En plein air

En plein air (littéralement en plein air) est une phrase en français qui indique une méthode picturale consistant à peindre à l’extérieur pour capturer les nuances subtiles que la lumière génère sur chaque détail. Un autre objectif de cette technique est de saisir la véritable essence des choses, car c’est une expression dérivant de l’observation directe de la réalité.En vogue surtout au XIXe siècle européen, la peinture en plein air était largement utilisée par le courant pictural des impressionnistes. Cette méthode contraste avec la peinture d’atelier ou les règles académiques qui pourraient créer un aspect prédéterminé.

Bien que dans le passé historique les artistes aient déjà utilisé la ressource de peindre la nature qu’ils envisageaient (genre ou paysage), ce n’est qu’au milieu du XIXe siècle qu’ils ont explicitement choisi d’utiliser la lumière naturelle pour étudier et obtenir certains effets et appliquer les à sa peinture. Même alors, des paysagistes aussi éminents que Carlos de Haes ont poursuivi la tradition de réserver la plupart des œuvres picturales au studio (comme dans la soi-disant peinture d’armoire), et de ne faire que des croquis ou des notes de l’extérieur naturel.

Une telle nouveauté était un «  choix de style  », attribué à l’école de Barbizon et aux premiers impressionnistes en France, bien qu’en Italie d’autres cercles de peintres tels que les Macchiaioli aient également développé des propositions similaires en même temps, alors qu’en Angleterre ce que les membres de l’école de Newlyn en Russie a fait plusieurs de ses meilleurs paysagistes et dans d’autres pays européens et américains diverses colonies et cercles spécialisés dans la peinture de paysage.

Peut-être que la clé du succès et de la vulgarisation du plénénisme des années 1870 fut la commercialisation de récipients en tube pour la peinture à l’huile. Avant eux, chaque peintre devait créer ses propres couleurs en mélangeant des pigments en poudre séchés avec de l’huile de lin. Une autre invention de la même étape a été le type de chevalet appelé en anglais « French box chevalet », bien qu’il n’ait pas été établi avec certitude qui l’utilisait en premier. Il se composait d’une structure très facilement transportable, avec des pieds télescopiques, qui pouvaient intégrer la palette et la boîte de peinture; ce qui a permis aux peintres en plein air d’authentiques excursions à la campagne, en plus d’être également utilisables en studio.

Concept
Il est clair que la peinture au plein air et la peinture à l’extérieur signifient la même chose et sont utilisées pour décrire une technique picturale: le travail à partir du naturel, c’est-à-dire dans un espace de préférence naturel. Le terme plenairismo, cependant, semble signaler qu’il a été ajouté à la pratique de cette technique idéologique, émotionnelle chromatique. En visitant l’histoire de l’art, il est prouvé que les Assyriens, les Chinois, les Aztèques et, beaucoup plus tôt, les artistes des grottes ont peint à l’extérieur, mais il n’y a aucune documentation sur les raisons sociales et artistiques qui les ont poussés à le faire, ou s’ils étaient simplement religieux, géographiques ou évidents. Cependant, depuis son apparition dans le foyer parisien au milieu du XIXe siècle, le plénénisme a donné lieu à un terme conflictuel, germe de controverse parmi les critiques, les universitaires et les spécialistes de l’art, et un joker d’utilisation abstraite pour la grande majorité. Pendant ce temps, les peintres sortaient sur le terrain pour peindre avec leurs chevalets et parapluies, déplaçant à plusieurs reprises l’audace nécessaire et leurs modèles dans les coins les plus inattendus de la nature plus ou moins sauvage.

Révolutionnaires
Il est surprenant que différents auteurs dans différents contextes, présentés comme « paysage pur » au Greco de Vue de Tolède, au Velázquez de deux petits paysages de la Villa Médicis, ou au Van Gogh de Cafe Terrace la nuit, qui peint le naturel au milieu de la nuit et s’allume en plaçant des bougies autour de son chapeau.

Précurseurs
Avant l’utilisation idéologique de la technique de la peinture sur (et d’autres, par conséquent, les terminologies du dix-neuvième critiques, bourgeois et « Fanes ‘en plein air une liste infinie d’artistes, beaucoup d’entre eux de première ligne peints » in. Situ « volontairement et système ici, plénipistes étaient: Dürer, Claude Lorrain, Poussin, Salvator Rosa et dans le tronçon, Camille Corot, Joseph Mallord William Turner et Constable.

