Un dessin de figure est un dessin de la forme humaine dans l’une de ses différentes formes et postures en utilisant l’un des supports de dessin. Le terme peut également se référer à l’acte de produire un tel dessin. Le degré de représentation peut aller de rendus très détaillés, anatomiquement corrects à des croquis amples et expressifs. Un « dessin de vie » est un dessin de la figure humaine à partir de l’observation d’un modèle vivant. Un dessin de figures peut être une œuvre d’art composée ou une étude de figures faite en préparation d’un travail plus fini tel qu’une peinture. Le dessin de la figure est sans doute le sujet le plus difficile qu’un artiste rencontre fréquemment, et des cours entiers sont consacrés au sujet. La figure humaine est l’un des thèmes les plus durables dans les arts visuels, et la figure humaine peut être la base du portrait, de l’illustration, de la sculpture, de l’illustration médicale et d’autres domaines.

Les artistes adoptent une variété d’approches pour dessiner la figure humaine. Ils peuvent tirer des modèles vivants ou des photographies, des modèles squelettiques, ou de la mémoire et de l’imagination. La plupart des instructions portent sur l’utilisation des modèles dans les cours de «dessin de la vie». L’utilisation de la référence photographique – bien que fréquente depuis le développement de la photographie – est souvent critiquée ou découragée par sa tendance à produire des images «plates» qui ne parviennent pas à saisir les aspects dynamiques du sujet. Le dessin de l’imagination est souvent loué pour l’expressivité qu’il encourage, et critiqué pour les inexactitudes introduites par le manque de connaissance de l’artiste ou la mémoire limitée dans la visualisation de la figure humaine; l’expérience de l’artiste avec d’autres méthodes a une grande influence sur l’efficacité de cette approche.

En développant l’image, certains artistes se concentrent sur les formes créées par l’interaction des valeurs de lumière et d’obscurité sur les surfaces du corps. D’autres adoptent une approche anatomique, en commençant par approximer le squelette interne de la figure, en superposant les organes internes et la musculature, et en couvrant ces formes avec la peau, et enfin (le cas échéant) des vêtements; L’étude de l’anatomie interne humaine est généralement impliquée dans cette technique. Une autre approche consiste à construire librement le corps à partir de formes géométriques, par exemple une sphère pour le crâne, un cylindre pour le torse, etc., puis affiner ces formes pour qu’elles ressemblent plus étroitement à la forme humaine.

Pour ceux qui travaillent sans référence visuelle (ou comme un moyen de vérifier son travail), les proportions généralement recommandées dans le dessin de la figure sont:
Une personne moyenne est généralement de 7 têtes et demi (y compris la tête). Cela peut être illustré aux élèves dans la salle de classe en utilisant des assiettes en papier pour démontrer visuellement la longueur de leur corps.
Une figure idéale, utilisée pour une impression de noblesse ou de grâce, est dessinée à 8 têtes de haut.
Une figure héroïque utilisée dans la représentation des dieux et des super-héros est de huit têtes et demie. La plupart de la longueur supplémentaire vient d’une poitrine plus grande et des jambes plus longues.
Notez que ces proportions sont les plus utiles pour un modèle permanent. Les poses qui introduisent un raccourcissement de diverses parties du corps les feront différer.

Le Salon français du 19ème siècle a recommandé l’utilisation de crayons Conté, qui sont des bâtons de cire, d’huile et de pigment, combinés avec du papier spécialement formulé. L’effacement n’était pas autorisé. au lieu de cela, l’artiste était censé décrire la figure en légers traits avant de faire des marques plus sombres et plus visibles.

Une technique moderne populaire est l’utilisation d’un bâton de charbon de bois, préparé à partir de vignes spéciales, et une forme plus rugueuse de papier. Le charbon de bois adhère librement au papier, ce qui permet un effacement très facile, mais le dessin final peut être conservé en utilisant un fixateur à vaporiser pour empêcher le charbon de se détacher. Le charbon comprimé plus dur peut produire un effet plus délibéré et plus précis, et des tons gradués peuvent être produits en maculant avec les doigts ou avec un outil en papier cylindrique appelé moignon.

