L’histoire de la peinture orientale comprend une vaste gamme d’influences de diverses cultures et religions. Les développements de la peinture orientale sont historiquement parallèles à ceux de la peinture occidentale, en général quelques siècles plus tôt. L’art africain, l’art juif, l’art islamique, l’art indien, l’art chinois, l’art coréen et l’art japonais ont chacun eu une influence significative sur l’art occidental, et vice versa.
La peinture chinoise est l’une des traditions artistiques continues les plus anciennes du monde. Les premières peintures n’étaient pas figuratives mais ornementales; ils consistaient en des motifs ou des dessins plutôt que des images. La première poterie était peinte de spirales, de zigzags, de points ou d’animaux. Ce n’est que pendant la période des Royaumes combattants (403-221 av. J.-C.) que les artistes ont commencé à représenter le monde autour d’eux. La peinture japonaise est l’un des plus anciens et des plus raffinés des arts japonais, englobant une grande variété de genres et de styles. L’histoire de la peinture japonaise est une longue histoire de synthèse et de compétition entre l’esthétique japonaise native et l’adaptation des idées importées. La peinture coréenne, en tant que forme indépendante, a commencé vers 108 av. J.-C., autour de la chute de Gojoseon, ce qui en fait l’une des plus anciennes du monde. L’œuvre d’art de cette période a évolué vers les différents styles qui ont caractérisé la période des Trois Royaumes de Corée, notamment les peintures et les fresques qui ornent les tombes de la royauté de Goguryeo. Pendant la période des Trois Royaumes et sous la dynastie Goryeo, la peinture coréenne se caractérise principalement par une combinaison de paysages coréens, de traits faciaux, de thèmes centrés sur le bouddhisme et d’accentuation de l’observation céleste facilitée par le développement rapide de l’astronomie coréenne.
Peinture d’Asie de l’Est
La Chine, le Japon et la Corée ont une forte tradition de peinture qui est aussi très attachée à l’art de la calligraphie et de l’estampe (à tel point qu’elle est communément vue comme de la peinture). La peinture traditionnelle d’Extrême-Orient se caractérise par des techniques à base d’eau, moins de réalisme, des sujets «élégants» et stylisés, une approche graphique de la représentation, l’importance du blanc (espace négatif) et une préférence pour le paysage. assujettir. Au-delà de l’encre et de la couleur sur les rouleaux de soie ou de papier, l’or sur la laque était également un médium commun dans les œuvres d’art peintes de l’Asie de l’Est. Bien que la soie fût un médium un peu cher à peindre par le passé, l’invention du papier par l’eunuque de la cour Han Cai Lun au Ier siècle après JC fut non seulement un moyen d’écriture bon marché et répandu, mais aussi un médium peu coûteux et répandu. (le rendant plus accessible au public).
Les idéologies du confucianisme, du taoïsme et du bouddhisme ont joué un rôle important dans l’art de l’Asie de l’Est. Les peintres de la dynastie des Song médiévaux tels que Lin Tinggui et son Luohan Laundering (abrité dans la Smithsonian Freer Gallery of Art) du 12ème siècle sont d’excellents exemples d’idées bouddhistes fusionnées dans l’art classique chinois. Dans cette dernière peinture sur soie (image et description fournie dans le lien), le bouddhiste à tête chauve Luohan sont représentés dans un cadre pratique de lavage de vêtements par une rivière. Cependant, la peinture elle-même est visuellement époustouflante, avec Luohan dépeint dans des détails riches et des couleurs vives et opaques, contrairement à un environnement brumeux, brun et boisé fade. En outre, les cimes des arbres sont enveloppées d’un brouillard tourbillonnant, fournissant l’espace négatif commun mentionné ci-dessus dans l’art d’Asie de l’Est.
