Chevaux dans l’art

L’art équestre ou le cheval dans l’art, l’animal le plus représenté depuis la Préhistoire, et l’un des sujets artistiques les plus anciens. Il apparaît sur tous les types de médias au fil du temps, le plus souvent au milieu des batailles, dans des œuvres individuelles, comme une montagne de personnages importants, ou couplé à des véhicules hippomobiles. L’art grec montre une véritable recherche anatomique, tandis que le Moyen Age laisse peu de place à cela. La Renaissance, surtout italienne, voit l’apogée de la statue équestre devenir un genre à part entière.

Les chevaux sont apparus dans les œuvres d’art à travers l’histoire, fréquemment comme des représentations du cheval au combat. Le cheval apparaît moins fréquemment dans l’art moderne en partie parce que le cheval n’est plus significatif ni comme moyen de transport ni comme instrument de guerre. La plupart des représentations modernes sont des chevaux contemporains célèbres, des œuvres d’art associées à des courses de chevaux, ou des œuvres d’art associées à la tradition historique des cow-boys ou des Amérindiens de l’Ouest américain. Au Royaume-Uni, des scènes de chasse au renard et de scènes rurales nostalgiques impliquant des chevaux continuent d’être réalisées.

Le portrait équestre acquiert ses règles de la période baroque. Les représentations de chevaux nus sont rares jusqu’à l’arrivée des paysagistes flamands, notamment l’anglais George Stubbs, le «peintre du cheval», considéré comme l’un des plus grands connaisseurs du sujet à ce jour. Le XIXe siècle vit une importante production artistique avec Alfred de Dreux, Théodore Géricault ou Eugène Delacroix en France, Yevgeny Alexandrovich Lanceray en Russie et l’Américain Frederic Remington. Malgré sa disparition utilitaire au XXe siècle, le cheval reste présent dans l’art grâce à de nombreux modernes, dont Pablo Picasso, Léon Schwarz-Abrys, Franz Marc et Maurizio Cattelan au début du XXIe siècle.

Différents thèmes artistiques sont l’occasion de mettre le cheval en scène, au-delà des représentations militaires, du portrait équestre et de la statue équestre, de la fascination pour les courses hippiques, du cheval arabe, de la chasse à la chasse et de l’ouest américain. a donné lieu à des représentations de chevaux.

Les chevaux apparaissent souvent dans les œuvres d’art, comme une monture pour une personne importante, ou en équipe, attelé à une variété de véhicules tirés par des chevaux.

L’art de l’âge contemporain a commencé avec les tendances opposées de l’académisme et du romantisme, qui ont probablement marqué le point culminant des représentations équines dans la convention réaliste; tandis que l’art d’avant-garde du XXe siècle a continué à représenter le cheval, mais sous ses propres conventions.

Histoire
L’art équestre est aussi vieux que l’art lui-même, puisqu’il existe déjà des représentations de chevaux dans l’art rupestre paléolithique et dans l’art ancien de toutes les civilisations, sauf dans les Amériques précolombiennes, puisque les chevaux y furent introduits par les Espagnols au seizième siècle.

Des figures de colline préhistoriques ont été sculptées en forme de cheval, en particulier le cheval blanc d’Uffington, un exemple de la tradition des sculptures de cheval sur les flancs des collines, qui ont existé pendant des milliers d’années se poursuit dans l’âge actuel.

L’image équine était commune dans l’art ancien égyptien et grec, des images plus raffinées montrant une plus grande connaissance de l’anatomie équine sont apparues dans la Grèce classique et dans le travail romain plus tard. Les chars tirés par des chevaux étaient couramment représentés dans des œuvres anciennes, par exemple sur le Standard d’Ur vers 2500 avant Jésus-Christ. Les Chevaux de Saint Marc sont le seul exemple survivant de l’Antiquité classique d’une statue monumentale du Quadriga.

Dans l’art chinois, Han Gan se distingue comme un peintre de chevaux de la dynastie Tang. Les chevaux ou chevaux célestes légendaires de Ferghana, importés d’Asie centrale, étaient fortement représentés dans les céramiques chinoises, et Qin Shi Huang, le premier empereur, avait une armée de terre cuite dans sa tombe, dont de nombreux chevaux faisaient également partie.

Le cheval était moins répandu dans l’art paléochrétien et byzantin, accablé par la prédominance des thèmes religieux.

L’art équin des anciennes civilisations méditerranéennes a connu un développement particulier. La civilisation gréco-romaine était particulièrement importante dans la céramique et la sculpture de l’époque archaïque, avec des exemples aussi importants que les nombreux chevaux du Parthénon, tels que le Quirinale Dióscuros et ceux du Capitole, qui furent restaurés de façon drastique.

