Renaissance allemande

La Renaissance allemande, qui fait partie de la Renaissance du Nord, était un mouvement culturel et artistique qui s’est répandu parmi les penseurs allemands aux XVe et XVIe siècles, qui s’est développé à partir de la Renaissance italienne. De nombreux domaines des arts et des sciences ont été influencés, notamment par la propagation de l’humanisme de la Renaissance aux divers États et principautés allemands. De nombreux progrès ont été réalisés dans les domaines de l’architecture, des arts et des sciences. L’Allemagne a produit deux développements qui devaient dominer le XVIe siècle dans toute l’Europe: l’imprimerie et la Réforme protestante.

La Renaissance allemande est un terme donné à l’art, et en particulier à l’architecture, créé dans la région le long de la rivière Weser et dans les régions adjacentes en Allemagne entre 1520 et 1620 environ. L’argent gagné par les nobles combattant comme mercenaires dans les guerres étrangères, en particulier dans les Pays-Bas – et une expansion du commerce agricole ont été deux des principaux facteurs contribuant à la vague de nouveaux bâtiments qui se sont produits dans la région au cours de cette période. Les plus importantes entreprises architecturales étaient les châteaux, ainsi que les hôtels de ville et les maisons de ville, bien que les églises soient également construit dans ce style; certains de ces bâtiments étaient décorés de reliefs, de statues ou de pierres ornementales. L’un des architectes les plus importants actifs dans la première phase de la renaissance de la Weser était Jörg Unkair (d 1552), qui venait probablement du Wurtemberg. Il était suivi de Cord Tönnis et Hermann Wulff, tous deux de la région de la Weser; ils ont eu une influence décisive sur le style architectural local entre 1550 et 1575 environ.

L’un des humanistes allemands les plus importants était Konrad Celtis (1459-1508). Celtis a étudié à Cologne et à Heidelberg, puis a voyagé dans toute l’Italie en collectionnant des manuscrits latins et grecs. Fortement influencé par Tacite, il a utilisé le Germania pour introduire l’histoire et la géographie allemandes. Finalement, il a consacré son temps à la poésie, dans laquelle il a loué l’Allemagne en latin. Un autre personnage important était Johann Reuchlin (1455-1522) qui a étudié dans divers endroits en Italie et a ensuite enseigné le grec. Il a étudié la langue hébraïque, visant à purifier le christianisme, mais a rencontré une résistance de l’église.

L’artiste allemand de la Renaissance le plus important est Albrecht Dürer, surtout connu pour ses gravures sur bois et gravure, qui se sont répandues dans toute l’Europe, ses dessins et ses portraits peints. L’architecture importante de cette période comprend la résidence Landshut, le château de Heidelberg, la mairie d’Augsbourg ainsi que l’Antiquarium de la Munich Residenz à Munich, la plus grande salle de la Renaissance au nord des Alpes.

Contexte
La Renaissance a été largement tirée par le regain d’intérêt pour l’apprentissage classique, et a également été le résultat d’un développement économique rapide. Au début du XVIe siècle, l’Allemagne (se référant aux terres contenues dans le Saint Empire romain germanique) était l’une des régions les plus prospères d’Europe malgré un niveau d’urbanisation relativement faible par rapport à l’Italie ou aux Pays-Bas. Il bénéficie de la richesse de certains secteurs comme la métallurgie, les mines, la banque et le textile. Plus important encore, l’impression de livres s’est développée en Allemagne, et les imprimeurs allemands ont dominé le nouveau commerce du livre dans la plupart des autres pays jusqu’au début du XVIe siècle.

Histoire et développement
L’Allemagne était au seuil du XVe siècle fragmentée en plusieurs dizaines de pouvoirs locaux, sans que l’autorité impériale, en fait, puisse imposer son pouvoir dans son ensemble, comme cela s’est produit en France ou en Angleterre. Les vastes territoires germanophones étaient fragmentés en principautés pratiquement autonomes, certaines vastes, certaines minuscules, gouvernées tantôt par un gentleman, tantôt par un évêque, auxquelles s’ajoutaient alors les cités impériales « libres », dotées de statuts particuliers qui les investissaient de d’importants privilèges commerciaux et une large autonomie administrative. Parmi ces derniers, les villes de la Ligue hanséatique se démarquent.

L’héritage gothique
Tout au long du XVe siècle, la région allemande a été dominée par l’influence du monde gothique, parvenant à développer certaines caractéristiques qui étaient très appréciées même à l’étranger. Parmi les zones les plus actives sur le plan artistique, qui coïncident souvent avec celles dont l’économie est la plus prospère, les villes hanséatiques (avec des artistes tels que Bernard von Minden, Maestro Francke), Cologne (berceau du « style tendre » de Konrad von Soest ou Stephan Lochner ), Bâle (avec le style sévère et monumental de Konrad Witz), l’Alsace (Martin Schongauer et Nikolaus Gerhaert von Leyden).