Au Japonisme, des postimpressionnistes de la fin du XIXe siècle comme Van Gogh et Henri de Toulouse-Lautrec et des tonalistes comme James McNeill Whistler admirent les artistes japonais Ukiyo-e du début du XIXe siècle comme Hokusai (1760-1849) et Hiroshige (1797- 1858) et ont été influencés par eux.
peinture chinoise
Les premiers exemples d’œuvres d’art peintes en Chine remontent à la période des Royaumes combattants (481 – 221 av. J.-C.), avec des peintures sur soie ou des peintures murales de tombes sur pierre, brique ou pierre. Ils étaient souvent dans un format stylisé simpliste et dans des motifs géométriques plus ou moins rudimentaires. Ils représentaient souvent des créatures mythologiques, des scènes domestiques, des scènes ouvrières ou des scènes palatiales remplies de fonctionnaires à la cour. Les illustrations de cette période et de la dynastie Qin (221 – 207 av. J.-C.) et de la dynastie des Han (202 av. J.-C. – 220 apr. J.-C.) ne furent pas un moyen en soi ou pour une expression personnelle supérieure; plutôt des œuvres d’art ont été créées pour symboliser et honorer des rites funéraires, des représentations de divinités mythologiques ou d’esprits d’ancêtres, etc. Des peintures sur soie d’officiels de la cour et de scènes domestiques ont été trouvées pendant la dynastie Han. parade militaire. Il y avait aussi des peintures sur des œuvres d’art tridimensionnelles comme des figurines et des statues, comme les couleurs peintes d’origine qui recouvraient les statues de soldat et de cheval de l’armée de terre cuite. Pendant le climat social et culturel de l’ancienne dynastie des Jin (316 – 420 après JC) basée à Nanjing dans le sud, la peinture devint l’un des passe-temps officiels des bureaucrates et des aristocrates confucéens (avec la musique de la cithare guqin, écrire une calligraphie fantaisiste, et écrire et réciter de la poésie). La peinture devint une forme courante d’expression artistique, et pendant cette période, les peintres de la cour ou des circuits sociaux d’élite furent jugés et classés par leurs pairs.
L’établissement de la peinture de paysage classique chinoise est en grande partie accrédité par l’artiste de la dynastie des Jin oriental Gu Kaizhi (344 – 406 AD), l’un des artistes les plus célèbres de l’histoire chinoise. Comme les scènes allongées de Kaizhi, la dynastie Tang (618 – 907 après JC), des artistes chinois tels que Wu Daozi peignaient des illustrations vives et très détaillées sur de longs rouleaux horizontaux (très populaires pendant les Tang), comme son Eighty Seven Seven Celestial People. Les œuvres d’art peintes durant la période Tang ont eu les effets d’un environnement paysager idéalisé, avec une quantité éparse d’objets, de personnes ou d’activités, ainsi que monochromatique (exemple: les peintures murales de la tombe de Price Yide dans le mausolée Qianling). Il y avait aussi des personnages tels que le peintre du début de l’ère Tang, Zhan Ziqian, qui peignait de superbes peintures de paysage qui étaient bien en avance sur son temps dans la représentation du réalisme. Cependant, l’art du paysage n’a pas atteint un niveau plus élevé de maturité et de réalisme en général jusqu’à la période des Cinq Dynasties et des Dix Royaumes (907 – 960 AD). Pendant ce temps, il y avait des paysagistes exceptionnels comme Dong Yuan (voir cet article pour un exemple de son œuvre), et ceux qui peignaient des scènes plus vivantes et réalistes de scènes domestiques, comme Gu Hongzhong et ses Night Revels de Han Xizai.
