Le célèbre nouveau pavillon australien de la 56e exposition internationale d’art de la Biennale de Venise a attiré l’attention du monde entier. Fiona Hall est devenue la première artiste à représenter l’Australie dans le nouveau bâtiment avec son exposition Wrong Way Time.

Le monde est un endroit tellement incroyable, mais malheureusement, nous vivons à une époque troublée et ce sens se reflète dans de nombreuses œuvres. Wrong Way Time présente plus de 800 objets dans un seul espace, installés dans d’immenses armoires remplies de curiosités. Autour des murs se trouvent des horloges peintes avec des images et des slogans divers, qui font tic-tac et carillon dans un cycle rappelant aux spectateurs que le temps passe.

La passion de Hall pour l’environnement naturel se ressent intensément. L’artiste rassemble des centaines d’éléments disparates qui créent des tensions autour de trois préoccupations croisées: la politique mondiale, les finances mondiales et l’environnement. Hall les considère comme des États défaillants, comme «un champ de mines de folie, de méchanceté et de tristesse» s’étendant au-delà de l’avenir prévisible.

Le travail de Fiona Hall répond à ses préoccupations concernant notre rôle persistant dans la disparition de la nature, ou à l’état périlleux de diverses espèces. Malgré l’obscurité qui règne, l’exposition de Hall est fondamentalement vivifiante.

Biographie
Fiona Margaret Hall, AO (née le 16 novembre 1953) est une photographe et sculpteur artistique australienne. Hall a représenté l’Australie lors de la 56e exposition internationale d’art à la Biennale de Venise en 2015. Elle est connue comme « l’une des artistes contemporaines les plus innovantes d’Australie ». Beaucoup de ses œuvres explorent «l’intersection de l’environnement, de la politique et de l’exploitation».

Années 70
Après avoir obtenu son diplôme, Hall a vécu à Londres, en Angleterre, entre janvier 1976 et août 1978. À l’été 1976, Hall a passé trois mois à voyager à travers l’Europe, au cours de laquelle elle a visité de nombreuses institutions artistiques et a offert deux de ses photographies avec Jean-Claude Lemagny – le Conservateur en chef de la photographie – à la Bibliothèque nationale. À son retour à Londres, Hall a commencé à travailler avec Peter Turner, rédacteur en chef de Creative Camera, un magazine de photographie britannique. Grâce à ce travail, Hall a été présenté à Fay Goodwin, pour qui elle a été assistante pendant le reste de son séjour à Londres. Hall a tenu sa première exposition personnelle en 1977 à la Creative Camera Gallery de Londres. Hall est retournée en Australie en 1978 pour rendre visite à sa mère, qui était malade. La même année, elle présente sa première exposition solo australienne au Church Street Photography Center, Melbourne, puis s’installe aux États-Unis pour étudier pour un Master of Fine Arts (MFA) (Photographie) au Visual Studies Workshop à Rochester, New York .

Années 80
Les années 1980 ont vu Hall établir un profil artistique important pour elle-même en participant à plusieurs expositions individuelles et collectives à travers l’Australie. Dans le cadre de ses études, Hall est retournée en Australie en 1981 pour vivre en tant qu’artiste en résidence à la Tasmanian School of Art avec le soutien d’une subvention du Visual Arts Board du Australia Council. Là, elle a créé The Antipodean Suite avec des objets tels que la peau de banane et les cordons d’alimentation, une première démonstration d’un thème cohérent dans son travail, « la transformation du quotidien … en créations d’une beauté imaginative ». Toujours en 1981, cinq photographies de Fiona Hall ont été acquises par l’Art Gallery of New South Wales, la première de ses œuvres à entrer dans une collection publique. Hall est diplômé d’un MFA en 1982 et a participé la même année à la Biennale de Sydney.

En 1983, Hall a commencé à enseigner la photographie à la South Australian School of Art, Adelaide, où elle est restée jusqu’à sa démission officielle en 2002. Entre 1984 et 1986, Hall a été chargée de documenter le nouveau Parlement d’Australie, créant quarante-quatre photographies pour le projet de construction de la Maison du Parlement.

Au cours des années 1980, elle a créé un certain nombre de séries à partir d’objets du quotidien, notamment Morality Dolls – The Seven Deadly Sins, des marionnettes en carton composées de photocopies de gravures médicales; Illustrations de la Divine Comédie de Dante, photographies de figures humaines faites à partir de canettes en aluminium peintes et brunies; et Paradisus terrestris, dans lequel Hall « a utilisé des boîtes de sardine pour former des sculptures exquises de spécimens botaniques qui reposent sur le dessus de la boîte ouverte révélant des parties sexuelles humaines qui correspondent physiquement aux attributs de la plante ». En 1989, Hall a été présenté dans une émission de télévision SBS sur les photographes australiens, Visual Instincts.

