Galerie nationale d’art moderne et contemporain, Rome, Italie

La Galleria Nazionale d’Arte Moderna à Rome est la plus grande collection d’art contemporain italien. Située à Rome, elle compte plus de 4 400 œuvres de peinture et de sculpture et environ 13 000 dessins et estampes d’artistes – principalement italiens – des XIXe et XXe siècles. Dans ses 55 salles, vous pouvez voir les chefs-d’œuvre de la collection, environ 1 100 œuvres. C’est le seul musée national entièrement dédié à l’art moderne. en fait, dans de nombreuses capitales régionales, il existe des galeries d’art modernes, mais elles sont municipales.

Histoire de la galerie
La galerie a été fondée en 1883, quelques années après la création du jeune Etat unitaire italien (Rome étant devenue la capitale de l’Italie en 1871), car elle avait besoin d’un musée dédié aux artistes contemporains vivant ou disparus récemment. Le premier siège de la galerie était le Palazzo delle Esposizioni de la Via Nazionale, son institution est due au travail du ministre Guido Baccelli.

Bientôt, cependant, le Palazzo delle Esposizioni s’est révélé insuffisant pour accueillir des peintures et des sculptures qui se sont multipliées au fil du temps. Ensuite, il y avait un autre inconvénient: chaque fois qu’une exposition temporaire était organisée, les œuvres exposées devaient être retirées.

L’occasion de l’Exposition internationale de Rome en 1911 (50ème anniversaire de l’unification de l’Italie) fut consacrée à la construction du bâtiment actuel à Valle Giulia en tant que site permanent de la galerie. Le palais des beaux-arts a été conçu par l’architecte et ingénieur romain Cesare Bazzani (le même auteur du ministère de l’éducation à viale Trastevere à Rome et à l’hôpital Fatebenefratelli de l’île de Tibériade).

En 1933, ce bâtiment devint également insuffisant pour accueillir toutes les œuvres qui étaient venues à la galerie pour être achetées ou versées. Toujours par Cesare Bazzani, une extension a été planifiée et inaugurée cette année-là, qui a doublé l’espace d’exposition (cela correspond aux salles actuellement occupées par le XXe siècle).

Ces nouvelles salles ne sont pas entrées en possession de la galerie car elles étaient occupées par une “exposition de la révolution fasciste” qui, avec des tableaux, des graphiques, des photos et des œuvres artistiques, voulait “glorifier” les principales réalisations du régime.

En 1941 (alors au milieu de la Seconde Guerre mondiale), il devint surintendant de la Galleria Palma Bucarelli, non encore âgé de trente ans, resta dans ce bureau pendant plus de trente ans jusqu’en 1975. Il doit un travail important de rajeunissement de la culture italienne expériences internationales plus modernes. Il s’est efforcé d’équiper la galerie de toutes les structures considérées aujourd’hui indispensables à un musée moderne: service d’enseignement, bibliothèque, cafétéria, librairie, présentation de livres, rencontres avec des artistes. Les réunions mondaines telles que les défilés de mode ne manquaient pas. Dans ce travail, il a fait appel à des collaborateurs de premier plan tels que Nello Ponente, Giovanni Carandente, Corrado Maltese, Maurizio Calvesi, Giorgio de Marchis.

Mais avant de faire tout cela, il fallait sauver les œuvres d’art des dangers de la guerre, il les prenait secrètement au palais Farnèse de Caprarola (province de Viterbo, sur le lac de Vico), puis à Castel Sant’Angelo.

Après la libération de Rome (4 juin 1944), il fut possible de procéder à la réouverture de la galerie parmi de nombreuses difficultés. Les années suivantes ont été marquées par de grandes expositions qui ont permis aux Italiens de connaître des artistes que le régime avait essayé de ne pas faire connaître. En 1953, une grande exposition a eu lieu sur Picasso, en 1956 sur Mondrian, en 1958 sur Pollock, en 1959 il y avait l’exposition du grand sac de Burri qui a suscité le scandale, en 1971 avec l’exposition de Piero Manzoni le surintendant Palma Bucarelli risqué le sa place. Dans cette œuvre d’innovation culturelle, il avait à ses côtés les critiques et les historiens de l’art Giulio Carlo Argan (Turin 1909 – Rome 1992) et Cesare Brandi (Sienne 1906 – Vignano SI 1988).