Ouvrir l’humanisme
Le premier artiste allemand important qui est entré en contact avec l’humanisme italien a été, pour la zone alpine, Michael Pacher, peintre et sculpteur qui avait travaillé dans l’atelier de Francesco Squarcione à Padoue (le même que celui d’où sortait Mantegna), arrivant chez un maître style dans lequel la richesse de l’ornement typiquement gothique est insérée dans des espaces organisés en perspective. Son mélange de rationalité anatomique et spatiale italienne et les valeurs expressives nordiques intenses ont donné en conséquence un style atypique, l’un des plus singuliers de l’art européen de la seconde moitié du XVe siècle.

Au cours de ces années, l’art allemand a développé des modèles de dévotion qui se sont ensuite largement répandus. Parmi celles-ci la Belle Madone, dérivée de prototypes français mais d’une douceur plus intense et souriante, le Palmesel, c’est-à-dire le Christ sur l’âne destiné à être porté en procession pendant le dimanche des Rameaux, les Crucifixions chargées d’accents pathétiques, le Vesperbild, ou Piété avec la Vierge tenant le Christ mort sur ses genoux.

Parmi les figures clés de cette saison figurent des artistes tels que Hans Multscher, peintre et surtout sculpteur qui a travaillé dans tout le sud de l’Allemagne jusqu’au Tyrol et les Alpes, et Hans Memling, allemand de naissance mais destiné à devenir une star de la première taille de la peinture flamande.

Autels et peintures sculptés
Parmi les productions les plus importantes se sont distinguées les autels en bois avec portes, combinaisons compliquées de peinture, sculpture et menuiserie architecturale, où l’on peut lire les signes de la transition progressive du gothique à une timide Renaissance, jusqu’au seuil des transformations les plus radicales qui ont suivi la Réforme. Le bois, en particulier la chaux, s’est rapidement imposé comme un matériau facilement disponible pour la production artistique religieuse, avec un développement surtout à partir des années 1470 dans le centre-sud de l’Allemagne. En plus des autels, d’autres parties du mobilier ecclésiastique ont été produites, telles que des chaires, des tabernacles, des portails, des tombes sculptées et des stalles de choeur.

Les autels en particulier étaient composés d’un coffre, presque toujours sculpté, et d’une paire ou plus de portes mobiles qui, grâce aux charnières montées, permettaient d’ouvrir et de fermer le retable, montrant différentes parties, selon la célébration liturgique à célébrer. Les portes étaient souvent peintes ou sculptées en bas-relief ou en tout cas avec des figures avec une saillie plus petite que le boîtier central. D’autres éléments complémentaires étaient généralement une prédelle à la base et une couronne de cuspides. Tous ces éléments, peints, sculptés, polychromes et dorés, étaient généralement réalisés dans les mêmes boutiques, spécialisées dans ces productions qui nécessitaient l’utilisation de multiples techniques. Michael et Gregor Erhart, Tilman Riemenschneider, Veit Stoss et Michael Pacher lui-même comptent parmi les maîtres les plus connus de cette activité.

Le nombre d’autels survivants est très faible aujourd’hui, en raison de l’iconoclasme protestant et des changements de goût, et en raison de la fragilité du matériau lui-même, de sorte que les rares exemplaires intacts sont des pièces vraiment extraordinaires.

Au milieu du XVe siècle, Jörg Syrlin a remplacé la splendeur de l’or et des couleurs de la production traditionnelle et a remplacé les couleurs naturelles des matériaux et le grain du bois dans le choeur de la cathédrale d’Ulm.

Humanisme du Nord
L’invention de l’imprimerie à Mayence, l’Allemand Johann Gutenberg en 1455, a été une véritable révolution culturelle, en quelques décennies, a conduit à une diffusion extraordinaire du livre, moins chère et plus rapide à mettre en œuvre, avec des conséquences sur l’alphabétisation, l’éducation et la diffusion de la culture à travers l’Europe.

À la fin du XVe siècle, l’accès à une culture humaniste n’est plus réservé à quelques centres d’avant-garde, mais se propage le long des routes commerciales à travers le continent. La région nordique en général était une terre de ferment vivant, avec de multiples contacts avec l’humanisme italien. Si d’une part la culture classique se propage, d’autre part les références à une religiosité plus intense et directe deviennent de plus en plus urgentes, en opposition de plus en plus ouvertes aux scandales de la Curie romaine. Le protagoniste de cette saison était Erasmus de Rotterdam, mais aussi Konrad Celtis, Johann Reuchlin, les intellectuels de l’Université de Vienne, et les différents mécènes acculturés, tels que les électeurs, les ducs, les cardinaux, les financiers et les intellectuels.