Les représentations équestres dans l’art médiéval, bien que non rares, ont abandonné la tradition classique, qui n’a pas été récupérée jusqu’à la Renaissance italienne, avec les condottiers de Donatello et Verrocchio. Les chevaux de la Bataille commencent à une tradition picturale revitalisée qui s’est développée tout au long de l’art de l’âge moderne.

La période de la Renaissance à partir du 14ème siècle a apporté une résurgence du cheval dans l’art. Les peintres de cette période qui ont représenté le cheval inclus Paolo Uccello, Benozzo Gozzoli, Léonard de Vinci, Albrecht Dürer, Raphaël, Andrea Mantegna et Titien. En 1482, le duc de Milan Ludovico le Moro, commanda à Léonard de Vinci la plus grande statue équestre du monde, un monument au père Francesco, mais le cheval de Léonard ne fut jamais achevé (jusqu’à ce qu’il soit reproduit à la fin du XXe siècle) .

À l’époque baroque, la tradition du portrait équin a été établie, avec des artistes tels que Peter Paul Rubens, Anthony van Dyck et Diego Velázquez, qui représentent des sujets royaux au sommet de leurs montures. L’art équestre sportif s’est également établi à cette époque, car la tradition des courses de chevaux a émergé sous le patronage Tudor.

Le milieu du XVIIIe siècle vit l’émergence du romantisme, les artistes français Théodore Géricault et Eugène Delacroix étaient partisans de ce mouvement et tous deux ont représenté le cheval dans plusieurs de leurs œuvres.

George Stubbs né en 1724 est devenu si associé à ses sujets équestres qu’il était connu comme “le peintre de chevaux”. Un intérêt de l’enfance pour l’anatomie a été appliqué au cheval, il a passé dix-huit mois à disséquer des carcasses équines et a fait graver par un graveur des plaques de ses études. Ces dessins anatomiques ont aidé les artistes plus tard.

L’art du sport équestre était populaire au 19ème siècle, les artistes notables de l’époque étaient Benjamin Marshall, James Ward, Henry Thomas Alken, James Pollard et John Frederick Herring, Sr .. Les courses de chevaux devinrent progressivement plus établies en France et le peintre impressionniste Edgar Degas peint beaucoup de premières scènes de course. Degas a été l’un des premiers peintres de chevaux à utiliser des références photographiques. Les études photographiques d’Eadweard Muybridge sur le mouvement des animaux ont eu une grande influence sur l’art équin, car elles ont permis aux artistes de mieux comprendre les allures des chevaux.

En plus du portrait équestre sculptural et pictural, même le thème du cheval comme une représentation exclusive ou un motif artistique en soi émergé, atteint la spécialisation et l’estimation professionnelle des «peintres de chevaux» avait déjà été reflétée par la concurrence entre deux d’entre eux à que le portrait de deux chevaux est commandé; tandis que l’un se concentre sur la représentation anatomique, un autre est recréé dans les détails de la scène et non dans le corps de l’animal.

Les genres d’art équin
Le cheval a longtemps été considéré comme un sujet mineur dans l’art, et les artistes sont peu susceptibles d’attirer l’attention des académies ou des musées en le choisissant. Pour trouver la bonne attitude du cheval et du cavalier, surtout en peinture, il faut souvent être soi-même cavalier. La plupart des peintres n’ont pas de pratique équestre.

Les représentations de chevaux sont spécialement destinées à renforcer la puissance de ceux qui les montent. Cette fonction est très visible dans l’abondante statuaire équestre, de la statue équestre de Marc Aurèle à celle de Pierre le Grand, où le cheval met en valeur un guerrier ou un homme de pouvoir, et surtout dans le quadrige de Saint-Marc.

Les rois occidentaux commandent souvent leur propre statue ou portrait équestre: le dos du cheval agit comme un trône et renforce leurs qualités de bonté, de majesté et de puissance souveraine. La représentation du cheval avec un membre antérieur surélevé est celle de l’autorité royale prête à frapper les adversaires. Le cheval blanc est le plus populaire dans ce rôle, celui d’Henri IV de France n’est probablement pas étranger: il “attire l’attention et concentre l’attention”. De plus, le symbolique de la robe blanche est plus chargé que chez les chevaux d’autres couleurs. Pendant la tourmente politique, la destruction des représentations des rois à cheval est digne de contestation.

