Romantisme français se réfère à l’ère romantique dans la littérature et l’art français de la seconde moitié du 18ème siècle à la première moitié du 19ème siècle.
Classification conceptuelle
« Romantisme français » signifie non seulement le mouvement littéraire mais aussi la vision du monde, l’époque, l’école et le style. Il comprend tous les genres et les arts. La classification temporelle est approximativement entre 1750 et 1850.
La signification actuelle du mot « romantique » diffère considérablement de la première. En anglais, « romantique » signifiait quelque chose comme « à la romaine », qui se référait à la « romance », qui se référait à un genre littéraire du Moyen Age, écrit en langue vernaculaire romanche plutôt qu’en latin, racontant des héros et des sentiments. Les romantiques allemands ont également associé « romantique » surtout avec « médiéval » et « chrétien ». En France, le mouvement du romantisme a tardé à gagner du terrain par rapport à ses voisins (pour les raisons expliquées ci-dessous).
La romance est généralement comprise comme un changement vers la sensibilité, la nature, le sentiment, le fantastique, le rêve, l’inconscient, le sublime, le passé et l’exotique. Le large spectre de ces éléments illustre l’orientation universelle-poétique et libérale du romantisme: il veut inclure tous les aspects de la nature humaine et rejette à la fois l’exclusion de la subjectivité à travers les Lumières, la régularité du classique et la relativisation de l’individu par le révolution.
Général
À l’aube du 19ème siècle, une nouvelle génération littéraire a pris la scène et a demandé un renouvellement de la littérature. Après la Révolution française, l’individu avait perdu sa place dans la société, l’ordre politique et religieux précédent avait été détruit, et la révolution et Terreur avaient laissé des traces traumatiques. L’effondrement des chaînes de l’Ancien Régime a été pour l’individu à la fois libération, isolement et désespoir. Les institutions traditionnellement normatives telles que l’église ayant perdu de leur influence, les écrivains considéraient de plus en plus que leur tâche était de réaliser une littérature à la hauteur des conditions de la société post-révolutionnaire et de rompre avec les règles encore dominantes de la musique classique. Déjà, au siècle des Lumières, une nouvelle sensibilité était née, conditionnée par la situation changée de l’individu dans la société. Jean-Jacques Rousseau en particulier Le réchauffement de la nature, sa tendance à remplacer la raison par le sentiment et son langage poétique ont donné des impulsions importantes à l’ère post-révolutionnaire. Mais les possibilités de développement artistique sous le régime napoléonien étaient limitées. Napoléon était bien conscient de l’effet didactique moralisateur de la littérature et accusait les écrits des Lumières de la Révolution et de ses tribulations. Il a tiré la conséquence de superviser le travail artistique de l’Empire et de supprimer les opinions d’opposition par la censure. Sa politique culturelle visait à provoquer une renaissance de la période classique: elle promouvait la littérature qui perpétuait les anciens thèmes et formes et réprimait le présent.
Semblable à l’Allemagne, il y avait un soulèvement contre l’imitation de l’antiquité, particulièrement vers la fin du dix-septième siècle. La discussion a commencé très tôt en France avec la Querelle des Anciens et des Modernes et a été menée dans d’autres pays. La véritable percée est venue avec les drames de Denis Diderot.
Romantisme précoce
François-René de Chateaubriand, plus conservateur-aristocrate, et Anne-Louise Germaine de Staël, fille de l’ancien ministre des Finances Necker et d’un parti libéral, sont deux auteurs qui accueillent d’abord le règne de Napoléon. Opinion représentée.
Anne Louise Germaine de Staël
Madame de Staël publia l’écriture De la littérature en 1800, dans laquelle elle conçut l’idée que l’histoire d’une littérature ne peut être comprise que dans le contexte de sa condition sociale et morale. Selon Mme de Staël, les institutions politiques, les processus, les valeurs à certains moments, les lois, les religions, mais aussi la situation géographique et le climat déterminent la littérature d’un peuple. A cette époque le public littéraire français était très frankocentrique; La littérature française était considérée comme la plus parfaite. Madame de Staël prétendait alors que la littérature française n’était qu’une parmi tant d’autres, et que les littératures du nord (surtout les anglais et les allemands) avaient la priorité parce qu’elles étaient mélancoliques et rêveuses, philosophiques et libérales. Elle a appelé les Français à ne pas suivre l’exemple de l’Orientation païenne et méditerranéenne à l’égard de la culture ancienne et chrétienne-germanique du Moyen Age. Cela a été considéré comme une provocation monstrueuse. Madame de Staël a reçu des critiques très hostiles. En 1803, elle fut bannie à cause de la résistance conspiratrice à Napoléon. Elle a utilisé ce temps pour un long séjour en Allemagne, où elle et d’autres. une. Août Wilhelm Schlegel, qu’elle a embauché comme un tuteur et a pris son château à Coppet (Suisse). Coppet devint le centre d’un échange intellectuel animé, où de nombreux dirigeants se rencontrèrent et rassemblèrent de nouvelles impulsions.