Pendant la dynastie des Song chinois (960 – 1279 AD), non seulement l’art du paysage a été amélioré, mais la peinture de portrait est devenue plus standardisée et sophistiquée qu’auparavant (par exemple, se référer à l’empereur Huizong de Song). Dynastie Ming (1368-1644 AD). À la fin du XIIIe siècle et dans la première moitié du XIVe siècle, les Chinois sous la dynastie des Yuan mongols n’étaient pas autorisés à entrer dans les hautes sphères gouvernementales (réservées aux Mongols ou à d’autres groupes ethniques d’Asie centrale). le moment. De nombreux Chinois instruits par le confucianisme qui manquent maintenant de profession se tournent plutôt vers les arts de la peinture et du théâtre, la période Yuan devenant l’une des époques les plus vibrantes et les plus abondantes de l’art chinois. Un exemple de tel serait Qian Xuan (1235-1305 AD), qui était un fonctionnaire de la dynastie Song, mais par patriotisme, a refusé de servir la cour de Yuan et s’est consacré à la peinture. Les exemples de superbes œuvres d’art de cette période comprennent les fresques peintes riches et détaillées du palais Yongle, ou «Palais de la longévité Dachunyang», de 1262 après JC, un site du patrimoine mondial de l’UNESCO. Au sein du palais, les peintures couvrent une superficie de plus de 1000 mètres carrés, et contiennent principalement des thèmes taoïstes. C’est sous la dynastie des Song que les peintres se réunissaient dans des clubs sociaux ou des réunions pour discuter de leur art ou d’autres œuvres d’art, dont les louanges conduisaient souvent à des persuasions pour échanger et vendre de précieuses œuvres d’art. Cependant, il y avait aussi beaucoup de critiques sévères d’autres art, montrant la différence de style et de goût parmi les différents peintres. En 1088 après JC, le scientifique et homme d’État polymathe Shen Kuo a écrit une fois de l’œuvre de Li Cheng, qu’il critiquait comme suit:
… Ensuite, il y avait Li Cheng, qui, lorsqu’il représentait des pavillons et des loges au milieu de montagnes, de bâtiments à étages, de pagodes et autres, avait l’habitude de peindre les avant-toits comme vu d’en bas. Son idée était de «regarder vers le haut par le bas, comme un homme debout sur un terrain plat et regardant les avant-toits d’une pagode peut voir ses chevrons et ses chevrons en porte-à-faux». Tout est faux. En général, la façon appropriée de peindre un paysage est de voir le petit du point de vue du grand … tout comme on regarde les montagnes artificielles dans les jardins (comme on se promène). Si l’on applique (la méthode de Li) à la peinture de vraies montagnes, en les regardant d’en bas, on ne peut voir qu’un seul profil à la fois, et non la richesse de leurs innombrables pentes et profils, pour ne rien dire de tout ce qui se passe dans les vallées et les canyons, et dans les ruelles et les cours avec leurs habitations et leurs maisons. Si nous nous tenons à l’est d’une montagne, ses parties occidentales seraient sur la limite de fuite de la distance lointaine, et vice versa. Sûrement cela ne pourrait pas être appelé une peinture réussie? M. Li n’a pas compris le principe de «voir le petit du point de vue du grand». Il était certainement merveilleux de diminuer avec précision les hauteurs et les distances, mais doit-on attacher une telle importance aux angles et aux coins des bâtiments?
Bien que le stylisme, l’appel mystique et l’élégance surréaliste aient souvent été préférés au réalisme (comme dans le style shan shui), à partir de la dynastie des Song médiévales, de nombreux peintres chinois ont ensuite représenté des scènes de la nature vivantes. Plus tard, les artistes de la dynastie Ming prendront l’accent de la dynastie Song pour des détails complexes et réalistes sur des objets de la nature, notamment sur des animaux (canards, cygnes, moineaux, tigres, etc.) parmi des fleurs aux couleurs vives et des broussailles. et le bois (un bon exemple serait la peinture anonyme Birds and Plum Blossoms de la dynastie Ming, logée dans la Freer Gallery du Smithsonian Museum à Washington, DC). Il y avait beaucoup d’artistes renommés de la dynastie Ming; Qiu Ying est un excellent exemple d’un peintre éminent de l’époque Ming (célèbre même de son temps), utilisant dans ses œuvres des scènes domestiques, des scènes palatiales animées et des paysages naturels de vallées fluviales et de montagnes escarpées enveloppées de nuages tourbillonnants. Durant la dynastie Ming, il y avait aussi des écoles d’art différentes et rivales associées à la peinture, telles que l’école Wu et l’école Zhe.