En 1973, des fonds publics ont été reçus pour une nouvelle expansion de la galerie sur la base d’un projet de Luigi Cosenza. L’inauguration eut lieu en 1988.

En 1975, avec l’institution du Ministère du patrimoine culturel, la Galerie acquit le titre de Surintendance spéciale. La même année, la retraite du surintendant Palma Bucarelli marque une nouvelle étape dans laquelle le “musée d’avant-garde”, conçu et développé par elle, ne garde pas le rôle d’ouverture à l’art contemporain au même niveau. Sous la direction d’Italo Faldi, de 1975 à 1978, la Galerie renforce les tâches de conservation et de valorisation à travers un programme structuré d’expositions sur l’art italien aux XIXe et XXe siècles et sur l’art européen et américain, dans un cadre de collaboration internationale. Entre 1978 et 1982, le nouveau directeur Giorgio de Marchist reprend les lignes essentielles des adresses Bucarelli, les calmant dans la nouvelle situation sociale et culturelle de la fin des années soixante-dix. La Galerie est dans sa conception un musée dynamique en phase avec son époque, c’est un centre d’études, un producteur de culture et de service public. En tant que centre d’études, le musée encourage, outre la connaissance des collections et des activités d’exposition, l’utilisation de moyens d’enseignement, d’information et de documentation (bibliothèque, archives, salle de projection, conférences). En tant que musée d’art moderne, c’est nécessairement un lieu d’intrusion qui accueille et promeut les activités culturelles de diverses disciplines: théâtre, musique, cinéma et danse. Le programme des expositions organisées correspond à des lignes précises d’étude de l’art italien et étranger des XIXe et XXe siècles, en cohérence avec les collections et l’histoire du musée. Lorsque le phénomène de consommation massive des expositions commence à se manifester, de Marchis met l’accent sur la présentation des activités des musées en tant que production culturelle. Les nombreuses expositions organisées au cours de cette période concernent des contributions, souvent encore d’une vitalité considérable, sur l’histoire de l’art du XXe siècle (De Chirico, Art abstrait, Leoncillo), sur l’histoire du musée et ses collections de la culture (Rome 1911), sur la situation contemporaine (Art et Criticism, 1980 et 1981), également à propos de l’art minimal récent à travers les sculptures de la collection Panza de Biumo (1980).

Depuis les années soixante-dix, d’importants dons ont été accordés, qui, en raison de leur étendue, se trouvaient dans des bâtiments détachés de la galerie, de manière à constituer une série de musées par satellite. En 1979, la donation Manzù di Ardea a été ouverte et ouverte au public en 1981. En 1986, la galerie Mario Praz a été offerte (ouverte en 1995 au Palazzo Primoli de via Zanardelli). En 1995, il ouvre le musée Boncompagni Ludovisi pour les arts décoratifs, la mode et le costume à via Boncompagni (la donation de 1972 a été entravée par ses héritiers).

Entre 1995 et 1999, l’ensemble du bâtiment a subi d’importants travaux de restauration et les collections ont été réorganisées. Ces travaux ont utilisé les fonds alloués pour le jubilé de 2000, sous l’égide du surintendant Sandra Pinto.

En 1997, la Galerie a reçu la donation Schwarz d’art surréaliste et de Dada, comblant ainsi une lacune importante.

En janvier 2000, la construction du MAXXI – Musée national des arts du XXIe siècle a commencé à la place de la caserne de via Guido Reni (quartier Flaminio) sur le projet de l’architecte anglo-irakien Zaha Hadid. C’est le prolongement naturel de la galerie d’art moderne.

À partir du 1er juillet 2004, Maria Vittoria Marini Clarelli est la directrice de la galerie. En 2011, une réorganisation et une réorganisation des travaux de la galerie ont été réalisées, ce qui lui a donné un aspect caractérisé par un fort impact visuel et esthétique grâce au projet original de l’architecte. Federico Lardera.

