L’art environnemental est une gamme de pratiques artistiques englobant à la fois des approches historiques de la nature dans l’art et des types d’œuvres écologiques et politiques plus récentes. L’art de l’environnement a évolué à partir de préoccupations formelles, élaboré avec la terre comme matériau sculptural, vers une relation plus profonde avec les systèmes, les processus et les phénomènes en relation avec les préoccupations sociales. Des approches sociales et écologiques intégrées développées comme une position éthique et réparatrice ont émergé dans les années 1990. Au cours des dix dernières années, l’art de l’environnement est devenu le point de mire des expositions dans le monde, car les aspects sociaux et culturels du changement climatique sont au premier plan.

Dans un monde en croissance, le nombre d’artistes qui créent, en se concentrant sur les systèmes et les interactions au sein de notre environnement, est écologique, géographique, politique, culturel et biologique. Beaucoup des œuvres de cet art sont composées d’éléments bidimensionnels et tridimensionnels, dans lesquels des effets visuels et vocaux peuvent être intégrés pour montrer comment l’humanité devrait être ancrée et connectée au monde naturel socialement, philosophiquement, économiquement et spirituellement. .

Le terme «art environnemental» englobe souvent les préoccupations «écologiques» mais ne leur est pas spécifique. Il célèbre principalement la connexion d’un artiste avec la nature en utilisant des matériaux naturels. Le concept est mieux compris par rapport à l’art terre / Land historique et au domaine en évolution de l’art écologique. Le domaine est interdisciplinaire dans le fait que les artistes environnementaux embrassent des idées de la science et de la philosophie. La pratique englobe les médias traditionnels, les nouveaux médias et les formes sociales critiques de production. Le travail englobe une gamme complète de conditions du paysage et de l’environnement du milieu rural, suburbain et urbain ainsi que urbain / rural industriel.

La plupart des artistes présentent le détachement de l’humanité de l’environnement et tentent de le corriger à travers quatre motifs principaux qui conduisent au changement:

Sensibiliser à la fragilité de la nature et à la nécessité de la protéger.
Explorez divers phénomènes naturels pour suivre les changements et les exprimer dans l’art.
Recueillir des matériaux de la nature de différentes parties du monde et les distribuer.
Prévenir la détérioration de la situation environnementale sur le terrain en restaurant le paysage endommagé et en retournant à son état naturel.

Histoire:
On peut affirmer que l’art environnemental a commencé avec les peintures rupestres paléolithiques de nos ancêtres. Bien qu’aucun paysage n’ait (encore) été trouvé, les peintures rupestres représentaient d’autres aspects de la nature importants pour les premiers humains tels que les animaux et les figures humaines. « Ce sont des observations préhistoriques de la nature, d’une manière ou d’une autre, la nature pendant des siècles est restée le thème privilégié de l’art créatif. » Des exemples plus modernes d’art environnemental découlent de la peinture et de la représentation du paysage. Lorsque les artistes ont peint sur place, ils ont développé un lien profond avec l’environnement et les conditions météorologiques et ont apporté ces observations dans leurs toiles. Les peintures du ciel de John Constable « représentent le plus étroitement le ciel dans la nature ». La série London de Monet illustre également la connexion de l’artiste avec l’environnement. « Pour moi, un paysage n’existe pas en soi, puisque son apparence change à chaque instant, mais l’atmosphère environnante lui donne vie, l’air et la lumière, qui varient continuellement pour moi, c’est seulement l’atmosphère environnante qui donne aux sujets leur vraie valeur.  »

Les fondements de l’art environnemental ont commencé avec le mouvement de l’art romantique (1800-1850). À la suite de la révolution industrielle, ce mouvement a été appelé le mouvement «néo-romantique». Les œuvres d’art principales incluaient le culte de la beauté de la nature, y compris des images de destruction et de pollution afin de mettre l’accent sur l’injustice et l’inégalité environnementale.

Les romantiques adoraient la grandeur et la beauté de la nature et croyaient que l’humanité devait s’y attacher et ne pas s’en détacher. Les artistes ont cherché à éveiller l’humanité pour revenir à la nature et se concentrer principalement sur la peinture, la musique et la sculpture afin d’exposer l’injustice du détachement humain de la nature afin de choquer et éveiller l’humanité à l’action.

