie, développés avec une impulsion verticale,

En Angleterre, il y a eu un développement supplémentaire de la voûte croisée avec la voûte à six segments puis la voûte radiale ou en éventail: des solutions qui ont permis une meilleure répartition du poids. La cathédrale gothique a été conçue comme une métaphore du ciel, c’est pourquoi le Jugement dernier a souvent été sculpté à son entrée.

Architecture gothique tardive
Aux XIVe et XVe siècles, le gothique s’est développé dans de nouvelles directions par rapport aux formes des deux siècles précédents.

La construction des XIVe et XVe siècles était caractérisée par une nef centrale de hauteur considérable et par les deux nefs latérales beaucoup plus basses. Cela signifiait que la lumière était surtout concentrée au niveau de la claire-voie.

Dans le gothique tardif, en revanche, la disposition intérieure la plus courante suit le modèle de l’église-salle, c’est-à-dire avec les bas-côtés latéraux d’égale hauteur par rapport à la centrale. Cela signifiait que la lumière ne venait plus d’en haut, mais des parois latérales, éclairant de manière homogène l’ensemble de l’environnement. La directionnalité traditionnelle a également été modifiée, perdant sa forte connotation pour les axes précédents, au profit d’une spatialité polycentrique. Cette nouvelle vision de l’espace est également liée à la religiosité plus terrestre et mondaine du XVe siècle.

La géographie de cette nouvelle sensibilité présente une carte différente de celle du gothique classique: les régions les plus innovantes sont l’Allemagne, la Bohême, la Pologne, l’Angleterre et la zone alpine.

La péninsule ibérique a vu la construction de quelques grandes cathédrales du XVe au XVIe siècle, inspirées des modèles français et allemands des siècles précédents. Au Portugal, une tendance autonome a abouti à ce que l’on appelle l’art manuélin.

La peinture
La peinture dans un style que l’on peut appeler gothique n’est apparue que vers 1200, près de 50 ans après les origines de l’architecture et de la sculpture gothiques. La transition du roman au gothique est très imprécise et n’est pas du tout une rupture nette, et les détails ornementaux gothiques sont souvent introduits avant que beaucoup de changements ne soient observés dans le style des figures ou des compositions elles-mêmes. Ensuite, les figures deviennent plus animées dans la pose et l’expression du visage, ont tendance à être plus petites par rapport à l’arrière-plan des scènes et sont disposées plus librement dans l’espace pictural, où il y a de la place. Cette transition se produit d’abord en Angleterre et en France vers 1200, en Allemagne vers 1220 et en Italie vers 1300. La peinture à l’époque gothique était pratiquée sur quatre supports principaux: les fresques, les peintures sur panneau, l’illumination des manuscrits et les vitraux.

La peinture à l’époque gothique a subi un décalage horaire considérable par rapport aux autres arts, se renouvelant avec un retard de trois à quatre décennies, grâce à l’école italienne (en particulier toscane et peut-être romaine). Ce n’est que dans la seconde moitié du XIIIe siècle, brûlant rapidement les scènes, que le tableau se renouvelle pleinement, grâce au travail de Giotto.

Les raisons de ce retard étaient probablement liées aux différents modèles que possédaient la peinture et la sculpture: à l’époque romane, la sculpture avait déjà été renouvelée, redécouvrant dans certains cas les œuvres du classicisme encore existantes, tandis que pour la peinture, le principal modèle de référence était cependant le byzantin école. Avec la conquête de Constantinople lors de la quatrième croisade (1204) et avec la formation des royaumes latins d’Orient, le flux de peintures byzantines et de mosaïques s’était même épaissi.

Dans la seconde moitié du XIIIe siècle, à l’époque de Nicola Pisano, le décalage entre vivacité narrative, rendu naturaliste et force expressive entre sculpture et peinture atteint son paroxysme, les peintres étant désarmés face aux extraordinaires innovations introduites par les sculpteurs. En deux générations, cependant, les peintres ont pu brûler les scènes, renouveler les modèles et le langage, allant même jusqu’aux arts picturaux pour retrouver spatialité, vivacité narrative, figures crédibles et cadres architecturaux ou paysagers plausibles. La peinture a également profité du renouvellement d’une clientèle plus large, en raison des coûts nettement moins chers.