En octobre 2016, la nouvelle installation de la galerie a été inaugurée sur la base d’un projet original qui, en réduisant le nombre d’œuvres exposées, introduit la clé de lecture non chronologique de la base de l’exposition principale. ” En plus de la nouvelle configuration des chambres, la zone d’accès aux services est redéfinie, appelée «zone d’accueil», la librairie et la Sala delle Colonne. Tout en conservant le nom institutionnel de la Galerie nationale d’art moderne et contemporain, la galerie prend dans sa communication un nouveau nom, “La Galleria Nazionale”.

19ème siècle
La description suivante concerne la préparation des chambres avant la réorganisation de 2012. En 2016, les espaces ont également été rembourrés.

Salone dell’Ercole (1)
L’exposition est consacrée à la période de transition entre le néoclassicisme et le romantisme, entre la fin du XVIIIe et le début du XIXe siècle.

Un exemple important de sculpture néoclassique est:

Antonio Canova: Hercules et Lica 1815. Marbre 350x152x212. La sculpture est accompagnée des statues des douze dieux de l’Olympe qui, comme à l’origine, l’ont fait monter dans le Palazzo Torlonia démoli sur la Piazza Venezia. Canova a été inspiré par l’Ercole Farnese aujourd’hui au Musée archéologique national de Naples. L’épisode sculpté est parmi les plus terribles de la mythologie grecque: Hercule, affolé par le chagrin à la mort du centaure Nessus, tue le messager de cette nouvelle. Lica est sur le point d’être jetée et retient en vain la crinière et l’autel. Notez la circularité de l’effort opposé. La statue doit être vue de derrière pour comprendre la résistance désespérée de Lica. Jusqu’à il y a quelques années, la statue était déplacée à heures fixes. Dans la salle, il y a des œuvres de Francesco Podesti, le peintre qui a peint à fresque la salle du Palazzo Torlonia, d’où proviennent les Hercules et les Lica.
Sur les murs, la grande peinture historique et mythologique. Des artistes romantiques dépeignent des épisodes de l’histoire italienne pour inciter les gens à se rebeller contre l’oppresseur autrichien. Dans les années qui ont suivi le congrès de Vienne, en fait, l’Italie était divisée en plusieurs États, toutes les formes de liberté faisaient défaut et l’Autriche dominait directement la région de la Lombardie, alors qu’elle influençait d’autres États. Parmi les différentes peintures de la salle, nous considérons:

Francesco Hayez: Les vêpres siciliennes 1846. L’œuvre rappelle un épisode qui s’est effectivement produit en 1282 lors de la domination angevine en Sicile, l’infraction portée à une femme par un soldat français ayant déclenché la rébellion et l’expulsion des Français. La femme est soutenue par l’outrage immédiatement et est soutenue par sa famille, tandis que le marié avec ses poings serrés réfléchit à la vengeance. La figure peinte derrière le soldat, dans une attitude de prière, est un portrait exceptionnel, un genre dans lequel Hayez était particulièrement apprécié. Derrière le groupe des personnages principaux, le début de la rébellion, le paysan ramassant la pierre, l’autre avec le poignard invoquant Dieu. Mont Pellegrino en arrière-plan.

Les autres travaux dans la salle sont:

Federico Faruffini, La Vierge au Nil, 1865;
Cremona tranquille, Marco Polo, 1863.
Il y a aussi des peintures de Vincenzo Camuccini, Bernardo Celentano et des sculptures de Pelagio Palagi.

Salle de la psyché (2)
La salle présente le panorama composite et international de Rome au début du XIXe siècle (“internationalisme romain”). Il porte ainsi le nom de la présence, au centre, de la statue de:

Pietro Tenerani, Psiche évanoui, 1822, marbre. La statue représente le style puriste, un mouvement artistique italien né vers 1833 à la suite des Nazaréens. Se référant à une conception éthique de l’art, Purism a reconnu les primitifs de Cimabue au premier Raphaël comme modèles. Outre Tenerani, le peintre et écrivain Antonio Bianchini (auteur du manifeste du purisme en 1849), Friedrich Overbeck, Tommaso Minardi, Augusto Mussini et d’autres ont été d’excellents représentants du purisme.
La statue rappelle l’un des mythes les plus célèbres de l’antiquité grecque et romaine, celui de Psyché et d’Amour, d’où le terme de psychologie. Cette statue est mentionnée par Argan dans son histoire de l’art. Dans la même salle, à nouveau par Pietro Tenerani: Portrait de la princesse Zenaide Wolkonsky, 1850 et Pellegrino Rossi.