Si d’une part commence le déclin de la Hanse, d’autre part de nombreux centres prospèrent de l’Alsace au Rhin, jusqu’aux riches et cultivés Bâle.

La cour de Maximilien I
Lié à l’Italie également par des liens de mariage, cultivé et imprégné d’humanisme, Maximilien I de Habsbourg a tenté de donner un aspect nouveau, courtois et classique à son empire ancré avant tout dans l’espace alpin, de la Suisse à Trieste. En 1501, il rejoint l’Université de Vienne, alors encore dominé par la scolastique, le humanistic collegium poetarum et mathematicorum, invitant de nombreux intellectuels et humanistes italiens comme professeurs.

Maximilian a établi sa cour dans la petite mais élégante ville d’Innsbruck, au centre du Tyrol, où il a lancé d’importantes entreprises artistiques, telles qu’une série de gravures festives et la création d’une procession de statues de bronze colossales destinées à son sépulcre. Les plus grands talents de son temps lui ont été présentés, de Dürer à Altdorfer, de Cranach l’Ancien à Burgkmair, jusqu’au sculpteur Peter Vischer l’Ancien, le poète Conrad Celtis, le géographe Georg Peutinger, l’astronome Erhard Etzlaub et l’humaniste Willibald Pirckheimer. Si à sa cour l’architecture est restée liée à l’art gothique, la soi-disant école danubienne s’est développée en peinture, basée sur une plus grande prédominance du paysage sur les figures, qui avait de forts échos internationaux.

Avec la mort de l’empereur en 1519, le transfert de pouvoir à son neveu Charles V marque un net changement dans l’axe de l’empire, avec un déclin rapide de la cour tyrolienne, où cependant les travaux se poursuivent sur le mausolée de Maximilien pendant des décennies.

À Innsbruck, cependant, il y a eu un renouveau artistique après 1564, lorsque l’archiduc Ferdinand II de Habsbourg a hérité du titre de comte du Tyrol, s’y installant. Il est responsable de la rénovation du château d’Ambras, où il a placé ses collections, dont un célèbre Wunderkammer, l’un des plus riches et intacts d’Europe.

L’art de la gravure
Tout au long du XVIe siècle, l’art de la gravure s’est répandu rapidement, s’imposant rapidement comme le moyen le plus efficace et le plus rapide de diffuser des idées figuratives. L’un des premiers grands maîtres graveurs, devenu célèbre dans toute l’Europe, fut Martin Schongauer, basé à Colmar, bientôt suivi par le très haut point culminant expressif des estampes d’Albrecht Dürer, originaire de Nuremberg.

La diffusion facile et peu coûteuse des gravures, souvent attachées à des œuvres imprimées à titre d’illustrations (éclipsant rapidement l’art de la miniature), offre aux artistes et aux simples passionnés un nouveau réservoir, potentiellement énorme, de thèmes iconographiques à partir desquels puiser. En effet, à côté des nouveautés, les reproductions de grandes œuvres d’art du passé, d’abord anciennes puis modernes, qui permettent une diffusion sans précédent et rapide des nouveautés artistiques, se sont rapidement répandues.

Si au XVe siècle la gravure avait été pratiquée principalement par des peintres, au cours du XVIe siècle la silhouette du graveur professionnel a été esquissée, dédiée à l’expression exclusivement par la presse.

Saxe
La cour de l’électeur de Saxe Frédéric le Sage à Wittenberg était un cercle culturel important. En visite à Nuremberg en 1496, il a été frappé par le talent du jeune Albrecht Dürer, à qui il a commandé trois œuvres, devenant son premier client important: un portrait, réalisé en quatre et quatre-huit avec la technique de trempe rapide, et deux polyptyques à meubler l’église qu’il construisait au château de Wittenberg, sa résidence: l’autel de Dresde et le polyptyque des sept douleurs. L’artiste et le client ont commencé une relation durable qui s’est maintenue au fil des ans, bien que Federico ait souvent préféré le contemporain Lucas Cranach à Dürer, qui est devenu peintre de la cour et a également reçu un titre noble.