Il semble accepté, sauf pour les chauvins les plus récalcitrants qui, encore sans nom, se sont forgés en Angleterre dans le dernier tiers du XVIIIe siècle, comme exercice, comme ressource technique, comme recette académique pour la peinture de paysage correcte et comme synonyme de «absorption d’air et de lumière». Ainsi, le grand professeur précurseur proposé par les spécialistes et les critiques était John Constable.

Le fait que Diderot, après s’être promené dans la salle parisienne de 1767, ait préféré de nombreux croquis aux peintures finies, ne porte pas atteinte à la bataille officielle et frontale que les peintres de Barbizón ont menée, suivant la tradition anglo-néerlandaise. Elle se justifie par les colonies populaires de plénénistes (désormais déjà labellisées) qui, dans les années 1820, peignirent corporativement dans la forêt de Fontainebleau, à Saint-Cloud, à Sèvres et tout le long de la côte du canal de La Mancha.

Aquarelles et voyageurs
La création en 1804, en Angleterre, de la Watercolour Society (Société des aquarelles) et la vulgarisation de l’aquarelle en Europe et en Amérique, ont fait de cette technique la ressource reine des peintres ambulants et des «pionniers du plénénisme».

Lors de son voyage au Maroc en 1831, Eugenio Delacroix, « un peintre d’ébénisterie » inconscient de la peinture de paysage, de l’utilisation professionnelle de l’aquarelle par des artistes itinérants et des modes pléniers ultérieurs, dessine, note et peint dans sept cahiers plusieurs milliers d’aquarelles. Certaines de ces notes naturelles deviendraient des toiles des années plus tard; par exemple les mariages juifs, présentés au Salon de Paris de 1841, et conservés au Musée du Louvre. A partir de 1820 date l’acceptation de la technique de l’aquarelle dans les schémas ultra-académiques de ladite salle, catalyseur du marché et du commerce pictural et arbitre d’art dans les cours européennes de l’époque. En 1824, quatre artistes anglais avaient triomphé dans cette salle (peut-être parce qu’ils avaient été rejetés auparavant dans leur propre pays): Thomas Lawrence, John Constable, Copley Fielding et Richard Parkes Bonington.

Dans le cas spécifique de Delacroix, ses découvertes et réflexions sur le comportement de la lumière sur les objets serviront de prémisses à des théoriciens du pointillisme comme Seurat et Paul Signac.

Aperçu et travail terminé
Les réflexions du poète et critique d’art Charles Baudelaire après avoir quitté le Salon de Paris de 1845, stimulées par les paysages de Corot, exposent la contradiction officielle de considérer comme des œuvres d’art des peintures minutieusement travaillées dans l’étude et rejettent comme telles des esquisses spontanées tirées de le naturel. Une contradiction sur laquelle, de l’autre côté des Alpes, les membres du cercle des peintres appelés macchiaioli ont également spéculé.

Le scandale est venu lorsque, stimulés par l’évidence, des peintres du monde entier, centralisés par l’exemple français, les plus connus et les plus diffusés, ont décidé de considérer et donc de présenter et de commercialiser les esquisses supposées comme des œuvres d’art finies. La technique du plénénisme venait de faire le saut qualitatif auquel rien ni personne à l’avenir ne pourrait arracher.

Pique-nique en plein air et plénitude sur la plage
Les idylles de campagne d’un Watteau, les scènes de paysage pastoral de Claude de Lorraine et les scènes plus ou moins mythologiques ou religieuses encadrées et parfois enveloppées dans la nature que la Giorgione a peintes, ne sont pas – évidemment – des peintures à part entière, mais il est difficile de imaginez le petit déjeuner de Manet ou des versions de Claude Monet sans vous en souvenir. L’observation d’une telle évolution métaphysique dans la conception de la peinture permet de comprendre les clés du plénénisme comme école et révolution sans espace ni temps.

Mais le paysage où la définition du plénénisme a gagné la catégorie de l’école de peinture (et continue de se manifester comme telle au point d’avoir imité le fait lui-même), étaient les côtes maritimes (déjà présentes dans l’intuition de Constable ou de Courbet) dans général et les plages en particulier. Comme le conclut Linda Nochlin, le dernier chapitre du réalisme a été peint à l’extérieur, au bord de la mer.

Expansion du plénénisme dans les écoles de paysage.