Tommaso Minardi, La Madone du Rosaire, 1840.
Tommaso Minardi, Homer aveugle chez le pasteur Glauco, 1810.
Andrea Appiani, Portrait de Vincenzo Monti, 1809.
Marianna Candidi Dionigi, Paysage (L’Aniene près de Tivoli), 1798.

Sala della Saffo (3)
ÉCOLES TUSCAN. La salle est consacrée à la peinture toscane de la première partie du XIXe siècle, caractérisée par la présence du mouvement Macchiaiolo, probablement le mouvement artistique italien le plus important et le plus original de ce siècle. Le mouvement était basé sur le principe que la vision de la réalité n’est rien de plus qu’un ensemble de points colorés, plus ou moins intenses sous l’effet de la lumière, et que la tâche du peintre n’est pas de représenter les choses faire l’impression optique de la manière la plus directe. Le café Michelangelo (à Via Larga, aujourd’hui Cavour, une plaque le commémore) à Florence était le lieu de rencontre des Macchiaioli, tandis que Pergentina (juste en dehors de Florence, le long du torrent Affrico) et Castiglioncello (sur la côte, non loin de Livourne) étaient les endroits préférés pour la peinture. Le peintre le plus important et le plus célèbre était Giovanni Fattori (Livourne 1825 – Florence 1908), Telemaco Signorini était le cerveau du mouvement, les théoriciens Adriano Cecioni et Nino Costa. Ils étaient connus à l’exposition nationale de 1861 à Florence. Leur meilleur moment était de 1855 à 1865.

Au centre de la pièce la sculpture de:

Giovanni Duprè, Saffo, 1857, qui donne son nom à la salle.
Silvestro Lega, la visite, 1868.
Giovanni Fattori, Portrait de la première femme, 1865.
Nino Costa, Femmes en bois dans le port d’Anzio, 1852.
Adriano Cecioni, Intérieur avec figure, 1867.
Vincenzo Cabianca, étude de la femme à Montemurlo, 1862. Cette peinture peut être considérée comme un exemple du style Macchiaioli.
Giovanni Fattori, La bataille de Magenta. C’est l’esquisse pour une image plus large, pour constater à quel point c’est anti-rhétorique.
Raffaello Sernesi, Cupolino à Cascine. Notez l’effet des taches solaires en vert
Odoardo Borrani, Mugnone.
Vincenzo Cabianca, Castiglioncello.
Vincenzo Cabianca, Maisons à Lerici.

Salle du Jenner (4)
ECOLES DU NORD PIEDMONTESE ET LOMBARDO – VENETA. La peinture du nord de l’Italie de ces années est caractérisée par la présence des Scapigliati que l’on peut voir surtout chez Giovanni Carnovali, appelé le Piccio. Piccio est l’auteur d’un tableau joué sur des transparents et des voiles. Les Scapigliati se caractérisent par la dissolution de la forme dans la couleur qui oblige à flouter les contours et à utiliser des coups de pinceaux discontinus et lumineux. Ces Tranquillo Cremona donnent une caractérisation pathétique et sensuelle.
Scapigliatura était un mouvement littéraire et artistique qui s’est développé en Lombardie entre 1860 et 1900. Les principaux représentants étaient Emilio Praga et Arrigo Boito. De: Universal Garzanti.