Avec la naissance de l’art minimaliste, notamment aux États-Unis, de nombreux artistes ont estimé que les limites de la galerie ou du musée ne répondaient plus à leurs exigences. La sculpture minimaliste traitait des limites de l’exposition par les installations et autres activités artistiques, et hors des limites de l’espace institutionnel était un mouvement évident pour beaucoup d’entre eux. Vers la fin des années 1960, une tendance de la documentation et de la pensée esthétique et critique sur l’art de la terre a commencé.

La croissance du mouvement de l’art environnemental a commencé principalement à partir de 1900 avec la nouvelle tendance appelée « Land Art ». Ce mouvement artistique s’est développé en Amérique en 1960, quand un certain nombre de sculptures et de peintres comme Robert Smithson (1973-1938) avec son célèbre travail Whirlpool Pier (1970) ont causé des dommages irréversibles et significatifs au paysage dans lequel il travaillait. Le travail a été construit de basalte et de terre et Smithson, qui a utilisé un bulldozer pour gratter et couper le paysage, a directement affecté le lac.

En 1912, Boccioni avait déjà théorisé dans son Manifeste technique de la sculpture futuriste qu’il ne pouvait y avoir de renouvellement que par la sculpture de l’environnement, capable de modeler l’atmosphère qui l’entoure.

D’autres antécédents de l’art environnemental sont traçables dans les avant-gardes historiques: l’environnement du proun du constructiviste El Lissitskij est un espace d’exposition créé pour la grande exposition de Berlin en 1923 dans laquelle les éléments architecturaux, les peintres et les modèles sont inextricablement liés; tandis que le Merzbau du Dadaïste Kurt Schwitters est une accumulation progressive d’objets du quotidien fabriqués dans le studio de l’artiste à Hanovre pendant dix ans, au cours desquels il devient un témoignage organique de la vie de l’artiste.

L’implication de l’espace réel a commencé à être un aspect important des œuvres d’art de la fin des années 50, puis continue à affecter les principaux courants artistiques (Néo-Dadaïsme, Art programmé, Minimalisme, Art processuel, Arte Povera, Art conceptuel ) pour tous les années 60, jusqu’au début des années 70. Initialement, l’Art Environnemental était beaucoup plus lié à la sculpture (notamment Art-Site, Land Art et Arte Povera) considérant la critique croissante de la sculpture et des pratiques traditionnelles qui étaient considérées comme de plus en plus obsolètes et potentiellement en disharmonie avec l’environnement naturel .

Les peintres contemporains, tels que Diane Burko, représentent les phénomènes naturels – et leur évolution dans le temps – pour transmettre les problèmes écologiques, en attirant l’attention sur le changement climatique. Les paysages d’Alexis Rockman représentent une vision sardonique du changement climatique et des interventions de l’humanité avec d’autres espèces par le biais du génie génétique.

Hal Foster, critique d’art américain contemporain, définit les œuvres de l’art environnemental comme des «sculptures spécifiques au site qui utilisent des matériaux prélevés dans l’environnement pour créer de nouvelles formes ou pour réorienter nos perceptions du contexte, programmes qui importent de nouveaux objets non naturels un scénario naturel à des fins similaires, des activités individuelles sur le paysage dans lesquelles le facteur temps joue un rôle décisif, des interventions collaboratives et socialement conscientes « . Cette citation montre comment le terme «art environnemental» fait référence à des processus artistiques et à des résultats très différents les uns des autres, mais à la base desquels on surmonte la conception de l’autonomie de l’œuvre d’art par rapport au contexte lequel il est placé.

Malgré le désir initial de l’art environnemental de lutter contre le «système artistique», en éliminant l’objet artistique lui-même et, plus généralement, la marchandisation de l’œuvre d’art, il devient essentiel d’exposer les œuvres dans les galeries et musées leur statut d’œuvre d’art et de pouvoir réunir le capital financier nécessaire à leur réalisation. Cette nécessité a conduit de nombreux artistes à concevoir l’œuvre aux fins de sa reproduction photographique et cinématographique, comme dans le cas de Richard Long et Robert Smithson, qui ont maintenant à la fois une valeur documentaire et une valeur marchande.

