L’architecture de la Renaissance française est une dénomination historiographique qui désigne la production architecturale du début de l’âge moderne dans la France actuelle, principalement dans le royaume de France, mais aussi en Flandre, en Lorraine, en Alsace, en Savonie, en Cerdagne, en Bretagne et en Provence.

Il correspond à l’architecture française à l’époque de la Renaissance – qui a progressivement remplacé l’architecture gothique – qui était née dans le pays au 12ème siècle – de l’importation et de l’adaptation des modèles de la Renaissance italienne. Il est apparu au début du XVIe siècle, plus d’un demi-siècle plus tard qu’en Italie, dans différentes régions françaises, notamment dans le Val de Loire et l’Ile de France, et s’est poursuivi jusqu’au début du XVIIe siècle. réussi par l’architecture baroque.

Périodisation: les quatre phases de la Renaissance française
La Renaissance en France est généralement considérée divisée en quatre parties. Le premier acte correspond au style Luis XII -1495-1530 environ, qui forme la transition entre le gothique et la Renaissance. Ce premier style fleurit à partir de 1515, surtout dans la vallée de la Loire, où la pleine acceptation de la Renaissance italienne se fait sentir avec plus de rapidité. Comme en Italie, bien que plus tard, trois phases se succèdent jusqu’au début du XVIIe siècle, une première et une seconde Renaissance qui aboutissent au maniérisme.

À chaque étape de son développement, l’art de la Renaissance française est resté comme un art original, né de la rencontre entre les modèles italiens, les artistes flamenco et les particularités françaises. Les modèles, cependant, ont beaucoup changé entre 1495 et 1610, car les Français ont ensuite admiré l’art final du Quattrocento, la Haute Renaissance et plus tard le Maniérisme. De ces rencontres successives est née une production artistique abondante, désordonnée et parfois difficile à comprendre. Quand l’équilibre est fait, deux faits essentiels émergent: l’art français moderne a pris forme à travers les grandes œuvres du milieu du XVIe siècle, tandis que près du palais royal de Fontainebleau, la «vraie nouvelle Rome», est né sous la volonté du roiFrancesc I C’était un centre artistique important, le seul en Europe capable de rivaliser avec les grands centres italiens et qui s’appellera l’école de Fontainebleau.

La nouvelle situation ainsi créée contrôlait l’avenir: annoncer l’affirmation d’un style national déjà au milieu du XVIIe siècle et le rôle futur joué par Versailles.

Le style de Louis XII: transition entre le gothique et la première Renaissance (1495-1525 / 1530)
Le style de Louis XII (1495-1525 / 1530), est un style de transition, un passage très court entre deux périodes lumineuses, la période gothique et la Renaissance. Décrire un moment où les arts décoratifs à partir de l ‘arc ogival et du naturalisme gothique se dirigeront vers l’ arcade médiane et les formes douces et arrondies mêlées de vieux motifs stylisés typiques de la première Renaissance: il reste encore une grande quantité de gothique dans le château de Blois, et il n’y a rien dans la tombe de Saint Louis XII à Saint-Denis.

A partir de 1495, une colonie d’artistes italiens s’installe à Amboise et travaille en collaboration avec des maîtres français. Cette date est généralement considérée comme le point de départ de ce nouveau mouvement artistique. En général, le bâtiment reste français et seule la décoration change et devient italienne. Il serait donc inadéquat de déterminer ce style avec la seule contribution de l’Italie: les relations existant entre la production architecturale française et celle de l’architecture espagnole plateresque, et l’influence du Nord, surtout d’Anvers, aussi elles sont remarquées dans les arts décoratifs ainsi que dans le verre coloré.

Les limites du style Luis XII sont assez variables, surtout quand il s’agit des régions en dehors de la vallée de la Loire. En plus des dix-sept ans du règne de Louis XII (1498-1515), cette période comprend le règne de Charles VIII et le début de celui de Francesc I, initiant le mouvement artistique en 1495 pour le faire se terminer en 1525/1530: en 1530 correspond un véritable changement de style, qui, après la création par Francesc I de l’École de Fontainebleau, est généralement considéré comme l’acceptation complète du style Renaissance.