En 1805, Madame de Staël voyagea avec Schlegel en Italie, où elle trouva l’inspiration pour son roman Corinne (1807). En 1810, son ouvrage le plus célèbre sur l’Allemagne (De l’Allemagne), qui fut immédiatement interdit; Madame de Staël a dû s’exiler à nouveau. Dans ce livre, elle décrit ses impressions sur l’Allemagne et s’enthousiasme pour la littérature romantique allemande, en particulier son enthousiasme et son sérieux. Elle a résumé qu’en dépit de l’impuissance politique et des conditions sociales démodées, une littérature moderne a été créée en Allemagne, tandis que la France s’est figée dans son imitation de la période classique. Le livre est apparu quelques années plus tard en France et a inspiré de nombreux jeunes à travers l’image féerique de l’Allemagne. Romantique a reçu un nouveau sens et une nouvelle fascination: il n’était plus seulement synonyme de «chrétien» et «médiéval», mais aussi de «germanique», de «folk» et de «moderne». De l’Allemagne Pendant des décennies, l’image de la France en Allemagne a été de les façonner et de les déguiser si longtemps que leur pays voisin était sur le point de devenir une force militaire dangereuse.
François-René de Chateaubriand
La signification de Chateaubriand réside avant tout dans le développement des idées poétiques et dans l’enrichissement de la langue française à travers des descriptions jusqu’alors inconnues de la nature. Il a reconnu l’importance de la révolution, mais y a vu une destruction de la tradition chrétienne. Lui-même s’est senti déraciné toute sa vie et marqué par une mélancolie inexplicable. En 1798/99 il renouvela sa foi chrétienne après des coups sévères et décida d’écrire une apologie du christianisme (qui avait certainement des raisons de carrière, car il avait envisagé une carrière de fonctionnaire et on savait que Napoléon aspirait à la pure institutionnalisation de l’Eglise) . En 1802 paraît Le génie du christianisme. Il cherche à saisir la cause des effets: de la beauté des phénomènes naturels il conclut l’existence de Dieu. En outre, il n’a pas tiré la position dominante du christianisme de son origine divine, mais de l’attrait de l’enseignement. Seule la religion peut préserver l’équilibre interne de l’homme et créer l’ordre. La religion chrétienne inspire les arts à travers l’imagerie et la beauté de leur enseignement. Les nouvelles René et Atala étaient initialement destinées à apparaître dans le cadre de ce travail et à illustrer les thèses du Génie, mais ont ensuite été supprimées et publiées individuellement. Ces travaux ont été extrêmement réussis et ont contribué de manière significative à la rechristianisation.
Percée du romantisme
Après l’abdication de Napoléon, pendant la liberté temporaire d’expression, le débat littéraire public et donc la confrontation des fronts idéologiques («les deux Frances») s’installent de nouveau: d’une part les ultra (royalistes ou légitimistes qui souhaitaient un retour de l’ancien régime) qui comprenait de jeunes poètes aspirants tels que Victor Hugo, Alphonse de Lamartine et Alfred de Vigny. Leurs adversaires étaient les libéraux comme Stendhal et Prosper Mérimée qui préféraient une monarchie constitutionnelle. Ironiquement, les royalistes conservateurs ont d’abord défendu un départ du classique, alors que les classiques étaient généralement parmi les libéraux. Ce n’est qu’après l’avènement du pouvoir que Charles X (1824) changea cela et que les romantiques s’unirent progressivement dans des soi-disant «cénacles» avec une attitude libérale.