Mouvement:
La croissance de l’art environnemental en tant que «mouvement» a commencé à la fin des années 1960 et au début des années 1970. Au début, il était surtout associé à la sculpture – en particulier l’art spécifique au site, Land art et Arte povera – née de la critique croissante des formes et pratiques sculpturales traditionnelles de plus en plus considérées comme dépassées et potentiellement en désaccord avec l’environnement naturel. .

En octobre 1968, Robert Smithson organisa une exposition à la Dwan Gallery à New York sous le titre Earthworks. Les œuvres du spectacle posaient un défi explicite aux notions conventionnelles d’exposition et de vente, en ce qu’elles étaient soit trop grandes soit trop lourdes à collecter ; la plupart n’étaient représentés que par des photographies, soulignant davantage leur résistance à l’acquisition. Pour ces artistes, échapper aux limites de la galerie et de la théorie moderniste a été atteint en quittant les villes et aller dans le désert.

« Ils ne déprivaient pas le paysage, mais l’engageaient; leur art n’était pas simplement celui du paysage, mais aussi de celui-ci. »Ce changement à la fin des années 1960 et 1970 représente une notion avant-gardiste de la sculpture, du paysage et de notre relation avec elle. Le travail a défié les moyens conventionnels pour créer la sculpture, mais a également défié plus de modes d’élite de diffusion et d’exposition d’art, tels que le spectacle de Dawn Gallery mentionné plus tôt. Ce changement a ouvert un nouvel espace et, ce faisant, a élargi les façons dont le travail était documenté et conceptualisé.

En Europe, des artistes tels que Nils Udo, Jean-Max Albert, Piotr Kowalski, entre autres, créent de l’art environnemental depuis les années 1960.

Urbain:
« Personne ne sait exactement quand les navires fantômes ont commencé à apparaître près de l’embouchure du ruisseau, mais les résidents locaux se souviennent d’avoir joué sur eux dans les années 1950 alors qu’ils flottaient encore, certains d’entre eux étant d’anciens baleiniers dont les propriétaires ne voulaient pas Ils les ont transportés jusqu’au ruisseau et les ont brûlés jusqu’à la ligne de flottaison, tandis que le Corps of Engineers de l’armée a identifié des navires abandonnés dans d’autres parties de la ville, mais pas ici. perturber les épaves libérerait un torrent de produits chimiques dangereux dans l’eau et l’air.  » – Elizabeth Albert, texte mur de l’exposition, « plages silencieuses, histoires inédites, Waterfront oublié de New York »

En 1978, Barry Thomas et ses amis occupaient illégalement un terrain vacant du CBD à Wellington en Nouvelle-Zélande. Il a jeté un camion de terre végétale puis a planté 180 plants de chou sous la forme du mot «chou» pour son «lot de choux vacant». Le site a ensuite été inondé d’œuvres d’artistes participants – l’événement a duré six mois et s’est terminé par un festival d’une semaine célébrant les arbres et les forêts indigènes. En 2012, le musée néo-zélandais Te Papa Tongarewa, la plus grande institution culturelle du pays, a acheté toutes les archives du chou en les citant comme «une partie importante de notre histoire artistique et sociale».

Alors que ce travail antérieur était principalement réalisé dans les déserts de l’ouest américain, la fin des années 1970 et le début des années 1980 ont vu des œuvres se déplacer dans le paysage public. Des artistes comme Robert Morris ont commencé à faire appel à des départements du comté et à des commissions publiques des arts pour créer des œuvres dans des lieux publics, comme une carrière de gravier abandonnée. Herbert Bayer utilisa une approche similaire et fut choisi pour créer ses travaux de terrassement Mill Creek Canyon en 1982. Le projet servit à des fonctions telles que le contrôle de l’érosion, un endroit pour servir de réservoir pendant les fortes pluies et un parc de 2,5 acres pendant les saisons sèches. Le livre révolutionnaire de Lucy Lippard, sur le parallèle entre l’art paysager contemporain et les sites préhistoriques, a examiné comment ces cultures, formes et images préhistoriques se sont «superposées» au travail d’artistes contemporains travaillant avec la terre et les systèmes naturels.