En architecture, l’utilisation de la «brique et de la pierre», encore présente dans les bâtiments du XIVe siècle, tend à se généraliser. De hauts plafonds à la française avec des tours d’angle et des façades avec des escaliers hélicoïdaux perpétuent la tradition, mais le recouvrement systématique des vides, la rupture des greniers et l’apparition des loges influencées par la villa Poggioreale et le Castell Nou de Naples est le manifeste d’un nouveau décoratif. art où le bâtiment reste profondément gothique. La propagation du vocabulaire ornemental arrivé de Pavie et Milan a joué un rôle important en étant perçu comme l’arrivée d’une certaine modernité.

Dans cet art en pleine mutation, les jardins sont devenus aussi importants que la même architecture. L’arrivée à Amboise d’artistes italiens, tels que Pacello da Mercogliano, était à l’origine sous Charles VIII pour la création des plus grands jardins de la Renaissance française grâce aux nouvelles créations paysagères, à l’installation d’une ménagerie et le travail d’acclimatation agronomique réalisé depuis 1496 dans les « Jardins du Roy », alors situés dans le domaine royal de Château-Gaillard. En 1499, Louis XII confie la réalisation des jardins du château de Blois à la même équipe qui sera ensuite engagée par Georges d’Amboise pour des parterres à différents niveaux dans son château de Gaillon.

En conclusion, le style de Louis XII montre qu’il voulait surprendre à la fois français et italien: c’est à partir du fantasme avec lequel les nouveautés italiennes ont été incorporées dans des bâtiments qui étaient encore tous médiévaux français car il sera né vers 1515/1520 le Premier Renaissance ou début de la Renaissance.

Première Renaissance (1515 à 1530/1540)
Comme à la période précédente, la manifestation la plus évidente de la première Renaissance en France s’exprime par la construction de châteaux résidentiels, non seulement dans la vallée de la Loire et l’Ile de France, mais dans certaines provinces mais au sud comme le Berry, le Carcí et le Périgord -Castell d’Assier et Montal- qui, après s’être remis des suites de la guerre centenaire, virent leurs grandes familles endettées depuis plusieurs générations pour moderniser les bâtiments médiévaux préexistants.

Si, depuis la fin du XVe siècle, le processus transitoire du style de Louis XII imposait progressivement les formes de la Première Renaissance, à partir des années 1515/1520, l’arrivée d’une nouvelle vague d ‘ »artistes italiens, plus nombreux qu’avant » , aura une grande influence sur l’art français, créant une véritable rupture: les formes gothiques, enfin, diluent progressivement la dignité italienne.Cette évolution est particulièrement sensible dans le portail de l’église de Saint-Maurille de Vouziers, où une ornementation classique masqué un bâtiment encore gothique.

Contrairement à la période précédente, le protagoniste principal n’était plus là mais le roi François Ier, qui se comporte comme un monarque humaniste, devient l’un des principaux acteurs de cette évolution stylistique, imposant – Soyez dans les arts, comme mécènes et guide de son peuple et du christianisme, sans renoncer à son rôle militaire. C’est pourquoi il a attiré des artistes italiens pour construire leurs châteaux. Ces savants artisans auront alors une grande aura sur les maîtres des œuvres françaises: l’architecte présumé de Chambord, Domenico Bernabei da Cortona (vers 1465/1470 – 1549) aurait été dit en italien nommé « Boccador », dans la qu’il a parlé avec « des mots d’or ».

Cependant, tout au long de la première Renaissance française, la plante des bâtiments continuera à être traditionnelle et les éléments architecturaux seront librement inspirés par le nouvel art arrivant de Lombardie. Jamais, peut-être, l’architecture française n’aura montré plus d’élégance, de légèreté et de fantaisie que durant cette période artistique. Il y a un goût particulier dans les bâtiments de la Vallée de la Loire, où les maîtres français traditionnels, pleins d’éloquence, n’acceptent pas plus que la nouvelle architecture en acceptant toujours la construction avec la forme appropriée des silhouettes audacieuses et pittoresques du Moyen Age avec le Décor italien de la Renaissance. Pour cette raison dans la tradition du style Luis XII les traditions nationales sont conservées tout au long de la période, comme les hauts plafonds – seul le château de Saint-Germain-en-Fangui était couvert de terrasses. Bien que les progrès de l’artillerie aient rendu tout dispositif de défense inutile – qu’il s’agisse de tours, de recoins ou de rideaux de châteaux -, ils étaient encore traditionnellement conservés, mais vides de contenu pour être transformés en beaucoup d’autres éléments décoratifs. comme les châteaux de Chenonceau, de La Rochefoucauld, de Villandry ou, comme ce fut le cas à Azay-le-Rideau, restauré au XIXe siècle, la permanence du donjonit était justifiée plus que par le symbole majestueux qu’il représentait; Sa fonction militaire fut alors remplacée par celle de prestige et d’appareil.