Les années d’or de Nuremberg
Nuremberg, la capitale de la Franconie, grâce à la transformation florissante des métaux précieux et des privilèges commerciaux, est devenue, avec Cologne et Augsbourg, l’une des villes allemandes les plus riches et les plus peuplées, avec une classe remarquable de marchands instruits et riches, qui ont favorisé une intense vie culturelle et artistique. La présence d’imprimeurs a été précoce et abondante, avec une production florissante de livres imprimés illustrés en plusieurs langues, qui n’avaient de rivaux que dans la ville de Bâle.

Les bibliothèques patriciennes de la ville comptaient des centaines de volumes, souvent liés à des études humanistes. A la fin du XVe siècle, la ville se présente comme l’une des plus cosmopolites d’Europe, dans laquelle les rues rencontrent écrivains, mathématiciens, géographes, théologiens, artistes et marchands, grâce à un réseau commercial qui va de Cracovie à Lisbonne, de Venise à Lyon.

Alors que les horloges, les automates, les instruments de musique et les équipements de navigation et d’astronomie produits à Nuremberg étaient dépeuplés dans toute l’Europe, dans les sites architecturaux de la ville, basés sur des canons gothiques, les bâtiments des églises de San Lorenzo se distinguaient (où ils travaillaient le verrier Peter Hemmel et les sculpteurs Adam Kraft et Veit Stoss) et San Sebaldo (où l’orfèvre-sculpteur Peter Vischer et Stoss lui-même ont travaillé).

C’est précisément dans ce climat effervescent que le jeune Albrecht Dürer s’est formé.

L’école du Danube
Les trente premières années du XVIe siècle ont représenté un sommet de l’art allemand, avec une génération de grands artistes en dialogue permanent les uns avec les autres, voyageant souvent pour se renseigner sur d’autres réalités et échanger des expériences.

La perception d’un monde vaste et varié, élargi à l’intérieur des frontières, s’est greffée sur une attention aux phénomènes naturels et à leur représentation vivante, thème déjà profondément ressenti au nord des Alpes. Le développement florissant de la cartographie, qui a enregistré les découvertes, a été des zones géographiques fondamentales dans le Nouveau Monde et à l’Est, grâce à l’ouverture de nouvelles routes commerciales. A partir de ces prémisses, avec l’apport fondamental de Dürer et sa sensibilité renouvelée du paysage à l’aquarelle, ainsi que la tradition du paysage dans la peinture flamande du XVe siècle, la soi-disant école danubienne s’est développée, avec une série de maîtres actifs entre Passau , Ratisbonne et Vienne, soutenus par d’importants mécènes dont l’empereur Maximilien I lui-même.

Les maîtres de ce courant, dont Albrecht Altdorfer, Wolf Huber, Lucas Cranach the Elder et Joachim Patinir (ce dernier actif aux Pays-Bas), sensibles aux nouvelles frontières du monde qui ont affecté l’imaginaire collectif, ont avant tout été inspirés par la magie. du paysage boisé, rude et sauvage, qui vient prendre des portions toujours plus pertinentes des tableaux, évoquant une atmosphère arcane pleine de suggestions, où les figures humaines, bouleversant la relation traditionnelle, apparaissent petites et subjuguées par les forces naturelles, presque un prétexte à la représentation. Souvent riches en détails miniaturistes, les œuvres de ces artistes se sont également caractérisées par l’utilisation de costumes extravagants et l’originalité des compositions, parfois même teintées d’accents humoristiques.

Le bassin du Rhin
A partir de la dixième du XVIe siècle, la région rhénane, de la Franconie à la Rhénanie, de l’Alsace à la Forêt-Noire en passant par Bâle, a connu un remarquable épanouissement artistique, avec l’activité contemporaine d’artistes tels que Dürer, Altdorfer, Hans Baldung Grien et Mathias Grünewald ainsi que les débuts artistiques de Hans Holbein le Jeune.

Le client avait maintenant besoin d’autels principalement entièrement peints au lieu des complexes sculptés traditionnels. Parmi les œuvres les plus importantes, il y a l’autel d’Isenheim de Grünewald, dans lequel le peintre a déversé une expressivité dramatique et tumultueuse, capable d’éclipser la poitrine sculptée de Nicolas Hagenauer.

Alors que le trafic commercial le long du fleuve et des villes comme Cologne étaient en crise supplantés par les nouvelles puissances commerciales océaniques, la Rhénanie fut déchirée par la Réforme. Emblématique est le cas du puissant archevêque de Mayence Albert de Brandebourg, qui a laissé les artistes sans commission en consacrant leurs ressources à d’autres activités.