La statue équestre
La statue équestre représente une figure importante montée sur un cheval. La technologie de l’armement médiéval y est très largement consacrée, elle symbolise la féodalité et l’aristocratie guerrière. Donatello, Verrocchio et Léonard de Vinci ont perfectionné la statuaire équestre. De nombreuses études préparatoires sont indispensables à la fabrication de ces statues équestres monumentales, les artistes doivent être des experts en anatomie et en science du mouvement équin. Leonard est particulièrement impliqué dans cette recherche comme en témoignent les nombreux dessins qu’il a légués.

Le portrait de cavalier
Dès le milieu du XVe siècle, le portrait à cheval devient un genre pictural à part entière. De François Ier à Napoléon Bonaparte, même si la mode et le style évoluent avec le temps, le message politique est le même. Ce symbolisme du pouvoir de l’homme et de sa monture ne s’arrête pas à l’abolition de la monarchie: au XIXe siècle, lorsque la bourgeoisie montante s’oppose à la noblesse, elle est encore à cheval qu’elle aime voir son portrait dans les allées du Bois de Boulogne. Les belles amazones d’Alfred de Dreux et les dandies de la Maupassant ne chevauchent plus les ronds chevaux espagnols d’Antoine de Pluvinel ou de La Guérinière, mais des pur-sang anglais sculptés pour la vitesse, ou des Arabes.

Le portrait de cheval
La peinture d’animaux est longtemps considérée comme un genre mineur. Le cheval est rarement peint pour lui-même parce que les artistes ont besoin d’ordres pour vivre, et si les riches chercheurs aiment être représentés à cheval, ils font rarement des portraits de leurs chevaux seuls. Peu de peintres se consacrent entièrement au cheval nu.

Au dix-septième siècle, Paulus Potter a fait une peinture dans laquelle un petit cheval avec une robe tachetée jette un œil attentif sur celui qui l’observe. Un siècle plus tard, l’Anglais George Stubbs dédie sa vie au cheval et à sa peinture. Contrairement à la plupart des artistes de son temps, il n’a qu’une formation artistique médiocre, mais il a le goût de la science: en 1776, il publie une Anatomie du cheval.

Au XIXe siècle, les maîtres de la peinture romantique Géricault et Delacroix sont plus estimés pour leurs peintures historiques que pour les nombreux hommages qu’ils paient au cheval.

Thème de l’art équin

Militaire et guerre
L’art militaire dépeint souvent le cheval dans la bataille et fournit certains des premiers exemples du cheval dans l’art, avec la cavalerie, les chars tirés par des chevaux et les archers de cheval tous apparaissant sur les artefacts antiques.

À l’époque médiévale, des batailles de cavalerie et des chevaliers à cheval étaient représentés par des artistes tels que Paolo Uccello et Albrecht Dürer. Tryptique d’Uccello La bataille de San Romano montre différentes étapes d’une bataille. La gravure de Dürer de “Knight, Death and the Devil”, 1513 montre un sujet militaire combiné avec un thème allégorique.

Sir Alfred Munnings a été nommé artiste de guerre pendant la Première Guerre mondiale. Il a peint à la fois la Brigade de cavalerie canadienne et le Corps forestier canadien stationné en France. Il considérait que ses expériences avec les unités canadiennes avaient été parmi les événements les plus enrichissants de sa vie.

Elizabeth Thompson, connue sous le nom de Lady Butler, était célèbre pour son art militaire, en particulier «Scotland Forever», avec une charge dramatique des Royal Scots Greys.

Course de chevaux
Les courses de pur-sang ont inspiré les artistes romantiques et impressionnistes du 19ème siècle. Théodore Géricault peint Le Derby en 1821 lors de son séjour en Angleterre. L’ère impressionniste coïncide avec le développement de la course en France, Manet, Degas et Toulouse-Lautrec ont tous acquis une fascination durable pour la course. Manet montrant l’excitation et l’action de la course et Degas se concentrant plus sur les moments avant le départ. Degas était intensément intéressé par les photographies de Muybridge du cheval en mouvement, il les copia à la craie et au crayon et les utilisa comme référence dans son travail ultérieur.

Des générations d’artistes avant que Muybridge ne dépeigne le cheval dans un galop de «cheval à bascule» avec le cheval représenté avec les deux pattes avant tendues vers l’avant et les deux pattes postérieures vers l’arrière. Des représentations beaucoup plus réalistes ont été possibles après l’événement de la photographie et le travail de Muybridge, mais cela n’a pas nécessairement conduit à l’impression de mouvement dans l’œuvre d’art. L’écriture de Luard en 1921 compare l’action de course d’un animal avec la course et le rythme d’un air dans la musique, mais le moment instantané enregistré par une photographie comme un accord détaché avec peu de signification ou de contexte.