Dans ce mouvement, les tours de guet des châteaux médiévaux deviennent, à Azay-le-Rideau, de gracieuses tourelles d’angle qui sortent, tandis que les créneaux des chemins ronds se transforment en petites fenêtres, transformant cet espace en une agréable galerie de circulation. Dans le style de Louis XII, les fenêtres des façades ont leur « chambranle », qui relient sol à sol, formant une sorte d’étirement complété par un puits de lumière travaillé. Cette grille, située dans le château de Blois ou le château de Chambord, donne lieu à une sensation de régularité, souvent « fictive », soulignant horizontal et vertical, tandis que la prolifération des cheminées et des pinacles semble former une couronne dans le bâtiment , étant un dernier reflet de la magie médiévale.

Cette interprétation des réalisations de Bramante, même si elle ne respecte en aucune façon les anciens ordres, se retrouve dans la superposition d’arcades encadrées de pilastres qui ornent les patios du château de La Rochefoucauld puis de celui de Chambord. Première représentation Ex nihilo, le château de Chambord est un lieu de rencontre pour les chasses et les célébrations de la cour, conçu comme un lieu de théâtre inhabité. La présence de Léonard de Vinci et Domenico da Cortona (Boccador), poser des questions sur le château en français en contact avec la Renaissance italienne. Tandis que les tours du moyen âge n’avaient pas d’autres fois que les fenêtres des archers, une superposition de fenêtres avec des pilastres viennent ici éclairer le bâtiment en profondeur, tandis que la couronne en ruine disparaît pour la première fois.

La décoration luxuriante est ensuite liée notamment aux toits de cheminées, lucarnes et tourelles, toutes décorées de dalles ou de disques d’ardoise, de tabernacles et de manchots traités au goût du nord de l’Italie, évoquant toujours l’enveloppe de marbre noir de la Chartreuse de Pavie, où Francesc J’avais été prisonnier. Si le développement d’appartements symétriques à vocation résidentielle était une nouveauté, l’organisation de la plante était encore traditionnelle, rappelant le château de Vincennes, avec un donjoncentral entouré d’un mur où se trouvent le patio et les dépendances communes3. Le projet initial de 1519 , cependant, a été modifié depuis 1526 pour transférer l’appartement du Roi dans une aile latérale: le dock centré est incompatible avec le nouveau rituel de la cour qui a exigé un appartement royal dans une rangée. Comme à Villa Mèdici, chaque niveau a maintenant ses appartements répartis autour d’un axe central pour le double escalier, conçu en collaboration avec Leonardo da Vinci. Cependant, le travail a été ralenti: après la défaite de Pavie, Francesc I a été forcé de retourner à Paris.

À son retour de captivité, en 1527, bien que le patronage de l’environnement royal ait continué à être important, le roi n’était pas moins le protagoniste des développements stylistiques dans son pays, en raison des changements qu’il a faits à toute une série de châteaux près du capitale à Villers-Cotterêt et La Muette. Alors que dans l’île de France de nouvelles innovations émergent, la vallée de la Loire devient le conservatoire de la première Renaissance.

Le château de Madrid, maintenant détruit, reflète cette évolution: le Palais des Vargas de la Casa de Campo, la résidence d’un grand financier espagnol situé en face de l’endroit où il était la prison de Francesc I à Madrid, a inspiré la réalisation de cette palais sans pit la plante collectée qui est contre la tradition française. Construit comme une nouvelle résidence de vacances, les appartements symétriques sont organisés près d’une salle de danse centrale, tandis que les deux étages de lodges forment la tour du bâtiment, présentant un décor inédit de poterie émaillée faite par Della Robbia. La hauteur du château a été marquée par les pavillons avancés, remplaçant ici les tours médiévales de Chambord, dont le nouveau rythme a été obtenu en séparant le grenier. L’utilisation d’une plante géométrique et la présence de lodges, annonçant le palais Farnèse, sont un reflet lointain de Poggio Reale à Naples et de la Villa Médicale.