Giulio Monteverde, Edoardo Jenner, 1873, bronze. La sculpture donne le nom à la salle. “Le travail met en scène le médecin anglais, découvreur du vaccin antivariolique (1796), qui effectue l’expérience sur le fils” … la sculpture de son temps célèbre, même pour le sujet, mais a certainement toutes les limites de la sculpture historique – anecdotique ”
Domenico Induno, Bollettino di Villafranca, 1861. Pendant la Seconde Guerre d’Indépendance, les armées piémontaises et françaises avancent victorieuses sur les Autrichiens en retraite, la libération de Venise semble également proche lorsque la nouvelle de la paix entre l’Autriche et la France arrive, signée par Napoléon III Les Italiens savent. Sur le visage des patriotes, nous lisons la déception pour l’arrivée du bulletin avec les nouvelles. Notez certains détails qui donnent un ton veristic comme le drapeau italien avec les couleurs placées dans un mauvais ordre. “Induno donne au cadre historique un accent d’actualité, il le traduit en scènes d’un vérisme anecdotique”. De: Bucarelli, la Galerie nationale d’art moderne, 1973, Istituto Poligrafico dello Stato.
Cremona tranquille, les deux cousins.
Antonio Fontanesi, un matin d’octobre.
Antonio Fontanesi, À la source, 1865.
Antonio Fontanesi, À la fontaine, 1869.
Giovanni Carnovali (appelé PICCIO), Portrait d’un homme en train d’écrire, 1869.
Giovanni Carnovali, Portrait du père de la basse Marini, 1843.
Vittorio Avondo, La vallée du Pussino, 1874.
Ippolito Caffi, Rome vue de Monte Mario. Un peintre paysagiste célèbre, il est mort dans la bataille de Lissa pendant la troisième guerre d’indépendance.

Sala Morelli (5)
La salle est entièrement dédiée à Domenico Morelli. Dans les années 1970 et 1980, Domenico Morelli et Filippo Palizzi sont les figures centrales du panorama artistique napolitain et méridional. Morelli (Naples 1826 – 1901) élabora un style vériste fondé sur la prééminence de la couleur par rapport au dessin académique. Il tenta d’adapter sa peinture à des contenus toujours romantiques, littéraires, religieux, historiques et symbolistes. En 1905, la galerie acheta tout ce qui restait en studio à la mort de l’auteur, peintures, croquis, aquarelles et un grand nombre de dessins. Dans les années où Palma Bucarelli était surintendant, deux salles étaient dédiées au peintre. De: Encyclopédie de l’Art, 2002 Garzanti.

Domenico Morelli, Tasso lit le Gerusalemme Liberata dans Eleonora d’Este, 1865. “Une des peintures les plus célèbres de la peinture italienne du XIXe siècle est la scène d’un mélodrame, une similitude peut être établie avec la musique de Verdi” … intime et silencieuse est la peinture de Toma, tellement est flashy, magniloquent et parfois rhétorique celui de Domenico Morelli “De: Palma Bucarelli, la Galerie nationale d’art moderne, 1973 Institut de l’État Poligrafico.
C’est le tableau principal de la salle, visible depuis le Hall d’Hercule, se mettant ainsi en dialogue avec les grandes œuvres du romantisme historique qui caractérisent ce salon. De: Colombo – Lafranconi, Guide de la Galerie nationale d’art moderne, 2004 Electa. On raconte que Tasso était secrètement amoureux d’Eleonora d’Este et de ses deux dames en compagnie appelées Eleonora. De l’audioguide disponible à Galleria en 2008.

Domenico Morelli, Les tentations de saint Antoine, 1878.
Domenico Morelli, Portrait de Bernardo Celentano, 1859.
Mario Rutelli, Portrait de Domenico Morelli, vers 1884. Rutelli (Palermo 1859 – 1941) est le sculpteur de goût académique qui a créé la fontaine Najadi sur la Piazza della Repubblica à Rome, son œuvre la plus importante. C’est l’arrière-grand-père de Francesco Rutelli, ancien maire de Rome.