De la peinture romane, en particulier dans le centre de l’Italie, avait hérité la propagation des plaques peintes, soutenues par les ordres mendiants pour leur portabilité pratique. Les sujets principaux n’étaient pas nombreux:

Des crucifix en forme, passés suspendus au bout des nefs des églises pour susciter l’agitation des fidèles;
Madones avec l’enfant, symboles de l’Ecclesia et symbole d’une relation mère / enfant qui humanise la religion;
Représentations de saints, parmi lesquelles se détachent les nouvelles iconographies liées à la figure de saint François d’Assise.
Parmi les maîtres du XIIIe siècle italien se trouvaient Berlinghiero Berlinghieri et Margaritone d’Arezzo, tous deux encore entièrement byzantins, mais qui commencent à montrer des caractères typiquement occidentaux. Plus tard, Giunta Pisano est arrivée à la limite des possibilités de l’art byzantin, touchant la création d’un style typiquement « italien ». Cette limite a été dépassée par Cimabue, le premier, selon Giorgio Vasari aussi, qui s’est écarté de la « voie grecque stupide et peu agile et ordinaire ». Enfin, un nouveau style occidental moderne s’est formé sur le chantier de construction de la basilique supérieure d’Assise, avec les célèbres fresques attribuées à Giotto. Des études récentes ont cependant partiellement réduit le champ d’innovation de l’école italienne,

Outre l’école Giotto (Taddeo Gaddi, Giottino, le Maestro della Santa Cecilia, Maso di Banco, etc.), l’école siennoise avec des maîtres tels que Duccio di Buoninsegna, Pietro et Ambrogio Lorenzetti et Simone Martini était également d’une grande importance. L’importance de l’école romaine avec Pietro Cavallini, Jacopo Torriti et d’autres est également assez récente. Des personnalités plus indépendantes étaient Buonamico Buffalmacco ou Vitale de Bologne.

Fresques
Les fresques ont continué à être utilisées comme le principal art narratif pictural sur les murs des églises en Europe du Sud, dans le prolongement des premières traditions chrétiennes et romanes. Un accident de survie a donné au Danemark et à la Suède les plus grands groupes de peintures murales d’église survivantes dans le style Biblia pauperum, s’étendant généralement jusqu’aux voûtes croisées récemment construites. Au Danemark et en Suède, ils étaient presque tous recouverts de chaux après la Réforme qui les a préservés, mais certains sont également restés intacts depuis leur création. Parmi les plus beaux exemples du Danemark figurent ceux du maître Elmelunde de l’île danoise de Møn qui a décoré les églises de Fanefjord, Keldby et Elmelunde. Albertus Pictor est sans doute l’artiste de fresque le plus connu de la période travaillant en Suède.

Vitrail
En Europe du Nord, le vitrail était une forme de peinture importante et prestigieuse jusqu’au XVe siècle, date à laquelle il a été supplanté par la peinture sur panneau. L’architecture gothique a considérablement augmenté la quantité de verre dans les grands bâtiments, en partie pour permettre de grandes étendues de verre, comme dans les rosaces. Au début de la période, on utilisait principalement de la peinture noire et du verre clair ou de couleur vive, mais au début du 14e siècle, l’utilisation de composés d’argent, peints sur du verre qui était ensuite cuit, a permis un certain nombre de variations de couleur, centrées sur jaunes, à utiliser avec du verre transparent en une seule pièce. À la fin de la période, les conceptions utilisaient de plus en plus de gros morceaux de verre qui étaient peints, avec les jaunes comme couleurs dominantes, et relativement peu de petits morceaux de verre dans d’autres couleurs.