Immédiatement après, un événement de grande importance a eu lieu dans le château de Fontainebleau, converti entre 1530 et 1540 dans la résidence principale du souverain. Bien qu’il y ait un grand contraste entre la qualité moyenne de l’architecture et la splendeur de la décoration intérieure, les réalisations de Gilles le Breton marquent un changement profond qui met en évidence la fin de la période. Bien que le donjon du 12ème siècle soit conservé, le patio ovale correspondant à l’ancienne forteresse médiévale a été orné par Rosso et Serliowith d’un porche qui s’ouvre sur un double escalier à flush. Le « pavillon de la porte d’or », construit pour l’occasion, reprend les dispositions observées depuis 1509 au château de Gaillon. Mais contrairement à ce qui est observé dans la vallée de la Loire, une architecture austère à base de pierre de maçonnerie et de pierres enduites est choisie à l’avenir. Si les pilastres superposés des façades, mais rien ne commande le respect dans les anciennes loggias qui se chevauchent, les gradins triangulaires et rectangulaires sur les toits donnent une impression classique transformant cette architecture, dans une entrée triomphale, comme au Castel Nuovo de Naples. Mais avant que les bâtiments du nouveau château aient été achevés, Francesc I a apporté un grand groupe d’artistes italiens pour embellir le palais. Créer selon ses souhaits, une sorte de « nouvelle Rome », qui s’appellera l’Ecole de Fontainebleau, avec un cercle intellectuel et artistique influent. Jusqu’à sa mort en 1540, Rosso joue le rôle principal dans ce qui se passe chez Francesco Primaticcio: la décoration de la galerie Francesc I, vaste complexe dédié à l’exaltation de la monarchie française, est la plus belle expression. Dans les années suivantes, l’acquisition de la prochaine abbaye des Trinitaires, a permis de quitter le cœur médiéval du château et de créer un travail ex nihilo moderne autour d’une imposante cour d’honneur. Inspiré par la Villa Médicale, l’union avec le vieux château a été faite à travers une nouvelle aile portionnée, qui a permis l’achèvement de la Galerie Francesc I, superposée dans des appartements de luxe en suite. En ce qui concerne le corps central avec les pavillons carrés de la nouvelle aile du palais, il a été inspiré par le château de Bury, en écrivant, par sa plante rectiligne et ses lucarnes avec des frontons triangulaires épurés, l’évolution classique qui a marqué la deuxième Renaissance

Haute Renaissance
L’art de la période entre le règne de François Ier et Henri IV a été fortement influencé par le Cinquecento italien, déjà dans sa phase maniériste, associé à des peintres tels que Michel-Ange ou Parmigianino. Le maniérisme affiche une rhétorique visuelle caractérisée par une forme allongée et élégante, la peinture d’histoire étant considérée comme le genre le plus important dans la hiérarchie des genres. Les peintres Jean Clouet et leur fils François Clouet et les Italiens Rosso Fiorentino, Francesco Primaticcio et Niccolò dell’Abbate – l’école dite Fontainebleau de 1531 – se distinguent. Léonard de VinciHe vivait en France dans ses dernières années (1516-1519) sous le patronage de Francesc I, mais à l’exception des œuvres qu’il exerçait, il n’effectua aucune mission pour le monarque. En architecture, souligne la présence (entre 1496-1508) de Giovanni Giocondo qui, réclamé par Carlos VIII, conditionne et réhabilite différentes constructions (Pont Nôtre-Dame); ainsi que celle de Sebastiano Serlio, à la fois pour ses constructions et son traité, Les Sept Livres d’Architecture (1537-1551), qui conditionneront les plus importants architectes français, tels que Philibert de l’Orme et Pierre Lescot.

En sculpture, Benvenuto Cellini (Saler de Francesc I de France, 1539-1543) laissera une influence classique qui restera jusqu’au XVIIe siècle. Parmi les sculpteurs locaux se distinguent Jean Goujon et Germain Pilon.

En travaillant dans les châteaux de la Loire, à Paris, l’ancienne forteresse du Louvre a été reconstruite comme un palais urbain sous la direction de Pierre Lescot. À l’ouest du Louvre, Caterina de Mèdici a été construit le Palais des Tulleries avec de vastes jardins et une grotte.