La peinture classique chinoise a continué dans la dynastie Qing moderne, avec des peintures de portrait très réalistes comme on le voit à la fin de la dynastie Ming du début du 17ème siècle. Les portraits de l’Empereur Kangxi, de l’Empereur Yongzheng et de l’Empereur Qianlong sont d’excellents exemples de peinture portraitiste chinoise réaliste. Durant la période du règne de Qianlong et le continuum du XIXe siècle, les styles de peinture baroques européens ont eu une influence notable sur les portraits chinois, en particulier avec des effets visuels peints d’éclairage et d’ombrage. De même, les peintures d’Asie de l’Est et d’autres œuvres d’art (telles que la porcelaine et la laque) étaient très prisées en Europe depuis le premier contact au 16ème siècle.
Peinture japonaise
La peinture japonaise (絵 画) est l’un des arts japonais les plus anciens et les plus raffinés, englobant une grande variété de genres et de styles. Comme avec les arts japonais en général, la peinture japonaise s’est développée à travers une longue histoire de synthèse et de compétition entre l’esthétique japonaise native et l’adaptation des idées importées. Ukiyo-e, ou «images du monde flottant», est un genre de gravures sur bois japonaises et de peintures réalisées entre le XVIIe et le XXe siècle, avec des motifs de paysages, de théâtre et de courtisanes. C’est le genre artistique principal de l’impression de bois japonais. La gravure japonaise, surtout à l’époque d’Edo, a exercé une énorme influence sur la peinture française au XIXe siècle.
Peinture coréenne
La peinture coréenne, en tant que forme indépendante, a commencé vers 108 av. J.-C., autour de la chute de Gojoseon, ce qui en fait l’une des plus anciennes du monde. L’œuvre d’art de cette période a évolué vers les différents styles qui ont caractérisé la période des Trois Royaumes de Corée, notamment les peintures et les fresques qui ornent les tombes de la royauté de Goguryeo. Pendant la période des Trois Royaumes et sous la dynastie Goryeo, la peinture coréenne se caractérise principalement par une combinaison de paysages coréens, de traits faciaux, de thèmes centrés sur le bouddhisme et d’accentuation de l’observation céleste facilitée par le développement rapide de l’astronomie coréenne. Ce n’est que sous la dynastie Joseon que les thèmes confucéens ont commencé à prendre racine dans les peintures coréennes, utilisées en harmonie avec les aspects indigènes.
L’histoire de la peinture coréenne a été caractérisée par l’utilisation d’œuvres monochromes de pinceau noir, souvent sur papier de mûrier ou de soie. Ce style est évident dans « Min-Hwa », ou l’art populaire coloré, les peintures de tombeau, et les arts rituels et de festival, tous les deux qui ont incorporé un usage étendu de la couleur.
Peinture sud-asiatique
Peinture indienne
Les peintures indiennes ont historiquement tourné autour des divinités religieuses et des rois. L’art indien est un terme collectif pour plusieurs écoles d’art différentes qui existaient dans le sous-continent indien. Les peintures ont varié des grandes fresques d’Ajanta aux peintures miniatures mogholes complexes aux travaux embellis en métal de l’école de Tanjore. Les peintures du Gandhar-Taxila sont influencées par les œuvres persanes à l’ouest. Le style oriental de la peinture a été principalement développé autour de l’école d’art de Nalanda. Les œuvres sont principalement inspirées par diverses scènes de la mythologie indienne.
Histoire
Les premières peintures indiennes ont été les peintures rupestres de la préhistoire, les pétroglyphes trouvés dans des endroits comme les abris sous roche de Bhimbetka, et certains d’entre eux ont plus de 5500 av. Ces travaux ont continué et après plusieurs millénaires, au 7ème siècle, les piliers sculptés d’Ajanta, l’état de Maharashtra présentent un bel exemple de peintures indiennes, et les couleurs, principalement diverses nuances de rouge et d’orange, ont été dérivées de minéraux.