Le terme en expansion de l’art environnemental englobe également la portée du paysage urbain. Agnes Denes a créé une œuvre au centre-ville de Manhattan Wheatfield – A Confrontation (1982) dans laquelle elle a planté un champ de blé sur le site de deux acres d’une décharge couverte de détritus urbains et de gravats. Le site est maintenant Battery Park City et le World Financial Center: passer du pouvoir écologique au pouvoir économique.

L’art électrique: En 1999, l’artiste bulgare Elena Paroucheva élabore un nouveau concept pour les pylônes électriques des lignes électriques.

Alan Sonfist a présenté l’idée environnementale essentielle de ramener la nature dans l’environnement urbain avec sa première sculpture historique Time Landscape, proposée à New York en 1965, et visible aujourd’hui à l’angle de Houston et LaGuardia dans le Greenwich Village de New York. Aujourd’hui, Sonfist s’associe au grand enthousiasme des autorités publiques et des citoyens pour un environnement vert et écologique afin de proposer un réseau de sites de ce type dans toute la zone métropolitaine, ce qui permettra de prendre conscience du rôle clé que la nature jouera dans les défis du 21 siècle. Le caractère sacré de la nature et de l’environnement naturel est souvent évident dans le travail des artistes environnementaux.

Tout comme les terrassements dans les déserts de l’Ouest sont nés des notions de peinture paysagère, la croissance de l’art public a incité les artistes à s’intéresser au paysage urbain comme autre environnement et plate-forme d’idées et de concepts sur l’environnement. . « Beaucoup d’artistes environnementaux ne désirent plus seulement un public pour leur travail, mais un public avec lequel ils peuvent correspondre sur le sens et le but de leur art. » L’installation d’Andrea Polli, Particle Falls, a fait en sorte que les particules visibles dans l’air puissent être visibles par les passants. Pour HighWaterLine, Eve Mosher et d’autres ont parcouru les quartiers dans des villes à risque telles que New York et Miami, marquant les dégâts d’inondation qui pourraient résulter du changement climatique et discutant avec les résidents de ce qu’ils faisaient.

Superstorm Sandy a initié de nombreuses réactions d’artistes sur le front de mer oublié et les cours d’eau historiques de New York. L’exposition, Silent Beaches, Untold Stories: Le front de mer oublié de New York, organisée par Elizabeth Alpert, professeure à l’Université St. John’s, a présenté une série d’approches artistiques de l’environnement urbain et des systèmes écologiques complexes de New York.

EcoArt:
Art écologique a.k.a. EcoArt est une pratique artistique ou une discipline proposant des paradigmes durables avec les formes de vie et les ressources de notre planète. Il est composé d’artistes, de scientifiques, de philosophes et de militants qui se consacrent aux pratiques de l’art écologique. Les précédents historiques comprennent Earthworks, Land Art, et la peinture de paysage / photographie. EcoArt se distingue par une focalisation sur les systèmes et les interrelations au sein de notre environnement: écologique, géographique, politique, biologique et culturel. Ecoart crée la conscience, stimule le dialogue, change le comportement humain envers les autres espèces et encourage le respect à long terme des systèmes naturels avec lesquels nous coexistons. Il se manifeste comme un art socialement engagé, activiste, communautaire, réparateur ou interventionniste. L’artiste écologique Aviva Rahmani estime que «l’art écologique est une pratique artistique, souvent en collaboration avec des scientifiques, des urbanistes, des architectes et autres, qui entraîne une intervention directe dans la dégradation de l’environnement. Il existe de nombreuses approches à EcoArt, y compris, mais sans s’y limiter:

Œuvres représentatives – révéler des informations et des conditions principalement à travers la création d’images et la création d’objets dans le but de stimuler le dialogue.
Les projets de réhabilitation qui récupèrent ou restaurent les environnements pollués et perturbés – ces artistes travaillent souvent avec des scientifiques de l’environnement, des architectes paysagistes et des urbanistes
Activiste Projets qui engagent, informent, dynamisent et activent le changement de comportement et / ou la politique publique.
Sculptures sociales – œuvres d’art socialement engagées et basées sur le temps qui impliquent les communautés dans la surveillance de leurs paysages et qui jouent un rôle participatif dans les pratiques et modes de vie durables.
Les approches EcoPoetic qui initient un re-visionnement et un ré-enchantement avec le monde naturel, inspirant la guérison et la coexistence avec d’autres espèces.
Direct Encounters – œuvres qui mettent en jeu des phénomènes naturels tels que l’eau, la météo, la lumière du soleil, les plantes, etc.
Travaux didactiques ou pédagogiques qui partagent des informations sur l’injustice environnementale et les problèmes écologiques tels que la pollution de l’eau et du sol et les risques pour la santé.
Esthétique vécue et relationnelle impliquant des existences durables, hors-réseau, permaculture.

