Un plateau de naissance ou un plateau de naissance (italien: desco da parto) était un cadeau symbolique important à l’occasion d’une naissance réussie à la fin du Moyen Âge et au début de la période moderne de Florence et de Sienne. Les restes peints survivants représentés dans les collections des musées ont été commandés par des familles d’élite, mais les inventaires montrent que les plateaux de naissance et autres objets de naissance spéciaux comme les oreillers brodés ont été conservés longtemps après la naissance dans les familles de toutes classes. montre que le desco da parto donné par son père à sa mère, Lucrèce Tornabuoni, à son coucher, pendait dans ses quartiers privés jusqu’au jour de sa mort.

Le desco da parto est un porteur, œuvres recto-verso peintes en tondo par les plus grands peintres, produites à l’occasion de la naissance du premier enfant dans les familles aisées de la Renaissance italienne et une partie de l’ensemble des naissances.

C’est l’un des objets de la vie quotidienne pendant la Renaissance florentine avec le cassone, le coffre de mariage décoré, souvent par les mêmes peintres, et autant offert à l’élément féminin du couple: à la mariée qui devient épouse du couple puis mère consacrée pour la naissance de son premier enfant (primogenito).

Un desco da parto n’a pas besoin d’être spécialement commandé; ils étaient produits dans des ateliers en série pour le stock, souvent personnalisés avec un blason au moment de l’achat. Il y avait un répertoire distinctif d’iconographie pour les plateaux, les côtés recto (en haut) partageant beaucoup avec celui pour les coffres de cassone peints souvent utilisés comme cadeaux au mariage, mais aussi avec des côtés verso montrant souvent des scènes de mères après l’accouchement ou des pin-up de garçons en bas âge, accompagnés par les armoiries des deux parents. Après avoir été utilisé comme un plateau dans la période post-partum, ils pourraient être accrochés sur un mur comme une peinture.

Usage:
La mortalité infantile était la plus élevée pendant les premiers jours cruciaux, où la mère pouvait aussi succomber à la fièvre puerpérale. Un accouchement réussi a été somptueusement célébré. Les fils revendiqueraient un jour les intérêts de la famille, que ce soit dans un atelier modeste ou dans une maison de banque; les filles partageraient le travail du ménage jusqu’à leur mariage et consolideraient les liens exogames qui stabilisaient la position de la famille toscane à tous les niveaux sociaux. Les plateaux d’accouchement peints ont commencé à apparaître vers 1370, dans la génération qui a suivi la peste noire, lorsque la fragilité de la vie était plus vive que jamais. Au XVe siècle, D.C. Ahl a découvert qu’au moins une moitié de tous les inventaires qu’elle a recensés figure dans la liste.

Une table de naissance est une ronde peinte des deux côtés que pendant la Renaissance a été offert comme cadeau cérémonial aux femmes des familles les plus riches qui venaient d’accoucher. Il était utilisé comme un plateau pour apporter de la nourriture à la nouvelle mère, aussi longtemps qu’elle se reposait dans son lit.

On s’attendait à ce que la mère «reste allongée» en profitant d’une période d’alitement pendant une période post-partum de durée variable, mais qui dure probablement au moins une semaine. Dans les manuels de la Renaissance sur la vie de famille (contrairement à d’autres cultures), on ne recommande aucun terme fixe de mensonge, mais il ressort des documents que la mère était rarement présente au baptême, dans les villes italiennes habituellement tenues une semaine après la naissance. à l’église paroissiale locale, normalement à quelques minutes à pied de n’importe quelle maison. Pendant cette période, la mère et l’enfant ont été visités dans la chambre à coucher par des amis de la famille et des femmes et ont reçu des cadeaux. Le plateau, souvent recouvert d’une étoffe protectrice, servait à servir des gourmandises aux visiteurs, en incluant peut-être des cadeaux qu’ils avaient apportés: une femme de chambre apporte un desco couvert de deux carafes d’eau et de vin pour fortifier Sainte Anne dans Paolo Uccello. fresque de la Naissance de la Vierge (1436), dans la Chapelle de l’Annonciation, Duomo de Prato,