Apparence
Plein air est apparu au début du 19e siècle en Angleterre grâce à John Constable et Richard Parks Bonington. Le plénérisme devient la base de l’esthétique des artistes pour qui la lumière et l’air acquièrent une signification indépendante et un intérêt purement pictural. L’objet lui-même n’est pas dessiné consciemment, à peine exprimé en silhouettes concrètes, ou disparaît complètement. Cette technique était très populaire parmi les impressionnistes français (c’est alors que le plein air en tant que terme était largement utilisé). Des artistes tels que Jean-Baptiste Camille Corot, Jean-François Millet, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir et notamment Claude Monet ont contribué au développement de la peinture en plein air.

La peinture à la lumière naturelle était connue depuis longtemps et servait principalement à créer des croquis. Cependant, parmi les artistes de l’école de Barbizon et les impressionnistes, cette technique de peinture a reçu une nouvelle vie.

Caractéristiques de la peinture en plein air
L’impressionnisme, en général, est un excellent exemple du travail de l’artiste en plein air. Le célèbre critique d’art J.-L. Castagnari a écrit:

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«Ils [les impressionnistes] perçoivent la nature de telle manière qu’elle s’avère tout sauf ennuyeuse et banale. Leur peinture est pleine de vie, rapide, facile … Ils ne recherchent pas une reproduction exacte, mais sont limités par la perception générale … Ce sont des impressionnistes en ce sens qu’ils reproduisent non pas le paysage lui-même, mais l’impression provoquée par cela. paysage … Ainsi, ils s’écartent de la réalité et passent complètement à la position d’idéalisme.  »

Ce sont les impressionnistes qui ont élevé l’étude, jouée en plein air, au niveau des peintures indépendantes à part entière. Les impressionnistes ont essayé de transmettre leurs propres impressions du monde aussi précisément que possible – pour cet objectif, ils ont abandonné les règles académiques existantes de la peinture et ont créé leur propre excellente méthode. Son essence était de transmettre à l’aide de traits séparés de peintures pures l’impression extérieure de lumière, d’ombre, leur reflet à la surface des objets. Cette méthode a donné l’impression d’une dissolution de la forme dans l’espace lumière-air environnant. Claude Monet a écrit sur son travail:

«Mon mérite est d’avoir écrit directement à partir de la nature, essayant de transmettre mes impressions sur les phénomènes les plus instables et changeants».

Dans les temps modernes, la formation en plein air devient souvent l’un des éléments fondamentaux de l’enseignement de la peinture dans diverses institutions artistiques et éducatives et fait partie de la peinture d’après nature.

Histoire
Les artistes peignent depuis longtemps à l’extérieur, mais au milieu du XIXe siècle, le travail à la lumière naturelle est devenu particulièrement important pour l’école de Barbizon, l’école de la rivière Hudson et les impressionnistes.

De nombreux artistes européens se rencontrent à Rome et vont peindre en plein air. Pierre-Henri de Valenciennes (1750-1819) réalise des esquisses de paysage, à l’huile, à Rome et ses environs (oeuvres exposées au musée du Louvre). Également théoricien et pédagogue, il écrivit en 1799 ses «Conseils à un étudiant sur la peinture et notamment sur le genre du paysage 1». Cette pratique de la « peinture d’extérieur » s’est répandue en France vers le milieu du XIXe siècle, avec certains membres de l’école de Barbizon, comme Charles-François Daubigny ou des peintres indépendants comme Eugène Boudin qui ont influencé, de manière considérable, les futurs impressionnistes qui trouvent leur maître en la personne d’Edouard Manet 2.

Parmi les plus anciennes oeuvres de peinture sur le motif, citons celles d’Alexandre-François Desportes (1661-1743), croquis peints à l’huile sur papier. Les sujets sont des paysages avec représentation de la flore et de la faune, en préparation de tableaux, scènes de chasse notamment, réalisés pour Louis XIV et Louis XV. Certaines de ces œuvres figurent en bonne place au musée du Louvre ou au musée de la chasse et de la nature à Paris. En 1817, Achille Etna Michallon (1796-1822) est le premier lauréat du « Prix de Rome pour le paysage historique ». Entre autres élèves, il a eu Corot, qui a produit de 1825 à 1828, une série de paysages en Italie en particulier! Corot continuera tout au long de sa carrière à peindre en extérieur, sur le motif; il fut l’un des précurseurs de l’école Barbizon, allant peindre à Fontainebleau.