La domination d’Augusta
Grâce aux immenses fortunes financières de la dynastie Fugger, Augsbourg se prépara progressivement au XVIe siècle à pousser Nuremberg du podium du centre culturel allemand. Jacob Fugger le « Ricco » fait construire le Fuggerei en 1514, un quartier résidentiel pour les pauvres, tandis que la chapelle familiale de l’église de Sant’Anna enregistre pour la première fois l’introduction d’éléments de style classique et italien. Les plus grands peintres actifs dans la ville, capables de synthétiser les stimuli cosmopolites de la nouvelle réalité, étaient avant tout Hans Holbein l’Ancien et Hans Burgkmair.

En 1518, un an après la publication des 95 thèses, Jacob Fugger a favorisé l’ouverture de la Diète Augusta pour essayer la voie de la conciliation entre Luther, l’empereur Maximilien I et le canon dominicain Tetzel: Dürer a assisté aux réunions, dépeignant certains des participants . L’initiative a été un échec religieux, mais elle a ouvert la voie à des réunions politiques de premier niveau tenues dans la ville. En 1530, Melanchthon vous remit la déclaration doctrinale de la « Confessio Augustana », tandis qu’en 1555 Charles Quint, plusieurs fois invité dans la ville, il signa la paix définitive entre catholiques et protestants.

La production artistique reposait avant tout sur l’excellence des objets de précision, de l’orfèvrerie et des autels typiques en ébène et argent. À la fin du siècle, la scène est dominée par l’adhésion au maniérisme international, avec les fontaines d’Adriaen de Vries et les premières architectures d’Elias Holl et Joseph Heintz. Dans les années 1940, Titian a également séjourné ici, à la suite de l’empereur Charles.

L’année dernière Dürer
De retour d’Italie, à près de quarante ans, Dürer se réinstalla à Nuremberg, peignant pour la mairie et pour certaines églises, des œuvres telles que le retable de l’Adoration de la Sainte Trinité (1511), d’une richesse éblouissante. L’activité de gravure a également continué, avec la série Meisterstiche, les chefs-d’œuvre: trois feuilles réalisées entre 1513 et 1514 et vendues séparément, bien que souvent considérées comme un triptyque, avec Le chevalier, la mort et le diable, San Girolamo dans la cellule et Melencolia I. Pour l’empereur Maximilien I, il a créé l’extraordinaire série de l’arc de triomphe, composée de 192 gravures sur bois à recomposer en une seule grande image, et la procession des dix-huit chars triomphales, des œuvres ambitieuses qui ont été envoyées dans tout le royaume. En signe de remerciement, il a reçu une rente viagère de l’empereur,

Parti le 12 juillet 1520, il est resté loin de chez lui pendant presque exactement un an, connaissant de nombreuses personnalités de l’époque, d’Érasme de Rotterdam au roi chrétien du Danemark, de diplomates et marchands à des artistes tels que Quentin Metsys, Joachim Patinier, Luca da Leida, Mabuse. Parvenu à ses fins, à la fin du voyage, cependant, l’artiste a noté un bilan, revenant à Nuremberg probablement déjà infecté par la maladie qui a entraîné sa mort quelques années plus tard.

Les dernières années de l’artiste ont été dominées par une réflexion religieuse tourmentée. L’approche de la doctrine protestante se reflète également dans son art, abandonnant presque complètement les thèmes profanes et les portraits, préférant de plus en plus de sujets évangéliques, tandis que son style devient plus sévère et énergique. Le plan d’une conversation sacrée, dont de nombreuses et merveilleuses études subsistent, a probablement été mis de côté précisément en raison de la modification des conditions politiques et du climat désormais hostile aux images sacrées, accusé d’alimenter l’idolâtrie. Pour se défendre peut-être de cette accusation, en 1526, en plein temps luthérien, il peint les deux planches avec les monumentaux Quatre Apôtres, véritables champions de la vertu chrétienne, qu’il fit don à la mairie de sa ville.

Réforme et iconoclasme
Les symptômes d’insatisfaction à l’égard des formes traditionnelles de dévotion religieuse, qui semblent de plus en plus imposées par la lointaine curie papale, avide d’argent et de privilèges, remontent au début du XVIe siècle en Europe centrale et septentrionale. Le meilleur interprète de ces angoisses, adressé à une relation plus directe et empathique avec la divinité, peut probablement être lu dans l’ouvrage, expressif à tourmenté, de Mathias Grünewald.

Partant de cette situation, la Réforme éclate, initiée matériellement par Martin Luther en 1518, avec la publication de 95 thèses à Wittenberg. La réponse papale fut initialement indifférente et incapable de prédire l’ampleur des événements, aboutissant à l’excommunication de Luther le 2 juillet 1520 par Léon X. L’incendie public du taureau de condamnation par Luther marqua officiellement le début du schisme (10 décembre 1520) . Des flambées de révolte ont commencé à éclater partout, aboutissant à une grave guerre paysanne, qui s’est terminée par un bain de sang.