Lamartine publie en 1820 avec un succès écrasant sa collection de poésies romantiques Méditations, dont la poésie inédite inspire la jeunesse et leur succès se poursuit avec Hugo Odes (1822). L’Académie française, cependant, a vivement attaqué les romantiques, les qualifiant de « barbares » et de « sectes ». Cela a été suivi par un échange littéraire, qui est descendu comme une bataille romantique dans l’histoire et a été principalement joué au théâtre. En 1823 et 1825, Stendhal écrivit l’essai Racine et Shakespearein dans lequel il attaquait la fausseté, la raideur et l’anormalité du théâtre classique qu’il trouvait particulièrement ennuyeux. Il a exigé un drame romantique en prose (au lieu du vers d’Alexandrie artificiel) qui romprait avec les règles classiques des trois unités et serait ainsi capable de représenter les conflits et les époques contemporains. Il a assimilé le romantisme à la modernité et a déclaré que tous les grands poètes étaient des romantiques en leur temps.
En 1827, Hugo a écrit la pièce Cromwell, dont la préface est devenue un manifeste du romantisme, car il illustre excellemment leurs thèses. En cela, il a également appelé à un drame moderne, mettant en place la théorie des trois périodes, selon laquelle les paroles du passé, l’épopée de l’antiquité et le drame des temps modernes appartient. Surtout, il a propagé un « mélange des genres » qui combine épique, drame et poésie – tous les aspects de la nature humaine devraient être intégrés, le beau et le laid aussi bien que le sublime et le grotesque, Il a loué le christianisme parce qu’il comprenait la dualité de l’homme, un être composé de deux éléments (le beau et le laid). Hugo revendique pour lui-même une complète liberté poétique. Le point culminant de la confrontation entre les classiques et les romantiques a formé la « Bataille d’Hernani » lors de la représentation de la pièce Hernani de Hugo, dans laquelle les partisans de ses cénacles romantiques se disputaient avec acharnement contre les opposants. victoire écrasante.
La deuxième génération du romantisme
En 1830, d’autres bouleversements politiques et sociaux ont eu lieu à travers la Révolution de Juillet; Les romantiques de la première génération étaient quant à eux établis. Alors que le romantisme primitif se concentrait sur la position de l’individu dans la société et la représentation de ses états d’esprit passionnés, les conflits sociaux grandissants de l’industrialisation ont conduit certains romantiques, comme Victor Hugo et Alphonse de Lamartine, à se tourner vers les problèmes sociaux. Les plus jeunes poètes («seconde génération») comme Théophile Gautier, Paul de Musset et Charles Nodier, cependant, étaient après la prise de pouvoir de la bourgeoisie, qu’ils détestaient, profondément déçus. Ils montraient leur mépris de façon démonstrative à travers des comportements provocateurs, des vêtements, etc. La commercialisation croissante de l’art les contraignait souvent à s’engager dans des activités journalistiques pour gagner de l’argent – une circonstance qui leur répugnait. Contrairement au concept de l’art social, ils ont développé une direction de l’art élitiste pour l’art, l’art pour l’art (et non par égard pour la société). En fin de compte, le drame romantique a échoué, suite à l’échec de Les Burgraves de Hugo (1843) était indubitable. D’une part, il ne pouvait pas s’établir parmi le public, parce que c’était juste bourgeois et incliné plus à la musique classique; d’autre part, la censure n’a pas permis la pleine mise en œuvre du drame romantique contemporain (Hugos Marion Delorme et Le roi s’amuse ont été interdits).
Le romantisme dans l’art français
La querelle des classiques et des romantiques n’était pas seulement littéraire; il s’est aussi produit dans l’art, et le parallélisme est remarquable entre les deux domaines, artistique et littéraire.
L’art de l’Empire
Le romantisme littéraire fut annoncé au début du siècle par le Génie du Christianisme (1802). Presque en même temps (1804), le Jaffa de Gruppos de Gros avait annoncé le romantisme artistique. Mais des deux côtés, il n’y avait eu qu’un appel de clairon sans écho immédiat; le mouvement réel devait se produire seulement quinze ans plus tard, à un deuxième appel. En attendant, « l’empire de l’art » de Pierre Guerin et de Gérard était ce qui était en littérature la poésie de Delille, Fontanes et Nepomucene Lemercier. L’esthétique de David, érigée en une pédagogie étroite et singulière, le cachet officiel du Consulat et l’art, comme la littérature, se pliaient de plus en plus au goût personnel de Napoléon.