Le développement de la peinture entre le XIIe et le XIVe siècle a été conditionné par l’émergence rapide de systèmes de construction gothiques. Dans la plupart des nouvelles cathédrales, les surfaces en verre sont désormais prédominantes par rapport à celles de la maçonnerie et la nécessité de décorer les murs devient donc de plus en plus marginale. C’est pour cette raison que les techniques anciennes et consolidées de la mosaïque et de la fresque sont confrontées à un déclin inévitable. Ce déclin est accompagné du raffinement contemporain de la peinture sur verre et de la peinture sur panneau, qui avait déjà commencé à se développer avec un certain succès à l’époque romaine. Sa réalisation n’est subordonnée à aucune exigence architecturale et cela permet aux artistes de s’exprimer en toute liberté. La peinture sur verre consiste à réaliser des fenêtres colorées à appliquer sur les fenêtres et rosaces des cathédrales.

Puisqu’au Moyen Âge de grandes dalles ne pouvaient pas être obtenues, chaque fenêtre devait être composée de plusieurs pièces assemblées. Pour cette raison, il a été décidé d’utiliser des verres colorés assemblés au moyen de cadres formés de bandes de plomb en forme de «H». Les verres ont d’abord été découpés avec des pointes en métal chauffées au rouge suivant les dessins réalisés précédemment, puis les différentes pièces s’insèrent entre les deux ailes de la bande de plomb. Chaque bande a été soudée à la bande adjacente afin de recomposer le dessin fourni par le carton. Le tout a finalement été inséré dans un cadre en fer et muré. Cette technique a permis d’obtenir des figurations de grand effet.

Afin de peindre les figures, il était nécessaire d’avoir des couleurs qui pouvaient adhérer directement au verre. En France, la grisaille (en grisaglia italienne) a été expérimentée, une substance obtenue à partir d’un mélange de poudres de verre et d’oxydes ferreux broyé et mélangé avec de l’eau et des colles animales. L’utilisation de la grisaille était très simple: elle était étalée sur les différents morceaux de verre à décorer et, une fois sèche, elle avait la particularité de les rendre opaques. Ensuite, la grisaille a été rayée avec un stylet en bois, mettant en évidence la transparence du verre en dessous. Pour fixer la peinture, il était nécessaire de recuire les verres individuels afin que la grisaille finisse de fondre et de se mélanger dans la pâte de verre elle-même. Ce faisant, les contours tracés sont devenus opaques,

La manière d’aborder les thèmes de la peinture est affectée par l’évolution de la situation historique, sociale et économique. La bourgeoisie urbaine est désormais animée d’un esprit de plus en plus concret et sa vision du monde et de la vie change également radicalement.

Il y a une mise à jour progressive des récits sacrés, dans lesquels les personnages des écritures sacrées apparaissent habillés de vêtements de l’époque et les lieux correspondent à des lieux existants.

En Italie, contrairement à la France, l’Angleterre, l’Allemagne et les Pays-Bas, la fresque, et en partie aussi la mosaïque, ont continué à avoir une très large diffusion. Dans les symboles religieux, la fenêtre permet le passage d’une lumière surnaturelle et métaphysique. Les vitraux rappellent, selon l’eschatologie chrétienne, les splendeurs de la Jérusalem céleste de l’Apocalypse. La lumière est l’esprit de Dieu et la fenêtre est un symbole de Marie qui brille avec la lumière divine. Souvent, le nombre de vitraux a une valeur symbolico-religieuse: ils sont en groupes de trois (la Trinité), de quatre (les évangélistes), en segments de sept (les sept sacrements, les sept dons du Saint-Esprit, le sept jours de la création selon la Genèse).

Manuscrits et gravure
Les manuscrits enluminés représentent l’enregistrement le plus complet de la peinture gothique, fournissant un enregistrement des styles dans des endroits où aucune œuvre monumentale n’a autrement survécu. Les premiers manuscrits complets avec des illustrations gothiques françaises datent du milieu du XIIIe siècle. Beaucoup de ces manuscrits enluminés étaient des bibles royales, bien que les psautiers comprenaient également des illustrations; le Psautier parisien de Saint Louis, datant de 1253 à 1270, présente 78 enluminures pleine page en peinture tempera et feuille d’or.