Les guerres de religion ont éclipsé la production artistique, mais elles ont fomenté la réflexion intellectuelle et la propagande religieuse et politique.

Sous la Renaissance
L’ascension au trône d’Henri IV conduit à une période de développement urbain intense à Paris, qui comprend la construction du Pont Neuf, de la Place Dauphine 19, du Palais des Vosges, du Palais Royal et de certaines parties du Palais du Louvre. Le même roi réunit les artistes de la soi-disant seconde école de Fontainebleau: Toussaint Dubreuil, Martin Fréminet et Ambroise Dubois. Maria de Médicis, sa seconde épouse et régente de France à sa mort, appela Rubens, qui peignit de grandes œuvres pour le Palais du Luxembourg. Un autre peintre flamenco qui travaillait pour sa cour était Frans Pourbus el Vell.

Dans la cour des ducs de Lorraine – à l’époque hors du royaume de France – se développa un maniérisme tardif très différencié: des artistes comme Jacques Bellange, Claude Deruet et Jacques Callot, excellents graveurs, avec un léger contact avec les artistes français de la période, caractérisée par un style intense et extrême, souvent érotique, comprenant des scènes nocturnes et des images de cauchemars.

La deuxième Renaissance: le classicisme (1540 à 1559/1564)
La seconde Renaissance marque à partir de 1540 la maturation du style apparue au début du siècle ainsi que sa naturalisation tandis que la vallée de la Loire finit reléguée en conservatoire des formes de la première Renaissance. Cette nouvelle période a été développée plus tard, principalement pendant les règnes d’Enric II, Francesc II et Carlos IX, ne pas être achevée jusqu’à environ 1559-1564, au moment où les guerres de Religion en France, qui seront marquées par le massacre de La Saint-Barthélemy et la contre-réforme catholique.

Bien que la première Renaissance ait progressivement accepté dans les provinces, toute une série d’innovations se font sentir en Ille-de-France. A partir de 1540, le classicisme progresse, après l’arrivée en France de Serlio (1475-1555): bien que son travail architectural soit limité, son influence fut considérable pour la publication de Sette libri dell’architettura (1537-1551). Grâce à ses œuvres enregistrées, il fut l’un des premiers à lancer d’autres artistes dans la beauté des monuments anciens, contribuant à faire évoluer les plantes et les décorations vers plus de sobriété et de régularité.

Les architectes qui, à l’époque du style de Louis XII et de la première Renaissance, étaient des maîtres traditionnels et éloquents des maîtres, devinrent alors des savants et des savants, en faisant certains d’entre eux d’étudier en Italie. Cependant, l’architecture française continue à conserver ses propres caractéristiques qui séduisent le même Serlio: il y a de grands ornements pour les bâtiments commémoratifs [sont de grands ornements pour les bâtiments comme une couronne] et les grands greniers sont couverts d’ardoise bleue de choses très plaisantes et nobles. choses très gentilles et nobles].

Marquant un véritable changement de style, cette nouvelle génération d’artistes opère une synthèse originale entre les leçons de l’Antiquité, celle de la Renaissance italienne et les traditions nationales. Parmi les plus célèbres, Philibert Delorme est l’auteur de l’Hôtel Bullioud à Lyon, des châteaux de Saint-Maur-des-Fossés et d’Anet ainsi que de la chapelle de Villers-Cotterêts; Pierre Lescot a construit l’aile Renaissance du Palais du Louvre et l’Hôtel de Jacques de Ligneris (Musée Carnavalet); Jean Bullant a construit les châteaux d’Ecouen et de Fère-en-Tardenois ainsi que le petit château de Chantilly.

Ces architectes collaborent étroitement avec les sculpteurs et définissent une architecture et une décoration étudiées, préférant la beauté des lignes à la richesse de l’ornementation: Cellini sculpté pour la Porte d’Or, le relief de bronze de la Nymphe de Fontainebleau; Son travail normalement « maniériste » a fait une grande impression en France et a probablement influencé Jean Goujon, auteur de la Source des Innocents et de la décoration de la façade du Louvre. L’influence maniériste imprègne également l’œuvre de Pierre Bontemps, responsable de la tombe de François Ier à Saint-Denis, et le monument au cœur de François Ier.