Années 90
Entre juin et octobre 1991, Hall était artiste en résidence au Philip Institute of Technology de Preston, Victoria. Pendant quatre mois au cours de la période 1992–1993, la National Gallery of Australia a accueilli une exposition de l’œuvre de Hall intitulée Le jardin des délices terrestres: L’art de Fiona Hall, qui comprenait «des premières photographies de terrain, un échantillon de plusieurs séries de photographies de studio, ainsi comme sculpture et céramique.  » À la fin des années 1990, Hall a cessé de travailler dans le milieu de la photographie et la photographie de son père, incorporée dans son installation à grande échelle de 1996, Give a Dog a Bone, a été la dernière qu’elle a exposée.

En 1997, Hall a pris un congé non payé de l’Université d’Australie-Méridionale et a passé la deuxième moitié de l’année à la Canberra School of Art en tant que boursier des arts créatifs de l’Université nationale australienne. Pendant son séjour à Canberra, Hall a planifié et conçu une œuvre commandée pour le jardin de sculptures de la National Gallery of Australia. Au lieu de créer une sculpture pour la galerie, comme prévu initialement, Hall a créé Fern Garden, une installation permanente d’art paysager de 20 mètres carrés, ouverte au public en 1998. Cette même année, elle a passé les six premiers mois à Londres au London Visual Arts / Crafts Board studio, puis est retournée en Australie en tant qu’artiste en résidence au Mt Coot-tha Botanic Gardens (où elle a créé Cash Crop, 1998 (série), une partie de Fieldwork, 1999), et enfin au South Australian Museum dans une série de résidences informelles. Elle a passé 1999 au Sri Lanka dans une résidence Asialink Lunuganga. Son travail ultérieur a exploré davantage les concepts d’histoire, de transport et de transplantation.

Années 2000
En 2000, Hall a été chargé de créer une œuvre d’art public dans les jardins botaniques royaux de Sydney et a conçu A Folly pour Mme Macquarie. En 2005, des rétrospectives de son travail ont eu lieu à la Queensland Art Gallery et à l’Art Gallery of South Australia. La même année, Hall a été chargé de créer une pièce pour le nouveau bâtiment de la Chancellerie de l’Université d’Australie du Sud. En 2008-2009, une autre rétrospective, intitulée Force Field, a été présentée à Sydney, en Nouvelle-Galles du Sud, au Museum of Contemporary Art, et en Nouvelle-Zélande à la City Gallery, à Wellington et à la Christchurch Art Gallery.

Années 2010
En 2015, Hall a représenté l’Australie à la 56e exposition internationale d’art à la Biennale de Venise, avec une œuvre intitulée Wrong Way Time. L’année suivante, Wrong Way Time est exposée à la National Gallery of Australia. Hall continue de travailler avec la Roslyn Oxley9 Gallery à Sydney, où elle expose depuis 1995.

« Les réalités du terrorisme, de la guerre, du changement climatique, du pillage de l’environnement et des bouleversements économiques font désormais partie de notre conscience quotidienne »

Wrong Way Time peut être lu comme un ensemble d’œuvres comprenant des centaines d’éléments, chacun imbriqué de couches de sens que le spectateur découvre en naviguant dans l’exposition.

Hall utilise la répétition, le mimétisme, les couches de référence et les matériaux et objets réutilisés pour créer un paysage symbolique qui révèle sa fascination pour les cycles naturels et les politiques et actions qui dégradent les systèmes organiques ou diminuent la vie.

« L’œuvre que je présente est une tentative personnelle de concilier un état de morosité et de chaos avec une curiosité et une affection pour le lieu où nous vivons tous »

« Notre état d’esprit contemporain a entraîné une paranoïa généralisée à propos de cet état périlleux. Mais c’est un monde qui est aussi résilient et merveilleux. »

L’exposition
« Wrong Way Time », comprenait une abondance d’œuvres exquises qui remplissaient complètement la structure élégante conçue comme une boîte blanche dans une boîte noire.

Hall est un artiste qui a beaucoup à dire mais le temps presse. Les horloges de grand-père alignées contre le mur à l’arrière de l’espace, comme dans un cimetière, sont diversement décorées de crânes, de squelettes, de nœuds de bourreau et graffitonnées de phrases fatalistes et de chiffres d’apparence occulte. Ces objets représentent de manière ludique l’impossibilité voulue du titre de l’exposition. «Revenez en arrière», semblent-ils dire. Le temps va dans la mauvaise direction.