Définition d’EcoArt: Il y a discussion et débat entre les artistes écologiques, si l’art écologique ou EcoArt, devrait être considéré une discipline discrète dans les arts, distincte de l’art environnemental. Une définition actuelle de l’art écologique, rédigée collectivement par EcoArtNetwork, est «L’art écologique est une pratique artistique qui adopte une éthique de la justice sociale dans son contenu et sa forme / ses matériaux EcoArt est créé pour inspirer la compassion et le respect, stimuler le dialogue et encourager l’épanouissement à long terme de l’environnement social et naturel dans lequel nous vivons se manifeste généralement comme un art socialement engagé, militant, communautaire, restaurateur ou interventionniste. »Les artistes considérés comme travaillant dans ce domaine souscrivent généralement à un ou plusieurs des principes suivants:

Mettre l’accent sur le réseau d’interrelations dans notre environnement – sur les aspects physiques, biologiques, culturels, politiques et historiques des systèmes écologiques.
Créez des œuvres qui utilisent des matériaux naturels ou qui interagissent avec des forces environnementales telles que le vent, l’eau ou la lumière du soleil.
Récupérez, restaurez et corrigez les environnements endommagés.
Informer le public sur les dynamiques écologiques et les problèmes environnementaux auxquels nous sommes confrontés.
Réviser les relations écologiques, en proposant de manière créative de nouvelles possibilités de coexistence, de durabilité et de guérison.

Impact:
Dans l’art environnemental, une distinction cruciale peut être faite entre les artistes environnementaux qui ne considèrent pas les dommages possibles à l’environnement que leur œuvre peut subir, et ceux dont l’intention est de ne pas nuire à la nature. Par exemple, malgré ses mérites esthétiques, la célèbre sculpture de l’artiste américain Robert Smithson Spiral Jetty (1969) infligea des dommages permanents au paysage avec lequel il travaillait, utilisant un bulldozer pour gratter et couper la terre, la spirale elle-même frappant le lac. De même, des critiques ont été formulées contre le sculpteur européen Christo lorsqu’il a temporairement enveloppé la côte à Little Bay, au sud de Sydney, en Australie. Les commentaires des conservateurs ont attiré l’attention internationale dans les cercles environnementaux et ont amené les artistes contemporains de la région à repenser land art et art spécifique au site.

L’art durable est produit en tenant compte de l’impact plus large du travail et de son accueil par rapport à son environnement (social, économique, biophysique, historique et culturel). Certains artistes choisissent de minimiser leur impact potentiel, tandis que d’autres travaux impliquent la restauration du paysage immédiat à un état naturel.

Le sculpteur britannique Richard Long a fait pendant plusieurs décennies des travaux sculpturaux temporaires en réaménageant les matériaux naturels trouvés sur le site, tels que les roches, la boue et les branches, qui n’auront donc aucun effet négatif persistant. Chris Drury a institué un ouvrage intitulé «Medicine Wheel» qui était le fruit et le résultat d’une marche quotidienne de méditation, une fois par jour, pour une année civile. Le livrable de ce travail était un mandala d’objets trouvés mosaïqués: l’art de la nature comme art de processus. L’artiste de cultures Stan Herd montre un lien et un respect similaires pour la terre.

Les grands artistes de l’environnement tels que le sculpteur hollandais Herman de Vries, le sculpteur australien John Davis et le sculpteur britannique Andy Goldsworthy quittent eux aussi le paysage avec lequel ils ont travaillé. dans certains cas, ils ont revégétalisé des terres endommagées avec une flore indigène appropriée en train de faire leur travail. De cette façon, l’œuvre d’art découle d’une sensibilité envers l’habitat. L’exemple le plus célèbre de l’art environnemental de la fin du XXe siècle fut 7000 Oaks, une action écologique présentée à la Documenta en 1982 par Joseph Beuys, dans laquelle l’artiste et ses assistants soulignaient l’état de l’environnement local en plantant 7000 chênes et autour de la ville de Cassel.