Au début, le goût de l’art romain a dominé, et toute une génération a commencé à construire, sculpter et peindre dans le style de l’arc de triomphe de Septime Sévère et des bas-reliefs de la colonne de Trajan.
Plus tard, quand le maître a érigé l’aigle romain sur toutes les nations d’Europe, le champ de cet art, déjà si limité, se rétrécit de nouveau, et l’art officiel emprunte tous ses thèmes au cycle impérial. De là ces allégories, encore plus froides que celles de l’Ancien Régime, cette prodigalité des attributs guerriers, ce goût du sec, du raide et du tendu qui, à travers les proclamations de l’Empereur, traversait tous les motifs décoratifs. Tout est maintenant avec des trophées, des casques et des épées, et même sur les lignes géométriques des lignes de meubles en acajou, le métal de cuivre doré tout militaire, l’éclat des sphinx, des obélisques et des pyramides.
Signes avant-coureurs d’une transformation à venir
Pourtant, l’art, comme la littérature, ne pouvait échapper à l’influence des nouveaux souffles. Parmi les propres étudiants de David, plus d’un tentait un mariage entre la forme ancienne et le sentiment moderne, entre le classique et le romantique;
comme Girodet dans ses Funérailles d’Atala (1808), en particulier Prud’hon dans sa toile dramatique de justice et de vengeance divine poursuivant le crime (1808). Sombre énergie de la composition, gestes des personnages n’ayant rien de convenu ni d’attendu, subordination du drame de l’action au drame de la lumière, tout le romantisme était dans ce tableau, suivi bientôt d’un Christ dans la croix de l’expression la plus poignante .
La révolution romantique
L’exposition du Radeau de la Méduse de Géricault au Salon de 1819 est le signal de l’assaut romantique contre les œuvres froides et formelles de «l’art héroïque». Cette toile d’un jeune artiste, inconnu la veille, jette la terreur dans le camp classique. Les Académiciens sont aux abois. Derrière Géricault, ils se sentent gronder un battalient de jeunesse, une règle rétive.
En 1822, en effet, Delacroix expose Dante et Virgile en enfer, œuvre pleine d’ardeur et d’une couleur prestigieuse, qui met fin à la colère des classiques et affirme le succès de la nouvelle peinture. En vain Géricault tombera à trente-trois en 1824; Delacroix lui succède comme porte-drapeau de la nouvelle école, dont La Bataille de Nancy est un excellent exemple.
Deux dates marquent les dernières étapes triomphales, 1824 et 1827:
Au Salon de 1824, à côté du Massacre de Scio de Delacroix; une toile brisée, balayée par quelque ennemi juré, la phalange des artistes novateurs brillait: Ary Scheffer avec un sujet national, La mort de Gaston de Foix; Eugene Devéria avec une Madonna romantique; Champmartin avec son Massacre des Innocents coloré; Léopold Robert avec cet improvisateur napolitain qui semble inspiré par Corinne de Germaine de Staël.
En 1827, les vainqueurs ont fini d’écraser « la queue de David ». Delacroix expose son éblouissant Sardanapale, Louis Boulanger son Mazeppa, Ary Scheffer ses douloureuses femmes Souliot, tandis que Decamps, dans ses premières peintures exotiques, prélude à la conquête de l’Orient. Par contre, il est vrai, l’Apothéose d’Homère d’Ingres incluse dans la même pièce; mais Apothéose a révélé un Ingres inattendu, touché par l’art nouveau. Quant aux tableaux des derniers classiques, le Wattelet et le Turpin de Crisse, la comparaison se tourne vers leur confusion.
Ainsi la peinture romantique a triomphé tout au long de la ligne. En trois foulées, elle était au but. Elle a distancé la littérature, qui attendait toujours son manifeste; mais elle a aidé à faire éclore ce manifeste, elle a préparé pour lui l’esprit public.
Rapport d’art et de littérature romantiques
L’art romantique, comme la littérature, prenait d’abord le contre-pied de l’art classique. C’était une réaction contre la formule de l’art antérieur, et cette réaction était la conséquence logique de cet individualisme qui, brisant les moules étroits des anciennes doctrines, avait créé la pensée moderne. Dans l’art comme dans la littérature, il fallait reconnaître que les anciennes règles ne reposaient sur aucune base solide et que le seul agent vital était la liberté. Et le romantisme artistique, comme le romantisme littéraire, a proclamé que «tout ce qui a vie a raison».