En Bourgogne, le château d’Ancy-le-Franc (1538-1546) fut l’un des premiers projets à répondre à ce nouvel idéal. Conçu par l’architecte Serlio, ce château construit par Antoine III de Clermont, de 1538 à 1546, marque une évolution vers le classicisme en France. Avec ce bâtiment, l’architecture modulaire a été nommée sur le sol français. Seulement ici sont les frontons légers des fenêtres du premier étage, ils se souviennent de la première Renaissance. En dehors de cela, rien ne distrait l’arrangement uniforme des lacunes dans les arcades ou les fenêtres, séparés par une section de pilastres jumeaux, fermant une niche et monté sur un style élevé. Cette alternance d’un vide principal et d’un vide secondaire – simulé ici plus tard par une niche – encadrée de pilastres représente un des premiers exemples en France de l’étirement rythmique traité avec franchise et rigueur.

L’aile Lescot du Louvre, entreprise à partir de 1546, fut le chef-d’œuvre de la seconde Renaissance. Cette œuvre de Pierre Lescot, architecte d’antiquaire, a été décorée par Jean Goujon. L’échelle initialement prévue au centre du corps des Logis a été déplacée à la demande d’Enric II afin de créer une grande salle où les cariatides grecques, vacantes à la demande de Jean Goujon, de l’Érechthé à l’Acropole d’Athènes. À la manière d’un manifeste de style français prêché par Lescot, la façade présente une superposition de nouveaux ordres classiques sans atteindre la régularité italienne: à mesure qu’elle grandit, les proportions deviennent de plus en plus fines et l’idée de couronner les deux ordres se superpose à une large bande décorée , dédié à l’acclimatation en France, le grenier si apprécié en Italie, utilisant pour la première fois des greniers fendus en France, pour donner l’illusion d’un grenier tout droit. Malgré sa petite sortie, les avant-corps, dernier souvenir des tours médiévales, suffisent à «encourager» la façade. Les sculptures admirables de Goujon contribuent à faire de ce bâtiment un travail unique. Au rez-de-chaussée, les arcades médianes encadrées par des pilastres provoquent l’accentuation de la verticale et de l’horizontale tandis que le jeu des doubles supports encadrant une niche ornée d’une médaille, représente une disposition qui va devenir typique de l’architecture française.

Une autre réalisation importante de cette période, le château d’Anet, fut dirigée par Philibert Delorme, aux dépens du roi, pour Diane de Poitiers, l’amante d’Enric II. Détruit pendant la Révolution française, aujourd’hui il n’est plus conservé sans altérations que la chapelle et les trois ordres superposés conservés à l’École des Beaux-Arts de Paris. Convertie en typique de la deuxième Renaissance, la plante quadrangulaire a un logis situé en face de l’entrée. Les terrains fortifiés, comme Écouen, ont des canons pour l’appareil et les parties. L’entrée d’une forme pyramidale est une réminiscence italienne qui représente un arc de triomphe, interprété par Delorme. Quatre colonnes ioniques soutiennent une arche qui tombe sur une architrave, tandis que les colonnes des passages latéraux s’inspirent du palais d’Antonio Fornese du Sangallo el Jove. Sous la garniture des balustrades, un jeu de polychromie des matériaux, encadre la Nymphe de Fontainebleau faite par Cellini à travers la porte dorée de Fontainebleau. Au sommet, un groupe de robots, en train de disparaître, a marqué les heures. Philibert Delorme exprime son goût pour les étranges inventions inspirées par les caprices de Michel-Ange, partout: La chapelle du château d’Anet est le succès le plus innovant. C’était la première fois que l’usine centrale était utilisée en France. Si la coupe de niche entourée de pilastres est influencée par les réalisations contemporaines de Bramante et Miquel Àngel, la frise que la couronne est inspirée par Sangallo. Les sculptures sont, peut-être, de Jean Goujon. Le bâtiment sert de joyau de l’émail de Francesc Ier et des apôtres de Scibec de Carpi. La voûte du dômeIl développe une décoration qui implique un faisceau de cercles réfléchis, octogonaux, sur le sol de l’étage. Ce motif, inspiré par les éléments fréquemment rencontrés dans les mosaïques romaines, montre le désir de dépasser le modèle italien en se référant directement aux réalisations anciennes, afin de créer une architecture originale en français.