Le crayon graphite est également couramment utilisé pour le dessin de la figure. A cet effet, les crayons d’artistes sont vendus dans diverses formulations, allant de 9B (très doux) à 1B (moyen doux), et de 1H (moyen dur) à 9H (très dur). Comme le charbon de bois, il peut être effacé et manipulé à l’aide d’une souche.

L’encre est un autre média populaire. L’artiste commence souvent avec un crayon de graphite pour esquisser ou dessiner le dessin, puis le travail de ligne final est fait avec un stylo ou un pinceau, avec de l’encre permanente. L’encre peut être diluée avec de l’eau pour produire des gradations, une technique appelée lavage à l’encre. Les marques de crayon peuvent être effacées après l’application de l’encre, ou laissées en place avec les encres sombres qui les maîtrisent.

Certains artistes dessinent directement à l’encre sans la préparation d’un croquis au crayon, préférant la spontanéité de cette approche malgré le fait qu’elle limite la capacité à corriger les erreurs. Matisse est un artiste connu pour avoir travaillé de cette manière.

Une méthode privilégiée de Watteau et d’autres artistes des XVIIe et XVIIIe siècles de l’époque baroque et rococo était de commencer par un fond de couleur à mi-chemin entre le blanc et le noir, et d’ajouter de l’ombre en noir et des reflets en blanc. ou « crayon ».

La figure humaine a fait l’objet de dessins depuis la préhistoire. Alors que les pratiques de studio des artistes de l’antiquité sont en grande partie une conjecture, qu’ils ont souvent dessiné et modelé à partir de modèles nus est suggéré par la sophistication anatomique de leurs œuvres. Une anecdote racontée par Pline raconte comment Zeuxis passa en revue les jeunes femmes d’Agrigentum nues avant de sélectionner cinq personnes dont il combinerait les traits pour peindre une image idéale. L’utilisation de modèles nus dans l’atelier de l’artiste médiéval est implicite dans les écrits de Cennino Cennini, et un manuscrit de Villard de Honnecourt confirme que l’esquisse de la vie était une pratique établie au 13ème siècle. Les Carrache, qui ont ouvert leur Accademia degli Incamminati à Bologne dans les années 1580, ont tracé la voie pour les écoles d’art plus tard en faisant de la vie la discipline centrale. Le cours de formation a commencé avec la copie de gravures, puis a procédé à dessiner à partir de moulages en plâtre, après quoi les étudiants ont été formés à dessiner à partir du modèle vivant.

À la fin du XVIIIe siècle, les étudiants de l’atelier de Jacques-Louis David suivaient un programme d’enseignement rigoureux. La maîtrise du dessin était considérée comme une condition préalable à la peinture. Pendant environ six heures chaque jour, les élèves ont dessiné à partir d’un modèle qui est resté dans la même pose pendant une semaine. Avant la fin du XIXe siècle, les femmes n’étaient généralement pas admises à des cours de dessin.

Une figure de l’académie est un dessin, une peinture ou une sculpture d’une manière littérale, du corps humain nu utilisant un modèle vivant, typiquement à demi grandeur nature.

C’est un exercice commun exigé des étudiants dans les écoles d’art et les académies, à la fois dans le passé et le présent, d’où le nom.

Les récits historiques révèlent que les modèles nus pour les femmes artistes en herbe étaient largement indisponibles. Les femmes ont été exclues de certaines institutions parce que c’était considéré comme impropre et peut-être même dangereux pour elles d’étudier des modèles nus. Bien que les hommes aient eu accès à des nus masculins et féminins, les femmes étaient confinées à apprendre l’anatomie à partir de moulages et de modèles. Ce n’est qu’en 1893 que les étudiantes ont eu accès à la vie en dessinant à la Royal Academy de Londres, et même alors, le modèle devait être partiellement drapé.

L’accès limité aux figures nues a entravé les carrières et le développement des femmes artistes. Les formes les plus prestigieuses de la peinture exigent une connaissance approfondie de l’anatomie qui est systématiquement refusée aux femmes, qui sont ainsi reléguées à des formes de peinture moins considérées comme le genre, la nature morte, le paysage et le portrait. Dans l’essai de Linda Nochlin: «Pourquoi n’y a-t-il pas eu de grandes femmes artistes?», Elle identifie l’accès restreint que les femmes ont dû faire au dessin de figures comme un obstacle historiquement important au développement artistique des femmes.