À la fin du XIIIe siècle, les scribes ont commencé à créer des livres de prières pour les laïcs, souvent appelés livres d’heures en raison de leur utilisation à des heures prescrites de la journée. Le premier exemple connu semble avoir écrit pour une laïque inconnue vivant dans un petit village près d’Oxford vers 1240. La noblesse achetait fréquemment de tels textes, payant généreusement pour des illustrations décoratives; parmi les créateurs les plus connus de ceux-ci se trouve Jean Pucelle, dont les Heures de Jeanne d’Evreux ont été commandées par le roi Charles IV en cadeau à sa reine, Jeanne d’Évreux. Les éléments du gothique français présents dans de telles œuvres comprennent l’utilisation d’un encadrement de page décoratif rappelant l’architecture de l’époque avec des figures allongées et détaillées.

À partir du milieu du 14e siècle, les blocs-notes avec du texte et des images découpés comme gravure sur bois semblent avoir été abordables pour les prêtres des paroisses des Pays-Bas, où ils étaient les plus populaires. À la fin du siècle, des livres imprimés avec des illustrations, toujours principalement sur des sujets religieux, devenaient rapidement accessibles à la classe moyenne prospère, tout comme des gravures de qualité assez élevée par des graveurs comme Israhel van Meckenem et Master ES. Au 15ème siècle, l’introduction d’impressions bon marché, principalement en gravure sur bois, a permis même aux paysans d’avoir des images de dévotion à la maison. Ces images, minuscules au fond du marché, souvent grossièrement colorées, ont été vendues par milliers mais sont aujourd’hui extrêmement rares, la plupart ayant été collées sur des murs.

Retable et peinture sur panneau
La peinture à l’huile sur toile n’est devenue populaire qu’aux XVe et XVIe siècles et a été une caractéristique de l’art de la Renaissance. En Europe du Nord, l’importante et innovante école de peinture hollandaise primitive est dans un style essentiellement gothique, mais peut également être considérée comme faisant partie de la Renaissance du Nord, car il y a eu un long délai avant que la renaissance italienne de l’intérêt pour le classicisme ait eu un grand impact sur le nord. Des peintres comme Robert Campin et Jan van Eyck, ont utilisé la technique de la peinture à l’huile pour créer des œuvres minutieusement détaillées, correctes en perspective, où le réalisme apparent était combiné avec un symbolisme richement complexe découlant précisément des détails réalistes qu’ils pouvaient désormais inclure, même dans les petits travaux.

Dans la peinture hollandaise primitive, des villes les plus riches d’Europe du Nord, un nouveau réalisme minutieux dans la peinture à l’huile a été combiné avec des allusions théologiques subtiles et complexes, exprimées précisément à travers les décors très détaillés des scènes religieuses. Le retable Mérode (1420) de Robert Campin, et l’annonciation de Washington Van Eyck ou la Madone du chancelier Rolin (les deux 1430, par Jan van Eyck) en sont des exemples. Pour les riches, les petites peintures sur panneau, même les polyptyques dans la peinture à l’huile devenaient de plus en plus populaires, montrant souvent des portraits de donateurs aux côtés, bien que beaucoup plus petits que la Vierge ou les saints représentés. Ceux-ci étaient généralement affichés à la maison.

Sculpture
La sculpture gothique s’est éloignée du rôle qui lui avait été attribué à l’époque romane, c’est-à-dire pour décorer l’architecture et éduquer les fidèles en créant les soi-disant Bibles en pierre.

Peu à peu, la disposition des sculptures dans la construction architecturale est devenue plus complexe et scénographique. Les épisodes les plus importants de la sculpture ont été, comme à l’époque romane, les portails des cathédrales, où les personnages de l’Ancien Testament et du Nouveau Testament sont généralement représentés.