Salle Cléopâtre (6)
ECOLES DU SUD

Cette salle est dédiée aux artistes nés, formés et opérés à Naples ou dans le sud de l’Italie. Il tire son nom du marbre de:

Alfonso Balzico, Cleopatra. Un sujet souvent représenté dans l’histoire de l’art pour le charme qui a toujours inspiré la reine d’Egypte. Nous sommes en train de couper l’isthme de Suez (1869), puis il y a eu un regain d’intérêt et des études sur l’Egypte ancienne. Notez la finesse du bracelet sur le bras et le serpent émergeant du panier de fruits qui portera bientôt la mort à la jeune reine.
Gioacchino Toma, Luisa Sanfelice en prison, 1875. “C’est son chef-d’œuvre, il ne s’agit pas d’une action dramatique, mais d’une condition humaine”. L’une des peintures les plus célèbres du XIXe siècle italien, l’une des pièces les plus importantes de cette galerie. Luisa Sanfelice, patriote de la république napolitaine, est en prison dans l’attente de la condamnation à mort souhaitée par les Bourbons malgré sa grossesse. Nous la voyons préparer une robe pour son fils qui ne sera pas né. “Le tableau de Morelli est tellement excité et théâtral, comme celui de Toma”, également de Bucarelli, cit.
Gioacchino Toma, Le garde au volant de la fonderie, 1887.
Gioacchino Toma, Le viatique du orphelin, 1877.
Gioacchino Toma, roman au couvent, 1877.
Michele Cammarano, Atrium de Santa Maria Maggiore, 1868.
Michele Cammarano, Chiacchiere sur la place de Piscinula, 1865.
Michele Cammarano, Caffè sur la Piazza San Marco.
Vincenzo Gemito, Brutus, 1871.
Antonio Mancini, Carmiella, 1870.
Antonio Mancini, vendeur de cerini, 1878.
Antonio Mancini, Portrait du baron Carlo Chiarandà, 1883.
Antonio Mancini, Nello Studio, 1875.
Antonio Mancini, Il malatino, 1878.

Sala Palizzi (7)
PAYSAGES ET PEINTURE À NAPLES.

Même cette salle, comme les deux précédentes, est dédiée à la peinture à Naples et dans le sud de l’Italie. Il faut garder à l’esprit que Naples était l’une des plus grandes villes européennes à la fin du XVIIIe siècle. La salle témoigne également de la présence de peintres étrangers à Naples et de la possibilité d’une ouverture internationale des peintres qui ont travaillé dans cette ville.

Les quatre frères Palizzi sont venus des Abruzzes à Naples pour étudier à l’Académie où ils ont suivi les cours de Smargiassi, l’un des peintres de l’école de Posillipo. Avec eux la peinture italienne prend contact avec les Français et précisément avec l’école appelée Fontainebleau ou Barbizon, de l’endroit où ils se sont réunis pour peindre en dehors des académies. Le mérite est de l’aîné Joseph, qui est allé à Paris en 1844, y est resté toute sa vie. Filippo, à qui appartiennent presque tous les tableaux de la salle, est de loin le plus connu et le plus important, tant pour la qualité du travail que pour l’influence qu’il a exercée sur l’affirmation du courant réaliste. L’œuvre de Palizzi se développe, dans l’environnement napolitain, en antithèse de celle de Morelli, auteur d’un tableau d’histoire et partisan d’un idéal qui transcende la réalité. En 1892, la galerie a reçu 300 peintures et études de Filippo Palizzi. C’est le premier don important de son histoire.

Giuseppe Palizzi, La forêt de Fontenbleau, 1874. La plus célèbre des peintures de Giuseppe, œuvre citée par Argan dans son manuel, mentionnée plusieurs fois.
Anton Sminck Pitloo, Castel dell’Ovo à Naples, 1820. Exemple de présence artistique internationale à Naples. Autour de lui, le néerlandais, l’école de Posillipo a été formée. De: Colombo – Lafranconi, Guide de la Galerie nationale d’art moderne, 2004 Electa.
Eduardo Dalbono, La terrazza, 1867. Dans lequel la composition en perspective avec des plans légers est typiquement macchiaiola.
Filippo Palizzi, Paysage après la pluie, 1860. Cité par Argan dans son manuel.
Filippo Palizzi, Viottolo avec prêtre ou Viottolo entre deux murs, figure de prêtre à l’arrière (Cava).
Filippo Palizzi, Études de Garibaldi et des soldats, 1860.
Giacinto Gigante, Marina di Sorrento, 1840. Influencé par Turner.
Giacinto Gigante, marché sur le port de Castellammare, 1859.
Giacinto Gigante, Marina di Posillipo, 1828 -30.

Tags: