La mode est inspirée par l’art, à travers l’art et la mode, Salvatore Ferragamo Museum

L’art et la mode se sont affrontés, se regardant souvent, même dans le passé. Si les artistes ont été fascinés par l’habillement, outil indispensable pour donner du réalisme à leurs représentations, les tailleurs ont souvent puisé leurs inspirations dans le monde de l’art et adopté des attitudes qui les assimilaient aux artistes. Pour les spécialistes de l’art, les vêtements documentés dans une peinture permettent de dater une œuvre d’art. En revanche, pour les historiens de la mode, la robe peinte rend compte du mouvement, du geste et du penchement d’une robe.

L’itinéraire de l’exposition se concentre sur le travail de Salvatore Ferragamo, fasciné et inspiré par les mouvements artistiques d’avant-garde du XXe siècle, sur plusieurs ateliers des années 50 et 60 qui ont été des lieux d’études et de rencontres, et sur l’avènement de la culture des célébrités. Il examine ensuite l’expérimentation des années 90 et continue de se demander si dans l’industrie culturelle contemporaine nous pouvons encore parler de deux mondes distincts ou si nous avons plutôt affaire à une interaction fluide des rôles.

L’aspect distinctif de la mise en page de l’exposition réside dans la collaboration avec d’autres institutions culturelles, qui ont pris une part active à la mise en œuvre de ce concept dans le but d’inspirer une réflexion commune: en plus du Museo Salvatore Ferragamo, promoteur et organisateur du projet avec le Fondazione Ferragamo, à Florence la Biblioteca Nazionale Centrale, la Gallerie degli Uffizi (la Galleria d’arte moderna di Palazzo Pitti et la Galleria del Costume), le Museo Marino Marini et à Prato le Museo del Tessuto.

Pour la mode italienne, depuis les premiers débats au début du XXe siècle sur la nécessité de donner une identité nationale à la production de vêtements dans le Bel Paese, la référence au monde de l’art italien est ressentie comme un élément de forte distinction par rapport à la mode française. , alors dominant. Le rôle joué par Rosa Genoni, couturière mais aussi enseignante de la section couture de l’École professionnelle des femmes de Milan, a été fondamental dans cette voie. Pour l’Exposition de Milan de 1906, il fit confectionner deux vêtements, comme affiches programmatiques de ses idées, l’un inspiré d’un dessin de Pisanello conservé au Musée Condé de Chantilly, l’autre de la robe de printemps de Botticelli. Le manteau emprunté au travail de Pisanello, généreusement prêté par la galerie des costumes du Palazzo Pitti, est comparé à des vêtements contemporains inspirés d’œuvres d’art célèbres dans une pièce tapissée d’un article de Sergio Tofano, paru dans “Lidel” en 1920, où le un grand illustrateur a émis l’hypothèse que les vêtements de fabrication italienne étaient tirés des fresques de Beato Angelico et Masaccio.

Le film de la Biennale d’art et de mode de Florence en 1996, réalisé par Germano Celant, Ingrid Sischy, Luigi Settembrini, agit comme une caisse de résonance de ce thème, une grande exposition qui a impliqué quarante protagonistes internationaux des arts et trente-huit monde marques de mode, dans un projet qui avait pour objectif d’explorer et de raconter les influences mutuelles, la relation créative entre l’univers de la mode et les arts visuels, le design, l’architecture, le cinéma, la photographie, les coutumes et l’histoire, en plaçant le thème à l’attention de tous.

Pendant des siècles, les artistes ont dépeint chaque détail des vêtements qui ont progressivement été à la mode, nous transmettant le témoignage visuel des gestes, des postures et des goûts, mais aussi des solutions de couture, des matériaux et des décorations de nombreux artisans anonymes. Les artistes ont activement participé à cette course de luxe, réalisant des dessins de tissus, dentelles, broderies et même des costumes pour les fêtes de cour et ont commencé ce qui aurait été une communication de mode avec des chefs-d’œuvre de gravure. Au cours du XIXe siècle, la mode a commencé à se répandre dans les villes avec l’apport de l’industrie textile et de nouvelles formes de distribution commerciale. Ce fut une métamorphose totale, qui a également initié des formes originales de dialogue entre l’art et la mode. Les relations entre les deux mondes sont devenues plus étroites et plus fréquentes et les échanges ne se sont plus limités à la représentation du beau monde habillé à la dernière mode.