Les artistes qui ont montré de la sympathie pour les émeutiers ont été ostracisés ou persécutés: Grünewald a été licencié par l’archevêque de Mayence et Tilman Riemenschneider a même été torturé et emprisonné.

Au début, Luther et son entourage ont exploité les images pour diffuser de la propagande religieuse. Dürer a montré de la sympathie pour le prédicateur, attiré par ses doctrines, mais n’a pas pu le rencontrer. Au lieu de cela, Lucas Cranach l’Ancien était le principal artiste lié, également par amitié personnelle, à Luther. Il est responsable des nombreux portraits de Luther, de sa femme Caterina Bore et de Melanchthon qui répandent dans tout l’empire les effigies des protagonistes de la Réforme.

Luther a rejeté le culte de la Vierge et des saints, incitant à «arracher les images des cœurs» destiné à renoncer aux images dévotionnelles classiques, mais pas «aux autels». Malgré cela, ses directives ont rapidement été confondues, conduisant à un véritable iconoclasme, qui a vu la destruction d’images religieuses pendant des décennies. En fait, l’art allemand a subi un arrêt brutal, surtout après 1528, lorsque Dürer et Grünewald sont morts, tandis que Holbein le Jeune est parti pour l’Angleterre. En fait, après 1530, dans les territoires protestants, les retables n’étaient plus peints ou les autels en bois étaient sculptés. Seul Cranach, avec sa proximité avec les protagonistes de la Réforme, a continué à produire des images, volontairement clairsemées et concises.

Bavière
Rempart catholique à large autonomie politique et culturelle, au XVIe siècle la Bavière ne se démarquait pas initialement par son dynamisme artistique, avec sa capitale, Munich, également surpassée par les petites villes comme les villes fortifiées de Nördlingen et Rothenburg (où le sculpteur Tilman Riemenschneider travaillé).

La cour de Munich est entrée dans une saison particulièrement active à partir du milieu du siècle, s’ouvrant, parmi les premières régions d’Europe, aux raffinements du maniérisme, grâce à la promotion des arts d’Albert V de Bavière, client et collectionneur de tableaux , sculptures, antiquités, orfèvres et curiosités exotiques, qu’il conservait dans son célèbre Wunderkammer. En 1569, il fit créer dans sa Residenz un Antiquarium, une pièce d’inspiration italienne et maniériste précise, décorée par le Néerlandais Friedrich Sustris., Suivie d’une étrange cour avec grotte. Preuve de la foi catholique, Alberto fit placer sur son palais une statue en bronze de la « patronne de Bavière » et fit construire l’église de San Michele avec l’oratoire d’une congrégation mariale.

Influences

Art
Le concept de la Renaissance du Nord ou de la Renaissance allemande est quelque peu confus par la continuation de l’utilisation d’ornements gothiques élaborés jusque dans le XVIe siècle, même dans des œuvres qui sont sans aucun doute de la Renaissance dans leur traitement de la figure humaine et d’autres aspects. L’ornement classique a eu peu de résonance historique dans une grande partie de l’Allemagne, mais à d’autres égards, l’Allemagne a été très rapide à suivre les développements, en particulier en adoptant l’impression avec le type mobile, une invention allemande qui est restée presque un monopole allemand pendant quelques décennies et a d’abord été présentée à la plupart d’Europe, y compris la France et l’Italie, par les Allemands.

La gravure par gravure sur bois et gravure était déjà plus développée en Allemagne et aux Pays-Bas qu’ailleurs en Europe, et les Allemands ont pris la tête du développement d’illustrations de livres, généralement d’un niveau artistique relativement bas, mais vus dans toute l’Europe, avec les blocs de bois étant souvent prêté aux imprimeurs d’éditions dans d’autres villes ou langues. Le plus grand artiste de la Renaissance allemande, Albrecht Dürer, a commencé sa carrière comme apprenti dans un atelier de premier plan à Nuremberg, celui de Michael Wolgemut, qui avait largement abandonné sa peinture pour exploiter le nouveau médium. Dürer a travaillé sur le livre le plus extravagamment illustré de la période, la Chronique de Nuremberg, publié par son parrain Anton Koberger, le plus grand imprimeur-éditeur d’Europe à l’époque.