Pour la première fois, la vie naturelle était grisante et l’art affaibli; pour la première fois, l’art quitte la serre du studio pour vivre l’atmosphère commune et respirer l’air du temps. En quête de rajeunissement, il s’adressait à tout ce qui pouvait lui insuffler une sève nouvelle: à l’histoire, fraîchement exhumée; à la nouvelle littérature, ornée de son éclat étrange; aux mondes fabuleux, réels ou imaginaires; aux rêves de l’Est, aux fictions germaniques.
La prose harmonieuse de Chateaubriand, ses visions exotiques, son Amérique, sa Germania, ses bardes celtes, ses cathédrales, son «christianisme des cloches», réveillent chez les artistes une âme qu’ils ne connaissaient pas, et qu’ils vont appliquer à traduire. Atala, René, le Génie du Christianisme, les Martyrs, sont pour Girodet et ses émulateurs une mine inépuisable de thèmes artistiques.
Pour sa part, M me de Staël a découvert l’enthousiasme, installé comme roi dans le domaine de l’esprit, et fait de l’excitation synonyme d’inspiration. D’autre part, poussant l’idée du Génie du Christianisme, elle invite nos artistes à se détourner de l’Antiquité pour chercher des sujets qui appartiennent à notre propre histoire ou à notre propre religion; elle les jette dans la vie, les pousse vers l’Allemagne et l’Italie.
La littérature et l’art sont un en ce moment, tant la cohésion est grande entre les diverses formes de la pensée, qui n’a pas été vu ici depuis le Moyen Age.
Victor Hugo, qui est venu plus tard et a lancé son manifeste quand Géricault et Delacroix ont déjà remporté la bataille décisive, assure les positions de l’art romantique en renforçant avec une autorité doctrinale les effets que les peintres avaient instinctivement retrouvés, et scelle l’accord définitif de la littérature et l’art sur le principe essentiel que tout ce qui est dans la nature est dans l’art.
A ces influences françaises s’ajoutent des influences étrangères. Faust, à peine traduit par Albert Stapfer, trouve chez Delacroix un illustrateur magistral. Le même Delacroix dessine des deux mains à Shakespeare, avec Chasseriau et beaucoup d’autres. Quant à Hoffmann, dont les contes fantastiques ont halluciné toute une génération, son humour va dans les frontispices grouillantes de Nanteuil et les compositions de Gigoux et de Johannot.
La querelle du dessin et de la couleur: Ingres et Delacroix
Le malheur de l’art romantique était qu’il tombait rapidement de l’inspiration à la routine. Dès 1827, Jal, dans son récit du Salon, pousse le cri d’alarme; plus d’études, la peinture est abandonnée, la composition douce, la science nulle; « La couleur n’est plus, chez la majorité des innovateurs, un sentiment intime, que le dessin était chez les étudiants de l’école de style. »
Les artistes ont seulement changé de conventions; ils ont adopté seulement les plus faciles. C’est alors que le relâchement des études suscite au romantisme l’adversaire utile qui montrera la nécessité d’un enseignement solide. Ingres (1781-1867) s’est désigné pour ce rôle avec l’Apothéose d’Homère. «Ce travail ouvrit ouvertement en 1827 tout ce que la nouvelle école affectait de mépriser: ce n’était plus, il est vrai, la peinture de David dans le style du bas-relief, le faux grec, l’accent académique, c’était l’école romaine rétablie. un exemple, Raphaël nommé maître à suivre, les lois de la composition mises en œuvre, le dessin préconisé comme l’âme de la peinture, la couleur traitée comme un accessoire, l’élévation du style et de la pensée assignées comme but suprême de l’art » (Rocheblave).