Les grottes d’Ajanta au Maharashtra, en Inde, sont des monuments rupestres taillés dans le roc datant du IIe siècle av. J.-C. et qui contiennent des peintures et des sculptures considérées comme des chefs-d’œuvre de l’art religieux bouddhiste et de l’art pictural universel.
Madhubani peinture
La peinture de Madhubani est un style de peinture indienne, pratiqué dans la région de Mithila de l’état de Bihar, en Inde. Les origines de la peinture de Madhubani sont enveloppées dans l’antiquité.
Rajput peinture
La peinture Rajput, un style de peinture indienne, a évolué et a prospéré, au cours du 18ème siècle, dans les cours royales de Rajputana, en Inde. Chaque royaume Rajput a évolué un style distinct, mais avec certaines caractéristiques communes. Les peintures Rajput représentent un certain nombre de thèmes, des événements d’épopées comme le Ramayana et le Mahabharata, la vie de Krishna, de beaux paysages et des humains. Les miniatures étaient le médium préféré de la peinture Rajput, mais plusieurs manuscrits contiennent également des peintures Rajput, et des peintures ont même été faites sur les murs des palais, des chambres intérieures des forts, havelies, en particulier, les havelis de Shekhawait.
Les couleurs extraites de certains minéraux, sources végétales, coquilles de conques, et même dérivées par le traitement de pierres précieuses, d’or et d’argent ont été utilisées. La préparation des couleurs désirées a été longue, prenant parfois des semaines. Les pinceaux utilisés étaient très bien.
Peinture moghole
La peinture moghole est un style particulier de la peinture indienne, généralement confiné à des illustrations sur le livre et fait en miniatures, et qui a émergé, développé et pris forme au cours de la période de l’Empire moghol 16e-19e siècles.
Peinture de Tanjore
La peinture de Tanjore est une forme importante de peinture classique de l’Inde du Sud originaire de la ville de Tanjore au Tamil Nadu. La forme d’art remonte au début du 9ème siècle, une période dominée par les dirigeants chola, qui ont encouragé l’art et la littérature. Ces peintures sont connues pour leur élégance, leurs couleurs riches et leur attention aux détails. Les thèmes de la plupart de ces peintures sont des dieux et des déesses hindous et des scènes de la mythologie hindoue. Dans les temps modernes, ces peintures sont devenues un souvenir très recherché pendant les occasions festives dans le sud de l’Inde.
Le processus de fabrication d’une peinture Tanjore implique de nombreuses étapes. La première étape consiste à faire l’esquisse préliminaire de l’image sur la base. La base est constituée d’un tissu collé sur une base en bois. Puis de la poudre de craie ou de l’oxyde de zinc est mélangée avec un adhésif soluble dans l’eau et appliquée sur la base. Pour rendre la base plus lisse, un abrasif doux est parfois utilisé. Une fois le dessin réalisé, la décoration des bijoux et des vêtements dans l’image est faite avec des pierres semi-précieuses. Des lacets ou des fils sont également utilisés pour décorer les bijoux. En plus de cela, les feuilles d’or sont collées. Enfin, les colorants sont utilisés pour ajouter des couleurs aux figures dans les peintures.
L’école de Madras
Pendant la domination britannique en Inde, la couronne a constaté que Madras avait certains des esprits artistiques les plus talentueux et intellectuels dans le monde. Comme les Britanniques avaient également établi une colonie énorme dans et autour de Madras, Georgetown a été choisi pour établir un institut qui répondrait aux attentes artistiques de la famille royale à Londres. Cela a fini par être connu comme l’école de Madras. Les premiers artistes traditionnels ont été employés pour produire des variétés exquises de meubles, de travail en métal, et de bibelots et leur travail a été envoyé aux palais royaux de la reine.
Contrairement à l’école du Bengale où «copier» est la norme de l’enseignement, l’école de Madras s’épanouit en «créant» de nouveaux styles, arguments et tendances.