À travers une série d’exemples, la section propose un chemin à travers ce dialogue qui se déroule depuis plus d’un siècle.

On commence par les artistes anglais préraphaélites, la Sécession viennoise de Gustav Klimt et la Wiener Werkstätte en poursuivant avec Mariano Fortuny, sans oublier les expérimentations futuristes. On passe ensuite aux expériences des artistes qui ont fait de la mode comme Sonia Delaunay et aux collaborations directes entre artistes et créateurs de mode, comme Thayaht avec Vionnet ou Dalí et Cocteau avec Schiaparelli, jusqu’aux coopérations les plus récentes. Une attention particulière est portée aux créateurs qui, inspirés par l’art, ont profondément innové la mode, comme dans le cas d’Yves Saint Laurent avec Mondrian

Le thème est réalisé en tenant compte de différents thèmes: les artistes qui ont créé des alternatives aux tendances actuelles et ceux qui ont collaboré avec l’industrie de la mode; les créateurs de mode qui recherchaient l’inventivité des artistes, partageaient les propositions les plus originales de certains avant-gardistes, mais surtout qui s’inspiraient soit des formes soit des surfaces des œuvres de tous les temps.

Grâce à sa présence sur la scène culturelle de New York, à ses soirées, à ses soirées d’ouverture, à ses rétrospectives et à ses défilés de mode, il a contribué à façonner la relation entre l’art, la mode et les célébrités que nous reconnaissons aujourd’hui. Ce concept est exploré dans une série de photographies montrant Warhol lors de divers événements sociaux à New York et avec la célèbre installation Altered Image du Makos Studio.

Il ne fait aucun doute qu’avec son travail, Andy Warhol a déclenché un apport esthétique à fort impact – et souvent sacrilège -, l’exemple le plus flagrant étant The Souper Dress, une distillation de la mode, de l’art et de l’industrie. Fabriquée dans les années 60 en papier, cellulose et coton, avec une sérigraphie de la célèbre soupe Campbell peut étiqueter en répétition séquentielle, cette robe est exposée dans le cadre de l’exposition.

À travers l’art et la mode
est l’art de la mode? Une question simple cache l’univers complexe d’une relation articulée qui a longtemps été étudiée, mais sans parvenir à une définition claire et sans équivoque. Ce projet analyse les formes de dialogue entre ces deux mondes: inspirations réciproques, chevauchements et collaborations, des expériences des préraphaélites à celles du futurisme, du surréalisme à la mode radicale. L’itinéraire de l’exposition se concentre sur le travail de Salvatore Ferragamo, fasciné et inspiré par les mouvements artistiques d’avant-garde du XXe siècle, sur plusieurs ateliers des années 50 et 60 qui ont été des lieux d’études et de rencontres, et sur l’avènement de la culture des célébrités. Il examine ensuite l’expérimentation des années 90 et continue de se demander si dans l’industrie culturelle contemporaine nous pouvons encore parler de deux mondes distincts ou si nous avons plutôt affaire à une interaction fluide des rôles.

Cette question simple cache l’univers complexe d’une relation articulée, qui a été étudiée pendant longtemps au fil du temps, sans jamais parvenir à une définition claire ou non ambiguë. La mode – pour son besoin d’être fonctionnel et donc de se référer concrètement à la vie réelle, ainsi que pour son lien avec l’artisanat et l’industrie – semble être loin de l’idéal de l’art pour arte, un concept qui n’a cependant pas toujours été représentatif même du monde de l’art. Andy Warhol nous a enseigné que le caractère unique de l’œuvre d’art ne coïncide plus avec la production artistique et aujourd’hui les expositions de créateurs de mode prolifèrent et les stylistes accueillent les pratiques de l’art contemporain avec disponibilité. Est-il encore possible, dans ce contexte, de parler de la dichotomie entre art et mode comme cela s’est produit au siècle dernier?

Ce projet analyse les formes de dialogue entre ces deux mondes: contaminations, chevauchements et collaborations. Des expériences des préraphaélites à celles du futurisme, du surréalisme à la mode radicale. Le parcours se concentre sur le travail de Salvatore Ferragamo, fasciné et inspiré par l’avant-garde artistique du XXe siècle; sur certains ateliers des années 50 et 60, lieu d’étude et de rencontres, et sur la naissance de la culture de la célébrité, pour continuer les expériences des années 90 et se demander si dans l’industrie culturelle contemporaine on peut encore parler de deux mondes distincts, ou si au contraire nous sommes confrontés à un jeu fluide de rôles.