Puis la fameuse querelle du dessin et de la couleur éclate. L’art est-il dans le dessin? Est-ce en couleur? La ligne est-elle plus expressive que l’effet? Est-ce plus précis? C’est l’éternelle dissension du dessinateur et du peintre, de l’observateur froid et du coloriste passionné. Sans vouloir le régler ici, on peut dire que le malentendu qui sépare Ingres et Delacroix tient moins à la vérité ou à l’erreur des théories qu’ils soutiennent qu’à l’opposition de leurs tempéraments. L’un est froid, l’autre passionné. l’un méthodique et réfléchi, l’autre enthousiaste et de premier mouvement; on cherche la beauté pure, mais étant capable de la purifier, elle la glace; l’autre ne cherche pas si loin, et si elle n’atteint pas la beauté majestueuse et sereine,
Et depuis trente ans continue entre ces deux hommes une antithèse frappante, depuis l’Apothéose d’Homère opposée à la Prise de Constantinople par les Croisés, jusqu’à l’Apothéose de Napoléon et le Triomphe de paix, exposés en même temps en 1854! Chacun d’entre eux reflète sur l’un des grands visages de l’art. Cependant, si l’on considère les œuvres plus que les idées, le pouvoir plus que la doctrine, sans doute: le dessinateur d’Œdipe devinant l’énigme du Sphinx et de la SourceAvec toute sa science et sa précision, il ne vaut pas l’incomparable créateur Delacroix. « Penseur profond, âme tourmentée, Delacroix est seul le romantisme fait de l’art, du bout de son pinceau, il remue l’humanité au cœur … Il est vraiment, seul à son époque, le don de la magie, de l’évocation à Shakespeare, ces formes douloureuses, terribles, comme sa Médée, qui arrachèrent à Victor Hugo ce cri: «Sois fier, tu es irrésistiblement laid! « ou qu’il écrit à sa manière la légende des siècles dans des pages comme la bataille de Taillebourg » (Rocheblave).
La sculpture romantique
Tandis qu’en peinture la dispute surgit entre le dessin et la couleur, la question se pose en sculpture entre l’antique et le moderne. Nos sculpteurs voulaient aussi un rajeunissement.
Mais le romantisme dans la sculpture n’apparut que tardivement, vers 1830, et dura peu. Jusqu’alors les artistes, n’osant pas rompre avec le canon traditionnel, ne cherchaient qu’à accentuer le mouvement des lignes ou à leur donner plus de souplesse: le quadrige du Carrousel de Bossio, le Spartacus de Foyatier, le Coureur de Marathon de Cortot montre encore seulement une route timide à la liberté.
Les sculpteurs vraiment romantiques se trahissent à leurs sujets: la littérature moderne, le Moyen Age et la Bible les fournissent presque tous. Jehan Du Seigneur expose en 1831 un Roland furieux nu et épileptique, et en 1833 un Quasimodo et Esmeralda; Étex donne en 1833 un Caïn hirsute et une Françoise de Rimini; Preah, le type du sculpteur romantique, avec son ciseau truculent, a des trouvailles funéraires, comme son fameux Masque du silence, ou des effets shakespeariens comme l’Ophélie noyée du musée de Marseille; Drouet [Lequel?] Sculpte en 1836 un Chactas curieux par la recherche des particularités ethniques; la même année, Rude explose sur l’Arc de Triomphe sa Marseillaise criant l’hymne de la liberté, frémissante sculpture de la vie, une des plus grandes pages sculpturales du siècle; en même temps, Barye crée une sculpture animale qu’aucune nation ne possède.
Mais le sculpteur romantique est David d’Angers (1788-1856), l’artiste exalté par Vigny, célébré par Hugo, et si étroitement uni au Cénacle qu’il a laissé en marbre l’effigie de tous ses membres. Romantique, il était de cœur et d’esprit, lui qui, du salon de 1824, livrait à Delacroix le combat romantique avec sa Mort de Bonchamp, toujours classique par le nu, mais romantique par l’accent et le geste; celui qui se trouvait en marbre ou en bronze fondu Victor Hugo, Balzac, Goethe, Gericault, Lamartine et Gautier.
L’architecture romantique
L’architecture ne pouvait échapper entièrement aux influences qui avaient transformé la peinture et la sculpture. Dans ce domaine, plus rigide et moins propice aux transformations immédiates, le romantisme a eu pour effet de montrer la sécheresse et la stérilité de l’architecture académique, et de provoquer la résurrection de l’architecture française au Moyen Age. art appelé « gothique », qui est l’art le plus logique et homogène que le monde ait connu depuis l’époque de Périclès. Ce qui n’était à Notre-Dame de Paris qu’un instinct poétique et une admiration romantique, se transformait en science, doctrine féconde. Faisant de Notre-Dame un chantier où il a repris pièce par pièce tous les rouages de la cathédrale, Viollet-le-Duc a démontré que le travail de l’architecture est une organisation complète, qui doit s’adapter aux temps, lieux, coutumes, besoins, les méthodes de nos vieux bâtisseurs, qui étaient la logique et la perfection même, inauguraient ce vaste mouvement de restauration qui permettait à nos grandes cathédrales et à nos vieux châteaux de retrouver toute leur beauté imposante.