L’école du Bengale
L’école d’art du Bengale était un style d’art influent qui a prospéré en Inde pendant le Raj britannique au début du 20ème siècle. Il a été associé au nationalisme indien, mais a été également promu et soutenu par beaucoup d’administrateurs artistiques britanniques.
L’école du Bengale est née en tant que mouvement d’avant-garde et nationaliste réagissant contre les styles artistiques académiques promus en Inde, à la fois par des artistes indiens tels que Raja Ravi Varma et dans les écoles d’art britanniques. Suite à l’influence répandue des idées spirituelles indiennes en Occident, le professeur d’art britannique Ernest Binfield Havel a tenté de réformer les méthodes d’enseignement à l’école d’art de Calcutta en encourageant les étudiants à imiter les miniatures mogholes. Cela a provoqué une immense controverse, conduisant à une grève des étudiants et à des plaintes de la presse locale, y compris de la part des nationalistes qui considéraient qu’il s’agissait d’un mouvement rétrograde. Havel a été soutenu par l’artiste Abanindranath Tagore, un neveu du poète Rabindranath Tagore. Tagore a peint un certain nombre d’œuvres influencées par l’art moghol, un style que Havel et lui croyaient exprimer les qualités spirituelles distinctes de l’Inde, par opposition au «matérialisme» de l’Occident. La peinture la plus connue de Tagore, Bharat Mata (Mother India), dépeint une jeune femme, représentée à quatre bras à la manière de divinités hindoues, tenant des objets symbolisant les aspirations nationales de l’Inde. Tagore tenta plus tard de développer des liens avec des artistes japonais dans le cadre d’une aspiration à construire un modèle d’art panasiatique.
L’influence de l’école du Bengale en Inde a diminué avec la propagation des idées modernistes dans les années 1920. Dans la période post-indépendance, les artistes indiens ont montré plus d’adaptabilité car ils ont emprunté librement des styles européens et les ont amalgamés librement avec les motifs indiens aux nouvelles formes d’art. Alors que les artistes comme Francis Newton Souza et Tyeb Mehta étaient plus occidentaux dans leur approche, il y en avait d’autres comme Ganesh Pyne et Maqbool Fida Husain qui ont développé des styles de travail complètement indigènes. Aujourd’hui, après le processus de libéralisation du marché en Inde, les artistes sont de plus en plus exposés à la scène artistique internationale, ce qui les aide à émerger avec de nouvelles formes d’art qui n’étaient pas encore vues en Inde. Jitish Kallat a connu la gloire à la fin des années 1990 avec ses peintures à la fois modernes et hors définition générique. Cependant, alors que les artistes de l’Inde du nouveau siècle essaient de nouveaux styles, thèmes et métaphores, il n’aurait pas été possible d’obtenir une reconnaissance aussi rapide sans l’aide des maisons de commerce qui entrent maintenant dans le domaine artistique comme jamais auparavant .
Peinture indienne moderne
Amrita Sher-Gil était un peintre indien, parfois connu sous le nom de Frida Kahlo de l’Inde, et aujourd’hui considéré comme une femme peintre importante de l’Inde du 20ème siècle, dont l’héritage est à égalité avec celui des maîtres du Bengale Renaissance; elle est aussi la femme peintre la plus chère de l’Inde.
Aujourd’hui, elle fait partie des Nine Masters, dont le travail a été déclaré trésor d’art par The Archaeological Survey of India, en 1976 et 1979, et plus de 100 de ses peintures sont maintenant exposées à la National Gallery of Modern Art de New Delhi.
Pendant l’ère coloniale, les influences occidentales ont commencé à avoir un impact sur l’art indien. Certains artistes ont développé un style qui utilisait les idées occidentales de composition, de perspective et de réalisme pour illustrer des thèmes indiens. D’autres, comme Jamini Roy, s’inspirent consciemment de l’art populaire.