Après avoir terminé son apprentissage en 1490, Dürer a voyagé en Allemagne pendant quatre ans, et en Italie pendant quelques mois, avant de créer son propre atelier à Nuremberg. Il est rapidement devenu célèbre dans toute l’Europe pour ses gravures et gravures sur bois énergiques et équilibrées, tout en peignant. Bien que conservant un style typiquement allemand, son travail montre une forte influence italienne et est souvent considéré comme représentant le début de la Renaissance allemande dans les arts visuels, qui pendant les quarante prochaines années ont remplacé les Pays-Bas et la France comme la région produisant la plus grande innovation dans le Nord L’art européen. Dürer a soutenu Martin Luther mais a continué à créer des madones et d’autres images catholiques, et à peindre des portraits de dirigeants des deux côtés de la scission naissante de la Réforme protestante.

Dürer mourut en 1528, avant qu’il ne soit clair que la scission de la Réforme était devenue permanente, mais ses élèves de la génération suivante ne purent éviter de prendre parti. La plupart des principaux artistes allemands sont devenus protestants, mais cela les a privés de peindre la plupart des œuvres religieuses, auparavant le pilier des revenus des artistes. Martin Luther s’était opposé à de nombreuses images catholiques, mais pas à l’imagerie elle-même, et Lucas Cranach l’Ancien, un ami proche de Luther, avait peint un certain nombre de « retables luthériens », montrant principalement la Cène, certains avec des portraits du principal protestant. devine les douze apôtres. Cette phase de l’art luthérien était terminée avant 1550, probablement sous l’influence plus farouchement aniconique du calvinisme, et les œuvres religieuses destinées au public cessèrent pratiquement d’être produites dans les régions protestantes.

Vraisemblablement en grande partie à cause de cela, le développement de l’art allemand avait pratiquement cessé vers 1550, mais au cours des décennies précédentes, les artistes allemands avaient été très fertiles dans le développement de sujets alternatifs pour combler l’écart dans leurs carnets de commandes. Cranach, en dehors des portraits, a développé un format de minces portraits verticaux de nus provocants, avec des titres classiques ou bibliques.

Un peu en dehors de ces développements se trouve Matthias Grünewald, qui a laissé très peu d’œuvres, mais dont le chef-d’œuvre, son retable d’Isenheim (achevé en 1515), a été largement considéré comme la plus grande peinture de la Renaissance allemande depuis sa restauration au 19e siècle. C’est un travail intensément émotionnel qui perpétue la tradition gothique allemande du geste et de l’expression sans retenue, en utilisant les principes de composition de la Renaissance, mais le tout dans cette forme la plus gothique, le triptyque à plusieurs ailes.

L’école du Danube est le nom d’un cercle d’artistes du premier tiers du XVIe siècle en Bavière et en Autriche, dont Albrecht Altdorfer, Wolf Huber et Augustin Hirschvogel. Avec Altdorfer en tête, l’école a produit les premiers exemples d’art paysager indépendant en Occident (près de 1000 ans après la Chine), à ​​la fois dans les peintures et les gravures. Leurs peintures religieuses avaient un style expressionniste quelque peu similaire à celui de Grünewald. Les élèves de Dürer Hans Burgkmair et Hans Baldung Grien ont travaillé en grande partie dans les gravures, Baldung développant le sujet d’actualité des sorcières dans un certain nombre de gravures énigmatiques.

Hans Holbein l’Ancien et son frère Sigismund Holbein ont peint des œuvres religieuses de style gothique tardif. Hans l’Ancien a été un pionnier et un leader dans la transformation de l’art allemand du gothique au style de la Renaissance. Son fils, Hans Holbein le Jeune était un important peintre de portraits et de quelques œuvres religieuses, travaillant principalement en Angleterre et en Suisse. La série bien connue de Holbein de petites gravures sur bois sur la danse de la mort se rapporte aux œuvres des Petits Maîtres, un groupe de graveurs spécialisés dans les gravures très petites et très détaillées pour les collectionneurs bourgeois, y compris de nombreux sujets érotiques.

Les réalisations exceptionnelles de la première moitié du XVIe siècle ont été suivies de plusieurs décennies avec une absence remarquable d’art allemand remarquable, autre que des portraits accomplis qui ne rivalisent jamais avec la réalisation de Holbein ou Dürer. Les artistes allemands importants suivants ont travaillé dans le style plutôt artificiel du maniérisme du Nord, qu’ils ont dû apprendre en Italie ou en Flandre. Hans von Aachen et le Néerlandais Bartholomeus Spranger étaient les principaux peintres des cours impériales de Vienne et de Prague, et la famille productive de graveurs Russel Sadeler s’est répandue à travers l’Allemagne, entre autres comtés.