En 1830, l’école de Barbizon en France, a permis à des artistes comme Charles-François Daubigny et Théodore Rousseau de représenter avec plus de précision l’apparence des décors extérieurs dans diverses conditions de lumière et de météo. À la fin des années 1800, l’approche en plein air a été intégrée au style des impressionnistes et des artistes tels que Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley et Frédéric Bazille ont commencé à créer leur travail à l’extérieur. Depuis la France, le mouvement s’est étendu aux États-Unis, en commençant par la Californie puis en se déplaçant vers d’autres lieux américains réputés pour leurs qualités de lumière naturelle, notamment la vallée de la rivière Hudson à New York.

C’est à la fin du XIXe et au début du XXe que la peinture d’extérieur est en plein essor avec l’apparition de couleurs dans les tubes (1841). Ceux-ci permettent aux artistes de se déplacer facilement, même si la plupart du temps, ils complètent leur peinture en atelier. Leur souci devient alors de peindre la nature telle qu’elle leur apparaît, à la lumière du moment présent. Les impressionnistes peignent des paysages non pas pour leur côté pittoresque mais pour les effets atmosphériques, expliquant les différents aspects qu’un motif peut prendre en fonction des conditions lumineuses et donc des heures de la journée, d’où l’apparition de la série (Cathédrales et Pierres de Monet ). Dans un ouvrage intitulé « Histoire des peintres impressionnistes » (Paris, paru en 1939), Théodore Duret écrira notamment « la grande innovation des impressionnistes: la peinture d’extérieur ».

Cependant, les attitudes au sein du mouvement impressionniste sont mitigées: Degas refuse de «peindre à l’extérieur» par manque de temps, contrairement à Renoir qui, selon lui, «peut faire ce qu’il veut».

Après les impressionnistes, au XXe siècle, de nombreux artistes du monde entier ont peint en plein air; parmi eux, des français, André Derain, Albert Marquet, Charles Camoin, Henri Manguin ou l’italien Francesco Filippini. Relativement parlant, les peintres d’extérieur de la fin du 20e et du début du 21e siècle partagent avec les impressionnistes la même approche picturale, «à savoir le rendu du plein air et l’effet produit par les variations constantes et imperceptibles de la lumière sur les éléments. Ces artistes travaillent sur une nouvelle façon de peindre, liée à une nouvelle façon de voir. Pour eux, il s’agit de retranscrire une sensation immédiate, de restituer les effets lumineux du ciel et de l’eau, la vibration colorée de leurs effets changeants. « (Théodore Duret, ouvrage cité.)

Les Macchiaioli étaient un groupe de peintres italiens actifs en Toscane dans la seconde moitié du XIXe siècle, qui, en rupture avec les conventions archaïques enseignées par les académies d’art italiennes, ont fait une grande partie de leur peinture à l’extérieur afin de capter la lumière naturelle, l’ombre, et la couleur. Cette pratique relie les Macchiaioli aux impressionnistes français qui ont pris de l’importance quelques années plus tard, bien que les Macchiaioli aient poursuivi des objectifs quelque peu différents. Leur mouvement a commencé à Florence à la fin des années 1850.

L’école de Newlyn en Angleterre est considérée comme un autre partisan majeur de la technique au cours du 19e siècle. La popularité de la peinture en plein air a augmenté dans les années 1840 avec l’introduction de peintures en tubes (comme celles pour le dentifrice). Auparavant, les peintres fabriquaient leurs propres peintures en broyant et en mélangeant des poudres de pigments secs avec de l’huile de lin.

L’acte de la peinture en plein air à partir de l’observation a été continuellement populaire jusqu’au 21e siècle. Aujourd’hui, la peinture de paysage est présente dans l’art contemporain. Ce mouvement, que nous appelons parfois indifféremment « peinture de paysage, peinture sur le motif, peinture d’extérieur, art nomade » est représenté par des artistes comme David Hockney, Per Kirkeby, Peter Doig, Antonio Lopez Garcia, Klauss Fussman, Vincent Bioulès, Alexandre Hollan… Il est particulièrement dynamique sur la côte ouest des États-Unis avec le California Plein-Air Revival.