« un champ de mines de folie, de méchanceté et de tristesse dans une égale mesure »
Wrong Way Time rassemble des dizaines d’œuvres en plusieurs parties créées par l’artiste Fiona Hall, en dialogue les unes avec les autres au sein d’un affichage multisensoriel et immersif. Le sujet de Hall est le champ croisé des conflits mondiaux, des finances mondiales et de l’environnement, qu’elle perçoit comme «un champ de mines de folie, de méchanceté et de tristesse dans une égale mesure».

Fiona Halls a poursuivi l’examen de l’interrelation complexe entre la nature et la culture prend une nouvelle urgence alors qu’elle répond aux réalités du changement climatique, de la guerre et des inégalités croissantes. Un musée de matériaux et d’objets transformés, associé à des peintures et sculptures intenses et poignantes, nous invite à réfléchir à notre impact sur l’avenir de la nature.

Dans Wrong Way Time, les visiteurs pénètrent dans un espace sombre où des objets illuminés émergent de l’ombre. Une forêt d’horloges peintes – grand-père, grand-mère, manteau et coucou – forme des murs sombres de complainte.

Les armoires carbonisées sont remplies de collections de billets de banque, journaux et atlas et autres vestiges archéologiques de la vie contemporaine. Les armoires sont remplies de formes en bronze coulé et de sculptures complexes en étain martelé, de pain sculpté et de nids d’oiseaux en billets déchiquetés.

L’armoire entoure un groupe central de personnages suspendus avec des têtes déformées en tricot de camouflage, un moyeu nihiliste de masques de mort creux. Les bruits intermittents des horloges qui claquent, sonnent et coucou, ainsi que les enregistrements sur le terrain des corbeaux, ajoutent une couche résonnante qui contribue à un sentiment de folie et de malheur.

Manuhiri (Voyageurs) (2014)
L’impact de la colonisation et du capitalisme sur l’environnement est également étudié dans Manuhiri (Travellers) (2014), pour lequel Hall a collecté du bois flotté, y compris du pin, du peuplier, du manuka et du kanuka, de la rivière Waiapu sur la côte est de l’île du Nord de Aotearoa Nouvelle-Zélande. Le Waiapu était autrefois entouré de terres fortement boisées avant de souffrir de l’érosion, du ruissellement chimique et de l’accumulation de limon dû au développement. Dans un geste paradoxal et poétique, les morceaux de bois flotté sélectionnés par Hall évoquent la forme de créatures vivantes, apparaissant comme des vestiges poignants de la dégradation de l’environnement qui les a façonnés.

Tous les hommes du roi
Tous les hommes du roi (2014-2015) est une exposition de figures tridimensionnelles suspendues dont les têtes sont tricotées à partir d’uniformes en tissu de camouflage de divers pays, conçues pour imiter la nature au profit des activités des forces militaires. Des corps fantomatiques pendent des têtes défigurées, formant un groupe inquiétant qui remplace d’innombrables fantassins, victimes de la guerre quelle que soit leur nationalité.

«Bien qu’elle reflète un sentiment d’incertitude omniprésent quant à l’avenir, alimenté par des nouvelles sur la guerre, les mutations climatiques, l’extinction des espèces et les inégalités économiques, l’exposition elle-même est affirmative et transformatrice.»

Points forts

La cacophonie des horloges à retardement, rythmée par le carillon occasionnel des horloges à coucou, nous rappelle constamment notre mortalité comme un memento mori dans les dimensions de l’espace et du temps.

En revanche, sur le mur de droite immédiatement à l’intérieur de l’entrée se trouve une ménagerie d’animaux étranges tissés à partir d’herbes indigènes australiennes et de camouflage militaire. Le signe didactique explique utilement que la collection présente des représentations d’animaux du désert australien en voie de disparition ou éteints et a été réalisée par Hall en collaboration avec les Tjanpi Desert Weavers des déserts occidentaux et centraux de l’Australie.

Les vitrines verticales entourent et contiennent cette œuvre de tous les côtés. Ressemblant plus à un musée d’histoire naturelle qu’à une exposition d’art contemporain, les armoires de Hall contiennent une vaste gamme de curiosités attrayantes, trop nombreuses pour être énumérées dans cette courte revue. Certains objets, comme le bois flotté utilisé pour les voyageurs, sont sélectionnés pour leur ressemblance avec les créatures. D’autres objets dont les pommes de terre en bronze sont en effet minutieusement et méticuleusement construits.