Dans les régions catholiques du sud de l’Allemagne, la tradition gothique de la sculpture sur bois a continué de prospérer jusqu’à la fin du XVIIIe siècle, s’adaptant aux changements de style au fil des siècles. Veit Stoss (décédé en 1533), Tilman Riemenschneider (décédé en 1531) et Peter Vischer l’Ancien (décédé en 1529) étaient les contemporains de Dürer, et leurs longues carrières ont couvert la transition entre les périodes gothique et Renaissance, bien que leur ornement soit souvent resté gothique même après que leurs compositions ont commencé à refléter les principes de la Renaissance.

Architecture
L’architecture de la Renaissance en Allemagne a été inspirée d’abord par des philosophes et des artistes allemands comme Albrecht Dürer et Johannes Reuchlin qui ont visité l’Italie. Les premiers exemples importants de cette période sont en particulier la résidence Landshut, le château de Heidelberg, le palais de Johannisburg à Aschaffenburg, le château de Weilburg, l’hôtel de ville et les maisons Fugger à Augsbourg et Saint-Michel à Munich, la plus grande église de la Renaissance au nord des Alpes.

Une forme particulière de l’architecture de la Renaissance en Allemagne est la Renaissance de la Weser, avec des exemples importants tels que l’hôtel de ville de Brême et le Juleum à Helmstedt.

En juillet 1567, le conseil municipal de Cologne a approuvé un projet de style Renaissance de Wilhelm Vernukken pour une loggia à deux étages pour l’hôtel de ville de Cologne. St Michael à Munich est la plus grande église de la Renaissance au nord des Alpes. Il a été construit par le duc Guillaume V de Bavière entre 1583 et 1597 comme centre spirituel pour la Contre-Réforme et a été inspiré par l’église d’Il Gesù à Rome. L’architecte est inconnu. De nombreux exemples de bâtiments Renaissance en brique peuvent être trouvés dans les vieilles villes hanséatiques, telles que Stralsund, Wismar, Lübeck, Lüneburg, Friedrichstadt et Stade. Les architectes allemands de la Renaissance sont notamment Friedrich Sustris, Benedikt Rejt, Abraham van den Blocke, Elias Holl et Hans Krumpper.

Personnes influentes

Johannes Gutenberg (vers 1398–1468)
Né Johannes Gensfleisch zur Laden, Johannes Gutenberg est largement considéré comme la personne la plus influente de la Renaissance allemande. En tant que libre penseur, humaniste et inventeur, Gutenberg a également grandi au cours de la Renaissance, mais l’a également beaucoup influencée. Son invention la plus connue est l’imprimerie en 1440. La presse de Gutenberg a permis aux humanistes, réformistes et autres de faire circuler leurs idées. Il est également connu comme le créateur de la Bible de Gutenberg, un ouvrage crucial qui a marqué le début de la révolution de Gutenberg et l’âge du livre imprimé dans le monde occidental.

Johann Reuchlin (1455-1522)
Johann Reuchlin était à ce moment l’aspect le plus important de l’enseignement de la culture mondiale en Allemagne. Il était un érudit du grec et de l’hébreu. Diplômé, puis enseignant à Bâle, il était considéré comme extrêmement intelligent. Pourtant, après avoir quitté Bâle, il a dû commencer à copier des manuscrits et à apprendre dans des domaines du droit. Cependant, il est surtout connu pour son travail dans les études hébraïques. Contrairement à certains autres « penseurs » de cette époque, Reuchlin s’y est plongé, créant même un guide pour prêcher dans la foi hébraïque. Le livre, intitulé De Arte Predicandi (1503), est peut-être l’une de ses œuvres les plus connues de cette période.

Albrecht Dürer (1471-1528)
Albrecht Dürer était à l’époque, et reste, l’artiste le plus célèbre de la Renaissance allemande. Il était célèbre à travers l’Europe et très admiré en Italie, où son travail était principalement connu à travers ses gravures. Il a réussi à intégrer un style nordique élaboré à l’harmonie et à la monumentalité de la Renaissance. Parmi ses œuvres les plus connues figurent Melencolia I, les quatre cavaliers de sa série Apocalypse sur bois, et Knight, Death et the Devil. D’autres artistes importants étaient Lucas Cranach l’Ancien, l’école du Danube et les petits maîtres.

Martin Luther (1483-1546)
Martin Luther était un réformateur protestant qui critiquait les pratiques de l’Église telles que la vente d’indulgences, contre lesquelles il publiait dans ses quatre-vingt-quinze thèses de 1517. Luther a également traduit la Bible en allemand, rendant les Écritures chrétiennes plus accessibles à la population en général et inspirant la standardisation de la langue allemande.