Le cérémonial pouvait être apporté cérémonieusement dans la chambre à coucher spécialement décorée où la nouvelle mère était étendue: dans un desco da parto de Masaccio de 1427, le plateau et une coupe couverte sont précédés d’une paire de trompettes volant des bannières avec le gigli florentin. En effet, dans les foyers patriciens, le lit était souvent placé dans une salle de réception pour l’occasion (s’il n’y en avait pas déjà dans une telle salle, à la manière des tribunaux français et bourguignons), et la mère restait là à recevoir ses visites amis sur plusieurs jours.

La mode sur les plateaux pour les femmes en couches était la plus courante à Florence et à Sienne. Il était turbulent, mais court – au début du XVIe siècle, le « desco da parto » a été remplacé par « tafferie da parto » – tasses peintes en bois qui ont été présentés à la femme en couches. Contrairement aux plateaux, les images des images sur ces bols étaient exclusivement religieuses. Un spécimen remarquable d’un tel sujet est représenté à la Galerie des Offices, Florence est un bol avec l’image de « Jean-Baptiste », faite par Jacopo Pontormo. Plus tard, ils ont commencé à utiliser des plats peints en céramique, réalisés dans la technique de la majolique.

Histoire:
Un plateau peint de la femme en travail est apparu au XIVe siècle et était une partie importante des célébrations de la naissance de l’enfant. Le premier plateau peint remonte à 1370 ans, mais la première mention de « desko da parto » dans les documents d’archives fait référence à 1383 (il se trouve dans une liste d’inventaire florentine).

Probablement, la mode des plateaux peints pour les femmes en couches est apparue peu après la «mort noire» – l’épidémie de peste qui s’est répandue en Europe au milieu du 14ème siècle, et a emporté un quart de la population. À cette époque, il n’y avait pas de maternité et la naissance avait lieu à la maison. La naissance n’a pas été prise par des médecins, mais par des sages-femmes. Le pourcentage de décès à l’accouchement était assez élevé, et les expériences associées à la résolution à venir du fardeau étaient d’une couleur intense et religieuse. Dans le peuple il y avait toutes sortes de préjugés associés à l’accouchement, et une partie de ces préjugés était le rituel du don de plateaux pour l’accouchement après une naissance réussie. Sur cela, la femme qui accouche a été solennellement présentée avec de la nourriture et des boissons au lit après une résolution réussie. Le plateau a été commandé à l’avance et les artistes lui ont souvent demandé de représenter des sujets ou des symboles qui contribueraient à la naissance d’un enfant en bonne santé et à la chance dans sa vie future. Dans Libro di Bottega, un livre de l’atelier le plus célèbre d’Apollonio di Giovanni et Marco del Buono au milieu du 15ème siècle, des familles éminentes ont commandé des ordres pour des plateaux pour des femmes en accouchement juste après des ordres de coffres de mariage-kassones.

Certains résidents de Florence ne commandaient pas de nouveaux plateaux, mais utilisaient des plateaux de leurs parents ou achetaient de l’occasion de quelqu’un et demandaient de réécrire des histoires ou seulement des armoiries de famille, qui étaient souvent représentées sur le revers de le plateau. Tel est, par exemple, un plateau du Victoria and Albert Museum « Le triomphe de l’amour », dont la face avant a été réécrite dans les années 1460, et l’envers après 1537. L’exemple le plus célèbre de revente est un plateau avec le image de « Le Triomphe de la Gloire » (Metropolitan Museum, New York), qui après la mort du propriétaire, Lorenzo le Magnifique, a été vendue aux enchères pour 3 florins.