De nombreux ouvrages examinent les interrelations complexes entre la nature et la culture. Dans Tender, une collection de nids d’oiseaux vides, nous assistons au mimétisme finement observé de la nature de Hall. Après une inspection minutieuse, les nids de répliques sont fabriqués à partir de billets en dollars américains déchiquetés, dont les numéros de série couvrent un panneau de verre entier. Les nids sont vides – les oiseaux disparus ont disparu depuis longtemps – et l’argent n’a plus de valeur. Le titre, avec ses multiples significations, nous invite à réfléchir sur le type de société qui se soucie plus de la destruction des billets de banque que de l’extinction des espèces d’oiseaux.

Malgré des différences superficielles, l’argent est essentiellement le même partout dans le monde. Il représente de la valeur et facilite les relations transactionnelles. Cependant, Hall traite les notes comme des artefacts culturels et tapisse des murs entiers avec eux. Certains de ces beaux spécimens en gouache représentent des plantes qui étaient autrefois vitales pour les économies des pays dans lesquels elles ont poussé et leurs graines ont été commercialisées à travers le monde. Maintenant, ces indigènes ressemblent à un virus botanique qui subsume les notes et les rend aussi courantes que le papier de montage. Certains billets de banque sont disposés en fonction des images imprimées sur eux, notamment les barrages, les machines agricoles et les centrales nucléaires. Ces réalisations technologiques célèbrent l’exploitation et la conquête de la nature.

Les commentaires de Hall sur l’état précaire du monde naturel et de notre environnement sont tranchants et directs, mais avec humour, ironie et légèreté au toucher afin de dissimuler un scalpel de type chirurgien. Le scalpel n’est pas une métaphore dans les boîtes de sardines découpées intitulées Paradisus Terrestris. Sauvés du bac de recyclage, ces boîtes sont transformées et élevées en œuvres d’art. Les étranges hybrides érotiques de la flore et des parties du corps indigènes impliquent une collision entre la Nature (les plantes indigènes australiennes) et la Culture (la colonisation par les colons blancs).

Les boîtes de conserve, qui restent parmi les plus appréciées des œuvres antérieures de Hall, font partie des centaines de pièces apparemment disparates qui sont soigneusement positionnées de manière à nous aider à établir des liens entre elles et à guider notre compréhension des questions qui passionnent Hall. . Malgré les couleurs sombres et les messages de malheur, le fait d’être dans l’espace ne donne à aucun moment l’impression que nous sommes menés dans une marche de protestation par des militants radicaux. Les tactiques de Hall sont beaucoup plus subtiles et efficaces.

Les artefacts culturels reconfigurés nous incitent à interpréter et à réinterpréter ces objets communs d’une manière nouvelle et à former de nouvelles idées à partir de leur nouvelle juxtaposition. Dans Vaporized, ce qui était à l’origine des flacons de parfum est maintenant un cimetière de verre peint par le crâne. Dans Crust, des miches de pain sont sculptées dans des objets tels que des os, un éléphant mort, un paquebot malheureux et placées sur des atlas ouverts, nous rappelant que trop souvent, notre exigence universelle, même pour notre nourriture la plus élémentaire, se situe dans un contexte de conflit politique et le flux des frontières nationales.

Dans une vitrine à proximité, des cristaux opaques lourds semblent être nés de carton ondulé avec ses arêtes révélatrices et les imperfections de la fonte bon marché restante. Contrairement à de vrais cristaux qui sont beaux, translucides, des produits précieux de la terre et des symboles précieux de l’intemporalité, ces morceaux de bronze synthétique émergent de piles de journaux. En les opposant aux anecdotes éphémères remplies de célébrités et aux caprices de l’actualité quotidienne avec ses titres choquants, Hall a littéralement et figurativement «  refondu  » ces formes ternes ressemblant à des cristaux pour être aussi consommables que la pâte de papier journal.

Un certain nombre d’ouvrages font référence à Rupert Murdoch, magnat des médias et courtier en pouvoir politique. Son visage typiquement escarpé orne une horloge sous le texte News of the fukt world, et figure à l’intérieur d’un peep-show kaléidoscopique intitulé Hack, affichant des pancartes miniatures annonçant un destin imminent.

La commissaire de Wrong Way Time, Linda Michael, écrit dans l’excellent catalogue d’exposition que les questions abordées par Hall à travers ses œuvres sont les trois préoccupations mondiales croisées de la politique mondiale, des finances mondiales et de l’environnement. Hall contient soigneusement ses sentiments dans la description de ces états défaillants, comme un champ de mines de folie, de méchanceté et de tristesse, dans une égale mesure. Il est également possible de trouver de l’espoir pour l’avenir de l’humanité dans cette vision écrasante du désespoir.