Un passage fondamental est le fait qu’à l’époque gothique les sculptures ont commencé à ne plus être pleinement intégrées dans l’espace architectural (le jambage d’un portail ou d’un chapiteau …), mais elles ont commencé à se libérer en s’appuyant simplement sur le divers éléments porteurs. C’est ainsi que les premières statues polyvalentes sont apparues, même si leur utilisation indépendante et isolée n’était pas encore envisageable. Il se peut que l’héritage de la lutte contre le paganisme, qui vénérait les statues en rond comme une divinité, soit encore latent, mais jusqu’à la Renaissance italienne, les statues étaient toujours placées contre les murs, dans des niches, sous des architraves ou comme des cariatides et des télamons .

D’un point de vue stylistique, les caractéristiques innovantes de la sculpture gothique sont moins évidentes que celles introduites en architecture, mais non moins riches en conséquences sur les développements ultérieurs de l’histoire de l’art. Si d’une part la figure s’étire considérablement en longueur et que le modèle vit sur des jeux totalement nouveaux comme la draperie virtuose et parfois improbable, d’autre part il revient à des représentations plausibles du mouvement corporel, des expressions faciales, des physionomies individuelles, avec un l’attention de l’artiste au naturalisme jamais connue dans les époques précédentes, que dans les meilleurs exemples (comme dans le portail de la cathédrale de Reims, vers 1250, ou dans les œuvres de Nicola Pisano) vient d’être comparée au portrait romain. Ceci est d’autant plus important qu’il précède de quelques décennies les mêmes réalisations dans le domaine pictural.

Par rapport au classicisme, il faut cependant noter une agitation expressive différente, une certaine angularité des formes et des draperies, une utilisation agitée des effets de clair-obscur.

Sculpture monumentale
La période gothique est essentiellement définie par l’architecture gothique et ne correspond pas entièrement au développement du style dans la sculpture, à son début ou à sa fin. Les façades des grandes églises, en particulier autour des portes, continuaient d’avoir de grands tympans, mais aussi des rangées de figures sculptées qui se répandaient autour d’eux.

Les statues du portail occidental (royal) de la cathédrale de Chartres (vers 1145) montrent un allongement en colonne élégant mais exagéré, mais celles du portail du transept sud, de 1215 à 2020, montrent un style plus naturaliste et un détachement croissant du mur derrière , et une certaine conscience de la tradition classique. Ces tendances se sont poursuivies sur le portail ouest de la cathédrale de Reims quelques années plus tard, où les chiffres sont presque en rond, comme cela est devenu habituel alors que le gothique s’est répandu à travers l’Europe. La cathédrale de Bamberg possède peut-être le plus grand assemblage de sculptures du 13e siècle, culminant en 1240 avec le Bamberg Rider, la première statue équestre grandeur nature dans l’art occidental depuis le 6e siècle.

En Italie, Nicola Pisano (1258–1278) et son fils Giovanni ont développé un style souvent appelé proto-renaissance, avec une influence indéniable des sarcophages romains et des compositions sophistiquées et bondées, y compris une manipulation sympathique de la nudité, dans des panneaux en relief sur leur chaire de Cathédrale de Sienne (1265-1268), la Fontana Maggiore à Pérouse et la chaire de Giovanni à Pistoia de 1301.

Un autre renouveau du style classique est vu dans le travail gothique international de Claus Sluter et de ses disciples en Bourgogne et en Flandre vers 1400. La sculpture gothique tardive s’est poursuivie dans le Nord, avec une mode pour de très grands retables sculptés en bois avec des sculptures de plus en plus virtuoses et un grand nombre agité figures expressives; les exemples les plus survivants se trouvent en Allemagne, après beaucoup d’iconoclasme ailleurs. Tilman Riemenschneider, Veit Stoss et d’autres ont poursuivi le style jusque dans le XVIe siècle, absorbant progressivement les influences de la Renaissance italienne.

Les effigies de tombes grandeur nature en pierre ou en albâtre sont devenues populaires pour les riches, et les grandes tombes à plusieurs niveaux ont évolué, avec les tombeaux Scaliger de Vérone si grands qu’ils ont dû être déplacés à l’extérieur de l’église. Au XVe siècle, une industrie exportait des reliefs d’autel en albâtre de Nottingham en groupes de panneaux sur une grande partie de l’Europe pour des paroisses économiques qui ne pouvaient pas se permettre des retables en pierre.