Parallèlement à ces importants projets royaux, les grandes résidences de la ville participent à la naturalisation de ce nouveau style: sous l’impulsion de la seconde Renaissance, tout le somptueux décor de feuillage et de médaillons exquis qui ornaient la Galerie de l’Hôtel de Chabouillé de Moret-sur-Loing, disparaître devant le système des «proportions modulaires», strictement appliqué à l’ouverture de la maison de Jean d’Alibert à Orléans, où les consoles courbes, inspirées par l’École de Fontainebleau, surpassent les fenêtres.

Maniérisme (1559/1564 – début du XVIIe siècle)
Formant un dernier écho de la Renaissance et de l’humanisme en France, cette dernière phase est déviée des années 1559/1564, du classicisme atmosphérique par sa fantaisie créatrice, ce qui peut justifier pour ce style le nom de manierista. Au moment où commencent les guerres de religion, marquées par le massacre de la Saint-Barthélemy, le pessimisme et le scepticisme envahissent les hommes et les artistes de formation humaniste. Les anciens penseurs de référence seront les stoïciens, de préférence Platon. Si l’humanisme survit, sa philosophie profonde évolue, reprise et repensée par la contre-réforme catholique.

De la clarté des formes et du classicisme de la deuxième Renaissance, il y a une architecture maniériste. Émergeant à nouveau avec une force renouvelée, le jeu des volumes et des recherches sur la lumière et l’ombre, déjà baroque, se mêle à des frontons fragmentés, des pilastres, des grotesques, des parchemins ou autres masques, issues de la culture Renaissance. Les fenêtres et les greniers envahissent souvent l’entablement: c’est ce qu’on appelle les passerelles. Ainsi, à l’Hôtel d’Angoulême Lamoignon à Paris – vers 1584 -, un ordre colossal a été marqué aussi grand que dans le Palacio Valmarana par Andrea Palladio, l’entablement est brisé avec des greniers descendant à l’architrave. Les architectes ont une prédilection marquée par les colonnes dos-à-dos, striées, ornées, étant les colonnes françaises les plus spectaculaires de troncs incurvés inventés par Philibert Delorme et apparus dans la période précédente. Cette invention fait partie d’un goût général pour l’ornement, qui se manifeste également dans les vêtements, les bijoux et les broderies. C’est donc une expression de la nouvelle maturité de l’architecture française. Delorme le justifie: «S’il a été permis aux anciens architectes de plusieurs pays et nations d’inventer de nouvelles colonnes (…), qui vont empocher de nouveaux français, inventions, quelques-unes et appellations françaises».

Malgré une baisse importante du mécénat royal, liée à la situation politique, Caterina de Mèdici et les élites sociales continuèrent à commander des œuvres aux artistes: Philibert Delorme fut mandaté à partir de 1564 pour compléter le château de Saint-Maur et construire le palais de les Tulleries, constructions qui continueront plus tard par Jean Bullant, un architecte qui couronnera également le pont du château de Chenonceau par une galerie (1576-1577). Pour relier le nouveau palais des Tulleries au vieux Louvre, Jacques II Androuet du Cerceau débute, vers 1594, la construction de celle de la galerie au bord de l’eau, complétée par Louis Métezeau parallèlement à Diane de France, l’Hôtel Lamoignon .

La grande construction de cette époque, le palais des Tulleries initié par Delorme devait articuler autour de trois patios avec des pavillons couronnés de dômes et avec la création de jardins. Dans la partie donnant sur le parc, le pavillon central flanqué de deux ailes longitudinales uniformes a une hauteur seulement d’un rez-de-chaussée qui est fini par une plante avec des greniers sur le toit. Le pavillon central offre un rythme fait par des colonnes bien décorées, qui abrite un escalier hélicoïdal à proximité d’un grand vide rempli de colonnes -complet seulement sous Henri IV-. C’est l’œuvre la plus maniériste de Delorme liée aux dernières productions florentines et Miquel Àngel. Mais Delorme meurt en 1570. Bullant, son successeur, ne parvient pas à en finir plus d’une partie. Ce travail témoigne de l’architecture « française ».