Les plateaux étaient commandés non seulement par de riches familles de commerçants et de banquiers, mais aussi par des bouchers, des notaires pauvres, des boulangers, des lainiers, etc. Les chercheurs estimaient qu’au 15ème siècle au moins 40% des familles florentines avaient au moins un tel plateau. leur ferme. Habituellement, ils étaient produits par ces ateliers qui se spécialisaient dans la fabrication de divers objets décorant la vie de citadins aisés – coffres de cassone, chambre à coucher suspendus en forme de frise sur les murs, dos peints pour les lits, cercueils et boîtes peints Etant donné que la demande pour les plateaux était assez élevée, ils ont standardisé les thèmes et les images dans les ateliers, en utilisant des pochoirs – de nombreux clients ne commandaient pas de plateaux, mais les achetaient prêts à l’emploi dans le magasin. Typiquement, les plateaux ont été peints par des artistes-spécialistes en art appliqué, mais de temps en temps, de tels artistes célèbres, artistes de grande classe, tels que, par exemple, Masaccio ou Botticelli, n’ont pas dédaigné de tels gains.

Certains artistes restent non identifiés, et n’étaient clairement pas du premier rang, mais, compte tenu des noms significatifs représentés parmi la minuscule proportion de survivants, il semble que de nombreux artistes ont pris une pause occasionnelle de projets plus importants pour produire des desci. La forme de tondo circulaire dans les peintures de panneaux normales, qui est devenue à la mode au milieu du XVe siècle à Florence, peut avoir développé à partir des plus petites desci.

Apparence:
Pour les plateaux peints faits pour l’élite sur ces occasions joyeuses, en général, les deux côtés du plateau sont peints, le côté supérieur (ou recto) généralement avec une scène de figure bondée, généralement laïque, comme une scène de mythe classique ou un allégorie appropriée. Des scènes de l’Ancien Testament ou du répertoire religieux chrétien apparaissent également dans certains cas. Les scènes d’accouchement étaient populaires. Ceux-ci pourraient être la Naissance de la Vierge ou celle du saint patron de Florence, Jean-Baptiste, mais seulement un halo ou deux les distingue d’autres scènes montrant apparemment une scène de naissance comme une peinture de genre. Un plateau dans la New York Historical Society montre une scène de naissance de genre mais est étroitement copié d’un dessin de la naissance de John the Baptist par Lorenzo Monaco.

Les sujets des peintures étaient dans la partie écrasante de la laïcité. De la Bible, à de rares exceptions, seuls les sujets de l’Ancien Testament (pas l’Evangile) ont été pris, tels que. « Samson et Dalila » ou « Suzanne et les Aînés ». Le thème populaire était « Triumphs » basé sur le poème de Pétrarque, ainsi que des histoires de l’œuvre de Boccace. À l’apogée de l’art gothique international (c’est-à-dire vers 1400), les histoires populaires gothiques «Le jardin de l’amour» et «Le jardin de la jeunesse» étaient populaires. Sur les plateaux souvent représenté la scène de l’accouchement – l’intérieur avec un lit sur lequel la femme menteuse ment, et autour aide les assistants. Au milieu du XVe siècle, les plus populaires étaient les histoires anciennes – « La Cour de Paris », « Diane et Actéon », etc.

Le diamètre des plateaux était habituellement compris entre 50 et 65 cm. Ils ont été sculptés dans du bois et peints à la détrempe. Les plus simples étaient octogonaux, plus complexes 12 et 14 et 16 et le charbon. Dans le deuxième quart du XV siècle a commencé à se répandre (on croit que c’est d’eux qu’une telle forme de l’image que tondo développé). Les bords du plateau ont été fournis avec un cadre convexe.