Équipement et défis
C’est au milieu du XIXe siècle que le «chevalet-boîte», généralement appelé «chevalet-caisse français» ou «chevalet de campagne», a été inventé. On ne sait pas qui l’a développé, mais ces chevalets très portables avec des pieds télescopiques et une boîte et une palette de peinture intégrées facilitaient l’accès à la forêt et aux collines. Encore fabriqués aujourd’hui, ils restent un choix populaire (même pour un usage domestique) car ils se plient à la taille d’une mallette et sont donc faciles à ranger.

La boîte Pochade est une boîte compacte qui permet à l’artiste de conserver toutes ses fournitures et sa palette dans la boîte et d’avoir le travail à l’intérieur du couvercle. Certains modèles permettent une plus grande toile qui peut être maintenue par des pinces intégrées dans le couvercle. Il existe des modèles qui peuvent également contenir quelques toiles ou panneaux de peinture humide dans le couvercle. Ces boîtes ont une popularité croissante car, alors qu’elles sont principalement utilisées pour la peinture en plein air, elles peuvent également être utilisées en studio, à la maison ou en classe. Étant donné que les boîtes à pochade sont principalement utilisées pour la peinture sur place, la toile ou la surface de travail peut être petite, généralement pas plus de 50 cm (20 pouces).

Les défis comprennent le type de peinture utilisée pour peindre à l’extérieur, les animaux, les insectes, les badauds et les conditions environnementales telles que la météo. La peinture acrylique peut durcir et sécher rapidement par temps chaud et ensoleillé et elle ne peut pas être réutilisée. De l’autre côté du spectre se trouve le défi de peindre dans des conditions humides ou humides avec des précipitations. L’avènement de la peinture en plein air a précédé l’invention de l’acrylique. La méthode traditionnelle et bien établie de peindre en plein air intègre l’utilisation de peinture à l’huile.

Défenseurs
Des peintres impressionnistes français tels que Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley et Pierre-Auguste Renoir prônaient la peinture en plein air, et une grande partie de leur travail a été réalisé à l’extérieur sous la lumière diffuse d’un grand parapluie blanc. Claude Monet était un artiste passionné en plein air qui a déduit que pour saisir la proximité et la ressemblance d’un cadre extérieur à un moment précis, il fallait être à l’extérieur pour le faire plutôt que de simplement peindre un cadre extérieur dans leur atelier. Dans la seconde moitié du XIXe siècle et au début du XXe siècle en Russie, des peintres tels que Vasily Polenov, Isaac Levitan, Valentin Serov, Konstantin Korovin et IE Grabar étaient connus pour peindre en plein air.

Mais les amateurs de peinture en plein air ne se limitent pas au Vieux Monde. Les impressionnistes américains aussi, comme ceux de l’école Old Lyme, étaient de grands peintres en plein air. Les peintres impressionnistes américains connus pour ce style à cette époque comprenaient Guy Rose, Robert William Wood, Mary DeNeale Morgan, John Gamble et Arthur Hill Gilbert. Au Canada, le Groupe des Sept et Tom Thomson sont des exemples de défenseurs en plein air.

Des endroits
Barbizon (Seine-et-Marne), devient ainsi l’un des lieux mythiques de la période préimpressionniste en France (école de Barbizon). A partir de 1830, ce qui n’est encore qu’un hameau de bûcherons accueillera en effet à l’auberge de Ganne, tous les peintres qui viennent chercher l’inspiration dans une nature préservée. Plus tard, ils partagent leurs séjours entre Barbizon et Chailly-en-Bière, trouvant leurs sujets à la campagne ou dans la forêt de Fontainebleau toute proche.
La côte normande (Le Havre, Honfleur) attire les impressionnistes
Les rives de la Seine à Argenteuil (Val-d’Oise): Monet, Sisley puis Signac
Chatou (Yvelines), rencontre des impressionnistes et des fauves, habitués du restaurant la Fournaise
Auvers-sur-Oise (Val-d’Oise), dernier arrêt pour Van Gogh, et Pontoise où Cézanne et Pissarro se sont installés
Moret-sur-Loing (Seine et Marne) et son église dont Sisley ne s’est jamais lassée
Grez-sur-Loing, « découverte » par Jean-Baptiste Corot et où une communauté d’artistes scandinaves s’est installée dans les années 1880 (Carl Larsson et son épouse Karin, Peder Severin Krøyer, Michael et Anna Ancher, Christian Krohg)
La montagne Sainte-Victoire célébrée par Cézanne

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