L’instruction de dessin de figure est un élément de la plupart des programmes d’art et d’illustration. Les académies des beaux-arts en Italie ont une scuola libera del nudo («école libre du nu») qui fait partie du programme d’études mais est également ouverte aux étudiants extérieurs. Dans une salle de classe typique, les élèves s’asseyent autour d’un modèle en demi-cercle ou en cercle. Aucun élève n’a exactement le même point de vue, donc son dessin reflétera la perspective de l’emplacement unique de l’artiste par rapport au modèle. Le modèle pose souvent sur un support, pour permettre aux étudiants de trouver plus facilement une vue dégagée. Selon le type de pose, des meubles et / ou des accessoires peuvent être utilisés. Ceux-ci sont généralement inclus dans le dessin, dans la mesure où ils sont visibles pour l’artiste. Cependant, les arrière-plans sont souvent ignorés à moins que l’objectif soit d’apprendre à placer des figures dans un environnement. Les modèles individuels sont les plus courants, mais plusieurs modèles peuvent être utilisés dans des classes plus avancées. De nombreux studios sont équipés pour permettre une variété d’arrangements d’éclairage.

Lorsqu’ils sont enseignés au niveau collégial, les modèles de dessin de figures sont souvent (mais pas toujours) nus (à part de petits bijoux ou d’autres objets discrets). Tout en posant, le modèle est généralement demandé de rester parfaitement immobile. En raison de la difficulté de faire cela pendant une période de temps prolongée, des pauses périodiques pour le modèle de se reposer et / ou d’étirer sont généralement incluses dans des sessions plus longues et pour des poses plus difficiles.

Au début d’une séance de dessin de figures, le modèle est souvent invité à faire une série de courtes poses en succession rapide. Ceux-ci sont appelés poses gestuelles, et sont généralement de une à trois minutes chacun. Le dessin de gestes est un exercice d’échauffement pour de nombreux artistes, bien que certains artistes dessinent le geste comme le premier pas dans chaque dessin de figures. Ces larges traits ne sont pas simplement fait par le coup de poignet, mais en utilisant le bras entier pour capturer le mouvement du modèle. Cela permet également de garder l’artiste concentré sur le modèle plutôt que sur le papier. Quand il s’agit du corps humain, les artistes sont douloureusement critiques; les proportions d’une nature morte n’ont pas besoin d’être dessinées parfaitement pour paraître authentiques, mais même la moindre erreur dans les proportions humaines sera facilement détectée.

Les artistes modernes et contemporains peuvent choisir d’exagérer ou de déformer les proportions pour souligner le geste ou l’humeur perçue de la pose des modèles. Les résultats peuvent être considérés comme une œuvre d’art achevée, exprimant à la fois le sujet, l’observation, l’émotion et la réponse à l’expérience de dessin de l’artiste.

L’anatomie n’est que le premier niveau de préoccupation dans les classes de vie. Les relations figure-sol et d’autres aspects de la composition sont également considérés. L’équilibre d’une composition devient plus crucial et donc plus compris à travers le dessin de la vie. La réponse kinesthésique de l’artiste à la pose et la manière dont celle-ci est véhiculée par un choix de médias d’art est une préoccupation plus avancée. Puisque le but des cours de dessin de figures est d’apprendre à dessiner des humains de toutes sortes, on cherche généralement des modèles masculins et féminins de tous les âges, de toutes les formes et de toutes les ethnies, plutôt que de sélectionner seulement de beaux modèles ou des figures « idéales ». Certains instructeurs cherchent spécifiquement à éviter le type de modèles préférés par les photographes de mode, en cherchant des exemples plus «réalistes» et pour éviter toute implication de l’objectivation sexuelle. Les instructeurs peuvent également favoriser les modèles de types de corps particuliers en fonction des contours uniques ou des textures de surface qu’ils fournissent. La variété des modèles embauchés peut être limitée par la nécessité de se tenir debout pendant de longues périodes (élimination des enfants agités et des personnes âgées fragiles) et des préoccupations de pudeur et de légalité lorsque les modèles posent nus (restriction du recours aux mineurs).