Dans tous ces cas, la mère est assise dans son lit et reçoit des cadeaux d’un flux de visiteurs féminins, tandis qu’au premier plan l’enfant est lavé ou emmailloté par plus de femmes. Dans un pageboys masculins servent les invités. Un autre plateau montre des garçons et des hommes jouant à un jeu de combat local dans la rue (voir galerie). La première illustration peinte d’une nouvelle de Boccaccio est sur un desco da parto florentin avec les bras d’une famille de Pisan, fait c. 1410 et au Metropolitan Museum of Art. Les survivances comprennent trois scènes allégoriques du Triomphe de l’amour, dérivé des Triomphes de Pétrarque, et un Triomphe de Vénus.

Le dessous ou le verso a généralement un sujet plus simple et souvent moins élevé, avec moins de figures plus grandes, et inclut généralement l’héraldique, avec les bras des deux parents représentés. Les scènes avec un ou deux bambins nus, avec les blasons des deux parents sur les côtés, sont particulièrement populaires. Les bras de la famille de la mère prennent traditionnellement le côté droit, mais dans certains exemples, les bras ont été changés en les recouvrant de peinture. Les inscriptions sur le terrain ou autour de la jante fournissent parfois la date de l’événement heureux, fournissant aux historiens de l’art un point fixe utile. Comme d’autres types d’art, tels que les «gravures Otto», les desci étaient généralement censés être décorés dans ce qui était considéré comme un goût féminin, bien que la façon dont le design a été sélectionné n’est pas claire. Dans un exemple peint par le frère de Masaccio, deux garçons se débattent, avec certainement l’un et probablement l’un et l’autre en train de tirer sur le pénis de l’autre avec une main et les cheveux avec l’autre (voir galerie).

À la Renaissance, on pensait que les vues qu’une femme enceinte voyait affecter sa grossesse et même ce qu’elle produisait – Martin Luther racontait l’histoire d’une femme effrayée par une souris pendant la grossesse, qui donna naissance à une souris. Manuels conseillés de conserver des images ayant un impact positif aux yeux des femmes enceintes, et c’est dans ce contexte que les garçons nus récurrents, et les scènes montrant la fin d’un accouchement réussi, doivent être vus. Ce fut également un facteur dans l’affichage des images de la Vierge à l’Enfant, qui étaient omniprésentes dans les chambres. Probablement les desci ont été accrochés avec le verso affiché pendant la grossesse, pour promouvoir la production d’un garçon en bonne santé similaire.

Exemple:
Les ateliers qui produisaient deschi da parto étaient souvent aussi des enlumineurs de manuscrits, comme par exemple Bartolomeo di Fruosino, un enlumineur qui produisait aussi des peintures sur panneau, et des peintres des panneaux qui étaient incorporés dans les fronts et les extrémités de quattrocento cassoni. Un tel atelier était celui du « Maître de la cassone Adimari », maintenant identifié comme le frère de Masaccio Giovanni di ser Giovanni Guidi (ou « Lo Scheggia », « le Splinter »), qui a également produit le desco da parto montrant des jeunes jouant à civettino dans un cadre urbain, dans le Palazzo Davanzati, Florence, et d’autres exemples. Un verso divisé montrant deux garçons nus combats réalisé 482 500 $ aux enchères en 2012.

Le musée de la Légion d’honneur de San Francisco a un exemple peint vers 1400 par Lorenzo di Niccolo, un peintre florentin qui était actif de 1391 à 1412. Le recto montre l’histoire de Diana et Actéon. Diane, déesse de la chasse, apparaît au premier plan vêtue d’une longue robe sombre et portant un faucon; à droite, ses nymphes poursuivent un sanglier. Au sommet du tableau, Diane et ses nymphes se baignent dans une mare d’eau quand l’Actéon mortel arrive sur la déesse nue. Pour avoir offensé la divinité vierge, Actaeon a été transformé en cerf pour être chassé par ses propres chiens. Son destin est illustré sur le côté gauche, où les chiens chassent un cerf. L’inverse (verso) montre la figure allégorique de la Justice avec deux blasons de famille tout en tenant une balance et une épée.