Musique romantique
En même temps que nos peintres et sculpteurs, Shakespeare, Goethe, Schiller, Byron, Chateaubriand, Victor Hugo ouvrent de nouveaux horizons à nos musiciens.
La musique italienne avait coulé par excès de virtuosité. Mehul et Cherubini avaient cessé de plaire. La querelle des Gluckistes et des Piccinnistes avait tourné en faveur des Allemands et de leurs riches combinaisons harmoniques et instrumentales: Beethoven au début du xix e siècle et Weber et Schubert étendirent indéfiniment le pouvoir de la musique.
En France, cette nouvelle musique fut inaugurée par Berlioz (1803-1869), dont la symphonie fantastique et la Damnation de Faust, avec leurs riches sonorités, orchestration brillante, rythmes parfois doux et poétiques, parfois impétueux et tourmentés, créèrent l’école symphonique française.
À l’étranger, le romantisme a coïncidé avec l’émergence de la musique nationale, nourrie par le folklore populaire: ainsi que Chopin et Liszt, mais, plus tard, Grieg et Rachmaninov.
Le ballet romantique
La période romantique est caractérisée par de nombreuses innovations dans le monde du ballet:
Le danseur est maintenant monté sur des points qui allongent les lignes et transforment la démarche. Elle porte un tutu blanc, un corsage étroit et porte une couronne de roses blanches dans ses cheveux. La ballerine est légère, aérée, surnaturelle et a une grâce immatérielle. Le ballet blanc est né et des danseurs aussi célèbres que Carlotta Grisi, Marie Taglioni et Fanny Elssler captivent les spectateurs dans des œuvres immortelles comme La Sylphide (1832) et Giselle (1841). Le ballet romantique trouvera un théoricien en la personne de Carlo Blasis qui écrira en 1830 son manuel complet de la danse.
Le succès du ballet blanc sera relativement court et pourtant, comme le mouvement littéraire qui l’a fait naître, il court rapidement jusqu’au milieu du xix e siècle.
La transformation de l’art romantique
L’année 1836 marque un arrêt dans la fortune de l’art romantique: une scène de Hamlet de Delacroix est refusée au Salon. Soutenu par l’Académie des Beaux-Arts, Ingres a finalement mis la main sur le jury. En outre, le romantisme artistique, qui a commencé plus tôt que le romantisme littéraire, se décompose avant lui. Parce que, comme lui, le romantisme artistique était composé de plusieurs éléments, différents du point de vue de l’hostilité, et qui, agglutinés par la rencontre, mais non fusionnés, devaient gagner chacun à s’isoler, à se détacher de la masse. Sens du passé, sens du présent, science, couleur, recherche du caractère, découverte de la nature « naturelle », amour de la « couleur locale », toutes ces découvertes du romantisme en dissolution, créeront dans l’art de nouvelles combinaisons : art «note de cœur» de Paul Delaroche, orientalisme de Delacroix qui, hors école, poursuit son ascension de, Noce juif, Fanatics Tanger) de Sandy et Theodore Rousseau, de Millet et Corot, qui conduisent au réalisme de Courbet et à l’impressionnisme Manet.
Travaux
Les œuvres romantiques sont elles-mêmes très différentes; mais ils partagent une sensibilité accrue, un enthousiasme pour la nature, un subjectivisme qui place le «moi» au centre de l’attention, la mélancolie et un tournant vers le passé.
Au début du romantisme, on peut encore voir une forte incertitude dans les questions de genre: Chateaubriands René et Atala sont difficiles à classer récits entre roman et roman et la lettre épistolaire publiée en 1804 Oberman d’Étienne Pivert de Senancour nie même dans la préface d’être un roman. L’intrigue dans René et Atala n’est pas très complexe, mais reflète plutôt l’état émotionnellement agité des héros. Dans Oberman Il est impossible de parler d’une action: le protagoniste écrit à un destinataire (éventuellement imaginaire) qui reste aussi obscur que les autres personnages. Pendant qu’Oberman se rend en Suisse, il se donne des réflexions philosophiques qu’il perpétue dans ses lettres.