L’aile de la « Bella Chimenea » du château de Fontainebleau est représentative du résultat de la Renaissance française, bien que souillée par le maniérisme italien. Conçu de façon grandiose par Francesco Primaticcio, vers 1565-1570, il a la particularité d’avoir deux escaliers dans des rampes divergentes qui ont magnifié l’entrée des appartements de Carlos IX. Le Primatice aurait pu trouver l’idée des deux escaliers sur la rampe de droite dans les grandes réalisations de Bramante au Vatican ou de Michel-Ange au Capitole, inversant le sens des rampes. La façade est ornée de grands bronzes de thèmes mythologiques, exécutés entre 1541 et 1543 par le Primatice, envoyé à Rome à la demande de Francesc Ier, pour en faire des copies en plâtre sur les sculptures de marbre qui s’y trouvaient conservées. Un atelier de fonderie installé dans le château de Fontainebleau, dans la cour du Cheval Blanc, a permis d’effectuer la fonderie sous la direction de l’architecte italien Jacopo Vignola.

Dans le même temps, à propos d’un «échange forcé» avec Diana de Poitiers, Caterina de Mèdici, nouvelle propriétaire du château de Chenonceau, construit sur le «pont de Diana» deux galeries superposées qui constituent un espace d’accueil unique au monde , donnant au château son aspect actuel, les travaux ont commencé en 1576 et ont été accomplis en 1581. La galerie est probablement l’oeuvre de Bullant qui a remplacé Delorme dans la faveur royale. Cette nouvelle construction forme deux espaces superposés de 60 m de long et 5,85 m de large, éclairés par 18 fenêtres.Le rez-de-chaussée se compose d’une succession de tourelles au milieu de la lune, inspirées par les exèdres des termes de l’antiquité, qui comprimeront la pointe des sculptures de la plaque-forme. Ces tourelles se terminent dans un balcon sur le sol noble, le premier, avec les murs les plus ornés au rez-de-chaussée. Typique de cette architecture maniériste, les façades de hautes fenêtres terminées par de larges frontons incurvés reliés par des cloisons horizontales à cadres moulés. Caterina de Mèdici souhaite aussi une finition plus classique avec ce château encore trop gothique pour son goût. C’est avec cette intention que la section centrale, à l’entrée du château, était décorée de deux bustes et que quatre nouvelles fenêtres étaient mortes dans les parties latérales;pour accueillir les quatre cariatides inspirés par les réalisations de Giulio Romano, qui est maintenant conservé dans le jardin.

Marquer une dernière évolution artistique de cette fin de la Renaissance, Pierre Lescot développa le château de Vallery (1562), dans lequel on peut le style de style français: construit à partir de 1548 pour le maréchal Jacques d’Albon de Saint-André, le bâtiment se déclenche par le système de murs de briques et de chaînes de pierres dentées marquant les angles des corps de bâtiment et encadrant les sections de fenêtres, coupées par une ou deux bandes de pierre.Le faible coût, mais aussi le charme de la polychromie de cette architecture « en trois », peut-être son succès depuis le règne d’Enric III et s’est développé au début du XVIIe siècle, dans lequel il a dit le Louis XIII style: Château de Wideville (1580-1584) dans les Yvelines, le palais abbatial de Saint-Germain-des-Prés ou le château de Rosny-sur-Seine (1595-1606).

Architecture religieuse
Dans la domination religieuse en France, les églises construites à la Renaissance sont moins nombreuses que les édifices civils, mais une bonne réputation est encore préservée. Même l’architecture gothique a continué à être utilisé pendentif la première partie du siècle comme dans le monastère royal de Brou. Quelques exemples significatifs de l’architecture de la Renaissance dans l’église Saint-Eustache à Paris – qui marque le début de la transition entre le gothique et la Renaissance – et dans l’église Saint-Étienne-du-Mont, à Paris, dans l’église de Sant Acceu d’Ecouen, dans l’église de Miquel de Dijon, dans l’abbaye de Fontevraud – notamment dans le cloître et la salle capitulaire -, dans la cathédrale de Sant Lluís de Blois et dans la cathédrale du Havre. Finalement,il y a une particularité particulière de nombreuses églises construites au 16ème siècle à l’ouest de la Bretagne et entoure de ce qu’on appelle l’enceinte paroissiale, l’enceinte qui incorpore en général, à côté de l’église, une porte triomphale, un buisson, une épreuve et un construit dans une Renaissance locale mais très riche.

English styles néo –
Style Renaissance
style château Napoléon III
Second Empire (architecture)

Autres styles néo – style français
Empire (néoclassique)