Transformation:
D’autres artistes, comme l’artiste éco-féministe Aviva Rahmani, réfléchissent sur notre engagement humain dans le monde naturel et créent des œuvres d’art écologiquement informées qui se concentrent sur la transformation ou la récupération. Au cours des deux dernières décennies, Rosalie Gascoigne a réalisé un travail important sur le plan de l’environnement, qui a façonné ses sculptures sereines à partir d’ordures et d’ordures trouvées dans les zones rurales. De même, Marina DeBris utilise les ordures de la plage pour créer de la mode, éduquant les gens sur les déchets de plage et d’océan. Patrice Stellest a créé de grandes installations avec de la camelote, mais aussi incorporé des objets pertinents collectés dans le monde entier et des mécanismes d’énergie solaire. John Wolseley parcourt des régions éloignées, collecte des données visuelles et scientifiques, puis incorpore des informations visuelles et autres dans des œuvres murales complexes sur papier. L’art environnemental ou l’art vert de Erwin Timmers et Alison Sigethy, sculpteurs sur verre basés à Washington DC, incorpore certains des matériaux de construction les moins recyclés; verre structurel. L’auteur et théoricien d’EcoArt, Linda Weintraub, a inventé le terme «cycle-logique» pour décrire la corrélation entre le recyclage et la psychologie. La notion du 21ème siècle de l’engagement conscient des artistes avec leurs matériaux renvoie à des amoncellements de céramiques paléolithiques de poteries et de métaux abandonnés des anciennes civilisations. Weintraub cite le travail de Sarah Sze, boursière de MacArthur, qui recycle, réutilise et remet en état les détritus du flux de déchets en d’élégantes installations tentaculaires. Son travail d’auto-réflexion attire notre attention sur nos propres vies encombrées et notre connexion à la culture de consommation. Le champ d’énergie de Brigitte Hitschler a permis d’alimenter 400 diodes rouges du tas de scories de potasse à récupérer sur lequel elles étaient installées, utilisant l’art et la science pour révéler une culture matérielle cachée. L’artiste et activiste écologique, Beverly Naidus, crée des installations qui traitent des crises environnementales, des problèmes d’héritage nucléaire, et crée des œuvres sur papier qui envisagent la transformation. Son projet de permaculture à base communautaire, Eden Reframed, remédie à la dégradation du sol en utilisant la phytoremédiation et les champignons, ce qui donne lieu à un lieu public pour cultiver et récolter des plantes médicinales et des plantes comestibles. Naidus est une éducatrice qui a enseigné à l’Université de Washington, Tacoma pendant plus de dix ans, où elle a créé le programme Interdisciplinary Studio Arts in Community qui fusionne l’art avec l’écologie et les pratiques socialement engagées. Le livre de Naidus, Arts for Change: Enseigner hors du cadre est une ressource pour les enseignants, les activistes et les artistes. La sculpteure et artiste d’installation Erika Wanenmacher a été inspirée par Tony Price dans son travail sur la créativité, la mythologie et la présence nucléaire du Nouveau-Mexique. Plusieurs artistes, dont Daniele Del Nero, ont travaillé de différentes manières en utilisant le moule vivant comme élément artistique.

Renouvelable:
La sculpture d’énergie renouvelable est un autre développement récent dans l’art environnemental. En réponse à la préoccupation croissante concernant le changement climatique global, les artistes conçoivent des interventions explicites à un niveau fonctionnel, fusionnant des réponses esthétiques avec les propriétés fonctionnelles de génération ou d’économie d’énergie. Le projet Queensbridge Wind Power d’Andrea Polli est un exemple d’architecture expérimentale, incorporant des éoliennes dans la structure d’un pont pour recréer certains aspects de la conception originale ainsi que pour éclairer le pont et les zones avoisinantes. La sculpture publique de Ralf Sander, la World Saving Machine, a utilisé l’énergie solaire pour créer de la neige et de la glace à l’extérieur du Seoul Museum of Art durant l’été coréen. Les praticiens de ce domaine émergent travaillent souvent selon des codes éthiques et pratiques écologiquement éclairés qui sont conformes aux critères d’écoconception.