Néanmoins, ou peut-être à cause de cela, les héros des œuvres en question illustrent le héros typiquement romantique: Oberman et René sont tous deux frappés par une «tristesse d’une vague profonde», une mélancolie inexplicable qui les conduit d’un endroit à un autre. ce qui les rend désespérés et damnés à l’inaction. La cause de cet état mental est le «temps du siècle», la maladie du siècle, déclenchée par le traumatisme révolutionnaire, les conflits non résolus de la société.
Chateaubriand a voulu illustrer avec René et Atala les thèses de Génie du christianisme: elles illustrent le contraste entre la condition humaine moderne et l’harmonie que seule la foi chrétienne peut véhiculer. Seule la soumission aux normes chrétiennes peut donner à l’individu une place utile dans la société. Il y a aussi quelques contradictions: la condamnation des «temps du siècle» de René par le Père Souel a lieu trop à la légère pour paraître essentielle et le christianisme cause une tragédie à Atala, même si cela est accusé de fanatisme. Typiquement romantique chez René, Atalaand Oberman sont les descriptions exaltées de la nature, l’évocation de certaines humeurs qui soulignent l’état émotionnel des personnages (par exemple, le service est accompagné par le lever du soleil, l’agonie d’Atalas avec un orage terrible, etc. ).
Un autre sujet poursuivi par Mme de Staël à Corinne. Il décrit les problèmes d’adaptation d’une jeune femme extrêmement douée, qui est supérieure à tous égards à son environnement et ne trouve aucune possibilité, sous la pression de la société, de combiner sa revendication à une activité artistique avec une vie amoureuse épanouie. Les personnages principaux représentent chacun un modèle politico-culturel spécifique: Corinne représente le catholicisme, l’Italie et la liberté, tandis que Lord Oswald incarne l’Angleterre, certes politiquement libérale, mais spirituellement répressive. Le roman ne raconte pas seulement l’histoire d’amour tragique des deux jeunes, mais il se familiarise aussi avec la culture, la religion, la moralité de l’Italie, qui sont ensuite comparées par des considérations philosophiques avec la culture de l’Angleterre et de la France. Cette conception nécessite par conséquent un départ du « personnel romain » et est racontée à la troisième personne.
L’église Notre-Dame de Paris de Victor Hugo (1831) est l’œuvre la plus connue et peut-être la plus mal comprise du romantisme français, du fait du titre plus tard changé dans d’autres pays. Le bossu de Notre-Dame Quasimodo. Contrairement au théâtre romantique, où Hugo ne pouvait pas réaliser suffisamment ses ambitions, Notre Dame reflète exactement les idées de la «Préface de Cromwell». Le rejet du classique est évident dans la première partie, car le public préfère le défilé imbécile comme poursuite de la pièce classique ennuyeuse de Gringoires. Le mélange du sublime et du grotesque, du beau et du laid est personnifié, par exemple, par la juxtaposition du groom déformé et de la gracieuse Esmeralda. Mais la cathédrale est le véritable protagoniste du roman: elle unit tous les personnages et forme le seuil entre la fin du Moyen Âge et l’aube des temps modernes. C’est le premier roman qui met les masses du peuple au centre de l’action; le clergé inhumain (Claude Frollo) est symboliquement puni par la chute dans la mort. Surtout, le roman est un plaidoyer pour l’architecture gothique qui, au début du XIXe siècle, était menacée. En raison du grand succès de Notre Dame de Paris, l’intérêt du public pour la cathédrale a augmenté et il a pu être sauvé de la décrépitude.
Romantisme et réalisme
Sous l’influence du positivisme et du progrès des sciences développé parallèlement au romantisme de 1830, un courant réaliste dans la littérature, qui rejetait la spéculation métaphysique et donc aussi le monde émotionnel irréel des romantiques et de leur subjectivisme. Néanmoins, le romantisme a le mérite de répondre activement aux besoins de son temps et de promouvoir le détachement des traditions traditionnelles. La romance était donc un pas important sur la voie de la littérature moderne.