Pavillon australien
Le pavillon australien abrite la représentation nationale de l’Australie lors des festivals d’arts de la Biennale de Venise. Le pavillon australien a été conçu en 1987 par le Design Arts Board du Conseil australien et construit en 1988. L’espace d’exposition unique à deux niveaux comprend une entrée de style véranda avec une cour construite autour d’un arbre préexistant. Cette connexion entre l’espace intérieur et le paysage a été conçue pour se rapporter aux thèmes architecturaux en Australie. La courbure du toit en tôle du pavillon est censée invoquer une vague.

Le pavillon australien d’origine, conçu par Philip Cox pour être une structure temporaire en fibrociment et en acier, a été ouvert en 1988 à l’extrémité ouest du Giardini. L’industriel australien d’origine italienne Franco Belgiorno-Nettis avait auparavant exercé des pressions si réussies qu’en 1988, l’Australie a battu 16 autres pays sur le dernier site sur lequel construire un pavillon permanent dans les Giardini. Cox et d’autres généreux donateurs ont offert le pavillon au gouvernement du Commonwealth.

Le pavillon n’était pas protégé du patrimoine en raison de son statut temporaire. Un nouveau pavillon permanent a été conçu par le cabinet d’architectes Denton Corker Marshall et achevé en 2015. Construit en béton et en acier, la structure à deux étages contient 240 mètres carrés d’espace d’exposition et l’extérieur est recouvert de granit noir du Zimbabwe. La participation de l’Australie à la Biennale de Venise est gérée par le Conseil australien des arts. Cependant, la totalité des 6 millions de dollars australiens (6,04 millions de dollars) nécessaires à l’origine pour le nouveau bâtiment devait provenir du secteur privé. Finalement, la construction du pavillon a coûté 7,5 millions de dollars, dont 1 million a été financé par l’Australia Council for the Arts; le reste a été donné par 82 donateurs privés australiens, dont l’actrice Cate Blanchett et le producteur Santo Cilauro.

Biennale de Venise 2015
La Biennale d’art 2015 clôt une sorte de trilogie qui a commencé avec l’exposition organisée par Bice Curiger en 2011, Illuminations, et s’est poursuivie avec le Palais encyclopédique de Massimiliano Gioni (2013). Avec All The World’s Futures, La Biennale poursuit ses recherches sur des références utiles pour porter des jugements esthétiques sur l’art contemporain, question «critique» après la fin de l’art avant-gardiste et «non-art».

À travers l’exposition organisée par Okwui Enwezor, La Biennale revient pour observer la relation entre l’art et le développement de la réalité humaine, sociale et politique, dans le pressage des forces et des phénomènes extérieurs: les voies par lesquelles, c’est-à-dire les tensions de l’extérieur le monde sollicite les sensibilités, les énergies vitales et expressives des artistes, leurs désirs, les mouvements de l’âme (leur chant intérieur).

La Biennale di Venezia a été fondée en 1895. Paolo Baratta en est le président depuis 2008, et avant cela de 1998 à 2001. La Biennale, qui est à la pointe de la recherche et de la promotion des nouvelles tendances de l’art contemporain, organise des expositions, des festivals et des recherches dans tous ses secteurs spécifiques: Arts (1895), Architecture (1980), Cinéma (1932), Danse (1999), Musique (1930) et Théâtre (1934). Ses activités sont documentées aux Archives historiques des arts contemporains (ASAC) récemment rénovées.

La relation avec la communauté locale a été renforcée par des activités éducatives et des visites guidées, avec la participation d’un nombre croissant d’écoles de la région de la Vénétie et au-delà. Cela propage la créativité sur la nouvelle génération (3 000 enseignants et 30 000 élèves impliqués en 2014). Ces activités ont été soutenues par la Chambre de commerce de Venise. Une coopération avec des universités et des instituts de recherche organisant des visites et des séjours spéciaux dans les expositions a également été établie. Au cours des trois années 2012-2014, 227 universités (79 italiennes et 148 internationales) ont rejoint le projet Biennale Sessions.

Dans tous les secteurs, il y a eu plus d’opportunités de recherche et de production adressées à la jeune génération d’artistes, directement en contact avec des professeurs renommés; cela est devenu plus systématique et continu grâce au projet international Biennale College, qui se déroule désormais dans les sections danse, théâtre, musique et cinéma.