La particularité du plan d’exposition réside dans la collaboration de plusieurs institutions culturelles et dans l’emplacement de l’exposition à divers endroits: en plus du musée Salvatore Ferragamo, promoteur et organisateur du projet avec la Fondation Ferragamo, ils accueillent les différentes expositions à Florence, la Bibliothèque nationale centrale, les Galeries degli Uffizi (Galerie d’Art Moderne du Palazzo Pitti), le Musée Marino Marini et, à Prato, le Musée du Textile

Les institutions impliquées ont activement participé à la réalisation de l’idée, dans le but d’inviter une réflexion commune.

C’est un hommage au musée Salvatore Ferragamo qui a organisé et conçu le projet et un symbole: d’une part un élément décoratif, essentiel à l’esthétique d’un modèle 1958 de Salvatore Ferragamo, le Tirassegno décolleté, et d’autre part une œuvre de l’un des grands artistes américains de la seconde moitié du XXe siècle, Kenneth Noland, qui en fut une inspiration.

L’exposition au musée Salvatore Ferragamo a quatre conservateurs, Stefania Ricci, directrice du musée Salvatore Ferragamo, Maria Luisa Frisa, Enrica Morini, Alberto Salvadori, qui, avec leurs différentes compétences et personnalités, ont collaboré jour après jour à la construction de l’itinéraire, en collaboration avec les directeurs et les responsables des différentes institutions qui ont participé à l’initiative avec enthousiasme et esprit de collaboration et avec les auteurs du catalogue, qui ont aidé les conservateurs dans le choix final des œuvres, mettant à disposition leurs connaissances et leur professionnalisme. expériences. Il existe de nombreux prêts des collections publiques et privées les plus prestigieuses, nationales et internationales, qui donnent à l’exposition une atmosphère internationale

Musée Salvatore Ferragamo
Le musée Salvatore Ferragamo de Florence, en Italie, est un musée de la mode dédié à la vie et au travail du créateur de chaussures italien Salvatore Ferragamo et de sa société éponyme. Le musée contient 10 000 modèles de chaussures créées et possédées par Ferragamo des années 1920 jusqu’à sa mort en 1960. Après la mort de Ferragamo, la collection a été élargie par sa veuve et ses enfants. Le musée comprend également des films, des coupures de presse, du matériel publicitaire, des vêtements et des accessoires des années 1950 à nos jours.

La famille Ferragamo a fondé le musée en mai 1995 pour familiariser un public international avec les qualités artistiques de Salvatore Ferragamo et le rôle qu’il a joué dans l’histoire des chaussures, mais aussi de la mode internationale.

Comme la plupart des musées d’entreprises, Museo Salvatore Ferragamo et ses archives découlent de la vision d’un entrepreneur, en l’occurrence la veuve de Salvatore Ferragamo, Wanda, qui dirige l’entreprise depuis la mort du fondateur en 1960, et ses six enfants. En particulier, l’aînée de leurs enfants, Fiamma, qui dirigeait les activités principales de l’entreprise de chaussures et de maroquinerie après la mort de son père, s’est tenue à la tête de ce projet au nom de sa famille et l’a concrétisé, façonnant sa stratégie avec l’aide d’historiens. et archivistes.

L’idée du musée est née à l’origine au Palazzo Strozzi d’une exposition sur l’histoire de Salvatore Ferragamo. L’exposition a fait une tournée et a été accueillie par certains des musées les plus prestigieux du monde, tels que le Victoria and Albert à Londres, le County Museum de Los Angeles, le New York Guggenheim, la Fondation Sogetsu Kai à Tokyo et le Museo de Bellas Artes au Mexique. L’exposition temporaire est devenue progressivement permanente.

En reconnaissance de l’importance culturelle du musée et de ses nombreuses initiatives au fil des ans, Salvatore Ferragamo a reçu en 1999 le prix Guggenheim Impresa e Cultura, décerné chaque année aux entreprises qui investissent le mieux dans la culture à des fins constructives. Le musée est situé dans le centre historique de Florence, au Palazzo Spini Ferroni, qui est également le siège de l’entreprise depuis 1938.