Sculpture portable
Les petites sculptures, pour un marché principalement laïc et souvent féminin, sont devenues une industrie considérable à Paris et dans certains autres centres. Les types d’ivoires comprenaient de petits polyptyques de dévotion, des figures uniques, en particulier de la Vierge, des étuis à miroir, des peignes et des cercueils élaborés avec des scènes de romans, utilisés comme cadeaux de fiançailles. Les très riches collectionnaient des ferronneries aux bijoux et à l’émail extravagantes, à la fois profanes et religieuses, comme le reliquaire de la Sainte-Épine du duc de Berry, jusqu’à ce qu’elles manquent d’argent, quand elles étaient à nouveau fondues pour de l’argent.

Les sculptures gothiques indépendantes de l’ornementation architecturale ont été principalement créées comme objets de dévotion pour la maison ou destinées à des dons pour les églises locales, bien que de petits reliefs en ivoire, en os et en bois couvrent à la fois des sujets religieux et laïques, et étaient à usage religieux et domestique. Ces sculptures étaient l’œuvre d’artisans urbains, et le sujet le plus typique des petites statues en trois dimensions est la Vierge Marie seule ou avec un enfant. Paris était le principal centre d’ateliers d’ivoire et exportait vers la plupart des pays du nord de l’Europe, bien que l’Italie ait également une production considérable.

Un exemplaire de ces sculptures indépendantes fait partie des collections de l’église abbatiale Saint-Denis; la Vierge à l’Enfant dorée à l’argent date de 1339 et présente Marie enveloppée dans un manteau fluide tenant une figure infantile du Christ. La simplicité du manteau et la jeunesse de l’enfant présagent d’autres sculptures trouvées dans le nord de l’Europe datant du 14e siècle et du début du 15e siècle. Une telle sculpture montre une évolution d’un style antérieur rigide et allongé, encore en partie roman, vers une sensation spatiale et naturaliste à la fin du 12ème et au début du 13ème siècle. D’autres sujets sculpturaux gothiques français comprenaient des figures et des scènes de la littérature populaire de l’époque. L’imagerie tirée de la poésie des troubadours était particulièrement populaire parmi les artisans des étuis à miroir et des petites boîtes vraisemblablement destinés aux femmes.

Les souvenirs de pèlerinages dans les sanctuaires, tels que les badges en argile ou en plomb, les médailles et les ampoules estampillés avec des images étaient également populaires et bon marché. Leur équivalent laïc, l’insigne de livrée, était le signe d’une loyauté ou d’une alliance féodale et politique qui est devenue une menace sociale en Angleterre sous le féodalisme bâtard. Les formes moins chères étaient parfois données gratuitement, comme avec les 13000 badges commandés en 1483 par le roi Richard III d’Angleterre en tissu fustian avec son emblème d’un sanglier blanc pour l’investiture de son fils Edward comme prince de Galles, un nombre énorme étant donné le population à l’époque. Le Dunstable Swan Jewel, entièrement modelé en rond en or émaillé, est une version beaucoup plus exclusive, qui aurait été donnée à quelqu’un de très proche ou important pour le donateur.

La considération sociale de l’art et de l’artiste
L’épanouissement du commerce de la laine et du tissu, lié aux foires et aux routes commerciales qui traversent l’Europe du nord au sud (de Florence, Gênes et Venise à la Champagne et la Flandre, sans oublier Medina del Campo), font naître un art singulier: le tissu de la tapisserie, qui avait un prestige social très important. Pas pour leurs auteurs, qui ne sont jamais allés au-delà de la considération de simples artisans, mais pour leurs propriétaires. N’ayant pas de séparation nette entre les arts industriels et ceux que nous considérons aujourd’hui comme les beaux-arts, on pourrait en dire autant des maîtres d’œuvre, des peintres et des sculpteurs, que même si nous gardons le nom de beaucoup d’entre eux, ils n’ont pas manqué d’en exercer également un. des métiers vils et mécaniques, pas même comparables aux professions libérales.