Au 20ème siècle, une grande partie de l’oeuvre de John Skeaping a impliqué la scène de course, en incluant des bronzes grandeur nature d’Hyperion et du Brigadier Gerard et des aquarelles d’action de course.

Arabomanie équestre
Orné de toutes les qualités, noble, vaillant, fougueux, endurant et rapide, mis en avant par Napoléon Ier, qui ne l’aime que lui, le petit cheval arabe inspire une génération d’artistes tels qu’Eugène Delacroix, Théodore Chassériau et Eugène Fromentin, mais aussi, et surtout, Théodore Géricault.

L’Ouest américain
L’œuvre associée au cow-boy historique ou à la tradition amérindienne de l’Ouest américain comprend naturellement de nombreux sujets équins. Les artistes de l’Ouest américain comprennent Frederic Remington et C.M. Russell qui sont connus pour leurs peintures de sujets équins. Remington a été l’un des premiers artistes américains à illustrer la véritable démarche du cheval en mouvement (avec Thomas Eakins), tel que validé par les célèbres photographies séquentielles d’Eadweard Muybridge. Remington a également capturé le drame équin dans ses sculptures en bronze, son premier, Bronco Buster (Williams College Museum of Art), a été un succès critique et commercial.

Art moderne
Inspiré par El Greco, Saint Martin et le mendiant, c. 1597-1600, Institut d’Art de Chicago Pablo Picasso introduit les chevaux dans son travail en 1905-1906, notamment Boy Leading a Horse, Musée d’Art Moderne. Franz Marc et d’autres, y compris Susan Rothenberg et Deborah Butterfield à partir des années 1970 ont utilisé des chevaux comme motifs dans leurs peintures et sculptures tout au long du 20ème siècle. Pour une grande et complexe peinture de guerre du XXe siècle dans laquelle un cheval est la figure dramatique centrale, voir Guernica de Pablo Picasso. Alors que le peintre impressionniste Edgar Degas était particulièrement célèbre pour ses peintures de danseurs, Degas était également connu pour ses peintures de chevaux et de courses de chevaux.

Chasse
Scènes de chasse ont été un sujet commun pour les peintres équestres. Les spécialistes de la chasse au renard sont Cecil Aldin et Lionel Edwards.

Les scènes de chasse commencent à se répandre à partir de la fin du Moyen Age en France, et au XVIe siècle, elles peuvent guérir la représentation des chevaux. C’est en Angleterre qu’ils connaissent leur plus grande popularité.

Tauromachie
Les scènes réalisées par les chevaux sont abondantes dans les représentations plastiques de la tauromachie, en particulier les picadores et les rejoneo. En outre, en dehors de l’arène, l’apparence du cheval est consubstantielle aux scènes de taureaux sur le terrain, la preuve de harcèlement et de démolition et d’autres événements taurins.

L’opposition des figures du taureau et du cheval a une force visuelle particulière et des significations symboliques profondes, appréciées par certains peintres comme Goya ou Picasso.

Vie active rurale
Lucy Kemp-Welch était bien connue pour sa représentation de chevaux sauvages et de travail dans le paysage.

Influence
En photographie
Avant le travail photographique d’Eadweard Muybridge (une célèbre série de séquences de photographies, des précédents de la cinématographie, que reconstruisent le pas, le trot, le galop et le saut, et ils ont été publiés en National Geographic en octobre de 1878 avec des instructions pour les monter dans un zootrope), la représentation du cheval en mouvement dépendait de conventions répandues, basées sur des perceptions erronées, qui, pour plus de dynamisme, ont reculé les deux membres avant et les deux membres postérieurs vers l’arrière, dans une posture semblable à celle du bois. cheval105 des jeux infantiles.

Degas et Manet se sont intéressés à ces photographies, les ont copiées et utilisées comme références dans leurs travaux ultérieurs. Inspiré par les photographies de Muybridge, Frederic Remington et Thomas Eakins, peintres américains, ont été parmi les premiers à refléter pleinement le mouvement. du cheval en peinture.

Au cinéma
L’apparition du vrai cinéma, depuis 1895, a donné l’occasion d’une nouvelle manière de refléter le cheval dans l’art. Certains genres cinématographiques, comme le cinéma occidental ou historique, sont particulièrement sujets à cela.

Indépendamment du genre, quelques scènes mémorables de grands films se concentrent sur des chevaux, tels que la scène de pont d’octobre par Sergei Eisenstein, honorée (en termes de l’utilisation du cheval comme métaphore visuelle) par Costa Gavras dans Disappeared.

On a remarqué que la scène des chevaux fugitifs de Farewell to Arms (film de 1932), de Frank Borzage, a inspiré à Picasso le cheval de Guernica (1937).