Au moment de l’indépendance en 1947, plusieurs écoles d’art en Inde ont donné accès à des techniques et des idées modernes. Des galeries ont été créées pour présenter ces artistes. L’art indien moderne montre généralement l’influence des styles occidentaux, mais est souvent inspiré par les thèmes et les images indiennes. Les grands artistes commencent à acquérir une reconnaissance internationale, d’abord parmi la diaspora indienne, mais aussi parmi les publics non-indiens.
Le groupe d’artistes progressistes, créé peu après l’indépendance de l’Inde en 1947, avait pour but d’établir de nouvelles façons d’exprimer l’Inde dans l’ère postcoloniale. Les fondateurs étaient six artistes éminents – KH Ara, SK Bakre, HA Gade, MF Husain, SH Raza et FN Souza, bien que le groupe ait été dissous en 1956, il était profondément influent dans le changement de l’idiome de l’art indien. Presque tous les artistes majeurs de l’Inde dans les années 1950 étaient associés au groupe. Certains de ceux qui sont bien connus aujourd’hui sont Bal Chabda, Manishi Dey, Mukul Dey, VS Gaitonde, Ram Kumar, Tyeb Mehta, et Akbar Padamsee. D’autres peintres célèbres comme Jahar Dasgupta, Prokash Karmakar, John Wilkins, Narayanan Ramachandran et Bijon Choudhuri ont enrichi la culture artistique de l’Inde. Ils sont devenus les icônes de l’art indien moderne. Les historiens de l’art comme le professeur Rai Anand Krishna ont également fait référence à ces œuvres d’artistes modernes qui reflètent l’éthique indienne. Geeta Vadhera a été acclamée en traduisant des thèmes spirituels indiens complexes sur la toile comme la pensée soufie, les Upanishads et le Bhagwad Geeta.
L’art indien a été stimulé par la libéralisation économique du pays depuis le début des années 1990. Des artistes de différents domaines ont maintenant commencé à apporter des styles de travail variés. Dans l’Inde post-libéralisation, de nombreux artistes se sont établis sur le marché international de l’art comme le peintre abstrait Natvar Bhavsar, l’artiste figuratif Devajyoti Ray et le sculpteur Anish Kapoor dont les gigantesques œuvres postminimales ont attiré l’attention par leur taille. De nombreuses maisons d’art et galeries ont également ouvert aux États-Unis et en Europe pour présenter des œuvres d’art indiennes.
Peinture philippine
La peinture philippine dans son ensemble peut être considérée comme un amalgame de nombreuses influences culturelles, même si elle tend à être plus occidentale dans sa forme actuelle avec des racines orientales.
Les premières peintures philippines se retrouvent dans des motifs de glissement de rouge (argile mélangée à de l’eau) embellis sur la poterie rituelle des Philippines, comme le célèbre Manunggul Jar. Des preuves de fabrication de poteries philippines datant de 6000 av. J.-C. ont été trouvées dans la grotte de Sanga-sanga, à Sulu et dans la grotte Laurente, à Cagayan. Il a été prouvé qu’en 5000 avant JC, la fabrication de la poterie était pratiquée dans tout le pays. Les premiers Philippins ont commencé à faire de la poterie devant leurs voisins cambodgiens et à peu près en même temps que les Thaïlandais dans le cadre de ce qui semble être un développement de la poterie à l’ère glaciaire. D’autres évidences de la peinture se manifestent dans la tradition du tatouage des premiers Philippins, que l’explorateur portugais appelait les Pintados ou les «Peints» des Visayas. Diverses conceptions faisant référence à la flore et à la faune avec des corps célestes décorent leurs corps en diverses pigments colorés. Peut-être, certaines des peintures les plus élaborées faites par les premiers Philippins qui survivent jusqu’à nos jours peuvent se manifester parmi les arts et l’architecture du Maranao qui sont bien connus pour les Dragons Nāga et les Sarimanok sculptés et peints dans le magnifique Panolong de leur Torogan ou la maison du roi.
Les Philippins ont commencé à créer des peintures dans la tradition européenne au cours de la période espagnole du 17ème siècle. Les premières de ces peintures étaient des fresques d’église, des images religieuses provenant de sources bibliques, ainsi que des gravures, des sculptures et des lithographies représentant des icônes chrétiennes et la noblesse européenne. La plupart des peintures et sculptures entre le 19ème et le 20ème siècle ont produit un mélange d’œuvres religieuses, politiques et d’art paysager, avec des qualités de douceur, d’obscurité et de lumière. Les premiers peintres modernistes tels que Damián Domingo étaient associés à des peintures religieuses et profanes. L’art de Juan Luna et Félix Hidalgo a montré une tendance à la déclaration politique. Un artiste comme Fernando Amorsolo a utilisé le postmodernisme pour produire des peintures illustrant la culture, la nature et l’harmonie des Philippines. Tandis que d’autres artistes comme Fernando Zóbel utilisaient des réalités et des abstractions sur son travail.
Peinture islamique
La représentation des humains, des animaux ou de tout autre sujet figuratif est interdite dans l’Islam pour empêcher les croyants de l’idolâtrie, de sorte qu’il n’y a pas de tradition de peinture (ou de sculpture) motivée par la religion dans la culture musulmane. L’activité picturale a été réduite à Arabesque, principalement abstrait, avec une configuration géométrique ou des motifs floraux et végétaux. Fortement lié à l’architecture et à la calligraphie, il peut être largement vu comme utilisé pour la peinture de carreaux dans les mosquées ou dans les enluminures autour du texte du Coran et d’autres livres. En fait, l’art abstrait n’est pas une invention de l’art moderne, mais il est présent dans les cultures pré-classiques, barbares et non-occidentales plusieurs siècles avant lui et est essentiellement un art décoratif ou appliqué. L’illustrateur notoire MC Escher a été influencé par cet art géométrique et basé sur des motifs. L’Art nouveau (Aubrey Beardsley et l’architecte Antonio Gaudí) a réintroduit des motifs floraux abstraits dans l’art occidental.
Notez que malgré le tabou de la visualisation figurative, certains pays musulmans ont cultivé une riche tradition de peinture, mais pas en tant que telle, mais en tant que compagnon de l’écrit. L’art iranien ou persan, largement connu sous le nom de miniature persane, se concentre sur l’illustration d’œuvres littéraires épiques ou romantiques. Les illustrateurs persans ont délibérément évité l’utilisation de l’ombrage et de la perspective, bien que familiers dans leur histoire pré-islamique, afin de respecter la règle de ne pas créer une illusion réaliste du monde réel. Leur but n’était pas de représenter le monde tel qu’il est, mais de créer des images d’un monde idéal de beauté intemporelle et d’ordre parfait.
De nos jours, la peinture par des étudiants en art ou des artistes professionnels dans les pays musulmans arabes et non arabes suit les mêmes tendances de l’art culturel occidental.
Iran
L’historien oriental Basil Gray estime que « l’Iran a offert au monde un art particulièrement unique, excellent en son genre ». Les grottes de la province iranienne de Lorestan présentent des images peintes d’animaux et de scènes de chasse. Certains, comme ceux de la province de Fars et de Sialk, ont au moins 5 000 ans. On pense que la peinture en Iran a atteint son apogée à l’époque de Tamerlan, lorsque des maîtres exceptionnels comme Kamaleddin Behzad ont donné naissance à un nouveau style de peinture.
Les peintures de la période Qajar sont une combinaison d’influences européennes et d’écoles de peinture miniatures safavides telles que celles introduites par Reza Abbasi et des œuvres classiques de Mihr ‘Ali. Des maîtres tels que Kamal-ol-molk ont poussé plus loin l’influence européenne en Iran. C’est à l’époque de Qajar qu’émergea la « Coffee House painting ». Les sujets de ce style étaient souvent de nature religieuse et représentaient des scènes d’épopées chiites et autres.